Teresa Parodi: "Creo profundamente en nuestro pueblo y su memoria"

Teresa Parodi es una de las autoras fundamentales del cancionero popular argentino y referenta indiscutida de la música de raíz folklórica. Atravesada por una “búsqueda incesante”, y un diálogo permanente con nuevas generaciones y nuevos sonidos, dio forma a su más reciente disco “Hasta que amanezca”, que se podrá escuchar en plataformas desde el 7 de mayo. Antes del lanzamiento, lo presentará en Rosario, con un show en vivo este jueves 30 en Refi (Vélez Sarsfield 641), con entradas agotadas.

Uno de los primeros adelantos del álbum da cuenta del espíritu de apertura y mixtura que, según adelanta la propia artista, definen su nuevo trabajo. “Me veo en vos” cuenta con la participación de Shitstem, una joven rapera marplatense, y la murga uruguaya Doña Bastarda (bicampeona del carnaval 2025 y 2026). Los paisajes sonoros y la idiosincrasia de los distintos géneros se combinan orgánicamente en la sensibilidad compositiva de la correntina, que mira al presente sin ingenuidad y al futuro con esperanza. La voz inconfundible e inagotable de Teresa trae la potencia de décadas de militancia y creatividad para conmover los cimientos de un contexto hostil.

En “Sin miedo”, otro de los sencillos del disco, estrenado el pasado 24 de marzo, Parodi, en compañía de Julia Zenko, se planta para invocar la resistencia inquebrantable del pueblo argentino. Además de los artistas mencionados, estarán presentes en “Hasta que amanezca” Soledad, Maggie Cullen, Lisandro Aristimuño y Susana Baca.

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La cantautora iniciará en el escenario de Refi una seguidilla de shows de presentación que también llegarán a Córdoba y Buenos Aires. En todos, estará acompañada por su banda estable, integrada por tres de sus nietos: Emilia (piano, voces, arreglos y dirección musical), Lautaro (bajo y voces), y Ezequiel (guitarra de siete cuerdas y voces). Aunque la percusión del disco la grabó Facundo Guevara, en esta pequeña gira estará Agustín Lumerman.

Antes de su visita a Rosario, Teresa dialogó con La Capital y habló de las búsquedas que atraviesan su nuevo trabajo y, por supuesto, de la cultura como núcleo vivo de la patria.

- En las canciones de adelanto del disco, se pueden escuchar nuevos sonidos, nuevos artistas, dialogando de manera muy armoniosa. ¿Cómo fue esa indagación?

Yo creo que la música dialoga con las distintas generaciones, naturalmente. Quienes somos ejecutantes, hacedores de música, debemos estar en permanente diálogo, en una conversación profunda y maravillosa con las nuevas generaciones musicales porque el paso del tiempo va desarrollando el lenguaje emocional. Creo que eso es imprescindible y lo ha sido siempre. De hecho yo pertenecí a un movimiento que traía una manera nueva de pensar la música de mi región y la música en general, que dialogábamos desde nuestros lugares con distintas generaciones anteriores, y colocábamos otros elementos dentro de nuestras búsquedas musicales. Me parece que eso se da naturalmente y que negarnos a eso sería una torpeza. Al contrario, yo siempre dije que aprendo de mis mayores, de mis contemporáneos, y por supuesto de las nuevas generaciones que abren otras puertas al asombro. Y permiten a uno poder indagar por un camino que no hubiera pensado. Cambió la forma de escuchar música y cambió la forma en general de comunicarnos en todo. Entonces, me parece interesantísimo ese diálogo y yo lo busqué definitivamente en este disco. Aparecen escenas muy urbanas, pero también hay escenas muy provincianas, porque todo sigue dialogando entre nosotros. Lo uno no quita lo otro, todo convive naturalmente. Nuestro pueblo sigue sosteniendo su música. En todos esos lugares, tenemos muchas cosas que seguir mostrando, en las que seguir indagando y seguir proponiendo.

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- ¿Cómo aparece esa mezcla de paisajes y de idiosincrasias?

El común denominador de este trabajo es que son mis canciones, atravesadas por distintos momentos de mi propia vida. Por un lado mi vida de ciudad, porque hace más de 40 años que vivo en esta ciudad enorme. Eso hace que yo haya incorporado cierta vorágine, cierta cultura de lo efímero, me guste o no, a mi vida cotidiana. Intento parar para reflexionar y llamar desde la música para pensar. Un artista no está para dar respuestas, sino para preguntar, para interpelar. “Me veo en vos” termina diciendo “No sé seguir si no hay amor”. Habla de una realidad de las ciudades hoy que es estremecedora: “me veo en vos” no es sólo que me veo en el que está expulsado del sistema, sino en el que le pasa por al lado y no sabe qué hacer. Ahí hay varias preguntas: ¿qué hacemos con eso? ¿Cómo seguimos sin amor? ¿Cómo permitimos que el discurso del odio avance y nosotros no plantemos la bandera del amor? Todo eso me lo planteo yo misma, como parte de un pueblo y de una memoria colectiva. Y trato de reflejar eso en las canciones. Pero de golpe en este mismo disco vas a encontrar un rasguido doble, “Al sur del Moconá” en el que participa Maggie Cullen de invitada. Es una historia pequeña de una niña que yo conocí cuando era maestra. De golpe me acordé de ella, pensando en tantos niños y la vulnerabilidad de las infancias ante tanto olvido, ante tanta ausencia de políticas de cuidado y ante una sociedad violenta que pareciera que no puede transformar esa violencia, ese odio, en otra cosa, en algo constructivo. Me acordé de aquella niña, de su soledad allá lejos, y no pude evitar escribir esa canción. Y quise que esa canción esté aquí, en el marco de todo esto que estoy reflexionando. Hace un ratito estaba escuchando a una psicóloga hablando de lo que está pasando con la violencia en las escuelas, y pensaba en el desamparo en el que están las generaciones jóvenes. La vida misma nos va a empujando a millones de cosas y los adultos dejamos de mirarlos, de cuidarlos, para que crezca con ganas de vivir y luchar por un mundo mejor. Todo eso está en este disco. Hay un diálogo permanente entre una escena y la otra, entre mi raíz, mis emociones y la música sin límites.

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De pronto hay una cumbia, tremendamente bailable, que cuenta la historia, una vez más, del desarraigo de una muchacha que viene del interior y se encuentra con una ciudad que se le viene encima. Esa canción se llama “Lento”, porque ante la vorágine de la ciudad ella camina lento, observando, pensando cómo acomodarse en la muchedumbre. Es una cumbia que comienza con el canto de uno de mis nietos, Octavio, que también rapeó en “Siempre a la misma hora”, mi canción que ganó el Gardel en 2024 y que está incluida en este disco. Después dialogamos en los estribillos, él hace coros que improvisó en el momento, con esta dinámica que tienen los raperos de escuchar y contestar. Esa canción es muy central en este disco, porque incluso rompe con muchísimas cosas que yo escribí antes, a nivel musical. Porque dejé entrar, fui a buscar, todo esto a mi mundo de composición. Quiero pensar desde la música. No solamente se piensa, ni se define un país o una memoria colectiva, con la palabra. También se define con la música. En todos esos sentidos está hecho este disco.

Un disco hacia un futuro común

- Desde el nombre, la tapa, y los temas adelanto, se puede intuir que es un disco que busca mirar hacia un futuro común.

Yo creo profundamente en nuestro pueblo y su memoria, por eso el disco es esperanzado. Se llama “Hasta que amanezca”. El disco que van a escuchar tiene todas estas escenas que conviven. Lisandro canta conmigo una canción que está dedicada al sur, al paisaje del sur, a los mapuches y su soberanía sobre esas tierras. Como una afirmación de la importancia que tienen en nuestra cultura los pueblos originarios. Esa canción está dedicada a Luisa Calcumill, una gran artista mapuche con la que tengo una amistad muy hermosa. La defensa que ella ha hecho de su cultura y de su lugar en nuestro país a través de su arte es enorme. “Sin miedo” termina diciendo “Nos tiran a matar y florecemos”. Yo creo que eso es justamente lo que pasa: florecemos en la cultura, en las luchas. No nos han podido detener hasta ahora, nuestra memoria sigue activa, nuestro pueblo sigue aferrándose a ella. Termina con una canción suave que se llama “Hasta que amanezca”. Es más cadenciosa y habla de mi propio tiempo, de mi edad, y desde dónde estoy mirando esto que nos pasa, con la certeza de que vamos a poder cambiarlo. Y que mientras tanto, hasta que amanezca, seguimos caminando, construyendo una comunidad y una esperanza colectiva. En un momento dice: “Un país sin miedo, sigue estando cerca, sigue siendo nuestro, aunque no parezca. Por sus calles vamos, con las manos juntas, hasta que amanezca”.

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- ¿Cómo se piensa la presentación de un disco, de canciones nuevas, en relación a un repertorio tan nutrido y tan querido como el tuyo?

La gente está acostumbrada a que yo le muestre canciones nuevas. “Sin miedo” y “Me veo en vos” son canciones que vengo cantando hace mucho en vivo. Un paso muy importante para mí es ver qué pasa con la gente, cómo dialogan las canciones con ellos. Una canción no se completa hasta que no llega el momento en que alguien la escucha. Las canciones clásicas van a estar, por supuesto. No hay nada más hermoso para un autor que saber que el público quiere tus canciones, que las ha hecho propias. Pero además también voy a cantar canciones nuevas, que ni siquiera están en el disco. Creo que tiene que ser así. Es mi manera de comunicarme con mi público que me sigue hace muchísimos años, ya saben cómo soy.

- La música en vivo históricamente ha sido un espacio fundamental de encuentro y construcción de comunidad. En estos tiempos, hay una sensación de que eso se volvió más urgente. ¿Percibís esa nueva intensidad en tus conciertos?

Sí, se siente mucho, es muy emocionante. Es como un gran refugio donde vamos a buscar encontrarnos, reencontrarnos en la memoria afectiva que guardan las canciones y que guardan nuestra manera de sentirnos parte de un país que sigue estando vivo, que sigue estando vivo aunque no parezca. Es impresionante la emoción con la que damos y recibimos todo. Es muy conmovedor, y me parece que nos hace bien. Cuando me dieron el Gardel dije: “Hay tanta patria guardada en el arte”. Estoy segura de eso, de que ahí hay una memoria que tenemos que mantener viva y cuidar siempre, como hicieron todos los pueblos sabios del mundo cuando se sintieron invadidos: cuidaron su lengua, su música, sus costumbres, sus tradiciones, en el mejor de los sentidos. No se trata de ir para atrás, sino todo lo contrario: de ir para adelante porque sabemos de dónde venimos. Hoy estamos viviendo un momento muy crítico, atravesado por un discurso de odio incomprensible. Nunca la humanidad fue tan deshumana como en este tiempo que nos toca vivir, y no solamente aquí. El sálvese quien pueda, el individualismo exacerbado, ha invadido todo. Por eso estos espacios se convierten en un reservorio donde nos reencontramos con sonidos que amamos, con las palabras que son nuestras y a las que les quieren cambiar el sentido. Todo eso vamos a buscar, conciente e inconcientemente, a los conciertos, pero también a los teatros, a las salas de cine. Por eso no es casual que las voces de los artistas se levanten en el mundo entero para decir “no, por acá no”. Después cada artista tiene que bancarse la represalia tremenda que permite el anonimato de las redes. A mí que me digan lo que quieran, yo no voy a dejar de decir lo que veo y lo que pienso, no solamente a través de mis canciones sino cuando estoy plantada en el escenario. No voy a ignorar lo que le pasa a mi pueblo porque a mí también me pasa, yo soy mi pueblo.