La actriz y directora rosarina Agustina Toia, referente de la compañía local Kashimá, estrena hoy su segunda película, “Fragmento”, una adaptación de un cuento del reconocido escritor Fernando Sdrigotti. Protagonizada por Nicolás Valentini y Toia, “Fragmento” fue filmada entre Rosario y Villa Gesell. El filme, que cuenta con imágenes de obras de Guillermo Kuitca, música de Gonzalo Aloras y del violonchelista Sebastián de la Vallina, se inspira “en un libro que explora ese limbo en el que uno está cuando acaba de abandonar su lugar de origen”, adelantó Toia. “Me gustaba además que sea un homenaje y a la vez una parodia de la Nouvelle Vague. En eso simpatizábamos con Sdrigotti, quien ya había escrito el texto pensando en eso. La trama es muy simple, dos examantes que se encuentran en un bar de Rosario luego de que él regrese al pais despues de un autoexilio por razones que se revelan durante los dialogos”, contó la directora de esta propuesta local que se podrá ver hoy, a las 20.30, en el cine El Cairo (Santa Fe 1120).
¿Cómo surge la idea de la película?
Era el 2016, yo acababa de estrenar “Mandala” mi película anterior, que había filmado entre Roma, París y Rosario. Un hermoso proyecto que me había llevado a conocer a amigos de Cortázar y a trabajar con artistas de aquí y de allá. Volvía a Argentina después de ese largo periplo Europeo, lleno de poesía, bohemia y libertad. La película nace de este encuentro con Fernando Sdrigotti, escritor rosarino amigo radicado desde hace muchos años en Londres con quien habíamos compartido allá muchas cosas. El escribe y es un gran amante del cine también. Nos pasábamos horas hablando de Sergio Leone, Borges o Kiarostami en algún bar de Kilburn. Fernando Sdrigotti vio la peli y me diJo ¡Che, tengo un cuento escrito a modo de guión cinematográfico, no te gustaría filmarlo? En ese momento no tenía en mente otra película, y con Kashimá veníamos trabajado mucho, en teatro pero también en cine, acabábamos de estrenar una película infantil. Así que acepté leer el libro y me gustó. Me cautivó por el juego de palabras, por el estilo socarrón y poético, el texto también me invitada a abordar desde el lenguaje cinematográfico, la Nouvelle Vague, un estilo que por aquellos años, me apasionaba. La ruptura, los saltos en el tiempo, el recurso de la repetición de los objetos y las situaciones para narrar cosas diferentes, la utilización de la música como un lenguaje más, el minimalismo en la escena.
Conocí por aquellos días al músico rosarino violonchelista Sebastián de la Vallina, hermano de una amiga querida, me encantaba su música y le propuse sumarse al proyecto para hacer la banda sonora original, que resultó ser una belleza. La música es algo muy importante en esta película. Le conté a Laura Wulfson de esta propuesta y le encantó sumándose en la producción. Trabajamos mucho. Fueron varios años de viajar y buscar gente que nos ayude a financiar la película. Organizar el viaje al desierto, ir a la fábrica de fósforos a buscar toneladas de fósforos, buscar las locaciones, armar el equipo de trabajo. Se sumó Nico Valentini como protagonista de la historia. El nos presentó a Pablo Grassi, a Tomás Román y el equipo se empezó a armar. Pane Marucco, Lucía Musso, Antonella Carla, Horacio Correas, Luis Vignoli, Fernanda Villa, Julia Rovere, Ariel Migliorelli, Ernesto Figge.
Es una adaptación de “Tríptico”, de Fernando Sdrigotti. ¿Por qué elegiste específicamente ese texto para tu segunda película?
Fernando escribió este libro en el intersticio entre Argentina e Inglaterra. Recién llegado a Londres, después de un 2001 que expulsaba a sus habitantes para poder sobrevivir. Es un libro que explora ese limbo en el que uno está cuando acaba de abandonar su lugar de origen. Me gustaba además que sea un homenaje y a la vez una parodia de la Nouvelle Vague. En eso simpatizábamos con Sdrigotti, quien ya había escrito el texto pensando en eso. La trama es muy simple, dos examantes que se encuentran en un bar de Rosario luego de que él regrese al pais despues de un autoexilio por razones que se revelan durante los dialogos. Me gustaba que en realidad ese encuentro sea una mera excusa para que ambos pongan en juego una retorica afectada, mas pertenecientes al mundo de los guiones trillados o de los libros malos que al mundo de los amantes. Los dialogos son intencionalmente literarios, algo que los personajes mismos perciben, y que muchas veces es puesto en evidencia por ellos mismos de manera casi Brechtiana. Los personajes son conscientes de que son personajes en una pelicula excesivamente honesta y exagerada. Y lo disfrutan.
Hay en todo el libro de Sdrigotti una idea vinculada al numero tres. Si bien “Fragmento” es una adaptacion de uno de sus cuentos “Cliche en 35 mm”, en la pelicula mantenemos esta cifra: los personajes son dos, pero hay un tercero en discordia, los escenarios tambien evocan este numero: el bar, un desierto, la camara frigorifica. En el resto del libro aparecerá en imágenes, en ideas, en metáfora, ya que tenía una concepcion estetica muy fuerte, transcendiendo el espacio de la narrativa convencional, y eso como realizadora audiovisual era una oportunidad de jugar plásticamente y poéticamente que es lo que más me gusta. Había además algo de esta sensación de destierro en esos textos con los cual me sentía identificada en ese momento ya que también volvía de un autoexilio grande. Tenía mucha nostalgia en mí. Soy de agua y de fuego, las emociones y la pasión están siempre a la vanguardia de mi vida. “Fragmento” se presentó como una oportunidad para sanar ese momento que estaba transitando de desencuentro, desarraigo y desamor.
¿Cuál es la atmósfera que predomina en esta historia? ¿Se podría llamar una historia de amor inconclusa?
Los personajes habitan la escena y actúan como si lo supieran, por momentos parecen estar inmersos en un juego que solo ellos conocen. No se sabe bien por momentos qué pasa. Quien ama. Quien está allí. Quién se fue. Quienes son. Los espacios están despojados, deshabitados y tienen una tendencia al vacio como en las pinturas de Hopper o Kuitca. Los bares, los personajes solitarios y dramáticos, los colchones, las mesas, las sillas. Hay tres territorios. El bar: que si bien es el lugar donde transcurre el presente y hay una diferencia grafica y cinetica con los otros dos espacios, en el ningun mozo interrumpira la escena para servir un cafe, ni habra otros clientes en el lugar, ni siquiera otras mesas, invitando a pensar por momentos si es de verdad que estan alli, o es tan solo una invencion de los personajes, o un recuerdo mas. El desierto y la camara frigorifica apareceran como escenarios de los fragmentos, imagenes que irán narrando metafóricamente y teatralmente los recuerdos, aquello que soñaron, lo que fueron estando juntos y han dejado de ser. Estos espacios se utilizaran como territorios de los personajes: el desierto, como metafora del verano y la personalidad de ella y la camara frigorifica, espacio blanco y amplia como metafora del invierno, lugar frio y solitario vinculado a él.
¿Cuáles fueron tus referentes estéticos a la hora de rodar?
La pintura y el cine. Las pinturas de Edward Hopper y Guillermo Kuitca fueron referencias estéticas a la hora de decidir el arte, las locaciones, ya que tanto uno como el otro invitan a reflexionar sobre los espacios vacios, la soledad de los personajes, el abandono, el despojo, el silencio. Tambien por el abordaje de los escenarios elegidos: los bares y sus ventanas como lugar de fuga para los personajes en Hopper y las salas amplias y vacias con colchones, sillas y mesas en Kuitca. Y en ambos casi siempre una pareja en conflicto. De ellos me inspiró también el minimalismo en la utilización de los objetos. El cine de la Nouvelle Vague, de Marguerite Duras y Alain Resnais también fueron inspiraciones. Tarkovski, que para mí siempre fue un gran maestro. En una de sus mas hermosas peliculas “Solaris”, aparecen “Los cazadores en la Nieve” de Brueghel, también usando la pintura para narrar. Kuitca en una de sus pinturas, “El mar dulce”, aparece retratada alli una escena de Eisenstein, el cine dentro de la pintura.
¿Cómo surgió la colaboración de Cristina Banegas y Gonzalo Aloras?
Cristina Banegas fue una de mis maestras cuando estudiaba en Buenos Aires, la quiero mucho y admiro su templanza, su voz. Cuando decidí que algunos textos de la película serían con voz en off, enseguida me vino a la cabeza su voz. Gonzalo es un artista de la ciudad que me gusta mucho, tenía una canción que tarareaba siempre durante el proceso de montaje y edición de la película, y pensé “...esta es la canción...” . Le escribí y le encantó la idea.
“LEER PARA CREER", DEL TEATRO AL CINE Y AHORA AL PAPEL
La compañía Kashimá, de la cual forma parte Agustina Toia, trabaja para las infancias desde 2014. Al estreno de “Fragmento” -la segunda película para adultos de Toia- la actriz y directora sumará la semana próxima el lanzamiento del primer libro “Leer para creer”, una adaptación de la conocida obra infantil, junto a la editorial rosarina Listo Calisto. El evento se realizará el jueves 14 de abril, a las 15.30, en el Jardín de los Niños y la presentación estará a cargo de Chiqui González y una función especial de la obra teatral.
“Leer para creer” es una obra que desde 2014 se presenta en jardines de infantes, escuelas y festivales. En 2017, debido a la buena respuesta del público infantil, la obra fue adaptada al cine junto a Laura Wulfson y Julia Rovere y estrenada en el Cine Arteón como “Leer para creer, la película”.
Al finalizar la función se sorteaba entre los chicos un libro sobre la obra confeccionado de manera artesanal pero en 2021 la editorial Listo Calisto y a la artista plástica platense Kitty Di Bártolo estuvieron a cargo de editar el cuento de esta historia con la adaptación de Laura Wulfson.
“Estará acompañándonos Chiqui González, creadora, teatrera y representante de las infancias en nuestra provincia. Nos parecía hermoso invitarla ya que tanto hizo y tanto promulgó para que las infancias tengan sus espacios. Siempre nos gusta escucharla, aporta cosas lindas y profundas”, completó.
