Mariano Esaín, conocido popularmente como Manza, es uno de los referentes fundamentales de la música independiente nacional de los últimos 30 años. Fue parte de Martes Menta en los primeros noventa, y más adelante pilar de Menos que Cero y Valle de muñecas, banda clave del rock de este siglo. En simultáneo, fue parte del trío Flopa-Manza-Minimal (con Flopa Lestani y Ariel Minimal), una formación entrañable que marcó generaciones en los 2000. En 2023, publicó “Inventario”, su primer disco solista.
Llega a Rosario en el marco de la segunda edición del ciclo “El Pacto Sensible”, un evento de producción local que “reúne voces singulares de la canción contemporánea”. La cita es el viernes 26 de junio, a las 21, en La Lengua del Juglar (Corrientes 343).
Hace algunos años, el crítico de música José Bellas describió a Manza como soundwriter: una palabra que juega con la palabra que se usa en inglés para nombrar a los compositores (songwriter) pero con una vuelta muy acertada. Porque Esaín crea mucho más que canciones, crea sonidos. Es un explorador apasionado y minucioso de las posibilidades infinitas de la música.
Eso quedó de manifiesto en “Inventario”, que de alguna forma inexplicable es todo lo que podría esperarse del primer disco solista de Manza. Una sensibilidad visceral, atravesada por la pandemia y expresada a través de capas de sofisticación sonora. Una sofisticación terrenal, que llega al cuerpo de manera orgánica.
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Antes de su visita a la ciudad, el músico dialogó con La Capital y habló de su proceso creativo, la importancia de los formatos analógicos y la magia de la música en vivo.
- ¿Cuál es la forma actual del proyecto solista? Venís en formato trío con Federico Pérez Losada y Pablo De Caro, dos colaboradores tuyos de larga data.
Es un formato trío, pero no lo que uno se imagina cuando habla de un un trío que generalmente es bajo, batería y guitarra. Es un trío en el cual yo toco la guitarra eléctrica y Fede y Pablo tocan teclados. Fede también toca alguna percusión, Pablo tiene un sampler. Son dos amigos a los que conozco hace muchísimo tiempo. Fede también fue codirector de un documental que hubo acerca de Valle de Muñecas hace unos años. Así que salió bastante naturalmente la unión. El disco básicamente lo grabé solo durante la pandemia. Fue buscar hasta encontrar más o menos qué era lo que quería hacer y qué era lo que yo tenía ganas de hacer solo, o lo que no podría haber hecho en el contexto de mis bandas anteriores. Después de eso vino el desafío de cómo presentar en vivo una serie de temas que en el disco tienen un montón de capas y sonidos y ruidos. Un poco aceptamos que no era necesario replicarlo tal cual, pero sí el espíritu. Igual es un proyecto en constante mutación, todo el tiempo vamos descubriendo cosas nuevas o instrumentos nuevos que queremos tocar. Y también es un proyecto que está abierto para que un día toque algún otro amigo con el que tengo ganas de tocar hace tiempo o o que uno de ellos no pueda y sea un dúo. A veces también voy solo. La cuestión es que en todos los formatos se respire más o menos el espíritu del del proyecto y del disco.
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- Estás compartiendo las canciones del disco todavía, ¿hay algo más?
Estoy con una serie de canciones nuevas y estoy empezando a grabarlas. Un poco haciendo el proceso que hice con el disco, buscando qué es lo que quiero hacer. Siempre estoy con la idea de no repetirme. Hay un montón de ideas que tuve a lo largo de los años y que fueron quedando de lado porque no eran los compañeros indicados o porque la banda iba por otro lado. Hay un montón de cosas que uno tiene pendientes de hacer y de probar. A mí lo que me pasó fue que hubo un momento con Valle de Muñecas, donde después de haber tocado muchos años en formato de dos guitarras, bajo y batería, y previamente Menos que Cero, que primero fue trío y después también cuarteto, sentía que había hecho unos discos que, para mi gusto como escuchador de música, eran muy buenos. Entonces pensaba cuánto mejor podría hacer discos en ese formato. Necesitaba cambiar alguna de las variables, no sé, subirme el techo. Cuando uno está en una banda, de toda la música que escucha y las influencias que tiene, prioriza siempre la parte de esas influencias que uno tiene en común con los que tocan con uno. Entonces, es inevitable que algunas cosas queden de lado.
Descubrir música más allá del algoritmo
- ¿Qué estrategias tenés para descubrir música, en esta época tan mediada por algoritmos?
Yo estoy buscando todo el tiempo música nueva para escuchar, trato de escuchar cosas que me sorprendan o cosas viejas que sean nuevas para mí. Una parte de eso es el camino que supongo que hace todo el mundo, que es poner en alguna plataforma de escucha como Spotify, un par de temas que uno le gustan y ver qué te sugiere el algoritmo. Pero también una parte que me parece que es más importante es la de buscar, hablar con otros, leer notas a músicos de acá o de afuera con los que uno sepa que comparte cosas. Eso me genera curiosidad de ir a buscar y tal vez descubro un grupo que no conocía o un disco que se me había escapado de un grupo que conocía. O a veces me lleva a revisitar toda una escena o toda una discografía de una banda que en su momento no escuché. Ahora hay un nivel de información al alcance de todo el mundo, que hace que la curiosidad no sea suficiente. Porque todo tiene la misma prioridad, con lo bueno y lo malo de eso. Pero hay que charlar con otros músicos, ir a ver bandas en vivo, eso es como un alimento Yo voy casi todos los días de la semana a ver bandas en vivo. Los días que no trabajo haciendo el sonido en vivo a una banda o grabando en un estudio a una banda, me voy a ver una banda. Es el lugar donde me siento cómodo, donde me encuentro con gente que tiene ese tipo de intereses también.
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- Decidiste hacer ediciones de “Inventario” en vinilo y en cassette. ¿Por qué la voluntad de insistir en el formato físico? ¿Y por qué crees que las nuevas generaciones están muy convocadas por estos formatos?
La primera razón es obviamente porque me gusta, me gusta ver los formatos físicos, me gusta ver los artes de tapa, me gusta que la gente tenga la chance de leer la información acerca de la gente que participó en el disco, de cuándo y dónde se hizo. Esa es una costumbre que se va perdiendo y me parece que está lindo mantenerla viva. Después, lo otro es una búsqueda de una relación de amor entre entre el oyente y la música. Dentro del dominio digital la música es un .wav, un .mp3, un .flac o lo que sea. La pregunta es qué diferencia un .wav de un .png. Al final son todos archivos, no importa si es una factura de gas o una obra maestra de la música del siglo XVII. Entonces, es establecer esa relación de amor del oyente con algo material, no en el sentido capitalista de la cuestión, sino con algo que tenga una representación física de lo que hay adentro. Obviamente escucho música en plataformas como todo el mundo, pero cada tanto me paro en frente de mi colección de discos y me encuentro con un disco que me fascinaba y que hace mucho que no escucho. Y me doy cuenta que no lo estoy escuchando porque no me lo muestra Spotify o quien sea, entonces uno no se da cuenta pero eso termina moldeando el gusto de todos. Por más que sea variable y que tenga cosas de todos los géneros y para todos los gustos, hay privilegios en cada micro escena respecto de lo que se muestra y lo que no se muestra en Spotify.
La distorsión como fragilidad
- Las nuevas canciones sobre las que estás trabajando, ¿van en el mismo sentido de “Inventario” o tienen otra búsqueda?
Yo creo que hay algo que une esas canciones nuevas con las canciones de “Inventario”, que también las une con todas las canciones que hice antes. Lo que cambia es la manera de vestirlas, de arreglarlas, y la estética general, no la composición, armonía, melodía. Creo que en esto que estoy haciendo ahora hay una búsqueda de otros timbres distintos. Tal vez no haya tantas capas de guitarra como hubo en el disco anterior, pero sí puede ser que haya sonidos de guitarras similares, bastante densos, con esas distorsiones que son diferentes a las distorsiones que había usado antes en mis bandas. Distorsiones que suenan a cosas rotas, no que emulan un amplificador valvular hermoso. Suenan como a degradaciones, a aparatos que funcionan más o menos, a parlantes rotos, a cassettes en mal estado. La distorsión como generador de fragilidad y no como generador de poder, que es algo muy anclado en el rock clásico.
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- Llevas un montón de años en la música, ¿qué te sorprende todavía?
De todo. Si hablamos de mi música, me sorprende todo el tiempo encontrar nuevos sonidos o nuevas ideas para canciones. Fui a tocar en La Plata el fin de semana y estuvo re linda la fecha, pero yo me volví muy feliz porque había encontrado un tipo de sonido con una combinación de pedales que no se me había ocurrido antes. Y volví todo el viaje a Buenos Aires pensando en eso. Más allá de mi música, me sorprende todo el tiempo encontrar bandas nuevas o cosas nuevas que me den ganas de ir a ver. Me parece que hay una efervescencia en el acto de la música en vivo que no hay manera de experimentarla ni viendo el video del show en una transmisión. Algo que pasa sobre todo pasa cuando uno va a ver bandas con las que puede estar a uno o dos metros del escenario. Algo que es siempre distinto, y que tiene que ver con lo que le pasa al que está arriba del escenario y al que está abajo. Se tiende un puente, y la música en vivo siempre es una vivencia colectiva, más allá de que estés viendo a una banda o a un solista.
