El director y dramaturgo rosarino Sebastián Villar Rojas estrena este sábado “Oveja negra”, su tercera incursión en el formato de teatro virtual. Luego de “Yuta Padre”, con Mario y Juan Vidoletti, Villar Rojas convocó a los actores Julio Chianetta y Juan Biselli, tal como lo hizo en “Un problema de distancia”, para narrar la historia de dos hermanos, uno de los cuales debe regresar a Rosario forzado por una pandemia global que interrumpió su vida libre de preocupaciones económicas y, el otro, custodio del patrimonio familiar.
En diálogo con Escenario, el director expresó su confianza en las herramientas que aporta la tecnología sin perder la esencia del teatro, en propuestas inéditas y en vivo, que hacen posible llegar a públicos antes inimaginables y que potencian la experiencia del espectador, todo eso sin perder identidad de lo local para narrar conflictos universales ni el humor, presente en casi todas sus puestas. “Oveja negra” se verá este sábado 26 de junio, a las 20, por Zoom y YouTube. Los tickets se pueden adquirir en https://forms.gle/D51cVACMvHzy6whQA o a través de las cuentas oveja.negra.teatro, de Instagram; Oveja Negra, en Facebook, o el correo electrónico [email protected]. La obra tendrá una segunda función el jueves 8 de julio, a las 20.
Sin dudas, el principal impulso para escribir esta nueva obra fue la magnitud del trabajo de los actores en “Un problema de distancia”, con la cual hicimos más de veinte funciones en Zoom y YouTube. Desde diferentes ciudades y países, la mayoría de los espectadores coincidían en lo mismo: el impacto emocional e identificatorio de los personajes encarnados por este binomio. Julio Chianetta y Juan Biselli conformaron un dúo actoral tan bien conectado, tan orgánico, tan creíble y con un abanico técnico-expresivo tan amplio que fue casi natural prolongar la vida de la dupla en otro proyecto, pero esta vez hay una profundización de las líneas de trabajo, yendo más lejos, aumentando el desafío, tanto desde la complejidad narrativa como psicológica: componer dos hermanos de vidas diametralmente opuestas, un abogado y un viajero global, que deben enfrentarse por un problema de herencia tras el regreso de éste último a Rosario. Cuando se cuenta con artistas del talento, oficio y valentía de Chianetta y Biselli, la confianza nace espontáneamente y uno tiene ganas de ofrecerles papeles cada vez más ambiciosos. Mi deseo como autor y director es sacar todo el potencial que hay en ellos, darle a su odisea actoral la mejor nave posible para que ellos, a su vez, puedan hacer al público viajar a través de historias cada vez más intensas y atrapantes. Es un drama pero también tiene un montón de todos los elementos que trabajo siempre, los ritmos, los momentos graciosos, cómicos, risibles, ese componente tragicómico que tiene todo lo que hago. Es imposible que no haga algo que de alguna manera no termine cayendo también en el humor, a veces un poco más negro, más suave, pero siempre generando ese espacio con el espectador como acercamiento y también la risa como forma de catarsis.
¿Cómo te resulta trabajar en este formato de teatro por Zoom y YouTube? ¿Cuál es el potencial a largo plazo para el teatro?
“Un problema de distancia” sorprendió a muchos espectadores que no creían en la posibilidad de este formato por Zoom y YouTube de entretenerlos, de mantenerlos atentos y expectantes durante toda la función y, más aún, de generar en ellos tantas emociones vívidas. Tanto el cine como el teatro tienen sus recursos específicos para sostener la atención de su audiencia. Por ejemplo, en cine tenemos los cambios de locación, el montaje que va cortando escenas y sucediéndolas para generar ritmo, la posproducción en general -sonido, color, efectos especiales, música-; por su parte, el teatro tiene la acción física, la entrada y salida de personajes, la velocidad de los diálogos, además de la luz, la música, los cambios de escenografía y vestuario. En la ficción en vivo por Zoom tenemos mucho de estos mundos. Podemos, por ejemplo, introducir música y sonido incidental, hacer cambios lumínicos o apagones de cámara, pero varias de estas herramientas están limitadas por el hecho de trabajar desde nuestras casas. Esto podría ser un impedimento para contar historias, un obstáculo que pusiera en jaque nuestra capacidad narrativa, pero muy por el contrario se ha constituido en una suerte de desafío para el ingenio artístico de los elencos. Han aparecido recursos técnicos específicos del “lenguaje Zoom”, como la combinación de la cámara fija de la computadora con la móvil del celular, o la voz en off, o la música incidental, o el fuera de escena cuando uno de los personajes sale del encuadre y su voz nos llega desde otro rincón de la casa. Por otra parte, gran parte del público ha rescatado la posibilidad de ver a los personajes en primerísimo primer plano, cara a cara, con la mirada directo a sus ojos, como una de las novedades más impactantes de este nuevo formato: tanto por la intimidad que genera poniendo al espectador en una suerte de expectación en primera persona. La “vista de galería”, que permite ver en simultáneo a los dos o más personajes, inaugura también una forma de seguir la obra donde se ponen bajo la lupa tanto las acciones como las reacciones, a cada segundo del relato. Esto exige de parte de los actores una atención permanente para sostener el verosímil y la credibilidad de lo que se está contando, no hay posibilidad de distracción porque el ojo del espectador está en ese puente entre los personajes, específicamente en ese “entre”, quizás más que nunca.
No todo es carencia, sino también emergencia de nuevas posibilidades y formas de mirar y narrar No todo es carencia, sino también emergencia de nuevas posibilidades y formas de mirar y narrar
¿La exigencia es la misma, tanto para los artistas como para los espectadores?
No hay un ápice menos de exigencia o condescendencia hacia nuestro trabajo, ni de parte nuestra ni del público porque el intento es el de crear un lenguaje autónomo, que supere la coyuntura. Como vemos, no todo es carencia, sino también emergencia de nuevas posibilidades y formas de mirar y narrar. Yo creo que lo novedoso, lo que más sorprende a quienes hacen la experiencia es que dos actores puedan contar y entretener con -en apariencia- tan poco. Es paradójico que la distancia de la pandemia y los soportes digitales nos hayan hecho volver a los más esencial del teatro: el cuerpo y la voz del actor o la actriz en vínculo orgánico con su compañero y con el público, sin ninguna parafernalia tecnológica, sin ningún truco más que un relato cuidadosamente elaborado, tallado durante meses sobre los cuerpos y las voces, cada silencio, cada palabra, cada interrupción o escucha atenta. El acto de comunicación, puro, real, desnudo, con todas sus dificultades y potencias, vuelve al centro del escenario. Eso es lo que profundizamos en relación con “Un problema de distancia”: el arte de narrar intentando crear el máximo interés con -en apariencia- los mínimos recursos. Estoy convencido de que el ritual de congregarnos alrededor del fuego para escuchar historias que le pertenecen al inconsciente colectivo -en este caso, podría ser la de Caín y Abel- nos sigue atrayendo como el primer día de la voz humana: sólo hay que bajar el ruido y la desconfianza para poder oír ese llamado primordial.
¿Cómo es la respuesta del público al participar luego de la función?
Luego de la función, el público comparte su propia intimidad, dialogando desde sus casas con el elenco y con los demás participantes. El “teatro-debate”, muy practicado hasta los ochenta, se reactivó de manera espontánea en el formato de videoconferencia. Y lo que sucede ha sido tan inesperado como maravilloso: la gente se empodera, toma la palabra, expresa su gratitud hacia los actores, manifiesta su sorpresa frente a lo vivido o reflexiona sobre el tema y la poética de la obra. ¡Incluso se reencuentra con viejas amistades viviendo del otro lado del mundo! De algún modo, el tecnovivo se constituyó en un refugio del convivio, del ritual de copresencia en un mismo espacio y tiempo entre elenco, público y técnicos. En la era de la física cuántica, tenemos que replantearnos qué significa “copresencia en un mismo espacio y tiempo”, ya que aquí también hay un espacio compartido para todas las almas que viajan juntas a través del relato, en tiempo real, sabiendo además que todos y todas están ahí, enlazados en la misma aventura. Quizás una forma de ir por nuevas rutas sea poner nuevos nombres: “ficción digital en vivo” quizás sea una etiqueta para diferenciarla del teatro y del cine. Ya veremos. El tiempo no es un animal ocioso.
Hicimos funciones en 30 ciudades y 20 países al mismo tiempo. En Estados Unidos, Europa y Latinoamérica, además de Argentina. Eso es una experiencia que para nosotros es absolutamente novedosa y que reformula mucho de lo que venimos haciendo Hicimos funciones en 30 ciudades y 20 países al mismo tiempo. En Estados Unidos, Europa y Latinoamérica, además de Argentina. Eso es una experiencia que para nosotros es absolutamente novedosa y que reformula mucho de lo que venimos haciendo
En ese contexto de posibilidades globales, ¿se puede perder identidad?
Estoy súper entusiasmado porque siento que se está logrando algo muy interesante. Sobre todo estos dos actores. Obviamente Mario y Juanchi Vidoletti en “Yuta Padre” están bárbaros, pero acá hay una profundización muy fuerte desde lo actoral en algo que no se suele ver tanto que es un realismo complejo, contemporáneo, muy moderno, pero local. Apuesto a que el público diga qué loco que estoy escuchando y viendo una historia rosarina pero que parece una película de Lars Von Trier. Aspiro a que la gente sienta eso. Es un poco lo que me había pasado en “El exterminador de caballos”, una obra mía de 2013, en la que quería generar en teatro la sensación por parte del espectador que se sintiera sumergido en una historia que podría haber sido contada en Hollywood o en cualquier lugar, pero que estaba narrando cosas que pasaban acá. Que se sintiera sumergido en una historia bien contada, compleja, con una gran trama y que al mismo tiempo se identifique con Rosario, con referencias locales. Generar esa suerte de extrañeza, pero con mucha calidad, no como una cosa mimética, imitativa, Low Fi de otros cines u otras ficciones de afuera, sino muy propia, muy local, con mucho trabajo de fondo y muchos años de oficio en el ejercicio de narrar.
¿Qué impacto tuvieron fuera de Argentina tus experiencias anteriores ?
Hemos hecho funciones que llamamos intercontinentales porque las hacemos en un horario especial para gente de Europa o Estados Unidos. Hicimos funciones en 30 ciudades y 20 países al mismo tiempo. En Estados Unidos hubo gente en Washington, Nueva York, Palo Alto, costa Este y costa Oeste; en Europa, en España, Francia, Inglaterra, Italia, Alemania. En Argentina, en Mendoza, Córdoba, Santa Fe, Buenos Aires, la Patagonia, en Chile, Colombia, Ecuador y Perú en simultáneo. Y eso es una experiencia que para nosotros es absolutamente novedosa y que reformula mucho de lo que venimos haciendo. Sobre todo, de alguna manera nos da la pauta que lo que hacemos tiene cierta universalidad, que se puede ver y disfrutar en otros lugares del mundo. Obviamente por ahora apunta a hispanoparlantes o que conocen el español porque todavía no hemos podido implementar formas de traducción en simultáneo, pero hemos hecho funciones para La Sorbona para cátedras vinculadas con el mundo hispanoamericano, en la Universidad de Bretaña Sur, de Francia, con estudiantes y profesores franceses que obviamente hablan español y pudieron captar lo que hacíamos y disfrutarlo y se llevaron una sorpresa porque no es algo que se ha hecho en todo el mundo. A partir de la pandemia emergió en todo el mundo esta forma de hacer teatro, pero esto fue bastante específico de nuestra región y en especial Argentina. Fue como el gran lugar donde apareció este teatro digital.
