Una obra para "interpelar la banalidad de este momento político, social y cultural"

El actor, director y dramaturgo Sabatino “Cacho” Palma regresa a escena para “interpelar la excesiva banalidad de este momento político, social y cultural, de una extremada pobreza conceptual”. Así lo propone a través de “22 de agosto. Y si después de tantas palabras”, pieza que definió como “una obra fuertemente testimonial, tejida desde la experiencia personal, política, académica y social”. La obra, que interpreta junto a su hijo Lautaro Palma, se estrenará hoy, a las 21, en el teatro Arteón (Sarmiento 778). Las funciones se reiterarán el domingo, a las 19, y todos los sábados de junio. A fin de agosto y hasta octubre, la obra se presentará en Buenos Aires, y durante febrero y marzo de 2024 en España, Francia y Uruguay.

Bajo la dirección de Alejandro Casavalle y la supervisión general de Néstor Zapata, el texto de Palma es una construcción atravesada desde su origen por acontecimientos históricos y experiencias y preferencias poéticas y estéticas del reconocido creador, ligado a legendarios grupos teatrales rosarinos como Arteón o Discepolín. A través de las coordenadas que orientan a “22 de agosto” -fecha que se reitera en la extensa historia de Arteón, la vida del poeta César Vallejo y la Masacre de Trelew- Palma propone interrogantes, como “qué puede aportar hoy el teatro a los procesos de transformación” y reflexiones que podrían ser su respuesta íntima y personal: “En tiempos de desconcierto, de angustia, incluso de fatalidad, el arte tal vez pueda darnos una pista y relanzar la apuesta”.

¿Cómo surge la idea de esta obra? ¿De qué temas necesitabas hablar?

Las ideas no aparecieron definidas ni precisas. Fueron un cúmulo nebuloso de imágenes, recuerdos, impresiones que empezaron a surgir a cada instante, algo así como epifanías. Nada de eso en un principio podía acomodarse, todo muy caótico, pero que insistía. Mi tarea en ese primer momento fue no desechar nada y hacerle lugar. De hecho, hay algo de todo ese primer material que aún hoy, con la obra ya estructurada, empuja, conmueve y sorprende. De golpe un atardecer me encuentro recordando el relato de un paciente del psiquiátrico (del Suipacha de Rosario; Palma es médico psiquiatra y psicoanalista) en 1983, luego un recuerdo de un niño que a los 10 años es llevado al aeropuerto de Trelew y confiado a una azafata, ya que viajará solo y enmudecido a reencontrarse con su familia. Y así fue surgiendo un material que se acumulaba peligrosamente durante meses, todo demasiado extenso y excesivamente cargado. A partir de allí fue naciendo esta obra inesperada, singular y de alguna manera impredecible e inimaginable. La otra cuestión sorprendente, es que desde el primer día supe que este texto demandaba la actuación de “mí mismo”. Jamás hubiese imaginado que esta obra me iba a implicar un trabajo enorme, donde ese “mí mismo” aparece estallado, multiplicado, atravesado, de modo que ya difícilmente vuelva a ser el mismo.

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¿Cómo aparece la fecha del 22 de agosto?

Algunos ya saben que el 22 de agosto es el último plazo que nos dieron para sacar todas nuestras cosas... El 22 de agosto de 1915, a los 26 años, muere Miguel, tres años mayor que su hermano César Vallejo, que encuentra en las grietas del dolor, de la segregación y de la miseria las letras que lo transformarán en el poeta más humano de América. El 22 de agosto de 1972 se produce la masacre de Trelew, donde comienza a desencadenarse la tragedia de un país que pronto será devastado, más allá de esa breve primavera del gobierno de Cámpora y los pocos meses de Perón. La temible Armada Argentina ensaya en Trelew un mecanismo de tortura, destrucción y aniquilamiento, que luego arrasará a la nación a partir del golpe genocida y que tendrá su máximo exponente en la trágicamente célebre Escuela Militar de la Armada. El 22 de agosto de 1980, mientras un país sentenciado no paraba de sangrar, se estrena en la sala de Arteón “Cómo te explico”. La primera obra para adolescentes, en un país que había silenciado su teatro y donde sus principales referentes estaban en la cárcel, en el exilio o continúan aún desaparecidos. Su protagonista era mudo, efectivamente, como los adolescentes de la dictadura, que no tenían teatro, ni voz, ni cuerpo.

¿Qué vínculos encontrás entre esos acontecimientos y la actualidad? ¿El objetivo fue hablar de la actualidad argentina teniendo como punto de partida esos hechos?

El propósito no del todo claro en un primer momento, pero que fue cobrando forma, es interpelar la excesiva banalidad de este momento político, social y cultural, de una extremada pobreza conceptual y poder argumentar. Y reencontrarme con los 70, años que marcaron fuertemente mi destino y mi accionar. Y justamente no para reivindicar la violencia, a la que considero apresurada y desmedida, y sobre todo carente de lógica y estrategia política. Ya que inmediatamente los militares, y sobre todo la Armada, iban a justificar la barbarie genocida con el pretexto de controlar a la subversión apátrida. Cuando toda la historia demostró que los verdaderos apátridas fueron “esos milicos”, y no todos, que entregaron el país y sometieron a la nación. Los 70 que pongo en escena son el germen de la participación, el clima comunitario y los maravillosos sueños por un mundo vivible y disfrutable para todos y no para unos pocos.

¿Qué interrogantes plantean esos acontecimientos de cara al futuro?

Mi manera de abordar la escena teatral no se sostiene de lo pedagógico ni explicativo, no busco recetas ni soluciones, busco sostener las preguntas para promover un modo de “pensarnos” y crear un verdadero debate sobre nuestras cuestiones esenciales, que por supuesto hoy están en riesgo, como nuestra humanidad, nuestra casa (el planeta) y nuestro cuerpo hablante, sometido al silencio y al consumo, con el imperativo de alegría por encima de todo valor ético o sensible. Ahí es donde emerge el otro gran “personaje” de mi nueva obra, que es César Vallejo, el poeta más humano de América. No podría concebir la puesta en escena sin una poética del espacio, tampoco una actuación sin la poética del cuerpo. Y decir Vallejo es decir, humanidad, compromiso, riesgo, locura y rigor implacable. Además su destino de exilio, su condición de mestizo, su dignidad, me lo hacen entrañable. Incluso por no haberse sometido al encasillamiento, el haber trascendido movimientos enormes como el Modernismo o el Surrealismo, para producir algo notablemente singular.

Planteás la pregunta “¿qué puede aportar hoy el teatro a los procesos de transformación?” ¿Cómo definirías esa transformación?

Considero que toda transformación parte de la dignidad y del respeto. El recurso es no callar, no aceptar de ninguna manera ningún tipo de censura ni de mordaza, tomar la palabra, hacerse escuchar y hacernos visibles hasta el último aliento. El recurso es la nobleza para buscar siempre la verdad, tratando de no descuidar la eficacia simbólica y sensible de habitar un mundo poético. El arte que sostengo y el teatro que practico, no evita el conflicto, ni trata de suavizarlo, mucho menos de desestimarlo. Se moviliza y se estremece llevando cada conflicto hasta cierto punto límite, para llevarlo a su punto máximo. Es en esa tensión que el teatro vive, llega, convoca y provoca.

¿Qué significado le das estrenar en el Arteón?

Una obra fuertemente testimonial, tejida desde mi experiencia personal, política, académica y social, no podría encontrar mejor marco que nuestra querida y emblemática sala Arteón, bastión del teatro del interior durante más de 5 décadas y referente de la cultura latinoamericana. Pero además, cuando en la obra cuento “atravesé esa puerta hace más de 46 años, y cuando tuve la primera muestra con público no paraba de temblar. Ahora me vuelvo a tocar el alma”, hablo claramente de mis comienzos en los talleres de Arteón entre 1977 y 1981.