La madurez creativa de un artista de excepción

Nacido, criado y establecido en Pérez, el Tano Viamonte construyó, desde su primer álbum (El hombre alumbrado, 2008) en adelante, una obra intensa, despareja y extraordinaria que, con la aparición del flamante El arte industrial (Epsa Music) el mes pasado, llega a los trece discos de estudio si se cuentan sus trabajos como solista y los grabados con los grupos Lanzallamas, Juan Barrilete, Los Santitos Desvelados y el más reciente Seres Colgantes.

Además de componer y arreglar las canciones que integran El arte industrial, Viamonte cantó, tocó las guitarras, los bajos y sintetizadores, y mezcló y masterizó el disco en su casa. Contó, además, con las colaboraciones de Adrián Carlesso en batería y percusión, y Luciano Acquaviva, que aportó algunos sintetizadores.

El progreso en el plano compositivo que despuntaba en el disco de Seres Colgantes, homónimo y publicado a mediados del año pasado, explota en El arte industrial y le otorga a la placa un lugar central en la discografía de Viamonte porque refleja, además de su madurez creativa, su consolidación como intérprete.

A diferencia de Furia maravilla (2013), su anterior trabajo como solista, que se caracterizaba por su variedad estilística y sus contrastes, El arte industrial presenta un concepto de producción uniforme, y las canciones que lo integran se despliegan como las escalas de un mismo viaje. Este nuevo trabajo, uno de los mejores discos del año, puede escucharse, al igual que toda la discografía de Viamonte, en la plataforma Spotify.

“Creo que este disco es como una bisagra, es el último de los discos hechos a la marchanta, y el primero con un criterio más consolidado”, dice Viamonte en la siguiente entrevista, donde también habla de sus influencias, su recorrido artístico y el concepto que articula su nuevo álbum.

–En los primeros dos temas del disco –El arte musical y El arte industrial– presentás una dicotomía muy clara entre dos formas de hacer música. ¿Cuál es la idea detrás de este planteo?

–Hay una idea que está instalada en el rock argentino. Se dice que por un lado está el rock de los que se venden y, por el otro, la música pura, de verdad. Lo que yo planteo es que eso existe, y nos atraviesa a todos los que hacemos música. Es una tensión que vivo en mi vida cotidiana, siempre está presente. Pero las cosas no son tan sacras ni tan comerciales. Quiero decir: ni Sumo era tan sagrado ni Soda Stereo era un producto industrial. Eran dos grupos excelentes. La idea de que si ganás plata haciendo música estás traicionando no sé qué pureza es una pavada. Lo curioso es que hay gente que milita esa idea. Yo quiero que a mi disco lo compre mucha gente para poder seguir haciendo discos, no creo que haya nada de malo en eso.

–¿Alguna vez compusiste una canción pensando en un supuesto gusto popular?

–Sí. Se llamó Carasucia y cabrón, y está en mi disco Redondel (2011). Es una canción que había compuesto para Los Tubos, una banda con la que tocábamos en fiestas. Hacíamos covers y, en un momento, pensamos incorporar canciones propias al repertorio. Después me fui de Los Tubos y grabé esa canción en Redondel. Hoy la escucho y me parece que está fuera de lugar en el disco, pero en su momento la juzgué potable. En aquel momento yo tocaba con Los Tubos una música que no me representaba. Pero ojo, no reniego de eso, es parte del trabajo. Tocábamos canciones de Los Auténticos Decadentes, que están buenísimas, pero no es mi lenguaje. Ir a tocar esas canciones me interpelaba.

–Si bien la guitarra sigue siendo el instrumento central en tus canciones, en el nuevo disco hay una mayor presencia de teclados y programaciones. ¿Esto se debió a la soledad forzada que impone la cuarentena o tenías ganas de experimentar un poco?

–El tema de la tecnología no me es ajeno. A los 17 años programaba un secuencer para tocar en bailes los fines de semana, o sea que tengo un adiestramiento en ese asunto. Pero sí, con la pandemia, no me quedó otra que trabajar solo en mi casa. Y volví a usar el teclado, que lo tenía tirado en un ropero. Es un teclado veterano, un Roland JV35, de principios de los 90. Pero no me gustaba cómo sonaba en las canciones. Por eso lo llamé a Luciano Acquaviva, que tiene unos teclados muy buenos. Él grabó un Moog y armó algunas programaciones. Pero las canciones están todas compuestas con guitarra.

–Algunos discos tuyos tienen un enfoque de tipo conceptual, como El hombre alumbrado, mientras que otros, como Furia maravilla, son muy heterogéneos, con canciones y criterios sonoros muy distintos entre sí. ¿A qué responde esto?

–La respuesta es muy sencilla. Furia maravilla tiene canciones que compuse en distintos momentos de mi vida. La homogeneidad de este nuevo disco responde a que las canciones fueron compuestas en un período relativamente breve, con la excepción de La manzana y la espina, a la que ya tocaba en vivo en 2013. Pero todo el disco lo compuse en catorce meses, lo grabé con los mismos instrumentos, y lo mezclé y mastericé en mi casa.

–Tu papá es músico, por lo que tu contacto con discos, instrumentos y guitarreadas comenzó cuando eras muy chico. ¿Qué te quedó de aquellos años?

–En mi etapa formativa, digamos en la preadolescencia, escuché mucha música diferente porque mi viejo tiene muchos discos: folclore, jazz, bossa nova, de todo. Siempre me fascinaron las armonías del jazz y de la bossa nova, ese siempre fue un lugar para explorar. Y pasa también que me aburro de los acordes tradicionales. Es casi una cuestión comunicacional: las personas empiezan hablando con veinte o treinta palabras y después aprenden otras. Esto es lo mismo. Y escuché y escucho mucho rock argentino. A Charly García lo escuché de atrás para adelante, al derecho y al revés. A Fito Páez también. La música de Spinetta me empezó a gustar un poco más adelante. Pero Manal y toda la etapa fundacional del rock argentino son centrales en mi vida.

–En los aspectos formal y armónico, las canciones del disco de Seres Colgantes y El arte industrial presentan una evolución muy marcada en el plano compositivo.

–Por más que hago canciones desde chico y de manera constante, nunca me tomé en serio el asunto de componer. Creo que este disco es como una bisagra, es el último de los discos hechos a la marchanta, y el primero con un criterio más consolidado. Es el purgatorio. Compongo mucho y he tocado canciones por primera vez en vivo y sin ensayarlas. Pero ahora quiero mejorar en todo, quiero que cada disco sea superior al anterior en composición, arreglos, sonido y producción. Puedo hacer un tema en diez minutos pero después lo trabajo mucho. Lo que tengo ganas de hacer es cortar los cabos, irme a un lugar de más experimentación, como en mi disco La tierra del hongo (2012).

–Si bien viviste en Buenos Aires y en Rosario, finalmente te instalaste en la ciudad donde naciste. ¿Cómo te llevás con Pérez?

–De Pérez hay que irse, eso de arranque. Miles de circunstancias hicieron que yo volviera y me afincara acá. Pero en Pérez no sería posible una civilización. Pérez no tiene agua. Quiero decir, hay agua potable, pero es intomable. Y tenemos un río a diez kilómetros. Si fuésemos una tribu nómade, cuando pasamos por Pérez seguimos de largo, no nos quedamos. Yo tengo la suerte de que tengo cerca una canilla del ferrocarril y puedo ir con bidones y traer agua para mi familia. Este lugar se gestó a la vera de un ferrocarril que ya no existe, es como una postal vieja.