Las bandas Las Pelotas y Catupecu Machu tocarán el sábado en Rosario. La cita será a partir de las 21, en el Anfiteatro Municipal del Parque Urquiza. Las Pelotas, el grupo comandado por Germán Daffunchio, viene de realizar una gira por España y de presentarse ante más de siete mil personas en el Estadio Malvinas Argentinas de Buenos Aires.

Por su parte la banda liderada por Fernando Ruíz Díaz acaba de lanzar su último disco con el título "El mezcal y la cobra". De esta forma dos de las bandas más representativas del rock nacional compartirán escenario por primera vez en este shows en el que repasarán lo mejor de su repertorio.

Los integrantes de Las Pelotas ya están en Rosario esperando el show. Con el escenario donde se realizará el show Daffunchio contó:"Estamos trabajando en un nuevo disco para marzo, estamos re contra full con eso", y anticipó que el recital de mañana "tendrá de todo". " Tenemos muchas ganas de tocar asique los esperamos a todos", dijo.

También Gabriela Martínez, bajista de Las Pelotas aclaró que el espectáculo de mañana se disfrutarán de "dos shows enteros, no es que son shows corto de festival, además en el anfiteatro que es un lugar hermoso".

Y contó: "Venimos tocamos muchísimo, nos fuimos a España hace un mes y medio, en seis días hicimos cinco shows y fue muy bueno. Tocamos no sólo para argentinos sino también para españoles en festivales".

El recital del sábado arrancará a las 21 con el grupo encabezado por Fernando Ruiz Díaz que tocará las nuevas canciones de “El mezcal al y la cobra”. Y cerrará con la actuación de la banda liderada por Daffunchio. Las entradas anticipadas se venden en Musishop.

Miles de fans se concentraron ayer frente al Teatro Nokia de Los Angeles para el estreno mundial de "La saga crepúsculo: Amanecer (Parte 1). El desfile de estrellas por la alfombra negra duró varias horas, acompañado por fuertes aplausos y gritos de los fans, muchos de los cuales acamparon durante días frente al complejo para obtener un lugar en las primeras filas.

El actor Robert Pattinson que interpreta al vampiro Edward Cullen, su rival Taylor Lautner, Jacob Black, y por supuesto la actriz Kristen Stewart, la sufrida enamorada Bella Swan, dieron autógrafos y posaron con los fans.

En la cuarta parte de la saga de los vampiros, basada en el bestseller de la escritora estadounidense Stephenie Meyer, la estudiante Bella podrá casarse por fin con su gran amor, el vampiro Edward.

Meyer, la creadora de unos personajes que se ganaron el afecto de millones de adolescentes, se asombró por la afluencia de personas. Fue "emocionalmente raro" filmar el casamiento, declaró sobre el punto culminante del filme.

Tras el estreno mundial en Los Angeles, la película se exhibirá en buena parte del mundo a partir mañana. El cuarto libro de la saga de vampiros fue llevado a la pantalla cinematográfica en dos partes. Para el gran final, los fans deberán esperar hasta noviembre de 2012.

Mientras los seguidores de "Crepúsculo" se preparan para una montaña rusa de emociones con bodas, bebés y batallas en esta y la última parte, los tres protagonistas de la película empiezan a mirar hacia nuevos horizontes.

De la nueva película se adelanta que Bella y Edward finalmente se casan en una boda que tiene en ascuas a los seguidores de la saga. Pero la bendición de la boda no dura mucho para la pareja, ya que Bella queda embarazada de un bebé vampiro que la está matando lentamente. Mientras, el hombre lobo Jacob Black afronta conflictos con su propia tribu cuando elige proteger a Bella y su hijo nonato.

Will Smith salvó al planeta en varias oportunidades. Sin embargo, el héroe de películas como “Día de la independencia” y “Hombres de negro” se enfrenta a una situación completamente diferente en su trabajo más reciente, en el que encarna al último superviviente de la humanidad.
  En “Soy leyenda”, que será estrenada mañana en los cines locales, un solitario y delgado Smith se enfrenta a la dura realidad de ser el último habitante sano del planeta, después de que un virus que supuestamente acabaría con el cáncer aniquila la población mundial. Su personaje es un ex militar y científico que habita en la desolada ciudad de Nueva York junto a su fiel perro e intenta sobrevivir cazando venados en Times Square y plantando verduras en Central Park. Al mismo tiempo, su mayor motivación es hallar una cura contra el virus, mientras evita ser víctima de un grupo de criaturas nocturnas, ex humanos, que se alimentan de sangre y saben su paradero.
   Smith y los productores del filme de ciencia ficción lograron lo que otras celebridades, como Arnold Schwarzenegger y el cineasta Ridley Scott, no pudieron conseguir: los 150 millones de dólares necesarios para rodar el clásico. “Soy leyenda” es la tercera versión cinematográfica de la novela del mismo título, escrita en 1954 por Richard Matheson. Vincent Price protagonizó la primera, “The Last Man on Earth”, en 1964, y Charlton Heston, la segunda, “The Omega Man”, en 1971.
   Los estudios Warner Bros. estaban interesados en volver a recrear la historia y cuando Smith se enteró, le pareció una buena oportunidad para explorar un personaje más oscuro, más crudo y comprometido que algunos de sus trabajos anteriores, en el mismo género. Según el actor, tanto él como el productor y guionista Akiva Goldsman, quien escribió “Yo, robot”, otro filme de ciencia ficción protagonizado por Smith, buscaron durante varios años un proyecto que diera cierto tono dramático a una película de acción.
  “El relato nace con un personaje y crece a partir de sus traumas y sus experiencias”, explicó el actor. “La historia detrás del filme surge a partir de la necesidad de tener esperanza”, explicó Smith, en una entrevista reciente con el diario The New York Times.
  Francis Lawrence, que dirigió el filme, aseguró: “Si uno le quita a una persona su mundo, su familia, ¿qué más le queda para superar esta situación y salir victorioso? ¿Qué es lo que le impide ponerse un revólver en la boca y disparar?”. Goldsman afirmó, por su parte, que tanto él como Smith creen que una película de acción puede incluir elementos dramáticos y que además puede contar asimismo con grandes actuaciones. “Una película puede ser entretenida e interesante al mismo tiempo”, expresó.

Un gran reto. La logística en Nueva York resultó un reto increíble para el rodaje del filme, pero la alcaldía accedió finalmente a cerrar el acceso de varios sectores de la ciudad, incuyendo varias cuadras sobre la Quinta Avenida y el Washington Square Park, durante las noche y los fines de semana. Un camión lleno de plantas importadas desde Florida fue necesario para darles una sensación de abandono a las calles. Además, fueron necesarios entre 1.000 y 2.000 extras para rodar una escena en la que una multitud escapa desesperada de la ciudad en cuarentena.
  Otro reto fue recrear las criaturas nocturnas, sin que parecieran actores maquillados con prótesis. Por esta razón, el director decidió realizar ciertos “retoques” en su apariencia mediante efectos especiales, lo cual significó varios millones de dólares extra en el costo del filme. Según Lawrence, la situación recreada por la trama muestra cómo “algo terrible puede ocurrir pese a tener buenas intenciones”.

1.- La canción nunca salió al mercado como single. La banda y su mánager se negaron rotundamente a editar esta joya como un sencillo de 45 RPM. Los interesados en esta pieza de rock de 8 minutos con 3 segundos de duración tenían forzosamente que comprar el álbum “Led Zeppelin IV” y por ese motivo el disco se convirtió en el segundo disco más vendido de los años setenta (superado por ”The Wall, de Pink Floyd), y uno de los 5 más expendidos de todos los tiempos.

2.- “Stairway…” fue grabada con una guitarra Rickenbacker de 12 cuerdas. A pesar de que todo el mundo asocia este clásico con Jimmy Page y una guitarra Gibson SG roja de doble mástil, la grabación original se hizo en realidad con una Rickenbacker de 12 cuerdas, mientras que para el inolvidable solo el versátil músico usó una Fender Telecaster psicodélica de 1959, obsequio de Jeff Beck cuando ambos integraban los Yardbirds. Page registró tres solos improvisados y el definitivo es una edición de los tres.

3.- Robert Plant solo registró dos tomas de voz. De un solo impulso y como siempre suele suceder con las grandes canciones, esta gema del rock se registró en dos tomas. Finalmente la toma usada fue la primera en casi toda su integridad.

4.- Se han vendido hasta hoy más de un millón de partituras para guitarra de la canción. Esto comprueba que este clásico ha sido uno de los más imitados por los aspirantes a tocar la guitarra.

5.- Robert Plant escribió la letra del tema de manera automática. El vocalista estaba molesto con John Paul Jones (bajista) y con John Bonhan (baterista) porque se habían ido de fiesta el día anterior y por eso, mientras Page rasgueaba la guitarra, Robert escribió parte del tema en un solo envión creativo junto a la chimenea. Al día siguiente, en mitad de un ensayo, la terminó.

6.- Led Zeppelin tocó el tema por primera vez el 5 de marzo de 1971. Sin embargo, la respuesta del público congregado en el mítico Ulster Hall de Belfast fue tibia.

7.- La canción pudo haberse perdido para siempre por culpa del ingeniero de sonido. Andy Johns, ingeniero encargado de las sesiones de grabación del grupo, casi pierde la pieza en un avión. La anécdota se produjo porque Johns tenía una cita con unas chicas y dejó olvidada la cinta en la nave. Los integrantes de la banda se dieron cuenta horas después y afortunadamente se la pudo recuperar.

8.- La letra se inspiró en la obra de J.R.R. Tolkien, del Señor de los Anillos. Robert Plant fue siempre un seguidor de la obra del escritor británico. El cantante dijo que la historia se centra en una mujer egoísta que exige cosas a los demás sin ofrecer nada a cambio. La percepción popular es que no tiene ningún sentido y por tanto genera millones de interpretaciones.

9.- La última vez que Led Zeppelin la tocó fue el 7 de julio de 1980. Fue en Berlín en el último concierto antes de la muerte del baterista del grupo, John Bonham. Muchos años después, el 10 de diciembre de 2007, la banda interpretó nuevamente el clásico con motivo de la celebración de un especial en honor del empresario fonográfico Ahmet Ertegun.

10.- En los ochenta, el tema fue investigado por supuestos contenidos satánicos. En el año 1982, el Estado de California determinó que un perito se encargara de comprobar si efectivamente la canción hacía una invocación satánica. El mensaje oscuro debía ser escuchado cuando la pieza se tocaba al revés. “Swang Song”, la discográfica de los Led Zep, emitió un comunicado afirmando que sus interpretaciones solo funcionaban en un sentido: “¡hacia adelante!”. Afortunadamente, toda esa imaginería quedó solo en una leyenda.

Históricamente Gran Hermano ha sido un verdadero semillero de modelos, vedettes, conductoras y actrices: Silvina Luna, Ximena Capristo, Alejandra Martínez, Floppy Tesouro, Andrea Rincón y la lista sigue.

Por lo que se pudo ver en el debut del reality, los chicos y chicas de este Gran Hermano 2012 también darán que hablar. Estos son los 20 chicos que ingresaron ayer a la casa más famosa.

Daniela Rocca: Nació el 15 de diciembre de 1989. Tiene 21 años y es de Capital Federal.  Estudia medicina, pero también le gusta salir. Le atraen los jugadores de fútbol.

Cinthia Creado: Nació el 3 de diciembre de 1988, tiene 22 años y es de Ciudadela. Tiene rastas, vive con sus padres, le gusta jugar al pool, ir a recitales y escuchar todo tipo de música, sobre todo reggae. Es administrativa y masajista. No es conflictiva y espera pasarla bien.

Agustina Quirós: Nació el 14 de septiembre de 1990 en Mendoza. Tiene 21 años y es estudiante de arquitectura.

Florencia González: Nació el 11 de mayo de 1985, tiene 26 años y es de Montevideo, Uruguay. Es modelo.

Mariana Salces: Nació el 18 de agosto de 1987, tiene 24 años y es de Salta. Estudia psicopedagogía y depende económicamente de sus padres.

Ornella De Luca: Nació el 9 de octubre de 1989, tiene 22 años y es de Capital Federal. Es estudiante de Derecho.

María Fernanda Pacheco: Nació el 6 de junio de 1986 en Tucumán, tiene 25 años y es estudiante de profesorado de inglés. Afirma que siempre consigue lo que quiere y que entra a ganar, sí o sí.

Walquiria D´Amato: Nació el 6 de mayo de 1984, tiene 27 años y es de Bahía Blanca. Es empleada administrativa y estudiante de gastronomía.

Ailín Bourren: Nació el 28 de octubre de 1985, tiene 26 años y es de Tigre. Es profesora de Educación Física y se confesó “muy chusma”. Se separó tras siete años de relación y un mes de convivencia,  y admite que todavía sufre por la ruptura.

Victoria Irouleguy: Nació el 16 de Abril de 1993 en Mar del Plata, tiene 18 años y es estudiante.

Entre los varones:

Ezequiel Tramannoni: Nació el 8 de enero de 1989. Es de Bernal, tiene 22 años, jugó al fútbol desde pequeño y actualmente es empleado en un servicio de emergencias.  A En su presentación reveló que vivió un pasado difícil, que incluyó el consumo de drogas.

Rodrigo Fernández: Nació el 26 de agosto de 1992 en la ciudad de Victoria, Entre Ríos. Tiene 19 años,  estudia diseño industrial y le gustaría trabajar en la televisión. Su sueño sería conducir un programa.

Juan Manuel Prieto: Nació el 4 de agosto de 1981 en Mendoza Tiene 30 años y es encargado comercial. En su presentación confesó que  lo más duro que le tocó atravesar en la vida fue la pérdida de su papá.

Jorge Apas: Nació el 27 de octubre de 1990 en Tucumán. Tiene 21 años, es musulmán, tenista y actualmente trabaja como fletero.

Víctor Scarpello: Nació el 18 de junio de 1985 en Mar del Plata. Tiene 26 años y es mecánico dental. Jugó profesionalmente al fútbol en Francia y quiere ayudar a los demás en caso de ganar el premio.

Alex Reigemborn:  Nació el 21 de enero de 1990 en Castelli, Chaco. Tiene 21 años y trabaja en una mueblería. Se mostró seguro de que va a llegar a la final porque no es una persona conflictiva.

Mario Fredes: Nació el 21 de mayo de 1981 en Gral. Acha, La Pampa. Tiene 30 años y es cuidador y entrenador de lobos marino en Villa Carlos Paz. Tiene un hijo que vive en La Pampa, al que no ve tan seguido como quisiera.

Leandro Degusto: Nació el 5 de mayo de 1988 en Córdoba. Tiene 23 años y es estudiante de derecho.

Nazareno Bellini: Nació el 24 de diciembre de 1988. Tiene 22 años y es de Ramos Mejía. Se desempeña como empleado y ayudante de cocina. Es hijo de Daniel Bellini, condenado por el asesinato de la bailarina Morena Pearson.

Juan Cruz Castorani: Nació el 2 de septiembre de 1986, tiene 25 años y es de San Isidro. Actualmente se encuentra desocupado.
 

Además hay cuatro aspirantes entre los que se encuentra Clarisa Abreu, la hermana del Loco Abreu que ingresó a Gran Hermano 2012.

La modelo uruguaya, hermana del emblemático futbolista de la Selección Uruguaya, ex River y San Lorenzo, es una de las cuatro personas que ya están alojadas en el hogar contiguo al que habitan los 20 participantes del reality.

Su ingreso al juego se dio en una fecha muy particular: el 2 de noviembre, día en el que cumplió 22 años.

Clarisa Abreu ya compite en el voto telefónico con sus otros tres compañeros de casa. Ellos son:

Lucía Ibarra: 27 años, de Dolores, Licenciada en Comunicación.

Tomás Critelli: 23 años, de Los Polvorines, desempleado.

Lucas Piro: 26 años, de Rosario, coreógrafo y bailarín.

Statham se convirtió desde hace varios años en un referente del género de acción. El actor británico ocupó espacios en los que antes reinaban estrellas como Bruce Willis o Mel Gibson y se destacó en filmes como "El transportador", "Los indestructibles", "El mecánico" y será la figura de la próxima entrega de "Rápido y furioso".

En el caso de "Asesinos de elite" la historia se enfoca en un grupo de antiguos miembros de las fuerzas especiales británicas cuyos integrantes están siendo cazados por un equipo de asesinos.

Un mundo en acción. Al frente del equipo que debe evitar la masacre se pone el personaje de Statham quien debe enfrentar una misión casi imposible como es eliminar a tres asesinos con un líder astuto, interpretado por Clive Owen. Al compás de las persecuciones y las intrigas, la película recorre el mundo de un extremo al otro, desde Australia hasta París, pasando por Londres y Oriente Medio, siguiendo los pasos del ex agente del servicio aéreo de élite británico que interpreta Statham.

"Asesinos de élite" está dirigida por el debutante Gary McKendry quien se basó "The feather men", una novela del británico Ranulph Fiennes publicada en 1991.

"Es una película de acción, un thriller, pero lo que nos interesaba era explorar su humanidad de los personajes. Creo que eso fue lo que atrajo a actores de la talla de Robert de Niro, Clive Owen y Jason Statham para sumarse al proyecto", explicó el debutante McKendry.

Ranulph Fiennes, aventurero y escritor británico, escribió la polémica novela "The Feather Men" en la que se basa la película. El libro, con una acción que no da respiro, trata de un grupo de antiguos soldados ingleses que se enfrentan a un equipo de mercenarios en una arriesgada operación.

El libro llegó por casualidad a las manos de McKendry y siete años más tarde el director logró darle forma y embarcar en su debut cinematográfico a un grupo de estrellas de primera línea.

El director debió adaptar a la pantalla el intrincado argumento del libro. "Es un libro bastante extenso, que despliega una trama que se desarrolla a lo largo de diecisiete años", dijo McKendry y añadió que decidieron "reducir el número de personajes, el número de escenarios, el número de víctimas y el número de incidentes. La clave estaba en simplificar y al mismo tiempo mantener la emoción de una historia muy compleja".

Naturaleza humana. McKendry hizo foco en la naturaleza de Danny, el personaje de Statham, por ser el que representaba más claramente sus objetivos: "Al principio de la película encontramos a un hombre que superó la vida de soldado para dedicarle su tiempo a su rancho en Australia donde intenta construir una nueva vida, dejar atrás todo ese mundo. No le está resultando fácil, pero lo intenta y tiene esperanzas de lograrlo",contó el director.

Sin embargo aclaró que lo que le interesó explorar fue cómo la acción parece algo inmanente a determinadas personalidades. "Cuando lo llaman para ir a salvar a Hunter, se ve arrastrado de nuevo al mundo que creía haber dejado atrás. Y cuanto más profundizábamos, más nos dábamos cuenta de que para algunos soldados la guerra no es lo que hacen, sino lo que son", consideró el cineasta.

Aprendizaje

El director Gary McKendry, que debutó en el largometraje con esta película luego de sólo un corto, aseguró que dirigir a De Niro fue un aprendizaje, además de haber aportado una parte sustancial del personaje de Hunter. “Estuvo fantástico y le interesaba mucho el personaje, puso mucha energía en el papel, y me obligó a explorar quién era Hunter y cuál era su pasado. Fue muy interesante ver a Robert y a Jason (Statham) trabajar juntos y la química que había entre ellos. Funcionó muy bien porque Robert interpretaba una figura paterna un tanto oscura y que se siente muy culpable por haber metido a Danny en un lío. Creo que es una relación paterno-filial muy interesante, y parece que funcionó”, afirmó.

La imagen del flamante papa que no se atreve a aparecer en el balcón para saludar fue el punto de partida para la película, según contó Moretti quien explicó que lo hizo con la idea de que en la trama, como en la mayoría de sus películas, el drama se mezcle con la comedia.

"Mis padres eran creyentes y recibí una educación católica, aunque sin exagerar", aclaró el cineasta y añadió: "Quería mezclar comedia y drama, el tono grotesco y el realismo".

La desesperación lleva a Melville, el nuevo jefe electo de la Iglesia católica, a escapar del Vaticano. En su paseo por la ciudad se encuentra con situaciones que no había experimentado en mucho tiempo lo que lo confronta con cuestiones que también había dejado en segundo plano. Mientras, el psicoanalista prisionero en el Vaticano comienza a sentirse casi a gusto luego de su primera sensación de desorientación.

Moretti explicó que no le interesó hablar en su película de las polémicas que envolvieron a la Iglesia en los últimos años, sino que eligió concentrarse exactamente en lo que quería narrar. "Trato de evitar contarle al público lo que espera oír. Nunca estuve interesado en reiterar a través de mis películas aquello de lo que el público ya está consciente. No me gusta mandar mensajes velados al espectador chapoteando en asuntos actuales".

En ese sentido ilustró: "Con respecto a los escándalos que involucran a la Iglesia Católica, por ejemplo la pedofilia o las cuestiones financieras, hay libros, documentales, artículos de prensa. Preferí no permitirme estar condicionado por los asuntos de actualidad. Se trata de una historia inventada: mi película es acerca de mi Vaticano, mi cónclave, mis cardenales".

Y fue aun más allá de cualquier presunción: "He dado mi versión precisa del mundo del Vaticano. Pero creo que los temas de la película y la angustia de su protagonista pueden ser aplicados también a otras situaciones, otros mundos y puede afectar a los miembros de la audiencia, que están muy lejos de los personajes que muestro".

Moretti, autor de películas de neto corte autobiográfico como fue el caso de la premiada "Caro diario", aseguró que esta vez también algo de esa singularidad se filtró en el trabajo. "Como de costumbre, es el sentimiento detrás de la película lo que es autobiográfico. Y, si queremos entrar en detalles, hay una parte de mí en ambos personajes, tanto en el papel del psicoanalista como en la incómoda sensación de Melville de no estar a la altura del rol", confesó.

Un artista ante el espejo

(Por Rodolfo Bella / La Capital). _ “Me he reído de la izquierda, de mi generación cuando tuve veinte, luego treinta, después cuarenta; me he burlado de las relaciones entre padres e hijos, de mi entorno social, de la escuela, del mundo del cine; en «Caro diario» incluso me burlé de un cáncer que tuve hace 20 años. Por lo tanto, creo que es justo reírse del psicoanálisis también”. Con esa actitud Moretti construyó una carrera con no demasiadas películas. Actuó y escribió 18 de sus 20 filmes, que también produjo, revisitó personajes y en “Caro diario” dio rienda suelta a sus obsesiones reales, las reflexiones del Moretti real. Y a pesar de la aparente autorreferencia pudo darle identidad a su trabajo sin hacer una copia de sí mismo.

Los ex Beatles Paul McCartney y Ringo Starr participaron anteanoche, en Londres, junto al director estadounidense Martin Scorsese, en la premiere mundial de gala del documental "George Harrison: Living in the Material World".

El filme, que narra la historia del guitarrista de los Beatles fallecido en 2001 a los 58 años, fue estrenado para el público en general, en Gran Bretaña y por una única noche, anoche martes, antes de ser emitido por la cadena BBC en noviembre.

Scorsese, fascinado por letras de George

El cineasta estadounidense Martin Scorsese dijo hoy que rodó un documental sobre George Harrison ya que se sentía atraído por “sus letras”, según declaraciones que recoge la cadena británica BBC y en las que el director reveló que, “durante años, su música parecía tratar sobre temas con los que conectaba”.

Ello le llevó a grabar el documental “George Harrison: Living In The Material World”, sobre la vida del guitarrista de The Beatles que se presentó en la capital británica la noche de este domingo. Al evento acudieron Scorsese, los músicos Paul McCartney y Ringo Starr, así como las viudas de los otros dos componentes de The Beatles, John Lennon y George Harrison, Yoko Ono y Olivia Harrison, respectivamente, y el que fuera productor del grupo, George Martin.

McCartney se refirió a su compañero, fallecido en 2001 por un cáncer de pulmón, como “un gran hombre” y un “buen tipo”.

El oscarizado Scorsese, autor, entre otros éxitos, de “Los Infiltrados” (2006), dijo a la BBC que solía hallar “consuelo” en las letras de Harrison “y una esperanza y una experiencia especial” cuando escuchaba su música. Para el realizador, el amor que sentía Harrison por la India transformó la cultura occidental: “George fue el que nos abrió la mente en este aspecto”.

La cinta de Scorsese, de tres horas y media de duración, se divide en dos partes: una primera que documenta sus años de fama y otra en la que se aborda una etapa posterior en la que alternaba la música con trabajos filantrópicos y una carrera como empresario en la industria musical. El director indicó que la colaboración de la viuda de Harrison, Olivia, hizo posible la realización de la cinta, al permitirle el acceso a los archivos fotográficos familiares, grabaciones de vídeos caseros y efectos personales del artista.

A la presentación en la capital británica también acudieron otros nombres conocidos del panorama artístico, como el guitarrista Noel Gallgher, ex componente del grupo Oasis, el actor Ben Kingsley, el ex Rolling Stone Ronnie Wood o la ex esposa de Harrison Pattie Boyd.

Además de protagonizar escenas muy fuertes en El Elegido junto a Ludovico Di Santo, Calu Rivero traspasó la ficción y llevó adelante un portfolio muy hot en Sábado Bus, el programa que conduce Nicolás Repetto por Telefe.

Muy sensual, Calu interpretó una de las secciones más fuertes del programa. “La idea del portfolio era autorretratarme, mostrar distintas sensaciones: el enojo y la molestia, la inseguridad, la niña mágica y herida y la buscona histérica", explicó la actriz.

Con imágenes muy hot, Calu Rivero traspasó la pantalla y, para sorpresa de muchos, se quedó en topless. Mirá el video.

Se acerca el día y cada vez es más grande la expectativa por el show que Ricky Martin dará en Rosario el próximo martes 13 de septiembre en Metropolitano. Y esta mañana se conoció un anticipo de la espectacular puesta que el puertorriqueño prepara especialmente para la ciudad.

Nada más y nada menos que el grupo Miranda serán los encargados de abrir el recital del próximo martes. La participación del popular grupo pop será una novedad para los rosarinos ya que no participaron de las dos presentaciones que Ricky Martin hizo en Córdoba.

La puesta en escena desplegada en el estadio Orfeo de Córdoba fue esplendorosa con un recorrido por su historia musical que paseó al público por los hits de todas las épocas con nuevos ritmos además de un cambio de vestuario impactante diseñado por Giorgio Armani.

¿Qué es lo que se va a ver el martes próximo en el Metropolitano? Una presentación con más de quince bailarines y músicos en escena. Un despliegue técnico y artístico impecable que se fusiona con un sonido de excelencia. Además, erotismo, osadía, baile y escándalo se desarrollan por un magno escenario donde las estructuras y pantallas leds son la escenografía perfecta para semejante talento.

Y Miranda.

Ricky Martin mostró su plenitud en el primer espectáculo de su gira por Argentina que fue anoche en el Orfeo de Córdoba. En el show inaugural se impuso el despliegue coreográfico, el erotismo y una puesta fastuosa. Esta noche vuelve a presentarse en el mismo estadio y el próximo martes 13 de septiembre llega a Rosario donde se presentará en Metropolitano.

“Córdoba no tengas miedo de vivir”, gritó Ricky Martin a las 8 mil personas que lo ovacionaron en el primer show en Argentina después de años de ausencia. “Este es mi primer concierto en Argentina y pienso dejar mi alma en esta escena”, anunció el puertorriqueño y no dejó de moverse ni un instante.

La esplendorosa presentación ya ilusiona a las rosarinas que esperan que el concierto del martes próximo sea tan espectacular como el inicial de Córdoba en el que hubo ocho bailarines, nueve músicos integrados al prota­gonismo, una puesta de jaulas de varios niveles, pantallas al fondo y a los costados y Ricky impecable vstido con prendas de Armani.

El show es un relato de sus casi 40 años. Aparece en la eléctrica juventud cuando quería convertirse en estrella desde sus años de Menudo (Dime que me quieres), la popstar consumada, el disparador del crossover latino (She bangs, La Copa de la vida, Shake your bom bom) o el que, asumido homosexual, alienta de movida “amarnos, apoyarnos, respetarnos, liberarnos”.

El primer tema, Será, será, fue sobre un andamio, desde el que cae espectacularmente para ser recibido por sus bailarines. La carga erótica, su­bestimada en el disco, se consumó aquí con el tercer tema, It’s alright, que tuvo a Ricky mostrando el pecho y a sus violeros directamente con el torso desnudo; más adelante, la cuestión se puso más sadomaso cuando el personal femenino agitó látigos en Frío y cuando una pareja cumplió con cierto ritual amoroso con los componentes enmascarados.

Tanto desprejuicio sólo se interrumpió con un medley melódico en el que cantó Fuego contra fuego, Te extraño, te olvido, Amor de mi vida. Y siguió con un cajón peruano y guitarra española para versiones jugadas de María y Tu recuerdo.

El final fue con carnaval y fiesta pop latinoamericana con invitación al baile. La Copa de la vida, y La bomba invitan a visitar Puerto Rico. El final se acerca vestido de blanco para una versión reggae de Lo mejor de mi vida eres tú y el último cambio de vestuario Armani fue con jean, botas y remera con lema: You Tú=Yo Me. “Igualdad respeto y que siga la fiesta”.

Esta noche volverá a presentarse en Córdoba para luego trasladarse el 11 a Resistencia, el 13 a Rosario, el 14 Mar del Plata, el 16 en Capital Federal y el 22 a Mendoza.

El grupo estadounidense Pearl Jam concretará su esperado regreso a la Argentina -tras los historicos shows de 2005- con un concierto que se realizará el 13 de noviembre en el Estadio Unico de La Plata, como parte de la gira por los 20 años de carrera.

Pearl Jam brindó dos conciertos memorables el 25 y 26 de noviembre de 2005 en la cancha de Ferro Carril Oeste, y así logró saldar una deuda con fans y músicos locales a los que la banda influyó.

Aquellos conciertos mostraron a un emocionado Eddie Vedder fascinado con el entusiasmo de los fans y al guitarrista Mike McCready  quedándose en el escenario con su guitarra, desafiando a las luces del estadio encendidas para indicar el fin del concierto.

Los Pearl Jam vendrán acompañados como teloneros por la banda punk californiana X formada en 1977 por la cantante Exene Cervenka, el vocalista y bajista John Doe, el guitarrista Billy Zoom y y el baterista D.J. Bonebrake.

Es una banda pionera del punk norteaméricano, con casi una decena de álbumes de estudio, el cuarteto se separó a mediados de los 90 y volvió a reunirse hace una década, y desde entonces han realizado diversas giras por Estados Unidos y Europa.

Banda fundacional de una movida que incluyó a grupos como Nirvana, Soundgarden, Mudhoney, The Melvins y Alice in Chains, los Pearl Jam se dieron a conocer en 1991 con su primer album “Ten”, que contenía los hits “Alive”, “Even Flow” y “Jeremy”.

Los primeros miembros de Pearl Jam son los guitarristas Stone Gossard y Mike McCready y el bajista Jeff Ament, que en 1987 se convirtieron en la estrellas del under estadounidense con la banda Mother Love Bone, que lideraba el cantante Andrew Wood y que sentó las bases del grunge.

Pero Wood murió de sobredosis de heroína en 1990 y la banda se disolvió, aunque logró editar un álbum homónimo, años más tarde, que recibió amplios elogios de la crítica.

Junto al baterista Dave Krusen, la banda grabó un demo que cayó en manos del entonces baterista de los Red Hot Chilli Peppers, Jack Irons, quien se lo alcanzó a su amigo Eddie Vedder -que vivía en San Diego-, y que compuso letras y grabó voces y lo reenvió a Seattle.

McCready, Ament, Gossard y Krusen quedaron sorprendidos por el trabajo de Vedder, un muchacho que tenía una poderosa voz, aunque su tono era el de un adolescente angustiado.

El cantante recibió la invitación a sumarse a la banda y se trasladó a Seattle, donde se gestaba la movida que pondría al rock de nuevo en los primeros lugares de la escena musical postergando al pop sintético, a las boys bands y al rap.

Ya con el nombre de Pearl Jam se dedicaron a girar por la Costa Oeste norteamericana con su rock que mezclaba riffs de Led Zeppelin, Black Sabbath y Neil Young con letras que retrataban las vivencias de la nueva generación de jóvenes estadounidenses -la denominada Generación X- sin posibilidades de futuro y mitad de camino de ser nuevos hippies o seguir el modelo de los yuppies de Wall Street.

La banda, a la que en 1991 se sumó el baterista Dave Abbruzzese en lugar de Krusen, fue forjando una filosofía en la que siguiendo los preceptos antisistema de bandas como The Clash, el propio Neil Young, siempre apartado de la escena mainstream, o Fugazi, que rechazaba los favores comerciales del sistema.

Pero esta filosofía llevó a Pearl Jam dos crisis: una de cara a la masividad con el éxito de su disco debut “Ten” (1991) y la otra por el precio de las entradas que los llevo a dar una batalla desigual con la multinacional vendedora de localidades Ticketmaster, en la que finalmente salió perdiendo.

“Ten” lanzó la banda al estrellato y convirtió a los Pearl Jam en símbolos de una generación junto a Nirvana, pero la fama, la multiple rotación de sus videoclips -en especial “Jeremy”- generaron un rechazo en el seno del grupo.

En el 2002, Pearl Jam editó el excelente “Riot Act” que significó su regreso al centro de la escena con canciones como “I`am mine” y “Love Captain Boat”, en la que homenajeaban a la tragedia sufrida por nueve fans que murieron aplastados en un recital que la banda ofreció en la localidad danesa de Roskilde en el 2000. (Télam)

José Vélez está exultante. Es que sus canciones, esas que los muchachos esperaban para chapar en los asaltos de los años 70, hoy siguen vigentes. "Vengo de cantar en el carnaval de Lincoln ante 50 mil personas, hacía años que no veía tantísima gente junta, eran las 4 y media de la mañana y nadie se marchaba. Hasta el intendente me hizo nombrar ciudadano de honor. Era un domingo, el sábado había estado Diego Torres, el viernes Miranda!, mucha gente de moda. Pero todos se enloquecieron conmigo", dijo el cantante de visita por la ciudad y en diálogo exclusivo con Escenario.

El intérprete canario, que tomó fama con éxitos como "Procuro olvidarte", "Hoy canto por no llorar", "A cara o cruz", "Un año más" y "Vino griego", se presenta el jueves, a las 21, en City Center (bulevar Oroño y avenida Circunvalación).

—¿Por qué tus canciones siguen teniendo la misma vigencia que lucían décadas atrás?

—Han quedado en el coazón e la gente, ¿sabes?. Yo estuve mucho tiempo sin venir al país, fueron siete años, después regresé y ahora hacía cuatro años que no cantaba en vivo en la Argentina. Aún me sorprende la cantidad de gente joven que cantan mis canciones de arriba a abajo, se ve que los padres les han impregnado a sus hijos el cariño que me tienen.

—¿"Procuro olvidarte" sigue siendo la más coreada?

—No, creo que todas, la gente canta todas. Pero con "Procuro olvidarte", en este último show de Lincoln se dio una situación. Y es que en lugares grandes al aire libre suelen hacer mucho ruido, pero sin embargo con "Procuro olvidarte" fue impresionante el silencio que había, la gente la quería escuchar. Y después, bueno, se engancharon con "No, por favor", "Vino griego", "Un año más", que la gente la conoce como "El bala perdida" o "Qué más da", tiene un montón de nombres, ja, ja.

—¿Si el romanticismo de esas canciones es naif para los pibes de ahora, por qué la juventud se engancha tanto?

—Lo que pasa es que por ejemplo con "Un año más", los autores son los de "Bailar pegados" y otras canciones que actualmente han sido número 1 en cualquier parte del mundo. Yo creo que cuando una canción es buena y es interesante, es atemporal. Van en todos los momemtos de la vida, las historias están ahí, no son antiguas. "Procuro olvidarte" es otro caso, jamás puede ser antigua. Yo fui el primero que la cantó, pero hubo un montón de versiones posteriores.

—¿Cuál fue el sello que dejaste en la canción romántica?

—Lo mío no pasa por cantar bien, sino porque soy un artista humilde, que siempre fui igual, y que traté de cuidar mucho el directo, el show en vivo. Soy un cantante más de directo que de disco, me gusta tener a la gente al lado, y además he elegido un buen repertorio y la prueba está a la vista. Un cantante puede ser muy bueno, pero si no tiene una buena canción no pasa nada. Además he tenido productores importantes en todos mis discos, mis primeras producciones están con orquestas grandes, con músicos de verdad, no con los ordenadores, como ahora.

—¿Eso le da más calidez a tus canciones?

—Claro, yo entiendo que muchos tienen que recurrir a la tecnología por cuestión de costos, pero no hay como el sonido humano.

—¿Tu éxito a fines de los 70 y primeros 80 fue en un gran momento de la música romántica?

— Mira, sigue siendo un gran momento. En los 70 a la par mía estaba Pablo Abraira, que en España fue interesante, yo tengo 60 años y en esa época también estaba Angela Carrasco. No voy a decir Camilo (Sesto) o Raphael porque son mayores, o Dyango, que es de otra generación.

—¿Cuando componés ahora te salen canciones románticas como las de tus comienzos?

—Un artista debe mantener su sello, aunque hay que evolucionar y no quedarse parado. Pero encontrar una canción de éxito no es nada fácil. Quizá te gusta un tema, lo haces con jerarquía y al público no le llega. De pronto hacés algo que no es gran cosa, y el público la convierte en éxito.

—¿Cómo ves la música romántica actual?

—Hay gente muy talentosa, a mí me gusta Alejandro Sanz, creo que es un gran autor. Tengo la impresión que hoy se recurre a mis temas y a artistas de mi época porque no hay autores que escriban las canciones de amor como las que se hacían hace 20 o 30 años.

El romance con la Argentina

“Argentina es mi segundo hogar”, afirma José Vélez. El músico canario llegó a este país cuando ya tenía ocho discos en su cosecha, pero los éxitos no se discuten. A partir de su disco “Confidencias”, que tiene “A cara o cruz”, vendió dos millones y medio de placas y todo cambió. “Los managers se hicieron millonarios y yo no, porque agarré siempre las vacas flacas de Argentina, pero no me importó: aquí no había mucho dinero pero hay un cariño especial”, indicó.

En medio de la congoja de fans, amigos y familiares por el deceso de Luis Alberto Spinetta, su hijo Dante anunció ayer que las cenizas del popular rockero serán esparcidas en el Río de la Plata. "Vamos a decir dónde vamos a esparcir sus cenizas. Seguramente será en el Río de la Plata, donde está su padre, para que puedan llevarle unas flores y ver un atardecer con él", comentó Dante delante de los medios reunidos en las afueras del cementerio privado Parque Memorial de la localidad bonaerense de Pilar, donde fueron cremados los restos del artista, quien murió anteayer, a los 62 años de edad, a causa de un cáncer de pulmón.

Dante fundamentó la decisión de la familia de esparcir las cenizas del Flaco a partir de percibir "todo el amor de la gente".

"Ahora mi papá pasó a un mejor plano. El es el mejor, es inmortal y aunque su cuerpo no aguantó más, su mente sigue brillando", describió uno de los cuatro hijos del mentor de Almendra, Invisible y Pescado Rabioso.

A modo de balance, quien ahora volvió al ruedo con los Illya Kuriaky and The Valderramas, señaló que su padre fue una "gran persona y el músico número uno. Tiene 40 discos que dan clase, todos. Es muy difícil soltar, lo voy a extrañar tanto. Sé que sos luz y música, papá", escribió Dante en su cuenta de Twitter, minutos después de que el coche fúnebre llevara los restos del Flaco al cementerio Parque Memorial de Pilar.

"Gracias a todos por los mensajes. Sé cuánto lo quieren a mi viejo, gracias de corazón amigos, fuerza, abrazos", concluyó el músico que tocará con Illya Kuriaki en el Cosquín Rock que comienza hoy en Córdoba.

Sin alardes, en la intimidad que solicitó su familia, pero con la necesidad de ir a despedir al amigo, al compañero, al referente, varios músicos pasaron durante la noche por el velatorio.

Por la casa funeraria del barrio porteño de Belgrano, donde se veló al músico, estuvieron presentes desde la una de la madrugada de ayer Ricardo Mollo, Juanse, Fito Páez, León Gieco, Guillermo Vilas, Héctor Starc y los integrantes de Babasónicos, entre otros.

A la salida del lugar, Gieco opinó que se va a compensar esta tristeza con la dimensión de la obra de Luis, que ahora va a ser reconocida. "Hoy me di cuenta que la magnitud que va a alcanzar esta persona es increíble. Fue uno de los primeros tipos que nos metió a todos en ésta", redondeó emocionado León.

Starc, guitarrista de grupos como Aquelarre y Tantor y contemporáneo del Flaco, destacó que Spinetta jamás hizo nada en contra de lo que él creía y sostuvo que "grandes músicos tenemos un montón, pero Luis era único".

Por su parte, Pedro Aznar escribió en su facebook: "Adiós. No me resigno a tener que decirlo. Adiós mensajero del infinito".

Tendencia

Cada vez que pierde la vida algún músico famoso, las disquerías son las beneficiadas. Pero los fieles seguidores del Flaco no siguieron la tendencia necrológica. “Cuando murió la Negra Sosa o Sandro, sí se vendió mucho, pero los fans del Flaco ya tienen todos los discos”, dijo Juan Manuel, de Music Shop, pese a que en el local de Librería Ross ayer se vendieron “Un mañana” y “Peluson of milk”.

Mientras que en Musimundo, de San Martín y Rioja, esperaban levantar las ventas de Spinetta más sobre el fin de semana, y en Amadeus afirmaron que vendieron un poco más desde que se hizo pública su enfermedad, en Utopía Records no faltó el llamado de los fans: “Me pidieron un par de discos para completar una colección, pero no es como cuando murió Michael Jakson”, dijo Diego.

El rock argentino perdió ayer, con la muerte de Luis Alberto Spinetta, al máximo artista de un género al que dotó de magia, innovación y sensibilidad en más de cuatro décadas de consecuente trayectoria.

El músico falleció a los 62 años en horas de la tarde, en su casa, rodeado por sus hijos Dante, Catarina, Valentino y Vera, tras pasar 25 días internado en el Instituto Cemic, de Buenos Aires, tras una operación de divertículos.

Autor, guitarrista y cantante, pero también poeta y pintor, el Flaco supo colmar de una elevada concepción estética a cada uno de los pasos que dio desde su nacimiento, el 23 de enero de 1950, en el barrio porteño de Belgrano.

Mentor de grupos esenciales desde los que fue regalando su impronta como Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade y Los Socios del Desierto, y de un camino en solitario también signado por la belleza, falleció ayer en Buenos Aires a causa de un cáncer de pulmón que se le diagnosticó en julio de 2011.

Al filo de la nochebuena pasada y ante la carroña mediática acerca de su estado, utilizó la cuenta de twitter de su hijo Dante para expresar: "Desde el mes de julio sé que tengo cáncer de pulmón. Estoy muy cuidado por una familia amorosa, por los amigos del alma, y por los mejores médicos que tenemos en el país. Ante el aluvión de información inexacta, quiero aclarar públicamente las condiciones de mi estado de salud. Me encuentro muy bien, en pleno tratamiento hacia una curación definitiva".

Trazando un camino personalísimo y prolífico, el músico construyó una obra de más de 40 álbumes, donde sus canciones constituyeron un alegato estético que signó al rock argentino y lo sostuvo como un espacio fértil en lo artístico.

La frescura y el lirismo de Almendra, el grito oscuro y enloquecedor de Pescado Rabioso, la contundencia y experimentación de Invisible, el perfil sonoro particular y casi galáctico de Spinetta Jade y las experiencias posteriores fueron el mapa estético de un creador incansable.

A modo de síntesis de ese camino, el 4 de diciembre de 2009 colmó el estadio de Vélez, un ámbito multitudinario que transformó en reducto íntimo para disfrutar de un recorrido por sus Bandas Eternas en un maratón artístico con más de 50 canciones.

Un año después, para la edición del libro-CD y DVD que documentó aquella velada, Spinetta escribió que ese trabajo "involucra una infinita responsabilidad. Responsabilidad. Palabra soberana, palabra en la potencia de bancar la reunión de varios de los músicos más talentosos y diversos en una sola alma y en una simple premisa: Sonar Bien".

El Flaco no dejó nunca jamás de "Sonar Bien" y esa marca es un faro que no cesará de alumbrar los caminos por donde debe transitar una música de hermosura universal forjada en este lugar del mundo.

"Los descendientes" narra la crisis en la vida holgada y tranquila de un hombre de clase media luego del accidente de su mujer. El resultado: su mujer en coma y el hombre que intenta recomponer las partes de un rompecabezas que termina de estallar cuando, además, se entera gracias a su hija que su esposa tiene un amante.

El filme, que se estrena mañana, es uno de los grandes favoritos para el Oscar que se entrega el 26 de febrero en las categorías de mejor dirección (Alexander Payne), además de mejor edición, película, guión adaptado y actor para su protagonista, George Clooney. También aspira a tres Bafta (el premio de la Academia inglesa) y ganadora de dos Globos de Oro como mejor película y mejor actor protagónico. (ver aparte)

Acompañado por sus hijas que completan una familia disfuncional, se embarca en una caótica búsqueda del amante de su esposa. A lo largo del camino, en lo que serán encuentros divertidos, problemáticos y trascendentales, se percata que finalmente está ante la posibilidad de reconstruir su propia vida además de su familia.

Discreción. Clooney, que además tuvo un buen desempeño como director ("Secretos de Estado", "Confesiones de una mente peligrosa", "Buenas noches y buena suerte") es discreto cuando se refiere a su carrera a pesar de ser uno de los actores mejor pagos de Hollywood. Así lo reconoció con humor durante la presentación de "Los descendientes" en el festival de Toronto.

El actor, considerado en algún momento el hombre más sexy del mundo, reconoció que sus primeros trabajos fueron "en programas de televisión bastante malos". "Yo era bastante malo, así que no puedo reírme de los programas (que hice). Hay un periodo en el que simplemente intentás trabajar. Y entonces tenés suerte. «ER» (el programa de televisión) fue suerte", añadió Clooney.

"Inmediatamente pasé del anonimato a aparecer en un filme. Antes no lo conseguía. Tenía muchas audiciones y no lo conseguía. Eso fue suerte. No tenía nada que ver conmigo. Era un actor que hacía sólo dos líneas en un filme", explicó.

Pero todo cambió y puede elegir proyectos como "Los descendientes" en los que pudo mostrar sus aptitudes. También lo hizo en "¿Dónde estás hermano?", en la serie "La gran estafa", en "Syriana" y "Michael Clayton", entre muchos otros éxitos.

Pero al referirse al personaje de "Los descendientes" Clooney dijo que era un desafío mayor al habitual porque debía interpretar a un padre y hombre de familia, en una clara broma por parte del soltero más famoso y pertinaz de la industria.

Elogios. Clooney prefirió elogiar el trabajo del director por lograr incluir humor en algunas de las escenas más dramáticas. "Cuando tenés a alguien que es tan bueno como Alexander, ves que se le da genial pasar de los gracioso a lo triste. Es algo muy difícil de conseguir. Hay muy pocas personas que lo hagan tan bien".

Payne ya lo había logrado en sus dos primeros largometrajes. "Las confesiones del Sr. Schmidt", de 2002, donde Jack Nicholson interpretó a un jubilado que parte desde su ciudad para asistir al casamiento de su hija que es casi una extraña, pero en el camino descubre más cosas sobre sí mismo que las que supo hasta ese momento. Nicholson y Kathy Bates fueron nominados a sendos Oscar por ese trabajo.

Al final lo logró dos años más tarde con "Entre copas". Ese filme con Paul Giamatti y Thomas Haden Church sobre dos amigos que hacen un viaje por la ruta del vino en el estado de California, obtuvo un Oscar y un Bafta por mejor guión adaptado por Payne y el Cóndor de Plata de la Asociación de Críticos de la Argentina.

Paul McCartney volvió a sacudir el universo discográfico, y lo hizo a su manera. No sacó un disco de grandes éxitos y mucho menos un álbum de duetos con ilustres famosos, a quienes les costaría conseguir con apenas una llamada telefónica. McCartney sacó un disco de jazz, hecho a su modo, respetando el género más que nunca, y, sobre todo, respetando su pasado, sus orígenes, las melodías que lo formaron hasta convertirlo en el músico más importante de la música pop.

El nombre del material "Kisses on The Bottom" fue tema de polémica (puede traducirse como "Besos en el trasero"). No faltó quien supuso que era un tanto atrevido u osado, y que chocaba con su estilo. Pero, para despejar dudas, el ex Beatle se ocupó de aclarar que el nombre de su nueva producción discográfica proviene de la letra de un exitoso tema de jazz del estadounidense Fats Waller, de 1935: "Voy a sentarme y a escribirme una carta, y a fingir que vino de ti, voy a escribir palabras muy dulces, me van a derribar, muchos besos en el fondo, estaré feliz de tenerlas".

Ese tono romántico es el que sobrevuela este material que contiene temas de autores de la talla de Frank Loeser, Billy Hill y Harold Arlen, entre otros y que alcanza un nivel superior con los dos temas propios "My Valentine" y "Only Our Hearts". Es que aquí Paul ratifica su rol de crooner, y demuestra que puede, además de ser un interesante intérprete jazzero, lograr buenas composiciones.

McCartney dijo que él y John Lennon se inspiraron para la composición de sus canciones en éxitos populares, algunos de los cuales escuchó Paul cuando su padre las interpretaba en el piano de su casa.

"Fue muy espontáneo, en cierta forma orgánico, que luego me recordó la forma en que solíamos trabajar con los Beatles", dijo el músico en un comunicado acerca de su nuevo trabajo.

20 años. McCartney dijo que había pensado en el proyecto desde hacía 20 años y que a sus 69 años de edad se dio cuenta de que "si no lo hacía ahora no lo iba a hacer nunca".

Por primera vez el ex Beatle dejó todos los instrumentos a cargo de la banda que acompaña a la pianista y cantante Diana Krall, y solo reservó para él una guitarra acústica para el tema de cierre de su álbum.

"Son canciones que sonaban de fondo mientras componíamos con John", dijo McCartney sobre la elección de temas como "It"s Only a Paper Moon" o "I"m Gonna Sit Right Down and White Myself a Letter" temas presentes en su nuevo disco.

No hay dudas que este trabajo tiene un link hacia su infancia y su adolescencia, pero también abre la puerta hacia su presente. Ese que le permite demostrar a todos que se puede ser versátil sin dejar de ser un Beatle.

Asombro

“¿Realmente estuve ahí, en Los Beatles?”, dijo Paul y afirmó que se asombra por haber integrado esa banda.

Orselli es uno de los pocos famosos que tiene Rosario. Por eso su presencia no pasa desapercibida, ni siquiera en El Cairo, un bar donde confluye cierta intelectualidad local, para quienes tampoco es ajena la figura de Julio. El lo sabe y sonríe. "Yo arranco cada mañana con buen humor, me miro al espejo y ensayo una sonrisa", dice el ex presentador de "De 12 a 14", que ahora se encuentra ante un nuevo desafío: un magazine radial, y nada menos que por La Ocho. "Amo lo que hago, cada salida al aire es un placer extraordinario para mí", dijo Julio Orselli, que el lunes 13 de febrero, de 16 a 18, lanza el ciclo radial diario "Sin título", en la radio en la que hizo su primer programa, cuatro décadas atrás.

El pasado, el presente y el futuro convivieron en esta entrevista con Escenario de un modo espontáneo. Recordó sus comienzos en LT8 con el "Gordo" Chiabrando, en una dupla que le dio "cierto nombre". "Nos buscaban porque por ser cordobeses teníamos una voz pastosa, más pausada, y no gritábamos como los locutores rosarinos", dice, mientras apura un cortado en una tórrida tarde en pleno centro rosarino.

—Se te nota entusiasmado con este nuevo proyecto.

—Y, sí, además tengo tres cosas. Porque estoy todos los domingos, de 11 a 13 con el Negro Alvarez con "Los cosos", el Negro es un coso y yo el otro coso; tenemos una producción nuestra que se llama "El tachero de mi vida", que son 5 minutos de humor en una ficción radial que armamos con el Negro, es un separador que va todos los días a las 9 de la mañana; y además "Sin título", que va a ir de lunes a viernes, de 16 a 18.

—¿Cómo será "Sin título" y por qué elegiste ese nombre?

—Este nombre surgió de un programa que teníamos en la Dos con Carlitos Bermejo y Miguel Tessandori, era un magazine que hacíamos a la tarde en los años 80. Mi idea es sacar al aire a un traumatólogo, a un jardinero, a un veterinario, amén de la actualidad, deportes, espectáculos, los móviles y el servicio informativo. Voy a tener la colaboración de María Fernanda Rey, que me va a aportar oyentes de 30 a 35 años, yo apunto a los de 40, 45, para arriba.

—Tu feeling con la gente se demuestra en la calle ¿también lo vas a hacer notar en la radio?

—Sí, ese feeling continúa, no se cortó nunca. Y le vamos a dar importancia a la llamada telefónica. Por supuesto que las quejas siempre están, por los cortes de luz, las bocas de tormentas tapadas, pero si hay otro tipo de reclamos le vamos a dar participación, al menos para que la gente se saque la bronca de encima. Y el nombre de "Sin título" te permite jugar, para que cada oyente le ponga el nombre que quiera , el programa de Julio, el de Orselli, el de La Ocho, el de la tarde, ¿cómo se llama? No sé, sin título, qué se yo.

—¿Te sentís un hombre de radio?

—Totalmente, me encanta la radio, aporta la inmediatez, la autenticidad, no hay un medio masivo más rápido que la radio.

—Siempre hay un sueño por cumplir, ¿qué te gustaría hacer si tuvieras todas las posibilidades de llevarlo a cabo?

—Siempre dije que me hubiese gustado tener un ciclo de entrevistas, porque las que se ven son muy iguales todas. A mí no me gustaría imitar gente famosa, la fantasía mía es entrevistar al tipo de la grúa que está enganchando al auto que está mal estacionado, a un tachero, o al que labura en los momentos más fuleros del Heca. Buscarle la vuelta por otro lado, no por la rutina.

—¿Siempre tenés buen humor?

—Mirá, yo arranco con buen humor, me miro al espejo y ensayo una sonrisa. La otra vez leí una nota de un neurólgo que decía que al cerebro es fácil engañarlo. Es así, vos mirás al espejo y te mandás una sonrisa y aunque estés hecho mierda, el cerebro no registra que estás con un problema, segrega la serontonina y engañás el cerebro, que se predispone a las cosas buenas y no a las malas. Esto la culpa la tiene el neurólogo que leí (risas). Después, tristezas tengo, como todos...

—¿Cuales te afectan más?

—Me han pasado cosas como a cualquier otro, la pérdida de mi mamá, familiares enfermos, he tenido que desarmar dos matrimonios con hijos, quizá porque he priorizado más la profesión que lo personal. No es todo pum para arriba.

—¿Qué valor te quedó de tu niñez humilde en Bel Ville?

—Enfrentar la realidad y no quedarme, al contrario, salir a buscar la monedita, como cuando era acomodador de cine en mi pueblo. Y el hecho de no tener padre, que murió cuando yo tenía dos años y ni lo conocí, me dio otra cosa. Yo de chico buscaba la posibilidad de amplificar mi voz bien fuerte, a través del micrófono del verdulero de la esquina, de la kermesse de la iglesia, pero mi fantasía infantil, eso lo vi en análisis, era que mi viejo me estaba escuchando en algún lugar. Eso me llevo a la locución, inconcientemente, yo sé que con la voz fuerte llego adonde otros no pueden.

A la tevé con los grandes

“Esto no lo dije nunca, pero me está entusiasmando el Negro Alvarez para hacer algo en televisión, un programa humorístico con invitados, y si les entusiasma el proyecto podría ser para Canal 5 para mitad de año”, dijo Julio César Orselli. Y agregó: “No te olvides que el Negro tiene mucha llegada nacional, estoy dejando correr la imaginación, pero podría estar Cacho Fontana, Larrea hasta el mismo Tinelli, y también Mirtha y Susana, nadie le va a decir que no”.

Después de su Globo de Oro por "La dama de hierro", las apuestas se dirigen a que Meryl Streep por fin levantará su tercer Oscar, pero tiene en frente a una rival que también cotiza alto: y es que los académicos de Hollywood bien podían decantarse por Glenn Close, nominada por sexta vez, y que sorprendentemente aún no se ha llevado ninguna estatuilla. Su papel en "Albert Nobbs" bien merece premio.

Desde la malvada Cruella de Vil a mujeres de armas tomar como Axel Forrest en "Atracción fatal" o la temeraria marquesa de Merteuil en "Relaciones peligrosas", Glenn Close encarnó a personajes de muy diversa índole, pero nunca se había dejado ver como en "Albert Nobbs". Al menos en la gran pantalla, porque allá en 1982 la actriz ya se subió a los escenarios de Broadway convertida en este hombre invisible que lucha por sobrevivir en la Irlanda del siglo XIX.

Aquel personaje, y la reacción que el relato homónimo de George Moore producía en el público, hizo que la historia no dejara de rondarle la cabeza hasta que hace 15 años decidió llevarla al cine.

Potencial. "Cuando interpreté a Albert la primera vez sobre el escenario, aunque era una versión muy distinta y más sobria, pude ver cómo afectaba a la gente y aquello me impresionó", contó en una entrevista con medios internacionales en el pasado Festival de San Sebastián. Y en su empeño por retomar la historia se convirtió también en co-guionista y productora. "Estoy orgullosa de decir que ni un penique viene de Hollywood", señaló.

Frente a esa imagen de "mujer fatal" de varias de sus películas, Close cambia los corsés por vendajes que disimulen sus curvas y escondan su verdadera identidad. En el Dublín de la era victoriana, era mucho más fácil sobrevivir si se hacía pasar por hombre.

"Es un ser invisible en un trabajo en el que se supone que debe ser invisible", explicó Close. Pero intentar cumplir el sueño de abandonar su humilde vida de empleado en un hotel decadente y prosperar le costará muy caro.

"Albert Nobbs" es también la tercera colaboración de la actriz estadounidense, que en marzo cumplirá 65 años, con el "director de mujeres" Rodrigo García. Ambos ya trabajaron juntos en las historias cruzadas de "Nueve vidas" y "Cosas que diría con sólo mirarla", pero ahora el hijo del Nobel de Literatura Gabriel García Márquez la acompaña en una aventura que corona su carrera.

"Estoy feliz porque este reconocimiento puede ayudar mucho a que la película sea exitosa, pero sobre todo porque marca un momento clave en la relación profesional que Glenn Close y yo hemos tenido durante los últimos años", comentó García.

Sobriedad. Y es que Close logra transmitir todo el sufrimiento y los conflictos internos de Albert sólo con los pequeños detalles que esconden algunas de sus miradas y gestos de su rostro.

Por eso, el Oscar sería el colofón a una exitosa trayectoria que San Sebastián distinguió en el septiembre pasado con el Premio Donostia, por el que la actriz se emocionó tanto que incluso derramó alguna lágrima.

"Es el primer premio que recibo por mi carrera profesional", confesó entonces, visiblemente emocionada. Y es que los académicos de Hollywood no se acuerdan de ella desde 1989, cuando también optaba al Oscar a la mejor actriz por "Relaciones peligrosas".

"Albert Nobbs" opta además a otros dos Oscar: uno por maquillaje y otro por el papel de Janet McTeer, que interpreta a otra mujer escondida bajo la apariencia de un hombre. Si queda con las manos vacías como en los Globos de Oro o no, se sabrá el próximo 26 de febrero.

Latino

“Me encantó trabajar con Close porque es práctica, decidida y muy inteligente, además de una excelente actriz”, dijo Rodrigo García, director de la película e hijo de Gabriel García Márquez, quien reside en Los Angeles desde 1987. “Quedé con la boca abierta cuando me dijo que garantizaba la financiación”, añadió el director.

A veces vale la pena derramar más de una lágrima, sobre todo si es de alegría. Con la absoluta seguridad de estar haciendo historia, muchos de los 17 integrantes de la murga rosarina La Cotorra lloraron de contentos luego de actuar el martes por la noche en el Carnaval de Montevideo, transformando a la agrupación de barrio Azcuénaga en la primera íntegramente extranjera en participar de esa celebración uruguaya en sus más de 100 años.

Con su espectáculo "Extraños, somos muchos y nos conocemos poco", acompañados por la intendenta Mónica Fein y con el afiatado Teatro de Verano "Ramón Collazo" como marco, La Cotorra hizo de la confraternización de los pueblos su bandera y se llevó como recuerdo una cariñosa ovación del público en su retirada final por entremedio de las plateas. Lo demás ya es historia, vo.

La Cotorra hace cinco años que cultiva este género músicoteatral en Rosario y luego de tanto hacer fue invitado a entrar en el certamen. Hizo una prueba de selección en diciembre y ya no había forma de echarse para atrás. Con su inmensa imaginería de trajes y colores, la delegación de 35 personas recaló hace una semana en Montevideo para adentrarse en las entrañas del carnaval.

La del martes fue la primera actuación, luego de la paseata general de inauguración del carnaval con todas las murgas el viernes por la avenida 18 de Julio, y la próxima será el 13 de febrero. En el medio se presentan en los "tablados", fiestas barriales que reciben a las murgas en competencia. En todas esas instancias se acumula puntaje que servirá luego no para campeonar, está claro, pero sí para saber en qué estado de evolución está el trabajo de la compañía y si deberá el año próximo realizar nuevamente la admisión.

El sueño del pibe. Aunque a la gente de La Cotorra poco le importan los puntos. El hecho histórico de estar aquí es cumplir el sueño del pibe, bah del botija. Un anhelo que llevó miles de horas de ensayo y diseño y confección de los vestuarios. Los mismos con los que le encararon al escenario del Teatro de Verano.

No sin nervios, ayudados por una grapamiel en ronda y con grandes expectativas de aquel y de este lado del telón, exactamente a las 22.21 La Cotorra hizo su llamada con su director Emanuel Castro en la batuta.

En primerísima fila estaban la intendenta Mónica Fein, el director del Etur, Pichi de Benedictis, y el secretario de Relaciones Internacionales Sergio Barrios, junto al embajador argentino en Uruguay Dante Dovena, y la intendenta de Montevideo Ana Olivera.

Contenida por una escenografía que simulaba un locutorio, La Cotorra desandó el potpurrí de actualidad con una la ironía y el humor que suponen la primera etapa de la presentación. Botnia, la guerra de Tabaré Vázquez, el fútbol, el presidente Pepe Mujica y los barcos con la bandera de Malvinas fueron parte de los acontecimientos del año destacados por la murga argentina.

El cuplé comenzó con una crítica teñida de sorna a la TV y a los desmanes en el corralón municipal que hizo poner colorada a Fein. Luego tuvo un formato de solista (dos en este caso) y acompañamiento. Una irreverente historia de la murga uruguaya con insondables con insondables orígenes en Bolivia o en Italia, hicieron la delicia del público.

Finalmente, la retirada fue con un mensaje en contra del trabajo infantil y un homenaje a Agarrate Catalina, quizás la murga madrina de La Cotorra. Como se hace tradicionalmente, la murga bajó de escena y terminó su actuación entre la gente.

Mientras los abrazos se multiplicaban en el patio de recepción del miniestadio, el aire se impregnó de fraternidad y felicitaciones. Transpiración, emoción y lágrimas, y hasta el maquillaje de sus rostros, contagiaron de alegría a familiares, amigos y conocidos de allá y de acá. Para que como su vocero, Fernando Lingiardi, lo indicó, La Cotorra ya no se sintió tan extraña en Montevideo pues con humildad y trabajo logró su objetivo: ser parte de la historia grande del Carnaval del Futuro.
 
Apoyo y pasión.  El debut de La Cotorra en el Carnaval de Montevideo se debió, claro, al trabajo de la agrupación y a su romance con la murga uruguaya, pero también al apoyo de la Municipalidad de Rosario, del Gobierno de la provincia de Santa Fe, de la Embajada de Argentina en Uruguay y del diario La Capital.

Los funcionarios presentes en el Teatro de Verano no obviaron en sus conceptos la palabra “integración”. La intendenta de Montevideo, Ana Olivera, dijo que la presencia rosarina allí “es producto del hermanamiento entre las dos ciudades que firmamos en al año 96 y de los intercambios en cultura y turismo. Y así va seguir siendo”.

Por su parte, el embajador argentino en Uruguay, Dante Dovena, aseguró: “Estamos muy orgullosos de haber propiciado este encuentro. Los argentinos estamos aprendiendo sobre murga uruguaya y lo estamos haciendo con una calidad asombrosa”. Y aventuró: “Los muchachos nos están haciendo quedar bien”. Finalmente expresó que “la integración política, social y cultural entre Argentina y Uruguay sigue en marcha”.

La intendenta Fein aprovechó su viaje a Montevideo para reunirse con el director de la Unesco, el rosarino Jorge Grandi, para almorzar con la intendenta de Montevideo y algunos de sus secretarios, y para preparar un cónclave a realizarse en Rosario en abril con más de 500 organizaciones de la sociedad civil de diferentes países que harán una declaración conjunta para llevar a la Cumbre sobre Desarrollo Sustentable Río+20 en junio en la ciudad de Río de Janeiro.  

Integrantes

La Cotorra esta conformada por Emmanuel Castro como director, y por Augusto “Pato” Aliberti, Carlos Yañez, Facundo Cigliuti, Marcelo Tenaglia, Mauricio Tejera, Mauro Castro, Gonzalo Zabala, Diego Sidlik, Pablo Suárez, Ignacio Llanes, Luciano Cinel, Ari Bussi, Facundo Quiles y Fernando Lingiardi. Acompañan en bombo Santiago Yañez, en platillo Nadia Castro y en redoblante Alexis Bordón. A ellos se sumaron una docena de colaboradores.

Parte del equipo de “Viaje al centro de la Tierra”, la película de 2008 que protagonizó Brendan Fraser, volvió a la carga con una propuesta inpirada en una novela de Julio Verne. “Viaje 2: La isla misteriosa”, que se estrena mañana, está protagonizada por Dwayne “La Roca” Johnson, Josh Hutcherson, que interpreta nuevamente a Sean Anderson, el héroe de la primera entrega de hace cuatro años, y Michael Caine como su abuelo extraviado en un desconocido punto del planeta.

La acción de esta especie de continuación de “Viaje al centro de la Tierra” que se rodó en 3D comienza cuando Sean recibe una señal de auxilio en clave, proveniente de una isla donde no debería haber nada, un lugar con seres extraños, montañas de oro y enormes volcanes. El nuevo padrastro de Sean, Hank (Johnson) se une a la búsqueda junto a un grupo de intrépidos acompañantes para salvar al solitario habitante y escapar antes de que el lugar entierre sus tesoros para siempre.

A ellos se suman la bella Vanessa Hufgens, como Kailani, y su padre Gabato, interpretado por Luis Guzmán, un excelente equipo de pilotos de un destartalado helicóptero, aunque en tierra el hombre resulta ser muy torpe.

Acción. Johnson, también productor del filme, es especialista de películas de acción como “Rápidos y furiosos”, “El rey escorpión” y “Venganza letal”. La dirección fue confiada a Brad Peyton, que tiene así su segundo largometraje luego de “Como perros y gatos”.

Josh Hutcherson, que retoma un papel que encaró hace cuatro años, dijo que Sean “está listo para pasar a cosas más grandes y lleno de curiosidad por el mundo. Creo que mucha gente siente esta curiosidad, aunque no estén interesados en descubrir islas perdidas. Hay un necesidad que nos impulsa a salir por nuestra cuenta, descubriendo cosas y encontrando nuestro propio camino”, dijo el actor sobre su personaje que se interna en un universo desconocido.

A los realizadores, según se adelanta, les gustó la idea de criaturas arrojadas a un paraíso tropical convertido en trampa mortal. Además deben usar su inteligencia así como sus reflejos para sobrevivir, especialmente cuando descubren que la flora y la fauna del lugar han creado sus propias leyes que dieron lugar a elefantes en miniatura o mariposas gigantes. La desventaja son las grandes aves y reptiles carnívoros, algunos del tamaño de una campo de fútbol.

La trama está basados en parte en los libros del escritor del siglo XIX, Julio Verme, cuyas novelas “La isla misteriosa” y “Dos mil leguas de viaje submarino” aportan su esencia a la historia e inspiran la acción junto con algunas referencias a Robinson Crusoe, de Robert Louis Stevenson, “Los viajes de Gulliver”, de Jonathan Swift.

Fuentes. A diferencia de la mayoría de las películas basadas en libros, “Viaje 2: La isla misteriosa” hace una clara referencia a sus fuentes, que se vuelven parte de la historia.

Uno de los guionistas, Richard Outten, explicó: “Para mí, la idea comenzó como un tributo a mi abuelo y a algunos de los libros favoritos de mi infancia. Imaginé que los rumores de la existencia de una isla fantástica habían inspirado a tres autores a que escribieran en forma independiente lo que luego serían clásicos de la literatura, lo que en este filme sería una teoría demostrada por un aventurero de toda la vida y su nieto”.

Por su parte el director añadió: “Cuanto más irreal sea el ambiente que uno crea, más son las reglas del mundo real que deben definirse y respetarse. El desafío era: ¿cómo presentamos cosas comunes y corrientes de una forma drásticamente diferentes a cómo las percibimos normalmente, haciendo de lo familiar algo de repente extraño? Esa no es una lejana tierra de fantasía, en la isla existen cosas asombrosas, pero son cosas reconocibles de proporciones alteradas de forma salvaje”.

“No puedo asegurar que toda la ciencia en la película sea exacta”, añadió. “Pero tuvimos el cuidado de que todo tuviera una base de realidad. De ahí en adelante, simplemente nos divertimos”, completó Peyton.

Es una de piratas. Pero de acá cerca nomás, no del Caribe. Y de inesperadas aventuras, como con las que pasó a la posteridad en 1719 el escritor inglés Daniel Defoe. No hay superestrellas ni efectos especiales y sí una historia sobre "el valor de la vida" contada con dibujos animados para chicos y "los que llevamos un chico adentro", explica el director del filme, el dibujante uruguayo Walter Tournier. "Selkirk, el verdadero Robinson Crusoe" es un largometraje, el primero de este autodidacta de 67 años, que se estrena el jueves en las salas de cine de Rosario.

Tournier es reconocido en el paisito por la inmensa cantidad de premios recibidos en festivales cinematográficos dedicados a la niñez y a la juventud, y por muchos de sus trabajos. Entre ellos "Los Tatitos", una miniserie de 22 capítulos de 2001, pero especialmente por "Tonky" que hoy se ve en Canal 5, la Televisión Pública de Uruguay.

Es el mismo canal que emite "Cabeza de ratón", el programa de la Cooperativa de Animadores de Rosario. Con sus integrantes Tournier mantiene un ya largo y continuo intercambio de saberes.

En su filme, Tournier reivindica la historia del marinero escocés Alexander Selkirk como propia de nuestra región. "La película cuenta la historia de un pirata que fue abandonado en la isla Juan Fernández (allá por 1704), cerca de la costa chilena. Después cuando lo encontraron, cuatro años después de vivir en absoluta soledad, el relato de su experiencia fue aprovechado por Defoe para su Robinson Crusoe", explica el animador y agrega: "Y más allá de la aventura, es un relato donde el personaje aprende a valorar las cosas que realmente se necesitan para vivir".

Mucho tiempo. Montevideano, Tournier aprendió solo a trabajar con dibujos animados y lo hace públicamente desde los años 70, porque "en aquella época no había escuelas de cine en Uruguay, imaginate, y menos de animación".

Se dedicó a los cortos y de allí la alegría que expresa ante su primer largometraje: "Es el trabajo más importante que he hecho y tenemos grandes expectativas".

Según fuentes uruguayas, también es el primogénito de los largometrajes de dibujos animados realizado en ese país.

La referencia anterior de Tournier es al tiempo que se necesitó para producir "Selkirk". Y aunque suene descabellado, hacer la peli llevó "diez años. De a poco comenzó la pre-producción y solamente los dos últimos fueron para hacer la película", cuenta.

Mucho dinero. La increíble cantidad de horas puestas al servicio de esta coproducción uruguayo-argentino-chilena (entre Tournier Animación y La Suma de Uruguay, Maíz Producciones de Argentina y Cineanimadores de Chile), que contó con un presupuesto de 1,2 millones de dólares, se justifica en su técnica de realización, denominada Stop Motion (cuando se otorga movimiento a elementos estáticos a través de una sucesión de imágenes fijas).

La mayor parte del trabajo de construcción de los muñecos y su puesta en escena y manipulación se realizó en el taller que Tournier tiene en el patio de su casa de Montevideo. También fue necesario montar otros escenarios, y uno de ellos tenía un taller de costura incluido.

Aunque eso de trabajar en casa sea una novedad a medias ya que "Tonky", la serie que hoy se ve por Canal 5 de Uruguay, fue totalmente realizada por el animador en su residencia.

Mucha gente. Preguntado sobre su rol en la producción, Tournier se ríe y menciona la palabra "hice de todo. Escribí la historia y luego tuve que armar los muñecos y las ambientaciones. Y después se toman las fotografías". El resultado final tiene además un tratamiento especial con fondos digitales en 3D.

Cabe destacar que junto a Tournier trabajó un ejército de animadores, marionetistas, costureros, diseñadores, pintores, maquetistas, sonidistas y camarógrafos.

Las voces de los personajes estuvieron a cargo de actores y actrices argentinos, encabezados por Ariel Cisternino, como Selkirk, junto a Mariano Chiessa, Gabriel Rovito, Karin Zabala, Gustavo Dardes y Pablo Gandolfo.

El filme se estrenará simultáneamente en cines de Argentina, Uruguay, Chile y Perú, y se espera que luego haga lo mismo en otros países de Latinoamérica. "Que la vea la mayor cantidad de gente" es el deseo de Tournier. Y vuelve a su imaginería de muñecos.

Park City, Utah, EEUU. — Peter Jackson está haciendo marchar a sus hobbits y enanos a una velocidad inusitada en su adaptación de la historia previa del "El Señor de los anillos", que está rodando al doble de los fotogramas acostumbrados en Hollywood.

Jackson espera que el ritmo de 48 fotogramas por segundo —en lugar del estándar de 24 usado desde la década de 1920— ayude a generar una transición gradual a velocidades más rápidas que pueden traducirse en imágenes más realistas y de mayor calidad en la pantalla.

Las cámaras digitales permiten rodar a 48 fotogramas o más rápido, reduciendo el efecto borroso conocido como estroboscópico que puede darse filmando a 24 fotogramas.

Jackson tiene la esperanza de que un buen número de salas de cine estén equipadas con proyectores digitales capaces de manejar las velocidades más rápidas para diciembre, cuando los estudios Warner Bros. estrenen "El Hobbit: un viaje inesperado" ("The Hobbit: An Unexpected Journey"), el primer capítulo de su adaptación de dos partes del clásico de fantasía de J.R.R. Tolkien, relato previo a la ya famosísima obra y trilogía cinematográfica "El Señor de los anillos".

Sorpresa. "Ruedas a 48, proyectas a 48 y obtienes una ilusión de la vida sorprendente. Uno no se da cuenta cuán estroboscópica y cuánto titila (la imagen) con 24 fotogramas", dijo Jackson en el Festival de Cine de Sundance, donde presentaba el documental "West of Memphis", que produjo con su esposa y coguionista de "El Hobbit", Fran Walsh.

"Uno ve algo en 48 fotogramas y se ve hermoso, parece de la vida real. Es increíble".

Pioneros. Otros pioneros digitales están haciendo lo mismo. El creador de "Titanic" y "Avatar", el multipremiado director James Cameron, ha dicho que filmará la continuación de su éxito de de ciencia ficción ambientado en el planeta Pandora, a 48 o 60 fotogramas por segundo.

En la convención CinemaCon para propietarios de salas de cine en Las Vegas el pasado marzo, Cameron mostró secuencias que rodó a 24, 48 y 60 fotogramas.

La velocidad más rápida notablemente redujo o eliminó lo borroso en las escenas de acción o cuando la cámara recorrió con una plataforma rodante una larga mesa atestada de gente durante un banquete.

Luego que Hollywood entró en la era digital, los realizadores en general han mantenido la velocidad de 24 fotogramas a la que el celuloide mueve cámaras y proyectores.

Obsoleto. "El Hobbit" mostrará que ese es un modo obsoleto de rodar películas, aseguró Jackson. "Espero que este sea sólo el pequeño primer paso hacia un cambio en las velocidades de filmación porque podemos cambiarlas, especialmente con toda la tecnología digital de hoy", dijo Jackson.

"24 es irrelevante. Ya no significa nada. Es sólo una cuestión de tradición. Está lejos de ser el mejor modo visual de presentar un filme".

"El Hobbit" ha atravesado un rocoso camino desde que la última cinta de la exitosa trilogía de Jackson "El Señor de los anillos", "El retorno del Rey" (2003), arrasó en los Oscar con 11 estatuillas que incluyeron mejor película y mejor director.

Jackson planeaba sólo coescribir y coproducir "El Hobbit", pero intervino para dirigir luego que el cineasta mexicano Guillermo del Toro se retiró ante los retrasos que ocasionó la bancarrota de MGM, dueña de la mitad del proyecto.

"De hecho ha sido una experiencia razonablemente feliz", dijo Walsh, quien regresó como coescritora y coproductora. "Me sorprende decir eso porque pensé que sería muy difícil. Ciertamente, fue un nacimiento difícil el de esta película. Fue prolongado y dio pelea. Pero es sorpresivamente agradable, si puedo usar esa palabra. Agradable. Hasta ahora. Así que espero no haberle echado una maldición".

Simultáneo. Ambos filmes se están rodando simultáneamente en 3D, y el estreno del segundo, "The Hobbit: There and Back Again", está previsto para diciembre del 2013.

El actor británico Martin Freeman actúa como Bilbo Baggins, el hobbit que adquiere el anillo maligno en torno al cual gira la acción de "El Señor de los anillos".

Entre los actores de reparto de la trilogía que regresan para este filme están: Ian McKellen, Elijah Wood, Cate Blanchett, Orlando Bloom, Ian Holm, Christopher Lee, Hugo Weaving y Andy Serkis.

Los amantes del bolero podrán ver y escuchar "Juntos", el espectáculo musical protagonizado por Armando Manzanero junto al intérprete rosarino Marco Antonio Denis. El compositor mexicano, último representante de la camada que puso las bases del movimiento bolerístico latinoamericano, vuelve a Rosario en una etapa de la gira que protagoniza por escenarios de Sudamérica y el Caribe. La cita es hoy a las 21 en el City Center (bulevar Oroño y avenida Circunvalación).

Estudiosos de la música popular sitúan el origen del bolero en Cuba, a mediados del siglo XIX y consideran a "Tristezas", del cubano José Pepe Sánchez, el primer bolero registrado.

Luego, grandes nombres alimentaron al género como los de Agustín Lara, Rafael Hernández, Ernesto Lecuona, María Grever, Miguel Matamoros, Pedro Flores y Armando Manzanero, el mismo que esta noche encenderá la mecha.

Antes de subir al escenario del City Center, el enorme y generoso compositor, pianista y cantante mexicano dialogó con La Capital haciendo gala de una cordialidad inusual en una gran estrella internacional de la música popular.

—Hola Armando le habla un colega.

—Mucho gusto, encantado.

—No se confunda. No soy músico, pero mido 1,65.

—(Risas) No, pero yo estoy más abajo que usted (risas).

—Gabriel García Márquez definió al género del bolero como la música de Latinoamérica. ¿Usted que piensa?

—Es la música de toda la gente, de todo el mundo que está enamorado. Sucede es que, al componerse en español, el latinoamericano lo comprende más. Creo que sí es la música de Latinoamérica y en especial del argentino, del colombiano, porque lo bailan y al bailarlo, los acerca a sus parejas, al ser que se propone conquistar.

—¿No se siente un poco responsable por tantos niños que hay en el mundo?

—Y bueno, yo también hice muchos, así que estamos en el mismo rubro (risas).

—¿En un mundo con tanta violencia, cantarle al amor, ¿no es una ingenuidad?

—Todo lo contrario. Si hay un dolor de cabeza se toma una aspirina. Con tanta violencia, inseguridad, desgracia y tristeza, una canción de amor es un alivio para cualquier corazón.

—¿Cuántos años lleva con la canción?

—Mire, yo tengo 76 años de vida y desde los 8 estoy dedicado a la música. A los 12 años tuve el primer grupo musical y después, ya a los 15, toqué en la primera orquesta y me hice compositor. A los 20 me fui a buscar fortuna a la ciudad de México y, hasta la fecha, sigo buscando fortuna en todo el mundo (risas). Sigo en el mismo trabajo.

—¿Cuáles fueron sus motores?, ¿a quiénes admiraba? ¿a quién se quería parecer?

—Los motores míos fueron muchos, muchos. En primer lugar mi padre, que también era músico. Eso hizo que la música entrara a la casa. Mi madre era una señora que tocaba muy bien su piano y era bailarina de folclore, con lo cual la música ocupaba toda la casa. Y yo quería ser compositor. La verdad es esa: yo quería ser compositor y alcancé a escucharlo a Carlos Gardel en "El día que me quieras".

—Que es casi un bolero...

—Es que la buena canción se puede tocar en todos los ritmos. Lo que sí, siempre me gustaron las cosas buenas. En todos los aspectos. Las cosas buenas son caras, cuestan, pero duran para siempre. La buena música, los lugares bellos y las mujeres bellas también.

—¿Quién le agradece más su trabajo, las mujeres o los hombres?

—Creo que los hombres porque tienen material para ganarse a cualquier chica.

—Usted ha estado metido en medio de miles de romances...

—Sí, además he estado metido yo también en eso (risas).

—¿En qué medida nos parecemos con los mexicanos?

—En primer lugar en el idioma y en segundo lugar en el sentimiento: el mexicano es igual de lloroso cuando le falta la pareja y exactamamente igual de feliz cuando la tiene a su lado. Y hablo por mí mismo, porque el beneficio más grande que tengo es tener a la persona que amo a mi lado. Es lo más grande. Es más, no lo cambio por nada.

—¿Cree que el artista necesita a su público hasta el último día?

—Definitivamente. Nada hay más agradable que poder hacer una canción y que haya un público que la escuche.

—O sea que usted va a seguir su carrera hasta el final.

—Ojalá que me vaya yo sobre un escenario. Sería el regalo más grande que Dios me podría dar. O encima de mi mujer...(risas).

La producción en 3D de Martin Scorsese "Hugo", sobre un cuento de los años 30, y la película muda y en blanco y negro "El artista", encabezaron la lista de candidatas al Oscar, incluyendo una nominación como mejor película, por cada lado, para los premios cinematográficos más importantes del mundo. En tanto, la intérprete franco-argentina Berenice Bejo se convirtió en la única esperanza nativa para los Oscar al quedar nominada como mejor actriz de reparto por su papel en "El artista".

"Hugo" es la producción más nominada, ya que competirá en 11 categorías y Scorsese aparece entre quienes pueden quedarse con el premio a mejor director. El responsable de "Los infiltrados" y "El aviador" regresó con una historia ambientada en París en los años 30. Hugo es un niño huérfano que vive en una estación de trenes, se ocupa de arreglar relojes y se verá envuelto en una historia mágica al intentar reparar un robot.

Por su parte "El artista", que arrasó en la temporada de premios antes del Oscar, tiene 10 nominaciones. La trama es sobre un actor de Hollywood, estrella de películas de la época muda, que con la llegada del cine sonoro cae en el olvido, luego de que su trabajo incluyera el uso de la voz.

Las otras aspirantes al premio mayor son el filme sobre béisbol "El juego de la fortuna" con Brad Pitt como protagonista, que es candidata en seis categorías, al igual que "Caballo de guerra" del director Steven Spielberg. Otras producciones que competirán en ese rubro son "Los descendientes" con George Clooney y dirigida por Alexander Payne e "Historias cruzadas" de Tate Taylor, sobre la lucha por los derechos civiles en los 60 en el sur de Estados Unidos.

Completan la lista "Medianoche en París" de Woody Allen que evoca la novela "París era una fiesta", "El árbol de la vida" de Terrence Malick con Jessica Chastain y Brad Pitt, y "Tan fuerte y tan cerca" con un elenco multiestelar encabezado por James Gandolfini, Sandra Bullock y Tom Hanks.

A dos puntas. Pitt podría llevarse su primer Oscar con su nominación como mejor actor por la película "El juego de la fortuna", que consideró de mayor relevancia que las dos previas candidaturas por las dificultades que enfrentó el filme. "Esta (nominación) fue un poco más especial por lo cuesta arriba que resultó hacer la película", manifestó a la revista Variety.

Pitt se mostró además "muy contento" con las nominaciones recibidas por "El árbol de la vida", de Terrence Malick, en la que interpreta el papel principal de un padre en conflicto con su hijo durante la década del 50 en EEUU junto a la mencionada Chastain, Sean Penn y Hunter McCracken.

Unica referencia. La intérprete franco-argentina Berenice Bejo, de 35 años, se convirtió ayer en la única referencia de la Argentina para los premios Oscar que se entregarán el próximo 26 de febrero, al quedar nominada como mejor actriz de reparto por su papel en el filme "El artista", que obtuvo otras nueve candidaturas.

Bejo es una actriz nacida en Argentina en julio de 1976, hija del realizador Miguel Bejo, que se fue a vivir a Francia a los tres años, donde desarrolló toda su carrera artística.

Casada con Michel Hazanavicius, director de "El artista", con quien tiene dos hijos, Bejo posee una ascendente carrera dentro de la industria cinematográfica francesa, que la llevó a participar en cerca de quince largometrajes.

Tuvo papeles destacados en los filmes "Crepúsculo rojo" del realizador argentino Edgardo Cozarinsky, en "24 heures de al vie d'un femme" de Laurent Bouhnik, también en "La maison" de Manuel Pirier, y en "Proie" de Antoine Blossier, entre otras producciones.

En "El artista", que se estrena en Argentina el próximo 16 de febrero, Bejo interpreta a Peppy Miller, una extra cinematográfica que se enamora de un galán del cine mudo, interpretado por Jean Dujardin.

"La gente dice que esto cambiará mi carrera, pero veremos. No puedo competir realmente con las actrices estadounidenses, tengo acento", señaló Bejo en París donde asistió por TV a la nominaciones. De todas formas, la actriz se manifestó esperanzada sobre sus posibilidades de llegar a Hollywood.

El filme tuvo su premiere mundial en mayo pasado en el francés Festival de Cine de Cannes, donde Dujardin obtuvo el premio como mejor actor.

La mayor ilusión para Argentina, sin embargo, quedará para más adelante luego que “Aballay”, de Fernando Spiner, quedara fuera de la lista de aspirantes a mejor película en habla no inglesa. El multipremiado corto animado “Luminaris”, del argentino Juan José Zaramella, tampoco logró integrar el lote de los cinco títulos que el 26 de febrero aspirarán a un premio Oscar en ese rubro.

“Luminaris" obtuvo lauros en festivales de animación, entre ellos dos en el de Annecy 2011, considerado el más importante del mundo en la especialidad.

El otro representante argentino era Sebastián Estevanez, sin candidatura personal, pero integrante del elenco del filme danés “Superclásico”, de Ole Christian Madsen, filmado en Buenos Aires. La película quedó afuera del listado de las cinco que aspiran a un Oscar.

Extranjeras. La nómina definitiva de los seleccionados en ese rubro está integrada por “Bullhead” (Bélgica) de Michael R. Roskam, “Monsieur Lazhar” (Canadá) de Philippe Falardeau, y “Una separación” (Irán) de Asghar Farhadi, que se estrenará en marzo en la Argentina.

La grilla de películas extranjeras que conocerán su suerte en la 84ª entrega de los Oscar en el Teatro Kodak de Los Angeles, se completa con “Footnote” (Israel) de Joseph Cedar, y “In darkness” (Polonia) de la reconocida cineasta Agnieszka Holland.

Un ganador. En tanto, el reconocido director alemán Wim Wenders, ganador de un Oscar por “Buena Vista Social Club” sobre el grupo de músicos cubano, quedó incluido en el apartado de mejor documental con “Pina”, dedicado a la legendaria bailarina y coreógrafa Pina Bausch, fallecida en 2009, y a su compañía de danza. “La compañía Wuppertal Pina Bausch está orgullosa de esta distinción”, dijo el director.

Wenders explicó que el objetivo de su “viaje al maravilloso mundo” de Bausch fue “colocar un monumento a esa mujer única y pionera de la danza contemporánea”. Wenders tuvo con esta nominación el privilegio de convertir a “Pina” en la primera cinta filmada en 3D que aspira a ganar un Oscar en la categoría de documental.

Mientras aguarda con impaciencia el veredicto final de la Academia de Cine de Estados Unidos, que decidirá mañana cuál será el filme en idioma no inglés que competirá por los Oscar a mejor película extranjera (ver aparte), Sebastián Estevanez se prepara para estrenar hoy "Dulce amor", la telenovela que se verá a las 22.30 por Canal 5. Así, dos emociones fuertes lo esperan en el inicio de la semana, ya que mañana se sabrá si "Superclásico", el filme que protagoniza, integra la terna final de los candidatos al premio de la Academia.

"Me gustaría ver más actores de telenovelas en el cine argentino, me parece injusto que haya tanto prejuicio con nosotros cuando los actores en definitiva somos todos del mismo palo", indicó Estevanez que rodó "Superclásico" bajo las ordenes del danés Ole Christian Madsen.

En "Dulce amor", además del rol estelar que comparte con Zampini, el elenco lo completan Juan Darthés, Segundo Cernadas, Laura Novoa, Georgina Barbarossa, Arturo Bonín, María Valenzuela, Calu Rivero, Rocío Igarzábal y Nicolás Riera, entre otros.

Conflicto. La historia que llegará hoy a la pantalla chica abordará la problemática vida de tres hermanas (Zampini, Rivero e Igarzábal ) dueñas de una fábrica de golosinas a punto de quebrar y de un chofer (Estevanez) que llegará a sus vidas para cambiarlo todo.

Es que Victoria (Zampini) está al frente de la empresa y es la novia de un hombre (Cernadas) que no hace otra cosa que trabajar para que se caiga el imperio. En ese contexto aparecen Marcos (Estevanez) y Julián (Darthés), dos ex corredores de autos devenidos en choferes de la firma, que harán tambalear la vida amorosa de toda esta poderosa familia.

"Marcos es un pibe desestructurado, bien de barrio, que no tiene filtro, el típico hombre mujeriego que mantiene a toda su familia porque su padre se borró cuando era chico", contó quien encarna al chofer Marcos sobre el personaje creado por su padre, Enrique Estevanez.

"Los espectadores —añadió— se van a encontrar con una novela moderna pero clásica a la vez, porque se trata del típico culebrón estructurado en triángulos amorosos y amores imposibles, pero al mismo tiempo tiene actuaciones relajadas y algunos pasos de comedia", adelantó el intérprete.

Asombro. Por otra parte, en medio del trajín cotidiano que implica cualquier tira televisiva, el galán de "Herencia de amor" y "Amor en custodia" admitió sentirse asombrado por la preselección a los Oscar de "Superclásico", que Madsen filmó en la Argentina.

El largometraje cuenta la historia de Christian (Anders W.Berthelsen), un danés de 40 años que viaja a Buenos Aires junto a su hijo Oscar para recuperar a su mujer Anna (Paprika Steen), que los abandonó un año atrás para quedarse con un famosísimo futbolista argentino que brilla en Boca Juniors y que asume Estevanez.

"Hice un casting, y sin hablar nada de inglés quedé, tuve que practicar mucho y mi personaje está buenísimo. Yo soy como un (Martín) Palermo que se enamora de su representante y queda en el medio de un divorcio", repasó el intérprete.

"Me interesó ser parte de una trama que es fuerte y profunda", redondeó Estevanez acerca de ese filme que se rodó en 2010 en Buenos Aires.

Como en todos los eneros desde hace más de medio siglo, esta noche a las 21.30 los fuegos artificiales volverán a iluminar el cielo de Cosquín y las campanas a vuelo de su iglesia darán la bienvenida al 52º Festival Nacional de Folclore y la fiesta mayor de la música criolla confirmará que es parte indisoluble de la cultura argentina.

Con el himno de Cosquín como fondo se escuchará al locutor Fabián Palacios exclamar el grito tradicional de "¡Aquí Cosquín!". Su voz se confundirá con las explosiones de las bombas y la emoción, como una ola gigantesca, recorrerá la plaza Próspero Molina.

Luego, el maestro de ceremonias Marcelo Simón apelará a su madurada sapiencia y buscará aportar contenidos y fervor criollo a quienes sigan el festival por radio y TV.

En el espacio previo al inicio de la transmisión televisiva que comenzará a las 22.30, se presentarán el Trío Santiago y La Pesada Santiagueña.

La 52ª edición del festival incluye las actuaciones de importantes músicos santafesinos que se concretarán desde esta noche con la presentación del armoniquista rosarino Franco Luciani y su grupo. La figura central de la velada inaugural será Chaqueño Palavecino.

En la primera luna la programación no dejó de lado a los referentes del folclore tradicional y sumó la presencia de Omar Moreno Palacios, crédito de Chascomús de largo recorrido como compositor e intérprete.

Como todos los años, la fiesta no abandonará el hábito de deparar sorpresas. La primera noche incluirá la insospechada visita de Eleonora Cassano, quien fuera la partenaire del retirado bailarín Julio Bocca.

Nuevos valores del género también pasarán hoy por el escenario Atahualpa Yupanqui, como Mariana Cayón y la coplera Mariana Carrizo, quienes alternarán sus presentaciones con las de veteranos, como el jujeño Tomás Lipán y las delegaciones de San Juan y de Ecuador.

Lo que vendrá. El primer fin de semana del festival —que podrá seguirse por La Ocho de Rosario, con el equipo radial que conduce Marcelo Nocetti—, prevé para mañana las actuaciones de Antonio Tarragó Ros junto al historiador Pacho O'Donnell y una selección de jóvenes músicos argentinos, como el jujeño Bruno Arias, el grupo femenino Aymama y Los Núñez con Ruiz Guiñazú.

A ellos se sumarán artistas consagrados en la plaza Próspero Molina como Abel Pintos, Sergio Galleguillo y el histórico músico del norte santafesino Coco Díaz.

El domingo las luces del escenario mayor seguirán los pasos de Jairo. El cantor de Cruz del Eje regresará una vez más a su región natal para ofrecer una selección de canciones de su abultado repertorio.

En la misma noche se presentarán el poeta, músico y periodista mendocino Jorge Marziali junto a la compositora e intérprete entrerriana Marita Londra.

El segmento dedicado al humor estará a cargo del cordobés Cacho Buenaventura, mientras que Luciano Pereyra será el encargado de arrancar suspiros a la platea femenina.

Presencia santafesina. Siguiendo con una vieja y sana costumbre, este año volverán las delegaciones provinciales. La de Santa Fe estará presente el jueves 26. En la ocasión, el actor Matías Martínez, quien protagonizó en Rosario la teatralización de la jura de la Bandera Nacional, volverá a asumir el rol de Manuel Belgrano para tomar el juramento de fidelidad a la enseña patria a todos los presentes. La producción artística del Ministerio de Innovación y Cultura provincial anticipará los festejos por el bicentenario de la creación de la bandera e incluirá la actuación de Soledad.

Difícil equilibrio. Como cada año, los programadores intentan conseguir un equilibrio que conforme al heterogéneo público que nutre al mayor festival de música popular de Latinoamérica. La reiteración convirtió en superadas las largas y tediosas discusiones sobre quién "debe" y quién "no debería" estar en Cosquín.

En esta edición se prevé el regreso de Carlos "La Mona" Jiménez, a 25 años de su frustrado debut en el escenario coscoíno, y es probable que, nuevamente, voces airadas objeten su presencia. Pero Cosquín posee una magia que supera y disimula cualquier desprolijidad. Y en ese carácter de fenómeno cultural quizá se encuentre el secreto de su permanencia.

Después de un año de recorrer varios festivales nacionales e internacionales el actor, y ahora flamante director, Daniel Hendler, debuta en los cines comerciales con "Norberto apenas tarde" que se estrena hoy en los cines de Rosario. El realizador uruguayo y protagonista de películas como "El abrazo partido" y "Esperando al Mesías", entre otras, contó que el título alude a "lo que tiene de optimista esta comedia un poquito amarga, porque el personaje sabe que es mejor tarde que nunca".

Durante una pausa en las grabaciones de "Los graduados", la tira con la cual regresa a la televisión después de su participación en "Los únicos", Hendler contó a La Capital cómo fue el proceso de creación de este filme seleccionado para participar en festivales en Italia, Canadá, España, Brasil, Alemania, México y Chile.

—¿Cómo es el personaje de Norberto?

—Inicialmente era una película coral, en la cual Norberto articulaba varias historias. Finalmente me di cuenta que me interesaba concentrarme en la historia de él. Es un tipo que llega un poquito tarde a todos lados, incluso a su propia vida. Es bastante mentiroso, pero más que mentir a los demás, se miente a sí mismo. Se va metiendo en embrollos porque no puede detectar qué le pasa. Hasta que no patea el tablero, no sabe afrontar su crisis.

—Así, llega a un curso de teatro, y eso supuestamente hace que se encuentre con su destino...

—En realidad el teatro lo ayuda más bien a conectarse con su deseo. Es un tipo que está un poquito apagado. Podría haber sido otro ámbito, pero elegí el teatro porque lo conozco particularmente. El teatro lo activa, lo revitaliza, se mete con un grupo de veinteañeros. El está pisando los 40. De alguna manera, la búsqueda de su personaje en las clases de teatro lo ayuda a detectar su potencial de seducción y también su capacidad para mentir. Era algo que él desconocía y lo hacía por inercia.

—¿A qué apela lo de "apenas tarde"?

—Es apenas tarde que él, finalmente, se conecta con su propia vida. Es un personaje que todavía está a tiempo. El título da a entender lo que tiene de optimista la película porque él sabe que es mejor tarde que nunca. Es una comedia apenas amarga. Alguna vez dije "comedia triste" y no es del todo exacto. Tiene humor y cierta tristeza, pero es una comedia un poquito amarga.

—¿Te alentó tu mujer Ana Katz (directora de filmes como "Los Marziano" y "Una novia errante") para lanzarte a la dirección?

—Eso fue importante. Cuando nos conocimos fue en los roles de actores y directores ambos, en mi caso de teatro. Y por supuesto que su opinión y su mirada son importantes.

—¿Pensaste en el riesgo de pasar de la actuación al largometraje?

—Lo que pasa es que pongo más en riesgo la carrera cada vez que actúo que en la dirección. Con la dirección lo peor que puede pasar es que a alguien no le guste. Mi vida de actor no se ve tan comprometida. Pero es el miedo a la exposición desde otro lugar. Uno como actor se expone todo el tiempo y eso, a veces, es difícil. Como director es todo nuevo y hay miedos nuevos que surgen. Pero desde el punto de vista del cuidado nunca sentí eso.

—Se dice que cuando se escribe ficción, generalmente aparece algo autobiográfico. ¿Es el caso de tu ópera prima?

—Probablemente... A veces lo autobiográfico pasa por lugares poco visibles. Quizás en este caso lo más autobiográfico puede ser el miedo al abismo que siente el personaje ante el cambio. De repente a través de experiencias propias o cercanas pude acercarme a la dificultad del cambio. Y hay ciertos miedos y cuestiones más vinculadas al ego del actor que a veces necesita ser contenido y aplaudido y al mismo tiempo la soledad que a veces sobrelleva el actor en ese proceso de exposición y reconocimiento. Algo de eso se puede colar, pero al colarse cobra otra forma. No es que yo crea que la historia del personaje pueda pasarme a mi.

—No es que seas un grandísimo mentiroso como tu personaje...

—No tanto, apenas un poquito (risas).

Mañana se estrenará en Rosario “La chica del dragón tatuado”, obra del director estadounidense David Fincher, que cuenta con las actuaciones de Daniel Craig y Rooney Mara en los roles principales. El cineasta de Hollywood no pudo resistir la tentación de ofrecer una versión propia de las originales propuestas literarias que llegaron al cine en Suecia, basadas en las novelas de Stieg Larsson.

La película tiene como protagonistas a un periodista y a una joven especialista en informática que se dedica a descubrir secretos guardados en las redes. El dúo investiga la oscura historia de una poderosa familia sueca.

Se trata del primer título de una probable saga de películas que intentará presentar al público estadounidense una versión propia de las populares novelas de Larsson.

Un poco de historia. La trilogía “Millenium” es una saga novelística del escritor y periodista sueco Stieg Larsson publicadas tras su temprana muerte ocurrida en 2004, que llegó al cine para conmover a la platea con una historia que tiene dos protagonistas centrales: el periodista Mikael Blomkvist y la investigadora Lisbeth Salander.

Las tres películas se basaron en las novelas “Los hombres que no amaban a las mujeres” (2005), “La chica que soñaba con una cerrilla y un bidón de gasolina” (2006) y “La reina en el palacio de las corrientes de aire” (2007). Todas las historias giran en torno a Blomkvist, uno de los dueños de la revista “Millennium” y a la hacker, una solitaria y joven mujer, dueña de una prodigiosa memoria fotográfica y de un doloroso pasado.

Las obras llegaron al cine desde 2009, dirigidas por Niels Arden Oplev (la primera) y por Daniel Alfredson (la segunda y la tercera), y fueron protagonizadas por Michael Nyqvist y Noomi Rapace.

La tentación. Sin dudas David Fincher disfruta manejando un tema tan sombrío y espinoso como el que aborda su nueva película, que se sitúan fuera de las temáticas habituales de Hollywood. “Es algo que me reafirma de alguna manera”, reveló Fincher respecto del nuevo proyecto. “Lo veo y digo: «Me gusta». Me hace sentir que el tipo de historias en las que yo podría estar interesado, son interesantes para otros”.
 

La afirmación se respalda en su filmografía, integrada por ocho películas que, aunque no han gozado de un gran éxito en la taquilla, le permitieron estar nominado en dos ocasiones al Oscar y ser reconocido como uno de los cineastas más talentosos del momento. Posee un particular dominio de los encuadres y su habilidad le ha permitido ganarse el respeto de los críticos y los cinéfilos jóvenes, especialmente por dos de sus filmes más celebrados: “El club de la pelea” (1999) y “La red social” (2010).

En uno de los primeros títulos del director (“Seven”, 1995), un personaje interpretado por Morgan Freeman dice: «Ernest Hemingway alguna vez escribió: El mundo es un lugar bueno y vale la pena pelear por él». Yo estoy de acuerdo con la segunda parte”.

Esta frase parece resumir las intenciones del director. “Me siento más atraído por la historia de los pervertidos”, confesó Fincher. “No estoy tan seguro sobre las cosas en las que todos estamos de acuerdo. Creo que tomé una decisión al comienzo sobre ver las cosas diferentes y decir: «todos quieren pegarla con un entretenimiento escapista» y a pesar de eso, siempre me gustaron las cosas que se cuelan por la ventana de al lado, así que ¿por qué no presentar una alternativa viable?”, se preguntó.

“Eso no quiere decir que no me hubiese encantado hacer una película como «Parque Jurásico», aunque todos se habrían muerto, pero...”, desafió.

El director, que reconoce su admiración por Steven Spielberg y Bob Fosse, aprendió cine trabajando en Industrial Light & Magic de George Lucas.

Sin embargo, el cineasta admite que quienes más lo impresionaron fueron Alfred Hitchcock y Roman Polanski. “Hitchcock era más como un niño jugando con esas ideas”, dijo Fincher. “Polanski, creo que nunca fue un niño ... Desearía tener tanta confianza sobre ser perverso como la ha tenido Roman”, ironizó.

Hitchcock o Kubrick. Daniel Craig, el actor principal de la película aportó su opinón sobre el director: “Siento que es lo más parecido que tenemos a Hitchcock”, dijo. “La gente suele compararlo con Kubrick, pero hay algo más sobre él, algo que hace con los elementos visuales y con los actores, la gente suele dar actuaciones que definen su carrera en sus películas”, explicó el actor.

A los 49 años, Fincher logró construirse una reputación casi mítica por sus obsesiones, en especial por su estilo de filmación que favorece una gran cantidad de tomas; un manejo que, según él, retira los movimientos artificiales y medidos para lograr una actuación menos autoconsciente.

Se especulan con que “La chica del dragón tatuado” puede dar pie a otras dos películas. Sin embargo, al filme no le fue bien en su primer fin de semana de exhibición cuando recaudó 13 millones de dólares en EEUU. Fincher dice que, aunque espera propuestas, dirigir otra película sobre los libros de Larsson no es algo en lo que esté pensando. Sin embargo el final de esta historia sigue abierto.

Los actores suelen tratar de ser cantantes, como Eddie Murphy y su "Party All the Time", y los cantantes también suelen atreverse a actuar. Y les va muy bien. Con la excepción de Barbra Streisand, Liza Minnelli y J.Lo que siempre tuvieron un pie en ambos mundos, entre tantas estrellas de la canción existe un quinteto de grandes músicos que se convirtieron en cinco grandes actores e hicieron historia en Hollywood.

Frank Sinatra encabeza la lista por méritos innegables. Como astro pop causaba sensación entre las chicas en la década de 1940 antes de crear una gran carrera en el cine por sí mismo. Sinatra ganó un Oscar al mejor actor de reparto por "De aquí a la eternidad", de 1953, y fue nominado como mejor actor por "El hombre del brazo de oro" de 1955.

Naturalmente sus primeros papeles llegaron en musicales como "Anchors Aweigh" (1945) y "On the Town" (1949) con Gene Kelly. La versión original de "La gran estafa" (1960) le permitió interpretar al maestro ladrón Danny Ocean que George Clooney encarnó en 2001 bajo la dirección de Steven Soderbergh, mientras que la película de suspenso y política "El candidato de Manchuria" (1962) fue quizá en la que tuvo su mejor papel.

Will Smith se convirtió en un actor dos veces nominado al Oscar, pasó del rapeo y las risas en la televisión a papeles de peso completo como en "Ali" y "En busca de la felicidad".

El punto más alto de Smith como estrella de cine llegó con su talento y su encanto. demostró que puede hacer comedia ("Hombres de negro") a la acción ("Bad Boys") pasando por el romance ("Hitch") e incluso ciencia ficción ("Soy leyenda") y dramas ("Siete almas").

Bette Midler creó su carrera cantando en Broadway y en clubes nocturnos, con un entonces desconocido Barry Manilow a su lado. Dio a conocer al mundo su histrionismo en su primer papel importante en una película en "La Rosa" de 1979 interpretando a Janis Joplin.

Ese trabajo le valió una nominación al Oscar como mejor actriz, su segunda nominación llegó en 1991 con "Por los muchachos". Sus papeles cómicos destacados incluyen "Down and Out in Beverly Hills", "Outrageous Fortune" y "El club de las divorciadas".

Cher es una diva que tuvo momentos buenos y malos. Fue una cantante y estrella de televisión (con su entonces esposo Sonny Bono) famosa por su personalidad extravagante antes de presentar una serie de papeles fuertes y eclécticos en la década de los 80 y los 90, que incluyeron "La Máscara", "Las brujas de Eastwick" y "Te con Mussolini".

De hecho gano el Oscar a la mejor actriz como la obstinada Loretta en "Hechizo de luna" de 1987. Su papel más reciente fue en "Noches de encanto", junto a Christina Aguilera, en la cual volvió a conjugar su enorme e intacta voz con la actuación.

Justin Timberlake dejó atrás hace mucho tiempo el "Club de Mickey" y sus orígenes en bandas de chicos para convertirse, no nada más en un gran solista, sino en un actor de gran calidad. Tras sus papeles de reparto en los dramas "Alpha Dog" y "Black Snake Moan" tuvo un papel muy carismático como el ambicioso Sean Parker en "Red Social". Este año demostró que puede tener protagónicos románticos ("Amigos con beneficios") y ser estrella de acción ("El precio del mañana"), mientras que reforzó sus habilidades en la comedia ("Malas enseñanzas") junto a una reina de la comedia como Cameron Diaz.

"Nunca o una eternidad" parece una frase demasiado terminante. Y más para alguien como ella. Deborah de Corral no es de las personas que suele decir "esto no lo haría nunca" y tampoco es de las que le cuesta "una eternidad" que se le cumpla un sueño, o simplemente un deseo. Su nuevo disco es una brisa de aire fresco dentro del pop y ella asegura que es esa senda la que le interesa transitar y no la de una chica del rock. "No me parece que haya realmente un lugar para las mujeres del rock argentino, entonces no quiero estar en un lugar que no existe", afirmó en diálogo con Escenario.

—¿Por qué le pusiste a tu disco "Nunca o una eternidad"?

—En principio es una frase que pertenece a una de mis canciones favoritas del disco, que es "Este cielo". El tema dice, básicamente, que si no aprovechás el tiempo y no hacés lo que querés, y no estás donde querés estar, cada día que pasa puede ser nunca o una eternidad.

—Ese tema tiene un cierre instrumental bien arriba... Una faceta que se desconocía de vos.

—No tengo en claro qué es lo que la gente conoce de mí. Creo que no mucho, hice un par de cosas antes de este disco, pero no tuvieron difusión. Por suerte, porque me gusta mucho más lo que hago ahora que cualquier cosa que haya hecho antes.

—¿Al ser modelo, ¿la gente puede cargar con prejuicios a la hora de escuchar tu música?

—Es lógico y natural que la gente sienta eso, y creo que también está ocurriendo que al escuchar este disco se van a derribar prejuicios, pero no especulé mucho con eso, en definitiva porque es algo que está fuera de mi control. En el momento de componer y producir este disco mis especulaciones iban por el lado de algo que yo pudiera manejar, la parte musical, qué cantar, qué no cantar, qué grabar, qué músico llamar, esas cosas, el resto no depende de uno, sino de cómo recibe la gente lo que uno hace.

—Se nota que creciste en lo interpretativo e incluso te animaste a tocar el piano. ¿Tu intención es buscar otro perfil expresivo?

—No tuve mucho tiempo, pero este año me gustaría estudiar piano en profundidad, porque lo poco que estudié lo pude aplicar enseguida, y me da la sensación de que puedo llegar a crecer mucho por ese lado. La parte vocal es más espontánea y es más introspectiva, y a medida de ir componiendo y grabando voy aprendiendo qué me queda bien y qué puedo mejorar respecto al color de la voz y la interpretación.

—¿Te interesa buscar un lugar entre las mujeres del rock?

—No, no me preocupa para nada. Y te digo que no porque no es algo que dependa de mí, aparte no me parece que haya realmente un lugar para las mujeres del rock argentino, entonces no quiero estar en un lugar que no existe, ¿entendés? (risas).

—¿Por qué decís "no existe" cuando hay mujeres importantes dentro del género?

—Sí, hay un par conocidas, que la luchan desde hace treinta años, y la vienen remando pero, qué se yo, también hay satélites dando vueltas, que no le han dado mucha bola, entonces no es un lugar que me interese ganarme, porque no es un lugar que exista. Me parece particularmente privilegiado realmente. No lo pienso por ahí, pienso en hacer lo mío y pienso que hoy, por suerte, la música tiene otro tipo de apreciación del público, es un público menos viciado de ese tipo de diferencias, que tiene que ver con algo mas viejo de nuestra cultura.

—Además lo tuyo va más por el camino del pop.

—Claro, pero yo aparte no me meto en el rock, hago canciones, no la voy a tener que luchar con bandas festivaleras ni nada, no... yo me trato de hacer camino por otro lado y no pienso sólo en la Argentina. Y no es por pretensiosa, sino porque pienso que hoy es posible, porque creo que el pop trasciende la barrera de los países. Por eso no pienso tanto en el lugarcito de las mujeres en el rock nacional porque sino me tengo que pegar un tiro (risas).

—¿Qué mercado internacional te interesa captar?

—No sé, mirá, está todo por verse, y está todo por explotar o implotar, no se sabe (risas). Todo puede ir fantásticamente o quedar en una anécdota que la piba sacó un disco, no tengo ni idea, yo apunto a que sea algo de larga data, a grabar más discos y a tener una carrera. Hasta cierto punto depende de mí y de mi equipo de laburo, y después depende de la gente que me quiera seguir escuchando, que me quiera comprar un disco y quiera venir a un show mío.

—El amor y el desamor aparencen en varios de tus letras, ¿te lo propusiste o surgió por alguna cuestión íntima?

—No me lo propuse, surgió naturalmente porque las canciones pop dan para eso, lamentablemente caí en un lugar común en cuanto a la temática. Quizá en cuanto al abordaje fue algo más natural, pero en la temática apelé a la memoria emotiva propia y a la universal, son cosas que a todos les pueden pasar.

—También hay canciones de género, ¿algunas son autorrefenciales?

—Sí, en "Como soy", en esa que digo "no soy una chica formal" soy yo. Pero también soy la chica que quiere que la quieran, que está buscando un amor, es una contradicción. No todas son así, algunas son totalmente aguerrridas, las menos, y las otras son sumisas, son Susanitas, y están sólo buscando el amor. Cada vez más mujeres buscan esa dualidad, y esa contradicción es tan natural en toda mi vida, eso de decir "bueno, soy súper independiente, pero quiero que me quieran".

—O sea que te admitís realmente una Susanita?

—Obvio, cuando una se enamora se pone medio estúpida, y sueña del mismo modo como sueña una chica formal, con tener hijos con esa persona y dónde vamos a ir a vivir, pese a que la vida transcurre de otra manera para una que es un poco más freak (risas), pero soñar una sueña.

Coherencia estética

“Nunca o una eternidad” es mucho más que un nuevo disco de pop. La elegancia de Deborah de Corral en las interpretaciones, las sutilezas en los arreglos y la calidad de los músicos participantes hacen que sea una de las sorpresas más atractivas para escuchar dentro de las últimas ediciones argentinas. Con diez canciones simples y bien compuestas, la intérprete y compositora se despacha con temas con destino de hit, como “Algo”, en donde toca hasta el ukelele, y donde el colorido de la canción recuerda la estética de Julieta Venegas. También se luce con “Este cielo”, con un buen arreglo instrumental y una potente sección de cuerdas en un crescendo final. Hasta “The Ring”, interpretada en inglés, demuestra la versatilidad expresiva de Deborah de Corral, en un cierre que es una frutilla de postre. La participación del crédito rosarino Gonzalo Aloras, incorporado a la banda fija de la cantante, es clave en temas como “Todo el oro” y “Quien cayó”, y la llamada “banda charrúa” (como la denomina De Corral) comandada por Juan Campodónico, impone calidad y arreglos atípicos para la estructura de los temas pop, que, sin embargo, mantuvieron una coherencia conceptual en todo el álbum.

Matt Damon y Scarlett Johansson encabezan el reparto de "Un zoológico en casa", una película que recrea un hecho real. El filme, que se estrena hoy, está basado en las memorias de un periodista de Los Angeles, viudo y con dos hijos a cargo, que en función de su deseo de buscar una segunda oportunidad para su familia, compra y se instala en una casa en las afueras de la ciudad que incluye un zoológico casi en ruinas con 200 animales.

Benjamin Mee, interpretado por Damon, es un columnista y escritor que adquiere adquiere una hermosa propiedad que resulta ser parte del abandonado Rosemoor Animal Park, donde docenas de animales viven bajo el cuidado de la guardiana Kelly Foster (Scarlett Johansson) y un reducido equipo de colaboradores. Sin experiencia y con un exiguo presupuesto, Mee intenta reabrir el zoológico con el apoyo de su familia y de la comunidad.

A primera vista, "Un zoológico en casa" representa un cambio para el director Cameron Crowe, cuyos filmes previos incluyen "Jerry Maguire" como reportero de la revista Rolling Stone. Pero, como en esos dos casos, Crowe vuelve a contar una historia que es en esencia un relato de un transformación íntima y radical.

Optimismo. "«Un zoológico en casa» nació del deseo de contar la historia de Benjamin Mee", dijo el director para quien la experiencia de coescribir y dirigir la película significó una revelación. "Una de las razones por las cuales quería hacer la película era para mostrar un poco de alegría al mundo. Creo que esta película te permite sentir algún tipo de felicidad por cosas tan simples como estar vivo, además de convertir la pérdida en una fuente de inspiración",aseguró.

Luego de revelar el afecto que siente por los animales, también contó que la película "es acerca de tomar riesgos; muchas de las cosas más grandes que logró la humanidad se consiguieron después de tomar riesgos" aseguró el director sobre esta historia que tiempo antes fue objeto de un documental de la BBC.

Según contó el director encontrar a los los actores adecuados para interpretar a los miembros de una familia ordinaria, situados en circunstancias extraordinarias, no fue tarea fácil. Para el papel central de Benjamin Mee, un padre soltero, que está saliendo de una crisis, quería a un actor que pudiera aportar un cierto sentido de decencia y de altruismo, pero también con sentido del humor.

Para Crowe, tanto el Benjamin Mee de la vida real como su contraparte cinematográfica están además definidos por su tenacidad. "Nunca se da por vencido", comentó el director sobre Mee. "Y me encanta ese tipo de hombres a los que nada los va a detener". Así fue como Matt Damon entró en el universo de esta historia que si no fuera real resultaría disparatada.

Damon trabajó con los realizadores más reconocidos del mundo, como Steven Spielberg, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Clint Eastwood, Gus Van Sant, Anthony Minghella, los hermanos Coen, Steven Soderbergh y Paul Greengrass. Y según contó admiraba la "sensibilidad única" de Crowe.

Estilo. Esa sensibilidad se refleja en algunas singularidades de la forma de narrar del realizador. "De repente te estás riendo, y, al mismo tiempo, estás conmovido. Es capaz de utilizar el humor para hacer que bajes la guardia. Es más, creo que todos los personajes son alguna versión de él y por eso generan empatía. Es la razón por la cual todas sus películas tienen un tono tan compacto y coherente", consideró.

Por su parte Johansson, que interpreta a la pragmática encargada de un zoológico en decadencia sólo por amor a los animales, señaló que el filme tiene "algo muy inusual y clásico al mismo tiempo", dijo y explicó: "Es una película acerca de la familia, de encontrar tu pasión y de creer en el futuro"

Juanchi Baleirón, integrante histórico y actual cantante y guitarrista de la banda que durante muchos años tuvo como la voz principal a Bahiano, habló con La Capital y evocó los hitos más importantes del largo camino recorrido con la música jamaiquina.

—Debe ser un motivo de orgullo cumplir 25 años de trabajo, pero también alerta sobre el vertiginoso paso del tiempo.

—Primero lo celebrás, después.... Llegamos a 25 años pero no nos dimos cuenta. Mirando hacia atrás no lo podés creer, pero tomamos conciencia de que siempre hemos estado juntos en una relación de trabajo y de amistad.

—¿Rescataron el reggae del olvido?

—Hicimos conocido el reggae a nuestra manera. Es conocido, en forma masiva, desde hace unos ocho años y ocupa un lugar importante, más allá de una moda. Cuando arrancamos éramos el grupo que tenía algo diferente, pero no pensamos que el reggae iba a ser algo tan popular como lo es ahora. Si bien había bandas que hacían reggae, como Sumo, la banda que hizo masivo al reggae fue la nuestra.

—¿De qué manera ser arrimaron al reggae?

—Nos gustaba mucho lo que pasaba en los 80, sobre todo en Inglaterra. Llegamos ahí porque escuchábamos a gente que no era "reggaera" pero que lo hacía, como The Police, Elvis Costello o The Clash. Por ahí entra y, después de un proceso introductorio con esos artistas, empezás a investigar. En esa época investigar era mucho más artesanal, de boca en boca, de amigo a amigo, de disco en disco, de libro en libro, de viaje en viaje. Primero se trataba de sonar jamaiquino, pero me di cuenta que en ese proceso no debíamos intentar superar ese sonido, sino que lo debíamos tomar y hacer lo propio, a nuestra manera. Si bien al principio éramos "la" banda de reggae, después se abrió, todo el mundo escuchó el reggae más puro. Los Pericos transitamos un camino a nuestra manera.

—Con títulos como "Big Yuyo" (1992) y "Yerba buena" (1996) surge la inquietud de conocer la relación del grupo con la botánica.

-—(Risa) Siempre está. Nos gustan las plantitas...

—Hoy el tema ya forma parte de la vida cotidiana en la Argentina.

—Por tweeter alguien mandó un mensaje buenísimo que decía algo así como: "Antes era fumar un porro. Ahora se habla de cultura canábica" (risas). Creo que tiene que ver con algo más importante que fumar un porro. Tiene que ver con la libertad de cada uno. Ese es el punto clave. No se plantea por el consumo o no de marihuana. Al lado de la marihuana, prefiero que haya comida y educación para todos, le pondría un poco más de energía a eso. Lo realmente importante es la libertad.

—¿Qué aportaron al reggae?

—El grupo genera una tensión en el público que está buena usarla para juntarse. Nuestra forma de hacer reggae es siempre la de ser frescos y directos.

Antonio Gasalla, Mauricio Dayub, Moria Casán, Pepe Soriano, Gabriel "El Puma Goity" y Carmen Barbieri son algunas de las figuras que animarán la siempre nutrida y variada temporada teatral en la ciudad de Mar del Plata.

Con propuestas de teatro de revista, drama, comedia, unipersonales, musicales y re-versiones de clásicos, la máxima plaza teatral del verano desplegará una nueva y variopinta agenda que incluirá renombrados elencos y también reposiciones que hicieron furor en las salas porteñas.

Tal es el caso de Antonio Gasalla que, luego del suceso en Capital ya dio inicio a su segunda temporada marplatense desde el viernes último con "Más respeto que soy tu madre" en el Radio City, cuyo debut a sala llena vaticinó un nuevo éxito de taquilla. Es que durante la temporada 2009-2010, cuando el espectáculo se presentó por primera vez en la ciudad balnearia, logró reunir más de 110.000 espectadores.

Otras conquistas de la cartelera metropolitana que se repondrán en Mar del Plata son "Los 39 escalones" (teatro Güemes, estrena el 27 del corriente), la puesta dirigida por Manuel González Gil y encabezada por Fabián Mazzei, Laura Oliva, Nicolás Scarpino y Fabián Gianola y "Toc Toc" (teatro Neptuno, desde la primera semana de diciembre) comandada por Lía Jelin y con elenco integrado por Mauricio Dayub, Daniel Casablanca, María Fiorentino, Eugenia Guery, Diego Gentile, Melina Petriella y Jorgelina Vera.

Además, llegará "Extraños en un tren" (teatro Güemes, a partir del 28 de diciembre), una adaptación teatral de la novela negra de Patricia Highsmith (llevada al cine por Alfred Hitchcock) dirigida por Manuel González Gil y estelarizada por Gabriel Goity, Martina Guzmán, Pompeyo Audivert y Ludovico di Santo; en tanto en el Roxy se presentará "Camino negro", comandado por Rodolfo Ranni y encabezado por el propio Ranni, Luciano Castro y Romina Ricci.

Luis Brandoni ya arribó a Mar del Plata para ponerse en la piel del presidente radical en "Don Arturo Illia" (teatro Bristol) bajo las órdenes de Héctor Giovine; mientras desde el Cervantes de Buenos Aires llegará al Roxy "Yepeto" con Manuel Callau y Martín Slipak bajo la batuta de Jorge Graciosi; y "El precio" en la sala Corrientes reúne desde la semana pasada a Pepe Soriano, Arturo Puig, Selva Aleman y Antonio Grimau.

Por otra parte, la actriz y cantante Nacha Guevara interpreta los lunes y martes en el Provincial el unipersonal "¿Cómo hace esta mujer?", mientras que Favio Posca da vida a sus monólogos en "Bad Time Good Face" en el Güemes.

Cecilia Milone pone su voz para "Valiente y sentimental" en el Roxy y Dady Brieva encabezará en la misma sala "Dady Man".

En materia de musicales Hernán Piquín, Cecilia Figaredo y elenco encabezan "Freddie" en el teatro Mar del Plata, la versión libre que recorre la vida del líder de Queen; "Crazy Kabaret" (Teatro Roxy) presenta un music hall dirigido por Ana María Zaninetti e interpretado por la compañía La nouvelle Danse y la dupla Juan Darthés-Claribel Medina interpreta en Radio del Mar "Un amor de novela", un homenaje a los culebrones televisivos contados a través de las canciones más famosas.

En cuanto a propuestas humorísticas, Gabriel Gavila, Mariana Bustinza y Tomás Cutler comparten "Improvisa2" (Roxy); Hugo Varela y Cacho Garay hacen en el América "Dos de Oro"; en tanto el Mago Black y Gustavo Moro harán veladas de "Black and Withe" en el Carreras.

Por último, los mediáticos espectáculos de revista pueblan La Feliz de la mano de "Barbierísima" (Atlas), la apuesta de Carmen Barbieri junto a Beto César, Zulma Faiad, German Krauss y elenco; "La revista de Buenos Aires" (Tronador), que encabeza Moria Casán acompañada por Valeria Archimó, Raúl Lavie, Juan Acosta y Stefanía Xipolitakis, entre otros; y la histórica dupla de Miguel Angel Cherutti y Nito Artaza en "Excitante" (teatro Mar del Plata) que renovaron su propuesta sumando a Adabel Guerrero y Jésica Cirio.

En esa misma cuerda, además, ya se lanzó en el Provincial la comedia de Gerardo Sofovich "Delicadamente inmoral", protagonizada por Silvina Luna, Ana Acosta, Sebastián Almada y Jorge "Carna" Crivelli.

Enrique Bunbury cuenta que muchas de las canciones latinoamericanas que más le gustan las escuchó por primera vez en bares, durante sus giras por el continente. Su amor por el vals, el tango, la salsa y otros géneros de la región creció poco a poco y ahora el rockero español presenta sus propias versiones de temas de compositores tan diversos como Atahualpa Yupanqui y el dúo Richie Ray y Bobby Cruz en un nuevo álbum.

"Licenciado Cantinas" es un disco de 15 cortes que recorre Latinoamérica y Estados Unidos, desde el tex-mex de Texas hasta las milongas del Río de la Plata. Incluye temas como el vals "Odiame" y la salsa "El día de mi suerte", clásico de Héctor Lavoe y Willie Colón.

"Es un homenaje a la música latinoamericana... una mirada de agradecimiento por todo lo bueno, todo lo que he aprendido a través de esos compositores clásicos de diferentes países y géneros", dijo el cantautor español en una charla con la AP.

"Creo que todos estos músicos hicieron música atemporal, por encima de su tiempo. Creo que es música actual que nos toca el corazón exactamente igual que hace 50 o 60 años, cuando se escribieron", añadió.

La grabación, que salió a la venta en formato digital el mes pasado y estará disponible físicamente a partir del martes, es un viaje musical a través de un personaje imaginario que Bunbury creó: el Licenciado Cantinas.

"Quise que hubiera como un personaje que fuera cantando los textos que seleccioné, de tal forma que el personaje vaya pasando varios estados de ánimo y, digamos, la historia comienza con el amor, pasa por el abandono, el personaje cae en la perdición, la locura y termina en la muerte y redención", explicó.

Otros temas en el CD son "El cielo está dentro de mí", de Yupanqui; "El licenciado (El mulato)", de Ray y Cruz; y "Pa' llegar a tu lado", balada de la estadounidense de ascendencia mexicana Lhasa de Sela.

"He hecho giras (por Latinoamérica) y por esas giras me fui enamorando de la música tradicional, de la música que escuchaba en cantinas más que en ningún otro lugar. Fue en las cantinas donde fui descubriendo y anotando esos textos que me fueron emocionado por sus dramatismos", recordó el cantautor de temas introspectivos como "Lady Blue", "Los restos del naufragio" y "Porque las cosas cambian".

El autor de éxitos como "Y al final", "El tiempo de las cerezas" e "Infinito" dijo que respetó la esencia original de las canciones seleccionadas, a las que les dio arreglos distintivos para que sonaran más modernas y rockeras, fiel a su estilo. Las grabó con Los Santos Inocentes, banda fija con la que ha trabajado en sus últimos tres discos.

"Era imprescindible que una canción nunca fuera exactamente lo que parecía, que una ranchera fuera una pura ranchera, sino que tuviera elementos que la alejara de sus elementos folclóricos, que la acerca a mi terreno", explicó. "Quería encontrar un equilibrio. No quería que una canción estuviera sólo en mi terreno sino que tuviera partes de su lugar de origen, de tal manera que la balanza estuviera equilibrada. (Pero tampoco quería) que de tanto respeto, la canción quedara inamovible, sin ninguna aportación alguna".

No es la primera vez que Bunbury graba covers o temas tradicionales de Latinoamérica. El rockero grabó "El jinete", de José Alfredo Jiménez, y su CD previo, "Las consecuencias", incluye "Frente a frente", del español Manuel Alejandro popularizado por Jeanette.

"Siempre en mis discos hay pinceladas de la música latinoamericana", expresó. "Especialmente en 'Pequeño' y 'El viaje a ninguna parte', que miran muy claramente a la música tradicional. Claro, siempre desde la mirada de un músico de rock".

"Llevo dos años viviendo en Los Angeles y considero que hay público latinoamericano deseoso de escuchar rock en español", manifestó. Un documental sobre su primera gira extensa por Estados Unidos, realizada el año pasado, está prácticamente listo y Bunbury dijo tener planes de exhibirlo el próximo año en festivales y salas de cine.

Los Angeles. — Hace un año era casi seguro que "El discurso del rey" levantaría varios Oscar y Golden Globe, pues en el maratón de premios de Hollywood, el drama protagonizado por Colin Firth en el papel de rey tartamudo era el gran favorito. Esta vez no hay un claro ganador, lo que hace más atractivas las apuestas. El jueves se anunciaron las nominaciones a los Golden Globe y algunos filmes encabezaron la competencia, pero no todo está decidido.

Con la lista de candidatos a la 69º entrega de los Golden Globe en la mano, considerados como la antesala del Oscar, la carrera de 2012 por los premios del cine está oficialmente en marcha.

La película en blanco y negro muda "The Artist" y el drama "Historias cruzadas" se alzaron como favoritas, con seis y cinco postulaciones.

Por su parte, el actor George Clooney recibió una doble nominación por su actuación en "Los descendientes", que también tiene cinco menciones, y por el thriller político en el que dirigió y actuó, "Secretos de Estado", que tiene cuatro.

Los Golden Globe son un premio otorgado por la asociación de críticos extranjeros de Hollywood y el acto de entrega se realizará el próximo 15 de enero, nueve días antes de que se den a conocer los candidatos a los premios Oscar.

Un mes después llegará la edición 84 de los galardones más importantes de La Meca del cine.

Amplio abanico. El abanico de aspirantes es amplio, con multitud de rostros famosos como los de Brad Pitt, George Clooney, Meryl Streep, Steven Spielberg o Martin Scorsese.

La norma del Oscar estipula que las películas en concurso deben estrenarse en los cines antes de que finalice el año para poder ser nominadas.

Apurando hasta el último momento, el cineasta británico Stephen Daldry ("El lector") esperará hasta la Navidad para presentar su drama "Extremely Loud and Incredible Close". Casi ningún crítico de cine ha conseguido ver hasta la fecha esta película protagonizada por Tom Hanks y Sandra Bullock sobre un joven neoyorkino que pierde a su padre en los atentados terroristas del 11-S.

Como aperitivo a la temporada de galardones, los conocedores del sector ya han desvelado algunas tendencias. Así, los críticos de Nueva York coronaron a finales de noviembre como película del año a "The Artist", el melodrama mudo y en blanco y negro dirigido por el francés Michel Hazanavicius que ya había dado la sorpresa en Cannes. Un buen punto de partida para un filme del que apenas se había oído hablar en Hollywood.

Los monstruos. Con Spielberg y Scorsese sucede todo lo contrario. El primero parte pisando fuerte con "Caballo de guerra", mientras que el segundo dio que hablar con su debut en el formato tridimensional con "La invención de Hugo".

Por su parte, Brad Pitt podría hacer doblete con la premiada cinta de Terrence Malick "El árbol de la vida" y el drama "El juego de la fortuna", en el que da vida a un entrenador de béisbol poco convencional que salvó a los Oakland Athletics de la ruina.

También Leonardo DiCaprio da vida a un personaje real en el biopic "J. Edgar", dirigido por Clint Eastwood, sobre el primer director del FBI.

En el lado de las actrices, Mery Streep brilla en su papel de Margaret Thatcher en "La dama de hierro", mientras que la joven Michelle Williams gana adeptos encarnando a Marilyn Monroe en "Mi semana con Marilyn". Bien es sabido que a los académicos hollywoodienses les gustan las interpretaciones de personajes famosos: Helen Mirren ya se alzó con su primer Oscar en 2007 por "La reina" y su compatriota Firth el año pasado, metido en la piel del monarca Jorge VI.

Humor y tensión. El sentido del humor y la tensión son otros dos ingredientes clásicos de la lista de favoritos. La onírica "Medianoche en Paris" de Woody Allen y la comedia protagonizada por George Clooney "Los descendientes" aportan algo más que risas, aunque también tiene buenas opciones el drama sureño "Historias cruzadas", que narra con cierto humor las penurias de empleadas del hogar negras.

David Fincher, que el año pasado se alzó con el Golden Globe por "La red social", apuesta esta vez por poner la piel de gallina al espectador. Su remake de "La chica con el tatuaje de dragón", la primera entrega hollywoodiense de la saga "Millennium" con Daniel Craig y Rooney Mara como protagonistas, fue calificada por The New York Times como "demoledora pero fascinante".

La violencia fue el común denominador de las ficciones argentinas en 2011, que por momentos tocaron hilos narrativos similares para atrapar al telespectador. Los tiros, los secuestros y las manchas de sangre fueron moneda corriente en "Herederos de una venganza" y "El elegido", que también se mimetizaron con la temática de las sectas. "El puntero" y "El pacto" atravesaron el tema de la corrupción política y lo más llamativo fue que hasta una telecomedia que lideró el rating, como "Los únicos", también se valió de resortes violentos. La tira protagonizada por Mariano Martínez y Griselda Siciliani, que tendrá una segunda temporada en 2012, jugó además con el ida y vuelta al pasado y el futuro, algo que también se vio en "Un año para recordar". Más allá de que se combinaron buenas y flojas producciones, se utilizó el truco de mirar al canal de enfrente para no perder televidentes.

2011 se recordará como el año en que la ficción pobló la pantalla chica. Es que fueron más de una decena de tiras y unitarios las que se vieron, y se siguen viendo, en los cinco canales de aire. Más aún sobre el final de esta temporada, debido al concurso Ficciones Federales que fomentó el Instituto Nacional de Artes Audiovisuales (INCAA). Fue así que llegaron "Vindica", "Maltratadas", "Los sónicos" e "Historias de la primera vez", además de "El pacto", que disparó polémica con el Grupo Clarín al abordar la historia de la venta de Papel Prensa.

Pero la acción arrancó muy temprano, un 17 de enero, con "El elegido", coproducida y protagonizada por Pablo Echarri, más Paola Krum, Lito Cruz y Leticia Brédice, por Telefé, que compitió con "Herederos de una venganza", con Luciano Castro y Romina Gaetani, en El Trece. Más allá de la calidad en ambas producciones, estas tiras fueron protagonistas de un enfrentamiento duro en las mediciones.

Es que en la mayor parte del año, en el prime time, la batalla se dio entre "Susana Giménez"/ "Un año para recordar"-"Cuando me sonreís"/ "El elegido", por el lado de Telefé, contra "Los únicos", "Herederos de una venganza" y "Showmatch", por El Trece. Y fue una pelea despareja. Porque El Trece ganó de punta a punta. Es más, el canal del solcito multicolor lideró hasta noviembre el rating por séptimo mes consecutivo.

Pero hay que poner cada cosa en su lugar. En las ficciones, Telefé fue atrás en el rating pero adelante en el nivel de sus contenidos. Si bien "Herederos..." por momentos duplicó las mediciones de "El elegido", ésta última fue la tira del año. Con personajes jugados en escenas subidas de tono (Mónica Antonópulos), con saludables sorpresas actorales (Maite Lanata, Luciano Cáceres), con villanos de vuelo (Leticia Brédice, Lito Cruz) y con una historia de amor que tuvo ángel desde el principio al fin (Pablo Echarri-Paola Krum). Y sobre todo con un guión atravesado por una temática poco común pero que salió a flote, más allá de algunos guiños en los capítulos finales que no fueron demasiado originales.

"Herederos..." apostó demasiado a un súper elenco y a la combinación de figuras con experiencia (Rodolfo Ranni, Leonor Benedetto, Antonio Grimau, Betiana Blum) con actores de moda (Federico Amador, Benjamin Vicuña, Marcela Kloosterboer) y apostó a una dupla romántica bien arriba (Luciano Castro y Romina Gaetani. Mucho ruido y pocas nueces, con más aciertos en lo estético y en la producción de exteriores que en un guión atrapante e ingenioso.

"Los únicos" llevó a cabo una receta que no falla en la tele, y es la que sostiene que para que una novela funcione hay que lograr que los chicos se sienten a verla con los padres. Y este ejemplo es más que relevante. Basado en las ocurrencias de Nicolás Cabré y en un menú de efectos especiales, siempre sostenido por una historia de amor casi imposible, como la de los personajes de Mariano Martínez y Griselda Siciliani, todo fue sobre rieles. Tanto impactó el éxito y tanto repercutió en los pibes, que el canal lanzará una segunda temporada para 2012, destinada al público juvenil, con sólo Cabré y Nicolás Vázquez de la brigada protagonista, y con nuevo elenco.

Y si en "Herederos..." y "El elegido" hubo acción, secuestros y muertes, sobre todo en la tira de Telefé, "Los únicos" fue cambiando el eje cuando vio que los pibes se le pegaban a la tele, y mutó hacia una violencia edulcorada. La misma que mostró "Un año para recordar", cuyo guión se dispara sobre una asesinato pero se sostuvo sobre una idea fantasiosa, con juegos entre el pasado, presente y futuro (también lo hizo "Los únicos").

En cambio, "Cuando me sonreís" fue la única tira blanca. Algunos pensarán "así les fue", porque las mediciones no fueron las esperadas y ya se confirmó que sus capítulos finales serán este año y no seguirá la historia en 2012, tal como estaba planeado. De todos modos, es una telecomedia con guiños románticos que enternecen a las quinceañeras y que le da un soplo de aire fresco a una televisión que se manchó de sangre.

La multipremiada película "Las Acacias", del director y montajista Pablo Giorgelli, se estrena mañana en Rosario luego de un exitoso recorrido por festivales internacionales, el último de los cuales es la muestra de La Habana, donde participó en el apartado Opera prima de la sección oficial.

"La película habla de la soledad y de la coraza que se pone este camionero para protegerse de su paternidad en crisis. Esta mujer y su beba le hacen detonar todo, cuando quizás estuvo muchos años construyendo muros para no sentir, pero esos muros se van cayendo uno a uno a medida que el viaje avanza", señaló el cineasta.

Sencilla, lineal, con escasísimos diálogos, "Las Acacias" conmueve gracias a la profunda humanidad que se expresa en el inesperado cruce entre esos seres solitarios, y en la forma en que ese encuentro los transforma, les cambia la manera de ver las cosas y les hace reflexionar críticamente sobre sus propias vidas.

Tras obtener el Premio Latinoamérica Primera Copia en el Festival de La Habana, la película se proyectó por primera vez en el último Festival de Cannes, donde compitió en la Semana de la Crítica y recibió el premio del Jurado Joven de Francia y Alemania, el de la Asociación de Directores Independientes para la Distribución (Acid/Ccas) y el Rails D'Or de la Asociación de Cinéfilos Trabajadores Ferroviarios (Uaicf).

El mundo interior. "Me interesaba mostrar la coraza, la distancia que se pone con el otro y que apenas empezás a rascarla podés descubrir otro mundo, el verdadero ser interior de la otra persona".

"Ninguno de ellos se muestra ni revela demasiado de sí mismo. Los dos están escondiendo su mejor parte. Lo que muestra la película es cómo se van desarmando hasta mostrarse como son verdaderamente. Van transitando ese proceso de la soledad y la cáscara hasta abrirse al otro cada vez más. Es una película que transforma a los personajes, pero que también nos transformó a nosotros", agregó.

En relación a las escasas palabras, Giorgelli recordó que "los diálogos que hay en la película son los mismos que están en el guión, porque yo no quería improvisar nada. En el guión ya estaba planteado este silencio interrumpido por algunas palabras y, cuando eso sucede, ellas cobran otro valor y una importancia dramática".

El rodaje. El rodaje de la película es un tema aparte, ya que en su gran porcentaje transcurre dentro de la cabina del camión y eso, según el director, "fue una de las apuestas más grandes de la puesta en escena. Era un límite y un desafío. Así vemos únicamente lo que ven los personajes, es su punto de vista".

"Técnicamente fue una combinación de mecanismos. Primero filmamos con un camión real, pero la mayoría de las escenas fueron hechas en una falsa cabina que montamos sobre un trailer, para que el camarógrafo pudiera trabajar más cómodo y así también estuviera presente el ojo humano. Eso era muy importante", explicó.

A pesar de estar narrada como un viaje, el realizador sostuvo que "la película no fue pensada como una road movie. Su alma es lo que le pasa al camionero en su interior, todo gira en torno a un hombre solitario y su conflicto personal, que está relacionado con su paternidad".

"A partir de ciertas escenas, él ve que se le está escapando la posibilidad de una vida diferente y que no sabe cómo hacer para retenerla. Empieza a sentir que el viaje se acaba y que empieza a perder la chance de sentirse padre nuevamente, de volver a formar una familia", describió el director, para quien los actores fueron fundamentales.

"Ellos fueron la clave de todo. Tardé mucho tiempo en decidirme, pero finalmente apareció Germán de Silva, un actor increíble que entendió enseguida lo que yo quería y aportó su talento a la causa. En el caso de Hebe, había algo en su naturaleza que me conmovía y la cosa terminó de definirse cuando se juntó con la beba, porque parecían madre e hija, eso fue como un milagro", afirmó.

Argentinos en Francia

"Las acacias", que describe el emotivo cruce entre un camionero y una mujer y su bebé, marcó un hito al ganar por primera vez para la Argentina el premio Cámara de Oro a la mejor ópera prima del Festival de Cannes.

Ganadora además de otros importantes galardones, entre ellos el Premio Horizontes del Festival de San Sebastián, el filme narra el encuentro entre un camionero hosco y solitario y una desconocida, a la que acepta llevar en el camión junto a su beba desde Paraguay hasta Buenos Aires.

Protagonizada por Germán de Silva, la paraguaya Hebe Duarte y la beba Nayra Calle Mamani, la película fue filmada durante cinco semanas a bordo de un camión cargado de madera, en un viaje que unió Asunción del Paraguay, Esquina y Zárate.
 

Nunca faltan en la época de fiestas esta clase de películas, llenas de espíritu navideño, amor y nostalgia además de un reparto de lujo como carnada. En ese plan, llega "Año nuevo", filme que aterriza hoy en los cines de Rosario con ganas de convertirse en clásico.

Esta película en particular se unirá al club de títulos de protagonismo repartido como "realmente amor", muy aplaudida por la crítica, y "Día de San Valentín", un largometraje para olvidar, según los cinéfilos. "Año nuevo" recurre a la fórmula de conocidos actores como Robert De Niro, Michelle Pfeiffer, Aston Kutcher, Zac Efron o Halle Berry para crear aún más expectativa, con un universo de historias cruzadas y la euforia del fin de año de trasfondo.

Garry Marshall es el director, como no podía ser de otra forma, especialista en esta clase de género y consumado experto en las lides del amor después de haber firmado la comedia romántica más popular de la últimas dos décadas, "Mujer bonita".

En este filme, la trama es mucho más complicada y más televisiva si cabe, con múltiples historias que seguir. El personaje de Kutcher, (recientemente divorciado de Demi Moore), se queda encerrado en un ascensor con una desconocida, interpretada por Lea Michele, justo la última noche del año. A él no parece importarle pues odia la velada del 31 de diciembre, todo lo contrario que ella, empeñada en llegar a una fiesta.

De la TV al hospital. Mientras eso sucede, Hillary Swank está obstinada en producir una gran ceremonia de fin de año para el canal de televisión en el que trabaja, al mismo tiempo que Jessica Biel está en el hospital con la clara y única posibilidad de ganarse el premio al primer bebé del año, embarazada de nueve meses como está su personaje.

Además está Pfeiffer y su romance con un hombre muchos años más joven que ella, y Abigail Breslin tratando de convencer a Sarah Jessica Parker de asistir en vivo a la caída de la bola desde Times Square.

Más figuras. No faltan elementos, con minutos de protagonismo para Katherine Heigl y el cantante Jon Bon Jovi, quien por cierto se encarga de amenizar la Nochevieja con un actuación en vivo, y la omnipresente latina del momento, la colombiana Sofía Vergara, que deja su chispa de humor en esta película.

Completan el reparto Josh Dudamel, Seth Meyers, Hector Elizondo, Chris Bridges y Til Schweiger.

Parece en realidad un calco del filme "Día de San Valentín", una continuación de la siguiente fecha señalada en el calendario y con la mano de la misma guionista del clásico de las comedias para fin de año, Katherine Fugate.

La película cuenta con el añadido de haber podido rodar en Times Square durante la última Nochevieja, la de 2010, donde Marshall consiguió los permisos para poderle dar más realismo a su trabajo.

El resultado es una comedia ágil donde no hay espacio para el aburrimiento, aunque a muchos les pueda resultar un esquema repetitivo y cargado de clichés y estereotipos.

La nueva apuesta popular de Marshall responde a una demanda muy concreta: lo que busca la gente por Navidad y Año Nuevo para salir a pasar el rato y sentirse bien, que en estos tiempos de crisis, es de agradecer.

Un universo de historias cruzadas y un trasfondo romántico y de euforia de fin de año, bajo la mano del director de "Mujer bonita".

Zac "Indiana Jones" Efron

Zac Efron, actor de la nueva comedia romántica, comentó durante el preestreno de "Año nuevo" que su gran promesa para fin de año será "más acción y menos palabras", ya que la idea de tener "aventuras estilo Indiana Jones" surgió hace ya varios años. "Mi resolución es simplemente dejar de hablar acerca de hacer las cosas, de todas la aventuras que quiero tener en mi vida y solo hacerlas. Tengo 24 años y no me estoy haciendo más joven", dijo Efron. "Quiero escalar montañas, ir por el sendero Appalachian, no he hecho surf aéreo, me prometí a mí mismo que lo haría cuando tenía 18 años y aún no lo hice", agregó.

Finalmente, Zac Efron sostuvo: "Quiero ir a explorar China, India, y hay más cosas que deseo hacer. Debo decir que esa es mi resolución, simplemente ir y perderme, hacer cosas estilo Indiana Jones". 21

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Con grupos de España, Ecuador y Chile, además de elencos rosarinos y obras del grupo anfitrión El Rayo Misterioso, comienza hoy la 12ª edición del Encuentro Internacional de Grupos "Experimenta" de teatro que se desarrollará hasta el martes próximo. Con funciones en distintas salas el grupo dirigido por Aldo El-Jatib se propone mostrar y compartir "nuevos lenguajes" escénicos con el público rosarino en la que será la segunda vez que la propuesta llegará a salas como el CEC y el teatro del Parque de España, además de la sede de El Rayo.

Durante siete días, desde las 10 hasta la medianoche, se realizarán seminarios, talleres, encuentros, proyecciones, mesas redondas y funciones. En ediciones anteriores se presentaron elencos de reconocida trayectoria como "El Galpón", de Montevideo o "Cuatrotablas", de Perú, entre otros. Este año llegan el Teatro del Cielo, de Ecuador; Teatro del Oráculo, de Chile y Agerre Teatro Taldea SL, de España. Por Rosario serán de la partida La Comedia de Hacer Arte, Línea de Tres y El Rayo Misterioso (ver aparte).

"Convocamos a grupos con los cuales nos identificamos y con propuestas similares a lo que nosotros hacemos. Son los que están en un camino similar al nuestro: teatro de grupo, la búsqueda e intentar mantener cierta independencia artística", definió el director.

En el proceso de selección se evalúan también "los trabajos anteriores, una línea de pensamiento determinada que siguen durante varios años y que generalmente tengan un espacio propio. Son aspectos que tienen que ver con las características de los teatros de grupo de los años 70 y que las vienen sosteniendo desde esa época", añadió. Y la experimentación. Así lo definió El-Jatib: "Se trata de que cada grupo tenga un criterio de no conformarse con el lenguaje habitual más conservador o lo que se acostumbra a ver como teatro", apuntó.

Sin embargo, en ese sentido aclaró que esa modalidad "más conservadora" es "válida y puede tener calidad estética, pero es más de lo mismo. De alguna manera lo que intentamos incentivar y hacer es encontrar nuevos lenguajes de comunicación teatral. Esto significa un trabajo extra. Es muy difícil que un grupo se junte y se ponga a investigar sobre nuevos lenguajes. Hace falta que recorran un camino para a partir de ahí crear algo diferente", puntualizó.

Esa búsqueda, señaló el actor y director, es un camino alternativo para acercarse al público, aunque no es el más fácil. "Si son verdaderos lenguajes innovadores el público va a recibir un nivel de conmoción diferente de lo que ve siempre. Y claro que para nosotros es importante el público. A pesar de que Experimenta tiene un criterio más de encuentro entre grupos, lo hacemos para investigar, ponerlo en práctica y darle al público todo lo mejor de ese trabajo que significa explorar terrenos totalmente desconocidos". Pero después de ese esfuerzo, ¿el resultado en ocasiones puede resultar frustrante? "A veces uno se encuentra que no ha logrado nada", reconoció El-Jatib, pero afirmó: "Es complicado y es riesgoso. Y esa palabra, riesgo, pasa por un respeto tremendo por darle al público algo que lo conmueva".

Daniel Melingo continúa instalando su nombre dentro de la nutrida oferta musical de la capital francesa, donde volvió a presentarse con gran repercusión mediática y de convocatoria, con su nuevo disco "Corazón y hueso". "Mi función como artista es poner poesía y música a aquellos olvidados de la sociedad", dijo el saxofonista y clarinetista de Los Twist y Los Abuelos de la Nada.

"Estoy muy contento con esta renovada incursión en Francia, es una alegría inmensa poder desembarcar con mi trabajo aquí y en Europa. Desde diciembre del 2004, cuando di mi primer concierto presentando Santa Milonga de la mano de Eduardo Makaroff (Gotan Project), hasta hoy he realizado mas de 200 conciertos en Europa, eso es algo que no pensaba que podía darse y me pone muy feliz", dijo Melingo desde París.

"Ahora llego con un disco nuevo, «Corazón y hueso», comentó Melingo, quien ahora integra una de las discográficas más prestigiosos de Francia, especializada en la música clásica y la denominada world music y para que la que "Corazón y hueso" fue presentado con pompa y una fuerte campaña publicitaria.

En las últimas semanas, los afiches de promoción de los conciertos de Melingo empapelaron las calles de la capital francesa. Asimismo, el argentino recibió elogiosas críticas en los diarios Le Monde, Liberation o Le Figaro, en las revistas Les Inrockuptibles, Le Point y Le Nouvel Observateur y presentaciones en vivo en el canal France 3 y en las radios France Inter, Nova y FIP.

El flamante trabajo de Melingo saldrá a la venta próximamente en Argentina editado por el sello Random y será presentado en Buenos Aires en marzo 2012.

En el disco, que cuenta con la coproducción artística de Rodrigo Guerra y Juan Ravioli como asistente de producción, Melingo es acompañado por su orquesta Los Ramones del Tango, en la que sobresalen, el propio Guerra (ex Pequeña Orquesta Reincidentes), Miguel Zavaleta, los hermanos Rudy y Niní Flores, Javier Casalla y Cristian Basso. La foto de la cobertura del disco fue realizada por el reconocido fotógrafo español Alberto García-Alix.

"Concibo el tango como a una serie incontable de ritmos, que son todos los ritmos populares nuestros, que incluye cueca y chamamé, no solo tango, milonga o vals", comentó Melingo.

El otrora rockero añadió que: "En este disco incursioné también en la canción con «Corazón y hueso», que grabé en forma de balada. Estoy muy contento por ver el enganche que les produce a los franceses esta canción, por eso le hice una traducción al francés" (ver aparte).

En su nuevo trabajo, Melingo abre el tango a nuevos horizontes. A lo largo de 13 canciones, se suceden, por ejemplo, aires de fado para el rioplatense "Negrito"; y un ritmo de bouzouki griego en la historia del joven preso que se transforma en "La Novia" al llegar a la cárcel.

Mientras que la agradable "Fábula" cuenta con la participación del hijo de Melingo entre el coro de niños, en la exquisita "El paso de la Siguiriya" musicaliza un poema de Federico García Lorca y en "Lucio, el anarquista" rinde un homenaje a uno de los tantos inmigrantes italianos llegados a principios del siglo XX a la Argentina.

"Mi función como artista es poner poesía y música a aquellos olvidados de la sociedad", destacó Melingo, quien mostró una veta antropológica para acercar el lunfardo y armó un glosario con traducciones del argot argentino al español.

Melingo agotó las entradas para sus dos presentaciones en el Café de la Danse, del barrio de Bastilla, convocando a 1.200 personas durante el fin de semana.Sobre el escenario del Café de la Danse sacó a relucir su carisma e histrionismo, para darle vida al bestiario de sus canciones y personajes, donde historias carcelarias, de prostitución y de bajos fondos sorprendieron al heterogéneo público parisino.

"Hemos formado una banda, de amigos músicos argentinos y franceses, unos Ramones del tango aquí entre argentinos y franceses. Tocar con Diego Trosman (guitarra), Romain Lecuyer (contrabajo), Facundo Torres (bandoneón), Anne le Pape (violín) y Rodrigo Guerra, es un honor", dijo el músico desde el departamento parisino del barrio de Republique, donde se aloja.

El músico, de 53 años, dijo que en el momento en donde "reinventó" su carrera a finales de los años 90, no imaginaba este suceso. "Fue un manotazo que le hice a mi pasado tanguero familiar," destacó quien hace más de una década que toca en Europa, con Lions in Love, Fangoria y Los Toreros Muertos, a finales de los 80 y mediados de los 90.

Gira europea lejos de barreras idiomáticas

El cantante y clarinetista argentino tiene previsto realizar tres giras europeas en 2012: la primera entre abril y mayo; la segunda entre julio y agosto para la temporada de festivales estivales; y la última en otoño, entre octubre y noviembre.

Además de Francia, en los últimos siete años Melingo paseó sus tangos ante audiencias tan disímiles como las de España, Alemania, Italia, Bélgica, Suiza, Noruega, Dinamarca, Suecia, Hungría, Serbia, Macedonia, Grecia, Turquía.

Para Melingo “no existe barrera idiomática” para sus canciones, a pesar del lunfardo que destilan sus letras.

“Hay algo más de lo que no entienden. Es algo que captan y por eso se sienten a gusto con mi música. El principio fundamental de armar canciones es que terminen en el oído del que las escucha y eso evidentemente pasa aquí”, sostuvo.

Durante el último mes, la actriz Salma Hayek y su colega español Antonio Banderas visitaron varios países de América para presentar el filme “El gato con botas”, que el próximo jueves se estrena en los cines de Argentina. En los últimos días estuvieron en México, donde afirmaron que se trata de una película con “alma hispana”, no sólo por su participación sino también por la del cineasta mexicano Guillermo del Toro, que dobla a uno de los personajes de la película animada.
   “Como mexicana y latina me llena de orgullo que cuando nos dan una oportunidad como ésta, lo hagamos bien y estemos haciendo historia”, indicó la mexicana Hayek durante una rueda de prensa.
   La película animada de Dreamwoks tuvo su estreno mundial en Estados Unidos y rompió récords de audiencia, con ingresos de más de 20 millones de dólares en su primer fin de semana.
   “Para mí, el Gato con Botas no es sólo un felino”, dijo Banderas, quien conoce cada bigote, cada pelo y cada gesto del famoso minino. “Es un honor y un privilegio, en estos tiempos difíciles que vivimos, tener la capacidad y la oportunidad de hacer reír al público alrededor del mundo”, agregó el actor español.
   Lo cierto es que los estudios DreamWorks encontraron en la saga de Shrek a un personaje entrañable y capaz de encantar al público, además de llenar las salas con miles de fanáticos.
Pero detrás de todo el éxito de las aventuras protagonizadas por el ogro verde comenzaron a aparecer personajes secundarios con mucho carisma, y fue el Gato con Botas el que “despuntó” entre la media, ya fuera por su personalidad bonachona y alegre, con su acento de “amante latino” o porque era quien se robaba las miradas en las escenas de acción. Y ahora es su turno de demostrar que puede llevar sobre sus hombros todo el peso de una película.
   La nueva aventura del felino de ubica mucho tiempo antes que el Gato se topara con Shrek. El protagonista es un célebre y algo torpe forajido quien se ve inmerso en una aventura con Kitty Patitas Suaves (con voz de Salma Hayek) y Humpty Dumpty (voz de Pepe Toño Macías) para salvar a su pueblo. Las cosas no van a estar tan fáciles, porque se las van a ver con un par de ladrones llamados Jack y Jill que buscan por todas las vías estropear las buenas intenciones del protagonista.
   La película está dirigida por Chris Miller, quien reconoce que el carisma y gracia del personaje principal son los elementos claves para que ahora sea el protagonista de su propia película. “El Gato con Botas fue un elemento tan importante del éxito de «Shrek 2», que supe que era sólo cuestión de tiempo para que tuviera su propia película”, recuerda el director, quien agrega que “siempre quise saber, de dónde es su acento, dónde consiguió esas botas”.
   Miller vio una serie de características que hacen que el aventurero gato sea irresistible: “Es pícaro y travieso, que es lo que más me gusta de él, pero tiene un gran corazón. A pesar de su tamaño, es una figura imponente”.
 

Ya pasaron 45 años desde la última vez que Cary Grant se plantó frente a las cámaras para irradiar su legendario encanto. Es posible que la comedia romántica "Camina, no corras" de 1966 haya caído en el olvido, pero su fama de caballero de la época dorada de Hollywood sigue vigente. Mañana se cumplirá el 25º aniversario de la muerte de este actor, nacido en Reino Unido, que murió en 1986 a los 82 años tras un ataque de apoplejía.

Sus romances en la pantalla grande con estrellas como Marlene Dietrich ("La Venus rubia"), Ingrid Bergman ("Encadenados"), Grace Kelly ("Atrapa a un ladrón"), Sophia Loren ("Orgullo y pasión") y Audrey Hepburn ("Charada") pasaron a la historia por mostrar las mejores escenas de amor de Hollywood. Y lo convirtieron precisamente por eso en uno de los actores más deseados de la época.

Elegancia y discreción. La única hija de Grant, Jennifer Grant, de 45 años, también está fascinada con su famoso padre. "Ok, estaba enamorada de mi padre", escribe en su autobiografía "Good Stuff: A Reminiscence of My Father, Cary Grant", publicada esta primavera en los países del Norte, como Estados Unidos e Inglaterra.

El actor, siempre discreto, no dejó memorias propias. Jennifer es fruto del cuarto matrimonio de Grant con la actriz Dyan Cannon. Cuando nació, Grant ya tenía 62 años.

El actor, que participó en más de 70 películas, se retiró poco después para dedicarse a su "última producción". Con 77 años, se casó por quinta vez con la agente de relaciones pública Barbara Harris, de 47 años menos.

Grandes directores. Grant trabajó junto a grandes directores, entre ellos Alfred Hitchcock ("Intriga internacional"), Franka Capra ("Arsénico por compasión") y Howard Hawks ("La adorable revoltosa").

Podía ser elegante, gracioso y atrevido. Tuvo éxito tanto con películas románticas, como con comedias, thrillers o cintas de aventuras.

Su capacidad de transformación la aprendió siendo adolescente en Inglaterra. A los 13 años, el actor nacido como Alexander Archibald Leach se fue de su pobre casa paterna y se sumó como bailarín, cantante y malabarista a una compañía itinerante de varieté e interpretación.

Había nacido en la ciudad de Bristol (Inglaterra) el 18 de enero de 1904, en el seno de una familia muy humilde,en la que sufrió penurias económicas, aspecto que condicionó su posterior tacañería.

En 1921 viajó por primera vez a Estados Unidos para pequeñas actuaciones. Seis años después ya se le veía en comedias y musicales en Broadway. Tras la mudanza a Hollywood se puso el nombre artístico de Cary Grant.

Ya en su cuarta cinta ("La Venus rubia" de 1932) el apuesto actor recibió un papel protagonista junto a Marlene Dietrich. Un año después logró el gran éxito en Hollywood junto a Mae West en "Lady Lue" y "No soy ningún ángel".

Dos nominaciones. Dos veces fue nominado al Oscar como mejor actor principal, por "Serenata nostálgica" (1941) y "Un corazón en peligro" (1944), pero en ambas ocasiones se fue con las manos vacías.

En 1970 la Academia de Hollywood le dio un premio honorífico a su carrera. En su discurso de agradecimiento, Grant se disculpó con su típico estilo encantador ante sus compañeras femeninas por "aquello" que no supo.

Además consideró un privilegio haber pertenecido a la "era más gloriosa" de Hollywood, junto a James Stewart.

Como dijo Frank Sinatra en la ceremonia al presentar el premio: "Nadie fue tan admirado y amado por sus colegas actores, por su habilidad, fineza, sutileza, encanto y por ser Cary Grant".

Jason Segel está sentado sobre el escenario de un Teatro Muppet improvisado dentro de un gigantesco set en los estudios Universal donde se rodó "Los Muppets". El filme significó el regreso de los títeres más famosos de la televisión estadounidense ausentes de la pantalla grande desde hace doce años y que se estrenará en Argentina el 12 de enero.

Segel que escribió el guión junto con Nicholas Stoller, dijo que estaba ansioso antes de comenzar porque la compañía Disney, que adquirió la franquicia de Los Muppets a la compañía de su creador Jim Henson en 2004, le había encargado el primer largometraje en más de una década protagonizado por los peludos títeres.

"Ceo que en algún momento los Muppets cambiaron un poco", dijo Segal. "Nuestro objetivo con esta película fue volver a presentar los Muppets a los chicos en una forma que recuerde las películas de los 70 y 80. Lo extraordinario de este proyecto y lo que hace ahora Pixar es que no son condescendientes con los niños", aseguró.

Actualizados. Segel, un fanático de los Muppets conocido por sus papeles en películas para adultos como "Malas enseñanzas" y "Amigos con beneficios", pidió a los directivos de Disney que le permitieran resucitar a los títeres junto con Stoller en una forma tal que atrajera tanto a los adultos nostálgicos que veían los programas de televisión cuando eran niños como a sus hijos, más familiarizados con la animación en 3D generada por computadora que con los títeres de grandes ojos.

El protagonista de la cinta cree que los Muppets deberían hacer tanto cine como nuevamente televisión. "Son una fuerza cómica tan positiva, que simplemente necesitan estar alrededor y en la vanguardia de la comedia", aseguró.

En la película Segel y Amy Adams dan vida a Gary y Mary, una pareja de pueblo que, junto con Walter, el hermano títere de Gary (Peter Linz), quieren reunir a los Muppets. El argumento del musical refleja la propia realidad de los Muppets, quienes no protagonizan un filme desde "El Mago de Oz de los Muppets", de 2005, hecho para televisión, y están ausentes de la pantalla grande desde "Los Muppets en el espacio", de 1999.

El argumento arranca cuando tres seguidores de los Muppets se enteran de que Tex Richman (Chris Cooper), un hombre de negocios quiere demoler el antiguo teatro de los títeres para extraer petróleo. Así es como todo se ven obligados a recolectar 10 millones de dólares para salvar la sala.

El director James Bobin aseguró que lo que le atrajo fue la libertad del proyecto. "Me gustó su honestidad y la licencia artística para retratar el modo en que la gente percibe a los Muppets en esta época. Y uno de los impulsos emocionales de cualquier argumento era reunir a la banda", dijo.

Segel y Stoller fueron los responsables de revivir a estos legendarios personajes que crecieron con los niños de los años 70 y 80. Y unos de esos pequeños que disfrutó de estos curiosos personajes, es justamente Bobin. El cineasta británico aseguró que le dolía que hace dos años su pequeña de cuatro no tuviera la menor idea de quién eran los Muppets. "Para mí es algo que estaba mal. Ella debería saber quiénes eran estos personajes. Estoy encantado de que ahora lo sabe y que además los adora", subrayó Bobin.

Independientes. En la nueva película, cada Muppet está en lo suyo: Fozzie está aburrido trabajando con una banda llamada Los Moopets; Miss Piggy es editora de modas en París, Animal está en un programa de rehabilitación para aprender a controlar su temperamento fogoso y Scooter trabaja en Google.

Los cineastas, que en su mayoría nunca trabajaron con títeres, ni qué hablar de con los Muppets, colaboraron con los titiriteros que trabajaron con estos personajes desde hace años.

"Todos fuimos socios en esta película", dijo el productor Todd Lieberman. "Crecimos con los Muppets, pero esta gente vive con ellos desde hace 20 años. Conocen a estos personajes mejor que cualquiera de nosotros porque los hacen desde hacen dos décadas. Conocen a los personajes y conocen el estilo. Saben qué hacer y qué no hacer", afirmó.

Para Adams, quien trabajó en la película "El ganador", fue más fácil trabajar con títeres como Walter que hacerlo con un actor como Mark Wahlberg, protagonista del filme. "Cuando uno acepta que el títere con el que está trabajando es un personaje de verdad, no es distinto que trabajar con otro actor humano", dijo Adams. "Yo veo a Peter y Walter como dos seres completamente distintos. Peter es Peter y Walter es Walter", dijo la actriz.

Las canciones románticas tienen ese qué se yo. Es algo inexplicable que hace que a una persona, esté enamorada o no, la remonte a su costado nostálgico, a veces frívolo, otras emotivo. Franco de Vita sabe muy bien que esas son las canciones que mejor le funcionan. Y tan mal no le va. El martes y miércoles, a las 21, agotó localidades en City Center (bulevar Oroño y avenida Circunvalación). La excusa es “Primera fila”, el disco editado por Sony con invitados especiales, que volvió a poner a este baladista venezolano en la cresta de la ola. “El ser humano siempre necesita esa dosis de amor y de afecto, y nosotros lo resumimos en una canción”, dijo Franco de Vita.

—¿Te sorprendió el éxito de “Primera fila”?

—Es un disco que comenzó con una idea de 12 o 13 canciones con un solo invitado y después se transformó en un disco de 18 canciones con cinco o seis invitados, amigos y colegas importantes. Nació con buen pie, la gente lo supo apreciar, y el resultado es muy bueno.

—¿Siempre hay momento para una nueva canción de amor?

—Tiene que haberlo, porque mientras estemos en esto la gente quiere este tipo de canciones de Franco de Vita. Aunque he hecho otras cosas en mi vida, pero creo que la canción romántica es la más indicada para el gran público. Luego hay una parte de Franco de Vita, que quizá vaya a otro público, pero sin duda lo más fuerte de mi carrera se centraliza en la balada.

—Siempre pasa que hay un tema que pega más que otro, como es el caso de “Cálido y frío”, pero ¿qué canciones son infaltables en cada uno de tus conciertos?

—Un montón. Te podría decir “Un buen perdedor”, “No basta”, “Louise”, “Te amo”, “Cálido y frío”, “Somos tres”, “Si la ves”. Afortunadamente hay unos cuantos temas que no pueden faltar en mis shows.

—¿Sos de los que piensa que el género romántico no tiene fecha de vencimiento?

—Sin duda, creo que es así, porque el ser humano siempre necesita esa dosis de amor y de afecto, y nosotros lo resumimos en una canción. Ta vez decimos cosas que a lo mejor la gente no se atreve a decir, sobre todo los hombres, y bueno, lo decimos nosotros. Ahí vienen las dedicatorias en las canciones. El hombre debe decir “Bueno, lo que no te puedo decir te lo dice Franco de Vita en una canción”.

—¿Es lo mismo componer una canción en los años 80, cuando comenzaste tu carrerra, que en 2011?

—Siempre digo que seguir componiendo hoy en día es muy difícil. Yo arranqué en el 84 y te aseguro que no es lo mismo. Tú cambias, tus sentimientos cambian, tu forma de ver la vida cambia, tu concepto del amor cambia y de hecho escribir una canción también tiene que cambiar. No percibo las cosas igual cuando tenía 25 que ahora que tengo 50 y tantos. Además tampoco me puedo permiltir la licencia de decir las tonterías que decía cuando tenía 25.

—Además, se supone que el público que te sigue querrá que seas fiel a tu tiempo y a tu edad.

—Sí, creo que sí, creo que esto también se basa en ser auténtico y lo mas honesto posible. No pretendo disfrazarme de nada, lo que ves es lo que hay.

—¿Hacés canciones con problemáticas venezolanas o sos un compositor que se inclina por temas universales? 

—Bueno, ha habido cosas que son localistas, canciones como “El norte y el sur” o “Plaza del centro”, pero yo trato de ser lo mas universal posible. Trato que me puedan entender por lo menos en toda América, y las temáticas son todas parecidas, bastante parecidas, los pueblos latinoamericanos carecemos de lo mismo.

—¿Alguna vez en tu carrera trataste de llegar a países que no son de habla hispana?

—Lo hemos intentado, pero es tarea difícil porque canto en español. El español no tiene la misma sonoridad que la cosa totalmente imbécil que tiene el idioma inglés. Si cantas en inglés se te abre el mundo, si cantas en español, pues no, te quedas limitado a un continente, si tienes suerte.

—¿La temática social o política te seduce?

—Por supuesto, en todas mis producciones hay cosas vinculadas con lo social, con lo político, con la familia, con los niños. Hay cosas que realmente te disgustan, que crees que no están siendo justas. Siempre afortunadamente he escrito cosas que tienen que ver también con esa parte de la vida.

—¿Tu público te reclama canciones de ese perfil o te pide sólo los temas románticos?

—No, es que el tema romántico es el que te abre las puertas para que descubran las otras cosas que hay en un disco. Es como el anzuelo para que la gente diga: “bueno, me gusta la canción, voy a comprar el disco”, aunque predominan las canciones románticas. Yo arranqué este proyecto con “Dónde está el amor”, que es una canción social totalmente. Esos temas tienen que estar. Es parte de mi discografía y de mi vida.

El artista portorriqueño radicado en Estados Unidos habló de las culturas de su país de nacimiento y la que adoptó su familia cuando se trasladó a Estados Unidos. "Mi formación viene de ambas partes. Aunque he vivido dos tercios de mi vida en los Estados Unidos, mi familia siempre nos crió en un ambiente muy latino", explicó el músico que comenzó actuando en bandas formadas en sus años de colegio secundario, luego siguió estudios universitarios de música y se lanzó como solista.

—Hace muchos años Gabriel García Márquez dijo que el bolero era la música de Latinoamérica. ¿Actualmente existe una música que identifique a América latina?

—Para mí es muy difícil simplificar tantos géneros, tantos estilos, tantas culturas, tantas banderas en uno solo. Se me hace difícil definir lo que yo hago.... (risas). ¡Mucho más lo de Latinoamérica! Sé muy bien quién soy y qué es lo que me gusta escribir, pero siempre me ha costado mucho ponerle sello a las canciones. Es como la gente lo perciba y hasta cierto punto no me gusta explicarlo. Mira, como la gente lo quiera percibir yo estoy feliz al fin del día. El bolero es la plataforma de todo.

—¿Existen diferencias entre los gustos musicales de los latinos del norte y los del sur?

—Yo soy un buen ejemplo de los latinos que viven en los Estados Unidos porque llevo 23 años allá.

—O sea que se formó allá.

—Sí... y no. (risas) Tú me preguntas y yo te digo, sin pensarlo dos veces: soy ciento por ciento boricua. Soy de Puerto Rico y mi formación estuvo entre Estados Unidos y Puerto Rico porque me fui a los 10 años y aunque a esa edad uno está muy jovencito, esos años desde los 7 a los 10 fueron igual de importantes que los años de High School y los años de universidad. Mi familia nos crió en un ambiente muy latino. Todavía mi papá me regaña: "En esta casa se habla español". Y cuando tenga hijos —que ya pronto tendré una hija— así va ser. Mi hija se va a criar en los Estados Unidos pero va a ser cien por ciento latina y va a hablar cien por ciento español.

—¿Pertenecer a dos mundos es beneficioso o perjudicial?

—Extraño a mi país, siempre voy a extrañar a mi isla, pero tengo una casa allá y voy mucho. Estoy feliz viviendo en los Estados Unidos. Me dio un panortama musical nuevo que quizá no hubiese conocido si me hubiese quedado en la isla. Creo que tengo lo mejor de ambos mundos. Escucho música latina pero también la anglosajona, eso como músico me ayuda mucho: mezclar ritmos, puntos de vista. Estoy contento.

—Usted manifestó que cada vez que edita un disco busca mostrar algo diferente. ¿Qué tiene de nuevo "Tierra firme"?

—"Tierra firme" es un nuevo paso, es lo que estoy haciendo musicalmente ahora. Es un paso adelante que sigue la misma línea. No puedo decirte que es completamente diferente a mis discos anteriores, pero en cada disco uno trata de arriesgarse un poquito. Para mí es importante como punto medio entre dar un paso hacia adelante y dar tres pasos hacia adelante. Que no sea demasiado dramáticamente diferente a los discos anteriores. No quiero sorprender negativamente a mi público. Quiero que sientan que hay una evolución pero que no ha habido un cambio dramático. Como autor y como intérprete creo que ya encontré una línea y quiero seguir caminando en esa dirección, sobre esa línea.

—¿Qué significa pisar otra vez el extremo sur del continente Americano?

—Es un sueño llegar a un país tan bonito como la Argentina y que te reciban con un abrazo, con un aplauso. Esta oportunidad de hacer diez shows por todo el país, cosa que nunca lo había hecho, me permitirá llegar a Mendoza. Tucumán, La Rioja, muchas ciudades que no conozco.

-¿Se conoce la labor de los músicos argentinos en Estados Unidos?

-Sí claro, claro. Obviamente lo más que se conocen son los artistas que han tenido éxito internacional, Pero fijate en mi disco hay muchos músicos argentinos que si los quitas sería un gran problema. Empezando por la autora Claudia Brant, que para mí es la compositora latina más importante del momento. Yo he escrito con Claudia más de 150 canciones en los últimos diez años. Ella vive en Los Angeles y tuvo tres nominaciones para el Grammy como autora, una de ellas fue conmigo por la canción "Gritar", que escribimos juntos, obviamente también estuvo nominado. La quiero como una hermana, escribimos muchísimas cnaciones que han sido muy conocidas como "No me doy por vencido", "Aquí estoy yo", "Respira", como "Gritar" y la lista sigue. Otro ejemplo es Sebastián Krys. el productor del disco. El productor y la compositora, lo más importante del disco, curiosamente son argentinos. O sea que tengo mucha unión con el país a través de sus buenos músicos y sus buenos autores y eso me llena mucho.

Si música para los "gringos"

Luis Fonsi vive, desde su infancia, en los Estados Unidos. Sin embargo no canta para los norteamericanos sino para los latinos. “Para llegar al público anglosajón, a los gringos-gringos hay que cantarles en inglés. Esa es la realidad. Ellos no escuchan música en español como nosotros escuchamos música en inglés. Siempre he lanzado discos pensando en mi público latino. Cuando hago una gira por los Estados Unidos la hago para el público latino. De repente un anglosajon y me dice: «Escuché tu música», pero eso pasa muy poco y cualquier artista que diga que eso sucede a menudo, miente.Mi prioridad sigue siendo mi público latino”, enfatizó el artista que cosecha sus mejores frutos en España y Latinoamérica.

Camaleónico es un adjetivo que lo pinta de cuerpo entero. Del entrañable Bobby Perú de “Corazón salvaje” al villano de “Hombre araña” y del motoquero temible de “Calles de fuego” al mismísimo Jesucristo en “Jesús de Montreal”. El actor Willem Dafoe transita por estas máscaras con absoluta comodidad. Es su karma a la hora de estar en un set de filmación. Pero en el Festival de Cine de Mar del Plata está sin máscaras, ni caretas, ni maquillaje alguno.

Es él, es Dafoe, y está aquí, hablando para un grupo de periodistas acreditados a la muestra internacional. Y viene a contar lo suyo. “No quiero convencer a la audiencia, quiero representar algo”, asegura mientras se acomoda su cabello con las canas perfectamente ocultas por una tintura rojiza. ¿Será otra máscara? Tal vez.

“Amo una buena máscara, porque desde allí puedo disparar la imaginación”, dice el intérprete que llegó hasta el festival de La Feliz para acompañar el lanzamiento del flojo filme “Una mujer”, de su esposa la directora Giana Colagrande, veinte años menor que él. Dafoe cuenta 56.

Aunque la película se estrenó sin un solo aplauso por parte del público en la sala Cinema 1, pese a su presencia y de la cineasta en la sala, Dafoe mostró un apoyo incondicional a ese proyecto.

“Me gusta mi mujer y su cine. Y agradezco la oportunidad de trabajar con ella. Es una directora que domina el lenguaje cinematográfico, que nunca se ve invadida por el lenguaje de la televisión, y a la vez su cine es muy clásico”, detalló con entusiasmo el actor quien le da vida a un conflictuado escritor en el rol protagónico del filme.

“A Woman”, tal su nombre en inglés, gira en torno a la relación de amor entre una joven y un novelista silencioso y nostalgioso, que pasa por una gran pena debido a la muerte de su esposa.

Un mágico proceso. Para el actor no hay un método para alcanzar la esencia de cada uno de los personajes que interpretó. Es más, la palabra esencia le queda incómoda. “No pienso en la esencia del personaje, soy flexible y receptivo”, dice y después agrega: “Me entrego a la historia, simplemente hay un proceso mágico en mí que sucede a la hora de actuar”.

Luego de trabajar junto a directores de la talla de Oliver Stone, Lars Von Trier, David Lynch, David Cronenberg y Martin Scorsese, parecería que ya no hay realizadores interesantes que le puedan completar su extensa lista.

Sin embargo, no es así. “Cada vez que veo una buena película, digo «yo quiero estar en un set con ese director»”.

De todas maneras, a la hora de las cuentas pendientes, admitió que aún no se explica cómo es que nunca trabajó con los hermanos Joel y Ethan Coen. Aunque aceptó: “Estoy muy pendiente de la carrera de los Coen, pero tengo que reconocer que cuando veo sus películas nunca encuentro un rol que me hubiera gustado interpretar”.

Un objetivo: trabajar. El éxito y el fracaso son solamente palabras para Dafoe. Tanto es así que cuando le preguntan por esos polos opuestos el dos veces nominado al premio Oscar como actor de reparto (“Pelotón” de 1986 y “La sombra del vampiro” de 2000) siempre recuerda una frase del músico Bob Dylan que reza: “No hay éxito como el fracaso y el fracaso no es ningún éxito”.

Y agregó: “Cuando empecé en esto siempre quise ser un actor con trabajo. Y ahora que lo tengo sólo quiero trabajar con gente maravillosa”.

A la hora de desparramar elogios no dudó en tirarle flores al cine nacional. “Mi cultura cinematográfica es pobre, yo viajo mucho y me cuesta ver con continuidad algún tipo de cine. Sin embargo, el cine argentino tiene identidad y un gusto muy específico”, comentó sin reparos.

Luego de pensar un rato autores y películas argentinas, destacó: “Admiro el trabajo de Lucrecia Martel y quedé maravillado con el filme «El secreto de sus ojos»”.

¿Por qué no pensar entonces en una película de Campanella con Dafoe? Para él nada es imposible. “Elijo mis roles por la naturaleza del proyecto, nunca digo que me gustaría interpretar el rol de una niña adolescente, aunque lo haría si me cierra el proyecto”.

Jorge Rojas subirá al escenario de Metropolitano el domingo próximo para presentar “Uno mismo”, el nuevo espectáculo que maduró durante los últimos seis meses y que llevará a los festivales del próximo verano.

   El cantor nacido en Cutral-Có y criado desde los 9 años en el Chaco salteño mantuvo un extenso diálogo con Escenario sobre recuerdos de sus comienzos y un análisis del trabajo que realiza hoy.

   Dueño de una voz que lo convirtió en uno de los dos pilares de Los Nocheros (el otro es Rubén Ehizaguirre), uno de los mayores éxitos del folclore de los últimos tiempos, Jorge Rojas se atrevió a dejar el conjunto en su mejor momento para producir discos de otros artistas e iniciar una carrera que le deparó un éxito tan fulminante como inesperado.

   En los recuerdos quedan los primeros pasos artísticos con Los del Cerro y el ingreso al cuarteto que integró junto a Mario y Kike Teruel, y Rubén Ehizaguirre en 1993. “La etapa con los changos fue muy diferente a la que vivo hoy. Entré al grupo con 19 años y a los seis meses éramos la consagración de Cosquín. Después no paramos de girar y todo se transformó en una aventura increíble: llegamos a hacer hasta 270 presentaciones al año. Las vivencias con Los Nocheros fueron para mí una de las cosas más fuertes que me tocó vivir. Conocí toda Latinoamérica; hicimos todas las plazas de Estados Unidos, Canadá y España”, enumeró el músico.

   —¿Cómo se animó a bajar de ese carrousel en movimiento?

   —Habían pasado 12 años de cosas fuertísimas. No encontraba el teimpo para quedarme quieto y me di cuenta de que había llegado el momento de dar un paso al costado, de bajarse de ese tren.

   —¿Esperaba el buen resultado que obtuvo al lanzarse como solista?

   —Digamos que los pronósticos eran al revés y era difícil pensar que eso podía suceder tan rápidamente. Cuando tomé la decisión de bajarme del grupo sabía que mi vida estaba alrededor de la música porque es lo que me hace feliz. Había aprendido mucho en la parte técnica y de producción trabajando en muchos aspectos que están relacionados con lo que sucede abajo del escenario.

   —Ya había producido discos del Chaqueño Palavecino.

   —Claro. Había hecho cuatro discos del Chaqueño, dos discos de Los Carabajal y participaba en la producción de cada disco de Los Nocheros. Me dio mucha experiencia trabajar con técnicos del mundo en estudios de grabación de Miami, Los Angeles, México. Grabar con las sinfónicas de cualquiera de esos lugares cotidianamente.

   —¿Meterse en toda esa actividad lo apabullaba?

   —Sí, las primeras veces me emocionaba y no lo podía creer. Después comenzó a ser parte de mi trabajo. Toda la experiencia que había adquirido me hacía saber que mi vida estaba ahí, alrededor de la música, arriba o abajo del escenario.

   —Hace poco hablábamos con Peteco Carabajal sobre ritmos como el huayno o la saya que se van arrimando al sonido de la cumbia. ¿Será ése el ritmo natural de Latinoamérica?

   —La música andina tiene que ver con lo bailable. Y la música andina es la que más te hace pensar en eso. Vos decís chacarera... ¡Pero tenés que saber la coreografía..! No podés levantarte de la silla y bailar. ¿Qué es lo que más se acerca de nuestra música de raíz folclórica a ese momento en que te querés parar y bailar? Es la música andina que, por su acento rítmico, tiene que ver con lo afro. La saya es un ritmo boliviano y es una danza con la que se manifestaban los esclavos que llevaban cadenas en los pies. Una de las explicaciones puede estar ahí. Es música para bailar y los grandes festivales y las fiestas populares del país tienen que ver con las ganas de salir, de compartir y de bailar. Cuando vos me hablás de la cumbia, me estás hablando de un ritmo folclórico colombiano. Si me hablás de la salsa y el merengue estás hablando de ritmos folclóricos caribeños. Entonces, en algún momento sí creo que forman parte de una sola cosa. Creo que es muy interesante lo que han charlado con Peteco.

   —¿A la hora de componer tiene en cuenta estos elementos?

   —Yo hago talleres con quienes trabajo. ¿Qué significa? Trabajamos la parte rítmica, por supuesto. Y somos artistas de música popular. Claro que lo tengo en cuenta y es el momento de que —más allá de una canción con mensaje, que también lo pienso— cuando encaramos un disco sabemos que hay canciones que no pueden faltar como “Murallas”, “Las alas de la libertad”, “Para cantar he nacido”, “La vida”. Hoy sería el caso de “Uno mismo”. Es un conjunto de cosas que tenemos en cuenta cuando nos reunimos.

   —Forman un equipo de trabajo permanente?

   —Sí. Con Fernando Quevedo, Néstor González, Lucio y Alfredo (sus hermanos), con Silvia Mujica, santafesina, hicimos muchas canciones, trabajamos mucho en eso.

Con ella fue con la que más trabajamos eso de ponernos a ver que un disco tenga un poco de cada una de esas cosas y tener en cuenta todo lo que nos pasa.

   —¿Está probando el disco en cada actuación?

   —Sí. Siempre. En el momento en que aparece una canción ya me dan ganas de cantarla. Así vas viendo las canciones que son para bailar y tienen esa chispa en la melodía y por ahí las introducciones que las escuchás y decís: “Ahí apareció”. Por ahí también está la canción que te hace acordar de esas cosas que vivís cuando el amor toca tu puerta. Tenés momentos absolutamente felices y momentos de dolor profundo que te provocó una ruptura. El amor tiene eso que te lleva de una orilla a la otra en un rato.

   —¿Qué presentará en el nuevo espectáculo que trae a Rosario?

   —Le dí una vueltita de rosca al espectáculo. Como te decía antes, para volver hay que traer cosas nuevas y he trabajado con un puestista para la escena; he trabajado con un coreógrafo toda lo referido a la danza, porque sigo trabajando con nuestras danzas, desde la zamba, la chacarera, el huayno, el carnavalito, el tango. Estaré acompañado por unos artistas tremendos que, en esta oportunidad, estarán conmigo. Son bailarines internacionales. Hay canciones nuevas de adelanto de lo que va a ser mi próximo disco y temas conocidos, con arreglos nuevos. Y, por supuesto, las ganas renovadas, a pleno, para volver al reencuentro con los rosarinos y las rosarinas.

   —En un momento las chicas suspiraban por su melena y después se la cortó. Sin embargo no le sucedió lo mismo que a Sansón, que le cortaron el pelo y perdió la fuerza...

   —(Risa).Bueno, en aquel momento las chicas eran chicas y ahora ya no lo son tanto.
 

El Personal Fest reunió a unas 75 mil personas el fin de semana en el club Geba de Buenos Aires, un ámbito conformado por cuatro escenarios y caracterizado sobre todo por la heterogeneidad tanto de las propuestas de las bandas de rock participantes como del público. Y esto, precisamente, fue lo más interesante y dinámico del encuentro. Una sola postal pinta el panorama: sobre el ocaso del festival, mientras en el escenario 2 René arengaba a sus fans sobre los "fucking y cabrones norteamericanos" en los minutos finales del show de Calle 13, en el escenario 1 un centenar de jóvenes ganaba lugar para aguardar la entrada de su banda preferida bajo el grito de "¡Soni iuuu!". La banda neoyorquina de noise y rock experimental Sonic Youth esperaba el último brinco colectivo entre Calle 13 y su público para entrar en escena con sus guitarras distorsionadas y su viaje sonoro caótico y único.

Los días, también, no podían haber sido tan diferentes. El viernes, lluvioso, ventoso y cálido. El sábado, fresco y con el cielo despejado. El primer día cerró The Strokes luego de un intenso recital del ex Oasis Liam Gallagher con su banda Beady Eye. Los Strokes hoy por hoy son la muestra palpable de la maduración de una bandita de rock de garage en una gran banda, pero sin perder la esencia indie del grupo. Siguen sonando originales como en aquel primer álbum, " Is this it", pero mejor. El cantante Julian Casablancas, con esa particular voz de megáfono o de mala comunicación telefónica, y el guitarrista Nick Valensi luciéndose en esos sucios rocanroles, están en el centro de este quinteto de perfecta intersección entre el garage, la new wave y la voz saturada del vocalista al frente. Se destacaron el carnavalito post punk "Machu Pichu", de "Angle", su último álbum, y el hit inoxidable "Last Nite", que cerró el show y la primera de las dos noches del festival. Excitantes y sin fisuras.

Antes, Liam Gallagher y su banda también redondearon un gran show, basado exclusivamente en las canciones del disco "Differente Gear, Still Speeding". El cantante, que no puede ni, al parecer, desea alejarse del sonido de Oasis, se mantuvo con el clásico cruce de brazos a sus espaldas y su gesto pendenciero de siempre, pero en realidad estuvo bastante simpático con el público argentino, sobre todo después de sorprenderse al escucharlo corear la letra de "Four letter Word", uno de los temas del CD. Siempre es bueno ver en vivo a Liam y a sus compinches ex Oasis, entre otras cosas, porque suenan más poderosos y rockeros que en el disco.

El sábado cerró con Calle 13 y Sonic Youth. Los puertorriqueños dieron un show similar al que dio hace una semana en Rosario, aunque mucho más corto. Se lo notó apurado a René, sin poder desplegar en escena todo su poderío verbal. Un show a puro baile y ritmos latinos.

Sonic Youth fue la banda elegida para cerrar este festival que tuvo una organización de reloj suizo. Y no pudo haber sido mejor elección. Los neoyorquinos que influyeron a los mismísimos Nirvana entraron a escena a pura humildad ("Somos Sonic Youth y esto es «Sacred Trickster»", dijo Kim Gordon) y en breves segundos desplegaron una catarata de anti-hits basados en el sonido chirriante de sus violas eléctricas. Increíble banda para ver en vivo, rebeldes eternos que desatan un infierno de rock sobre el escenario.

Durante los dos días del festival además de las bandas mencionadas y la actuación de los sobrevivientes de INXS, se destacaron el dúo británico The Kills con su rock potente y oscuro, los canadienses Broken Social Scene, el rock elegante de White Lies y, para los amantes del cruce entre el pop y la electrónica, el dúo Goldfrapp y, sobre todo, la performance de Toro y Moi, que parece seguir un nuevo camino fuera de los transitados ritmos electrónicos y psicodélicos.

Somos todos argentinos

El saludo en spanglish fue característico del festival, pero quien se excedió en un derroche de generosidad fue el nuevo cantante de INXS Ciaran Gribbin quien dijo infinidad de veces “los amo a Buenos Aires (sic)”.
Asimismo, ya es un clásico en los visitantes extranjeros dar muestras del repentino enamoramiento de la bandera argentina. El Personal Fest no escapó de esta generalidad. Liam cantó su último tema con una bandera argentina sobre los hombros; René se puso la camiseta nacional, igual que el presentador de la banda de Damian Marley y, obviamente, el cantante de INXS.

Sonic Youth ni The Strokes, ambas bandas de Nueva York, no se subieron al tren “patriotero de patria ajena”. Hicieron bien.

Las Pastillas del Abuelo tiene algo que decir. Y no es cualquier cosa. A la manera de las bandas de rock de los años 60 o 70 concibió una obra conceptual que se inició en 2008 con el cuarto disco, “Crisis”, y que busca redondear con “Desafíos”, su sexta placa. Los temas de ese nuevo material se escucharán junto a la mayoría de sus éxitos el próximo sábado cuando el grupo encabezado por Piti Fernández suba al escenario del Anfiteatro Municipal Humberto de Nito. En una comunicación telefónica desde Mendoza, el cantante habló de los nuevos pasos que el combo está dando, y que incluyen una incursión por América latina.

—¿Qué pueden esperar los fans para este show?

—Los recitales de Las Pastillas siempre tienen mucha euforia y los pibes que nos siguen lo saben porque ellos son el 50 por ciento de ese show. La novedad es que vamos a presentar “Desafíos”. En la lista habrá una mitad con temas de ese disco para hacer una presentación oficial del material. Y habrá temas de siempre.

—¿Qué tiene el disco nuevo de bueno para que le dieran especial atención a su presentación de la caja y la tapa?

—El disco tiene su estilo. Tuve bastante intervención en el arte de tapa y en poner las letras en el librito. La cuestión es que este no es un disco tan rimado y parte de la lírica es un poco confusa. Entonces la idea era poder disfrutar del material dedicándole el tiempo necesario, con estado de presencia. No escucharlo mientras estamos haciendo otra cosa, o por arriba, sino prestándole atención a las letras, a los dibujos que los hizo Tachi que es un artista genial que le hace la escenografía a La Renga.

—¿Parece o se trata de un disco más trabajado, más intenso?

—Cada tema parece ser una respuesta a las preguntas planteadas en “Crisis”, nuestro antepenúltimo trabajo. Prestarle atención de la forma en la que hablábamos, nos parecía que podía cerrar mejor la idea de los opuestos complementarios que se plantean tanto en “Crisis” como en “Desafíos”. Para nosotros es una obra conceptual entera. Dicho de otro modo, a “Desafíos” por sí solo le falta algo y a “Crisis” por sí solo también.

—¿Podrías explayarte sobre ese aspecto?

—La tapa de “Crisis” plantea dualidad, hombre-mujer, fuego-agua, todos los nombres de las canciones son preguntas en primera persona y el librito plantea los diferentes niveles de realidad que hay en el ahora. Diferentes mundos que coexisten. El mundo de los seres humanos es uno, pero existe el mundo de los órganos, todos los días el riñón es el riñón y el corazón es el corazón. Está el mundo celular, el mundo molecular, subatómico, los diferentes universos, las galaxias, ocurren en el mismo momento en que nosotros probamos sonido. En “Crisis” todas las vivencias pasan entre signos de pregunta. En cambio en “Desafíos” cada dibujo no planeta el ahora sino el futuro y el pasado, porque cada una de las respuestas de “Desafíos” no se refiere tanto el ahora.

—¿Puede ser que el desafío sea el de la misma búsqueda más que el de hallar las respuestas?

—Cada canción es un desafío a consolidar. Discriminar no está bien y el desafío es que esa idea se consolide en la sociedad entera. El sistema penitenciario tiene sus fisuras pero el desafío es asumir el cambio completo de ese sistema. Y vemos que algunas modificaciones empiezan a aparecer. La influencia que los medios viles tienen en la sociedad. El desafío es desenmascararlos por completo y hacer que el pueblo tome las riendas de la comunicación. El desafío es llevar estas ideas hasta el final, comprometerse con cada desafío.

—¿La banda se encuentra en un momento de reconocimiento, de cosecha?

—Todo se puede interpretar de muchas formas. El disco nuevo salió y se convirtió en disco de oro. Es más que nada un premio para la industria. Está bien que muchas bandas no consiguen un disco de oro, hay que ponerse contento con eso e interpretarlo de esa manera, esto es dándonos el lujo de disfrutarlo. Pero a nivel filosófico el galardón de oro mucho no influye.

—Desde el punto de vista terrenal y considerando que han dejado de ser una banda “chica”, ¿cuándo o con qué se sentirán reconocidos?

—Cuando llegamos al Luna Park en julio fue un hito. Para nosotros, en realidad para mí para no meter a los otros en líos, son situaciones estrafalarias. Cuesta reconocerse y uno se pierde entre tanta luz y tanto grito. En el primer Luna nos pusimos a llorar porque fue un desborde de energía. Fue muy lindo, pero la verdade es que los premios son algunas preguntas de los periodistas, las lágrimas que vemos desde arriba del escenario en la valla o en la primera fila. Son alucinantes porque te mueven hasta las más profundas fibras y te dan ganas de llorar.

—¿Así que se van a México?

—En realidad a México vamos a sembar o a ver qué pasó con nuestra visita de abril pasado. Es como empezar de cero. Fuimos a Toluca y nos vieron 40 mexicanos. Falta mucho para tener un mercado pastillero en México.

La delgada línea entre ficción y realidad se hará palpable desde hoy en "El pacto", la miniserie escrita por el rosarino Marcelo Camaño, que tras sufrir una polémica postergación se estrena esta noche, a las 23, por América.

"No siento ninguna incomodidad, cada uno con libertad puede decir el lugar que quiere ocupar, nosotros estamos trabajando con absoluta alegría en esta refundación de «El pacto»", dijo a Escenario Cecilia Roth, quien protagoniza el envío junto a Federico Luppi, Mike Migorena (quien grabó ocho capítulos y se bajó del proyecto en medio de reiteradas presiones) y el actor español Eusebio Poncela, quien ingresó tras la partida del actor que interpretaba a un personaje con las características del CEO Héctor Magnetto, directivo de Clarín.

La ficción, dirigida por Pablo Fischerman, tendrá 13 capítulos y claras referencias a la compra de Papel Prensa S.A por parte de los diarios Clarín y La Nación el 18 de febrero de 1977, en la etapa de mayor poder represivo de la dictadura. "El pacto" narra la historia de Lucía Córdova (Cecilia Roth), una abogada que comienza a investigar la liquidación de una empresa, donde uno de sus dueños aparece vinculado a un delito aberrante cometido durante el proceso militar que transcurrió entre 1977 y 1983.

Escenario dialogó con la actriz protagonista antes y después de la polémica salida de Amigorena, que fue tildado de "cagón" por Luppi (ver aparte). Esta es una síntesis de ese diálogo, que transitó entre la cordialidad y la tensión.

—¿El revuelo que generó esta tira por presiones de ciertos grupos de poder les permite trabajar con libertad o con cierta incomodidad?

—Ninguna incomodidad, tampoco hay que subrayar lo de Mike. Cada uno, con libertad, puede decir el lugar que quiere ocupar. Nosotros estamos trabajando con absoluta alegría en la refundación de "El pacto". Hicimos esto en las mejores condiciones que pudimos hacerlo, estamos más seguros, más tranquilos y con más ganas de contar lo que habíamos hecho.

—¿Son conscientes que a partir de una ficción se va a ventilar una situación irregular de Papel Prensa, que traerá consecuencias para Clarín y La Nación?

—Eso lo decís vos, yo estoy haciendo una ficción que está entramada con la realidad. Cuando decidí hacer esto lo primero que me pasó, lo primero que sentí, fue que artísticamente me interesó muchísimo, y lo digo desde la dirección, los actores del proyecto y desde un guión que, desde ya, está atravesando por una situación absolutamente presente en nuestra vida actual. Pero es una ficción, la conciencia la tendrá el espectador cuando lo vea.

—¿Tratar este tipo de temas en la televisión es una muestra de compromiso actoral?

—Hay una cuestión ideológica, por supuesto, pero también artística. Esto es interesante para contar, si no hubiese sido así, por más comprometido que fuese, no lo hubiese hecho.

—Bueno, pero esto es...

—(interrumpe)Mirá, cuando hice cine, como “Un lugar en el mundo” o “Kamtchatka” sentía lo mismo. Por supuesto que es un momento más propicio, porque está el Incaa detrás y la Ley de Medios para que
esto sea posible, pero siempre hubo espacios para que uno pudiera contar, y si no los hubo había que crearlos y se creaban.

—¿Las políticas de medios favorecen la televisión actual?

—Yo no soy política, yo adhiero a muchas de las políticas del gobierno, y vos lo sabés, no me hagas una nota política porque estamos hablando de una ficción en la que yo participo como actriz.

—Pero estamos hablando de una ficción que habla de Papel Prensa, nada menos.

—Estamos contando algo que está en la calle y lo estamos contando no desde un punto de vista tendencioso, no hago militancia con eso, o de todas maneras es mi manera de militar. Mi lugar como actriz
es contando lo que me parece que tengo que contar. Este proyecto lo merece artísticamente, no hay que cerrarlo a un hecho político.

—¿Este momento político imprime más sensibilidad social en lo actoral?

—En general los artistas tienen una sensibilidad social, porque de ahí nos identificamos con lo que está pasando. El artista cuenta su época, no hay duda de eso. Me pasa que estoy participando, hay
discusiones, debates. Es saludable tener la oportunidad de participar para que las cosas se realicen. Eso lo estamos aprendiendo, porque yo, vos, todos somos el país, no somos el gobierno de
turno. Y este último momento político apunta a la participación y además al federalismo.

Entre los aprietes y los insultos

La fecha original del estreno de “El pacto” fue el martes 27 de septiembre, pero las presiones impidieron que ello ocurra. Amigorena, que filmó escenas en ocho capítulos encarnando a un gerente que evoca al CEO de Clarín, confesó haber recibido presiones por parte de Esmeralda Mitre -hija de los dueños del diario la Nación-, de María Laura Santillán -conductora del noticiero de El Trece- y de Adrián Suar, gerente de programación de esa emisora. Las productoras Oruga Cine y Tostaki, que habían ganado el concurso Ficción Para Todos, denunciaron las presiones y aseguraron que volverían a trabajar “sin miedo y con libertad”. Marcelo Camaño expresó: “Luego de leer el Informe Papel Prensa que está colgado en internet, me di cuenta que teníamos un thriller empresarial atravesado por una historia de amor truncada por el horror. Ahí empecé a armar la historia”. El estreno de hoy llega en el marco de una declaración que volvió a encender la polémica. “No me gustó para nada la actitud de Mike. Estaba todo listo para que se hiciera cargo del personaje y siguiera hasta el final de la serie. Había grabado 8 capítulos y no uno como sostiene él. Es un cagón”, explicó Federico Luppi al diario Crónica, en una frase que rebotó ayer en todos los portales de noticias.

Pedro Almodóvar habló largamente con The Associated Press en Nueva York sobre su última película "La piel que habito" con Antonio Banderas, Elena Amaya, Marisa Paredes, Jan Cornet y Roberto Alamo, que mañana se estrena en las salas rosarinas.

El filme, que marcó el reencuentro del cineasta con Antonio Banderas —torero aprendiz en "Matador" (1986), objeto de deseo en "Mujeres al borde de una crisis de nervios" (1988) y paciente psiquiátrico en "Atame!" (1990) — sigue a un cirujano plástico psicópata obsesionado por vengarse del violador de su hija, al tiempo que busca recrear a su esposa muerta en otro ser.

Se trata de uno de los filmes más oscuros de su filmografía, con tintes del "Vértigo" de Alfred Hitchcock, o en la literatura del "Frankenstein" de Mary Shelley.

Durante la entrevista con la AP, en un piso no muy alto de un hotel, Almodóvar habló de su propio vértigo, sus migrañas y de qué haría si fuese un científico con las capacidades del personaje principal de su película.

—"La piel que habito" es de lo más fuerte que ha hecho. ¿No le parece?

—Yo creo que sí. Cuando empiezas a trabajar pierdes un poco no la conciencia de lo que estás haciendo sino que te habitúas. Es una película muy oscura y te habitúas a la oscuridad. Pero viéndola ahora ya terminada y también viendo la reacción creo que encierra una situación absolutamente terrorífica que sólo imaginarla provoca un miedo tremendo.

—Es una adaptación de la novela "Mygale" del francés Thierry Jonquet. ¿Qué tanto se parece al libro?

—Muy poco. Empecé partiendo del libro pero desde el momento en que empecé a pensar en la piel como un elemento de investigación... todo cambió... Hay una única situación (del libro) que permanece que es la venganza de este padre. El resto me lo he inventado.

—La película tiene mucho de "Vértigo" (1958). ¿Recuerda la primera vez que vio esta película y que impresión le causó?

—La vi en los 80, y me impresionó mucho. Creo que dentro del cine de Hitchcock es algo muy especial, es la película más romántica de todas, donde menos ironía hay... Además es la madre de muchísimas películas. Te lleva a Frankenstein pero tiene también una relación directa con el creador de personajes femeninos...

—Si usted fuera un científico con la capacidad de crear algo que cambiara a la humanidad de alguna manera, como el personaje de Antonio o como Frankenstein, ¿qué haría?

—Yo no sé si tiene solución el ser humano. Es un ser muy imperfecto y ahora mismo parece que estamos desarrollando la peor parte de nosotros mismos. Es una pregunta complicada porque hay tanto que solucionar... Vivimos como en un Apocalipsis. ¿Cómo ir al centro del problema y solucionarlo?

—A Penélope Cruz no le supieron sacar el mismo brillo en Hollywood hasta que volvió a trabajar con usted en "Volver". ¿Cree que ocurra algo similar con Banderas?

—Yo espero que sí. Que tanto el espectador como los críticos miren a Antonio con otros ojos. Es una apuesta también por parte de él de entrar en un registro muy distinto y a mí me parece que hace un trabajo espléndido.

—Cuando estábamos coordinando esta entrevista se dio la posibilidad de que fuera en nuestro estudio de TV, en un piso 14, pero la publicista nos dijo que no podría ser porque usted sufre de vértigo y migrañas.

—Es cierto. No sabes cómo sufría cuando veo a James Stewart subiendo esas escaleras (en "Vértigo")... Yo sólo oigo por un oído, este lo perdí (se señala el oído derecho) muy pequeño con el sarampión. Tenía dos años y como secuelas de un abuso de la estreptomicina —estoy hablando de España en la mitad de los años 50—, esto hace que toda mi relación con el sonido y con la altura sea peculiar.

—¿Siente que esto de algún modo influyó en sus películas?

—Pues en "Matador" el personaje que hace Antonio yo le transmití eso, porque a veces también hay una relación muy rara con la climatología... con los días nubosos... con las tormentas. Yo entro en un estado muy raro y eso se lo transmití al personaje, como que, a través del vértigo, entraba en una dimensión por la cual él sentía toda la violencia de la ciudad, los crímenes que se estaban cometiendo.

—Y respecto a las migrañas, ¿cómo maneja el asunto de las luces durante un rodaje?

—Casi no quiero que publiquen fotos mías durante el rodaje porque estoy siempre con lentes negros y sombrero para que no me llegue la luz. ¡Mi vida es una paradoja desde que nací! He elegido una profesión que justamente necesita la luz como instrumento y yo tengo una brutal fotofobia. Es una de tantas paradojas que trato de vivirla con buen humor porque a mí me provoca mucho dolor.

—Ha dicho que está desarrollando un proyecto en inglés. ¿Ya puede hablar un poquito más al respecto?

—Estoy en el principio. Tengo la historia, la he escrito en español y estoy justamente ahora, una vez que termine la promoción, voy a hablar con un escritor amigo, americano, para coescribirlo con él... Ojalá que nos entendamos, porque (la historia) transcurre aquí en este país y en esta lengua y necesito la ayuda de alguien porque mi inglés no es suficiente.

Por tercera vez los rosarinos podrán disfrutar de un hecho infrecuente como es ir al teatro de lunes a lunes durante todo el mes de noviembre. Serán treinta propuestas de grupos locales que se presentarán en distintas salas. Se abordarán diversos géneros como drama, comedia, experimentales, infantiles y otras que fusionan música y teatro.

El ciclo comenzará hoy, a las 21, con "La rebelión de las escobas", en La Escalera (9 de Julio 324). El resto de la programación se puede consultar en www.actorescicloteatrorosario.blogspot.com donde se irá renovando la programación. Las entradas tienen un valor de 15 pesos.

La propuesta se lanzó hace tres temporadas a partir de una iniciativa de la delegación Rosario de la Asociación Argentina de Actores, a la cual se sumaron los aportes de la Dirección de Programación de la Secretaría de Cultura y Educación de la Municipalidad de Rosario y la Asociación de Teatros Independientes de Rosario (Atir).

Christian Alvarez, delegado gremial de Actores y uno de los organizadores del ciclo, dijo que este año, a diferencia de las dos ediciones anteriores se incorporó el teatro infantil a la variada propuesta de la muestra.

Los chicos también. "Cuando hicimos la convocatoria, que es abierta con algunos condicionamientos como que las obras no estén en cartel durante noviembre y que se hayan estrenado con una cooperativa de actores, los compañeros que tienen teatro para niños nos empezaron a pedir pista", explicó. Así se sumaron "Encontré mi camino", "Chau, Sr. Miedo", "Baltracio, el infantil" y "Paisajes humanos" y "Quesos y besos" al resto de los trabajos que completan un total de treinta piezas.

Según recordó Alvarez, también miembro del grupo Los Nadies, recordó que el ciclo surgió hace tres años con la idea de generar "circuitos sustentables". "Dentro de la Asociación Argentina de Actores consideramos que es más fácil producir en Rosario que sostener el repertorio. Como la premisa nuestra es la dignificación del trabajo y también generar fuentes laborales empezamos a pensar el tema de circuitos sustentables".

A partir de esa idea surgieron diferentes propuestas. "Armamos distintos ciclos con la Secretaría de Cultura de la Municipalidad, como el ciclo de titiriteros, el del Parque de España, el de los jueves en La Toma y este que lo hacemos junto con Atir".

Elección. Para esta convocatoria se presentaron cuarenta y cinco obras de las cuales estaban en condiciones de participar 33. Las treinta participantes surgieron por sorteo.

El desafío, según Alvarez, es generar alternativas: "Nosotros tenemos una ciudad que da para mucho más de lo que nos da. Tenemos un público que no se agota y que es más o menos el mismo que se acerca a las salas. El desafío es seguir ampliando lo que hacemos para que la gente se reconozca en las propuestas que hacemos como actores. Y lo interesante que tiene el ciclo es que son todas obras producidas aquí".

El carácter local es uno de los atractivos de esta muestra compuesta por obras de texto y trabajos colectivos. "La diferencia con cualquier otro teatro que surge en otro lugar es que nos representa como ciudadanos, que como público nos podemos ver representados en distintas temáticas que están abordando en escena", afirmó.

Otro de los desafíos es poder ofrecer obras que quedaron sin ver y tener la posibilidad de una salida al teatro en mitad de l a semana. "Vivimos en una ciudad donde hay público para todo y hay gente que realmente va en búsqueda de determinadas cosas", explicó Alvarez y añadió: "La idea es ir pensando estrategias como pasa en Buenos Aires que hay funciones de teatro para adultos a la tarde. Nosotros tenemos un desafío interesantísimo y es que en una ciudad de un millón y medio de habitantes poder tener teatro todos los días de la semana", afirmó Alvarez.

Novedades

Las propuestas para ampliar la llegada del teatro rosarino incluyen nuevas ideas, además de las que están en marcha o se realizaron durante el año. Según reveló Christian Alvarez en febrero estaría a punto una nueva iniciativa que apunta en ese sentido. “La idea es trabajar junto con la Municipalidad, no solmaente en los ciclos que tenemos instalados, sino también en otros con el Instituto Nacional de Teatro en circuitos alternativos. Estamos buscando la forma de largar el febrero el ciclo de verano con esta lógica de generar circuitos sustentables para las obras”, adelantó. Con noviembre finalizarán los ciclos de teatro a la gorra que se realizan los jueves en el Centro Cultural La Toma, el de las escalinatas del Parque de España y el ciclo de títeres que se realiza en el Parque Urquiza.

"No hay que buscar ninguna metáfora en «Contagio», simplemente me gustaba la idea de tener un protagonista que no habla: el virus". Así explicó el director Steven Soderbergh uno de los ejes de su última película, "Contagio", que se estrena hoy. Con los protagónicos de Matt Damon y Jude Law, el cineasta estadounidense de "Traffic" volvió al ruedo con un filme en el que propone una tragedia de alcance planetario cuando un virus comienza a matar a la humanidad.

El filme fue presentado fuera de concurso en el último festival de Venecia donde fue bien recibido por la crítica. El director, uno de los exponentes más exitosos de la industria surgido del cine independiente, despliega una historia en la que narra paralelamente la angustiante carrera contra el tiempo destinada a frenar una epidemia global.

"Contagio" se enfoca en el rápido progreso del virus que se transmite por el aire y mata en cuestión de días. A medida que va creciendo la epidemia, la comunidad médica mundial lucha contrareloj para encontrar una cura y controlar el pánico, que se extiende incluso más rápido que el propio virus.

Al mismo tiempo, la gente lucha por sobrevivir en una sociedad que se desmorona y en la que la aparición de la enfermedad y la carrera por encontrar una vacuna y salvarse a cualquier precio pone a prueba sus valores.

La peste planetaria. La peste, como aquella que acabó en el siglo XII con un tercio de la población de Europa, es un brote moderno de una enfermedad desconocida y mutante como aquella en aquel momento que desata temores atávicos, resalta los peores y a la vez mejores instintos del ser humano y que se desarrolla a la velocidad de los viajes en avión, de Hong Kong a Chicago y del contacto entre personas.

Así como en anteriores ocasiones, el director de "Traffic" y "La gran estafa" entre muchos otros éxitos, se rodeó de una constelación de prestigiosas estrellas, además de Damon y Law. Así se sumaron en papeles secundarios Kate Winslet, Gwyneth Paltrow, Lawrence Fishburne y la francesa Marion Cottillard, ganadora de un Oscar en 2007 a mejor actriz protagónica en "La Vie en Rose", donde interpretó a Edith Piaf lo que le abrió las puertas de Hollywood.

La realidad planea la ficción a raíz de la pasada crisis mundial que generó la expansión de la gripe A H1N1. "La película es el resultado inicial de un debate con el guionista Scott Burns. Nuestra impresión era que toda la parte científica en el filme debía estar extremadamente cuidada. Todas las escenas en las que se hablaba de virus debían ser realistas. Si no hubiera sido así, no habríamos podido abordar este tipo de cuestiones", explicó Soderbergh.

Las imágenes de supermercados saqueados, gente armada, calles patrulladas por el ejército y personas bajo cuarentena en estadios son parte de un panorama que no sería extraño verificar si un caso así se diera en la realidad.

El director de filmes de denuncia como "Erin Brockovich", "Traffic", sobre el tráfico de droga, premiado en el 2000 con el Oscar por su dirección, y "Che", sobre el legendario héroe de la revolución cubana, vuelve así a abordar tangencialmente temas de corte social.

El filme llega en un momento del mundo en que la nueva peste que se apoderó del mundo parece la crisis financiera. Sin embargo, el cineasta dijo que "no se trata de una metáfora de la crisis económica, sino que el virus es el protagonista del filme".

Luego de "Haywire", donde seguirá tratando temas de perfil social, Soderbergh se tomará un descanso y se dedicará a rodar dos historias de alto impacto aunque menos arriesgadas como la versión cinematográfica de la serie "El agente de Cipol" y "Liberace", sobre la vida del gran pianista, en la cual volverá a dirigir a Matt Damon.

“Riesgo y popularidad”

(Por Rodolfo Bella / La Capital). _ Cuando hace más de veinte años apareció aquella película que se llamó “Sexo, mentira y video”, se registró un pequeño fenómeno. Un entonces desconocido director sorprendió con esa historia simple contada con recursos mínimos que maximizaron los resultados en la taquilla. Pasarían diez años hasta que llegara el próximo gran acierto de Steven Soderbergh con un tema bien local para el director estadounidense, “Erin Brokovich”, con su denuncia social y ecologista. Luego vendrían “Traffic”, la saga de “La gran estafa” y las dos películas sobre el Che. Para algunos cineastas la aspiración es alcanzar el éxito a partir de las fórmulas probadas, pero no es el caso de Soderbergh que ahora intentará abordar la vida de Liberace, singular pianista de Estados Unidos. Será otra vez la apuesta de un director que apunta a lo popular sin apelar a fórmulas fáciles.

"Los tres mosqueteros" regresan en una nueva adaptación del clásico de Alejandro Dumas. El responsable de llevar a las famosas creaciones de la literatura francesa fue el director Paul W.S. Anderson, que además lo hizo en una megaproducción 3D con la misma tecnología que utilizó James Cameron en "Avatar".

Los personajes protagónicos son Athos, Porthos y Aramis, a cargo de Orlando Bloom, Christopher Waltz y Ray Stevenson, tres espadachines de élite al servicio del rey de Francia como sus mejores mosqueteros.

En esta versión de la clásica aventura de Alejandro Dumas, el joven y temperamental D?Artagnan, interpretado por Logan Lerman, se une a tres veteranos guerreros para evitar que el malvado Cardenal Richelieu se apodere del trono de Francia y lleve a Europa a la guerra.

Como parte del plan contra Richelieu, Athos, Aramis y Porthos se apoderan de los diseños de una aeronave de una bóveda de alta seguridad de Venecia que era parte de los planes del cardenal. Pero el sabor de la victoria les dura poco. Su hermosa cómplice, Milady, el personaje a cargo de Mila Jovovich, engaña al trío y le vende los diseños a un mejor postor, el despreocupado duque de Buckingham, lo que resulta en un golpe fuerte para los maestros de la espada.

Actualización. Según explicó Anderson, su objetivo fue actualizar el relato clásico. "Definitivamente, la idea fue modernizar «Los tres mosqueteros», sin entorpecer la diversión que supone rodar una película de época. Pero en nuestra película los corsés y los sombreros de plumas no son el principal centro de atención. Nuestra versión es además una avalancha de acción, romance y aventuras".

Fue el productor Jeremy Bolt quien contactó a Anderson. Bolt ya había confiado en él para la saga de "Resident Evil", también protagonizada por Jovovich, la bella esposa de origen ucraniano del realizador.

Anderson cobró notoriedad en su Inglaterra natal cuando filmó Shopping (1994), con un en ese momento desconocido Jude Law y Sean Pertwee. La película contaba el descontrol de una banda de ladrones que cometía sus asaltos estrellando autos contra vidrieras. El film fue censurado en algunas salas del Reino Unido y en los Estados Unidos se lanzó directamente en video, lo que le garantizó una súbita celebridad.

Así fue como "Shopping" le abrió las puertas de Hollywood. Anderson comenzó una serie de filmes basados en videojuegos y poco tiempo después filmó "Mortal Kombat: La Película (1995)" y dirigió a Kurt Russell en "Soldier" (1998).

En 2002, asociado con Bolt, realizó una nueva adaptación de "Resident Evil" (2002), que dio lugar a una taquillera saga. También escribió y dirigió "Alien vs. Depredador" (2004) y "Death Race" (2008), con Jason Statham y Joan Allen.

Tecnología. Para realizar "Los tres mosqueteros 3D" Anderson utilizó las cámaras creadas por el director James Cameron y el director de fotografía Vince Pace, llamado Cameron-Pace Group (CPG), quienes desarrollaron el sistema de cámaras estereoscópicas Fusion 3D, con las que rodaron la multipremiada "Avatar".

El proyecto es el tercer que intenta Hollywood. Esta versión sucede a una de 1993 protagonizada por Chris O'Donnell, Kiefer Sutherland y Charlie Sheen, y otra de 1973, con Michael York, Richard Chamberlain, Christopher Lee, Faye Dunaway y Charlton Heston.

"Los tres mosqueteros" fue publicada por primera vez en forma de series para la revista Le Siècle entre marzo y julio de 1844. Dumas afirmó que para su creación se basó en manuscritos que él descubrió en la Biblioteca Nacional de Francia.

Uno de sus referentes habría sido el libro "Mémoires de Monsieur d'Artagnan, Captain Lieutenant de la Première Compagnie des Mousquetaires du Roi" (Memorias de Señor D'Artagnan, Teniente Capitán de la Primera Compañía de los Mosqueteros del Rey), editado en Alemania, alrededor del año 1700.

Las aventuras creadas por Dumas, tres siglos después, siguen alimentando la imaginación de una generación.

Clásico renovado

El director Paul Anderson, optó por una versión fantástica del clásico de Alejandro Dumas en la que aparecen máquinas voladoras y armas más que improbables en el siglo XVII, y en la que abundan tanto los puñetazos como los elegantes duelos de espadachines, además de la lealtad y el honor.

Bruselas. — Tintín llegó a su casa en Bélgica para el estreno mundial de "Las aventuras de Tintín: el secreto del unicornio", acompañado por el director de la película, Steven Spielberg. Si el intrépido reportero fuera algo más que un personaje de dibujos animados tendría que haberse abierto paso a empujones entre sus colegas que cubrieron el sábado la alfombra roja. En lugar de ello, Tintín y su creador, el fallecido Hergé, fueron las verdaderas estrellas en el estreno de la cinta, al que incluso asistió la princesa Astrid, de la casa real belga.

"Las aventuras de Tintín: el secreto del unicornio" será distribuida primero en Europa y otras partes del mundo antes de llegar a territorio estadounidense para la temporada navideña.

"Secuestrar a Tintín y llevarlo a Estados Unidos primero, y luego darlo a conocer en el extranjero, sería algo que ni siquiera se nos hubiera ocurrido", dijo Spielberg.

"Desde el principio, el plan era regresar a Tintín a los países donde es más querido", aseguró el también productor cinematográfico.

Oleada de apoyo. El director disfruta de una oleada de apoyo de la crítica local a pesar de estrenar la cinta en un país apegado a sus tradiciones y dispuesto a atacar cualquier profanación de sus íconos culturales por parte de los estadounidenses.

"Acción, aventura y comedia: la película de Tintín hecha por Spielberg tiene todo", era el titular del sábado en el periódico local De Morgen.

Spielberg compró los derechos del personaje en la década de los 80, y tres décadas de espera para ver el resultado terminaron con "lo que en las películas llaman un final feliz", dijo Hugues Dayez, experto en dibujos animados y cine.

El gobierno belga incluso nombró a Spielberg como Comandante de la Orden de la Corona.

Para el director, un final feliz significará que la película sea un éxito en la taquilla como para que sea inevitable hacer una secuela.

Lo que viene. Junto al director de "El Señor de los anillos", Peter Jackson, dijo que estará listo. "Hemos escogido la siguiente historia. Tenemos un guión que está siendo escrito ahora mismo", dijo Spielberg, rehusándose a decir cuál es el que utilizará de las dos docenas de libros de Tintín que Hergé escribió. En todo el mundo se han vendido 220 millones de copias de los libros.

La llave del tesoro. La primera película narra cómo Tintín descubre por accidente la llave que permite llegar a un tesoro, y luego es enviado alrededor del mundo para escapar de unos malvados criminales, acompañado por el capitán Haddock.

La parte difícil es venderle a los niños del siglo XXI un mundo que se ha ido y en el que las fronteras entre el bien y el mal estaban claramente marcadas, y donde el Tintín interpretado por Jamie Bell —mejorado con la tecnología de captura de movimiento, en la que los movimientos de los actores son utilizados para animar modelos digitales de personajes— es virtuoso sin el más mínimo asomo de algún vicio. Algunos críticos la tildaron de aburrida por eso mismo.

Bell, mejor conocido por su papel en el filme "Billy Eliot" (2000), utilizó sus habilidades de bailarín en las escenas de persecución para hacer que el estilo de Tintín se asemejara lo más posible al de los dibujos animados.

Raro

Tintín no es un personaje caído de otro planeta, como "ET", ni un superhéroe como el de tantas películas del realizador estadounidense Steven Spilberg. "Es el único personaje que yo he dirigido que no es raro", declaró Spielberg en una rueda de prensa celebrada en un lujoso hotel de París. "Cuando lo conocí, hace casi 30 años, me encantó su mundo, sus historias, su humor. Sentí que teníamos mucho en común", aseguró el cineasta.

   La artista de Arequito que comenzó su carrera en 1995 habló extensamente sobre su presente familiar y artístico. Dijo que la maternidad -su hija Antonia tiene 15 meses- no le impide seguir adelante con su carrera musical y televisiva. “Al contrario, es un nuevo motivo que me da fuerzas”, afirmó.

   A punto de iniciar una nueva gira, Soledad vuelve al ritmo febril de actividad con la misma energía que transmite desde los escenarios. A sus presentaciones se suma su trabajo en la conducción televisiva de “Ecos de mi tierra”, que comparte en Canal 7 con Marcelo Iribarne, y otros planes, como el rodaje de la película “Soledad y Larguirucho”, un proyecto compartido con Manuel Garcia Ferré.

   Después de un año de trabajo iniciado en enero con un viaje a Miami donde participó en la grabación de “Primera Fila”, el CD de Franco De Vita, Soledad planifica en su casa de Arequito los nuevos pasos de su carrera, mientras hace una pausa en sus quehaceres como flamante mamá para hablar con Escenario.

   —Se escucha un llantito.

   —Sí. Antonia está a los gritos porque no podés demorarle la comida por dos segundos.

   —¿Cambiaron las cosas después del nacimiento de su hija?

   —Sí, mucho. Pero para bien. No me puedo quejar: es lo más maravilloso que podía pasar en mi vida.

   —¿Se replanteó la carrera?

   —La verdad que no. Sigo con las mismas o quizá con más energías porque hay un motivo más que le da sentido a todo. Siento que la llegada de Antonia me hace disfrutar más del escenario. Ahora estoy más expresiva. Resuelvo más fácil.

   —¿Iniciará la nueva gira en Rosario?

   —Sí. Viste que dicen que trae suerte Rosario. Pero yo no lo hago por eso sino porque le tengo mucho cariño a la ciudad. Creo que debe ser una de las ciudades que más firmemente han estado conmigo. Tengo un club de fans ahí, y cada vez que cumplo los años vienen a Arequito y me adornan la casa. Tenemos una relación muy cercana.

   —¿Su nueva propuesta responde a lo que siempre le pide la gente?

   —“Canciones a la carta” surge como una idea para diferenciar lo que es un show de un festival. Le buscamos esa vuelta porque es muy difícil cambiar el repertorio: la gente quiere escuchar los viejos éxitos y no hay espacio para las nuevas canciones. Entonces decidimos hacer un menú reducido a 30 temas elegidos por votación. Antes de que empiece el espectáculo, ni yo voy a saber qué voy a cantar.
   —Usted fue criticada cuando se apartó del folclore. Si canta lo que le pide la gente el que decide dónde ubicarla será el público.

   —También tiene esa trampita. Como vos decís, se me ha criticado mucho. Hoy muchos artistas del folclore que se han ido para el lado del pop o la fusión y quizá no sufran el castigo que yo sufrí. Pero, aunque me cueste, a veces pasan por radio un tema romántico que canto con Franco De Vita y ¿sabés cuánta gente mandó mensajes diciendo: “Cómo me gustaría un disco tuyo así”? Tengo cosas pendientes pero todavía no me animo a encararlas porque quiero dejar bien en claro que el folclore es mi género, que nunca voy a dejar de hacer folclore. Además yo soy una artista de festival y eso no lo niego y me encanta cantar en los pueblos chicos.

   —¿Vivir en Arequito le trae problemas o soluciones?

   —(Risa) ¿Por qué me lo decís?

   —Los artistas suelen decir que si no viven en Buenos Aires no pueden hacer carrera.

   —Sí. Esa es la realidad. En mi documento, mi domicilio figura en Buenos Aires porque tengo una oficina armada allá. Acá, en Arequito, vivo en zona rural y más de una vez las cartas se pierden porque no saben cómo hacérmelas llegar a mí. Pero en los dos lugares hay beneficios y problemas. Por ejemplo: vivir en un pueblo chico —por hablar de cuestiones domésticas— cuando me mudé acá, no pasaba el cableado de la luz eléctrica. Tuvimos que comprar el cable de la luz. Cada vez que hay una tormenta tenemos terribles problemas y se nos quema todo. No sabés a quien llamar. Son problemas domésticos; empecemos por ahí. Después, vivir en un pueblo tiene muchas ventajas: estoy con mi hija y tengo mucho más tiempo para disfrutarla. En Buenos Aires trato de organizarme para estar en los momentos más importantes del día. Soy una mamá muy presente, por lo menos a esas horas. Es más, tenemos una relación muy cercana, de estar todo el tiempo juntas. Los últimos ensayos de “Canciones a la carta” los hice en Arequito. Antes íbamos a una sala de Buenos Aires pero como tengo equipos propios, nos venimos para acá. Tenemos todo el tiempo del mundo, miramos el campo... y cantamos (risas).

   —Para el que transita por la ruta usted es una referencia geográfica.

   —Me causa gracia porque en Arequito, hay una especie de monolito y mi hija, que tiene un año y cuatro meses, no sé porqué motivo sabe eso y cuando pasamos le dice al monolito: “¡Chau mamá!”. La verdad es que nunca dejé de nombrar a mi pueblo: habrá gente que me quiere y gente que no tanto. Hay quien dice: “Qué suerte La Sole es de acá”; y otros dicen: “Yo la conozco desde chiquita, no sé quién se cree que es...” (risas).

   —¿Seguirá en la televisión?

   —Hace cuatro años que estoy en canal 7 con un espacio dedicado al folclore donde no se habla de otra cosa que no sea música. No me gusta cuando se mezclan otras cuestiones. La verdad es que tenemos mucha libertad. Hay artistas que no tienen otra posibilidad de promoción y se van muy agradecidos del programa. Creo que hay posibilidades de mejorar, pero también sé que es importante que no perdamos este espacio, en un momento en el que la televisión no le está dando mucho lugar a la música y en especial al folclore. Si quieren que siga voy a seguir. De mi parte están las ganas porque me gusta mucho. Mientras tenga salud y trabajo, yo soy feliz.
 

Una nube que no tapó el Sol

Aunque con reticencia, Soledad habló del juicio que la enfrentó con César Isella, quien manejó durante varios años su carrera artística y la demandó por incumplimiento de contrato. El autor de “Canción con todos”, que abrazó los postulados del Nuevo Cancionero, se convirtió en manager cuando la niña sacudió el ambiente folclórico de los 90 con su poncho en alto.
  ¿Apelará el fallo que favoreció a César Isella?
   Sí. En realidad no me gusta hablar del tema. Pero alguna vez uno descubre con qué bueyes ara y empieza la solución del problema. El me hizo un juicio por supuesto incumplimiento de contrato. Yo no firmé nunca nada porque era menor de edad. Quienes firmaban eran mis padres, pero la cuestión no se hizo de buena fe. Hace poco hubo que pagar el costeo del juicio que no es millonario para nada. A pesar de que era menor yo tomé la decisión de separarme. Era una cuestión de sensaciones, porque yo no entendía demasiado del asunto. Pero creo que no me equivoqué. Perdí el juicio pero gané muchas cosas. Me puedo equivocar, pero me parece que pelearse con alguien es una energía perdida en algo que no lleva a nada.
   La integridad moral de una persona se refleja en la coherencia de sus actos. Más allá de los compromisos firmados -que deben cumplirse-, Soledad nunca dijo ser lo que no era y su propuesta artística siempre resultó transparente.

Vandera, Olivero y Absatz suena como el trío de una delantera goleadora, de esas que rompe redes en cualquier campo de juego. Pero en rigor suena como tres músicos sutiles que, no sólo acompañan a un referente del rock nacional como Fito Páez, sino que además tienen sus propios proyectos solistas. El guitarrista Carlos Vandera (leproso) y los tecladistas Juan Absatz (millonario) y Diego Olivero (canalla), éste último junto a su grupo Besas Porno!!!, se presentan hoy, a las 22, en McNamara (Tucumán 1016). Mucho más que una delantera goleadora.

"Hay muchas cosas que podría decir de Fito, porque soy un fan suyo y lo admiro mucho, pero lo que más me inspira de él es que va al fondo, le da pelea a cada uno de los temas y se toma muy en serio todo lo que hace", dice Vandera, quien tocará junto a Matías Miguel, en guitarra; Francisco Arancibia, en bajo; Emiliano Giménez, en batería y Martin Vecchio, en teclados.

El cantante y compositor rosarino adelantará en esta oportunidad los temas de su próximo disco "W", su quinto álbum de estudio, que saldrá a la venta este verano. Nominado a los premios Emmy, productor y creador de la música de más de 40 documentales, Vandera se considera un intérprete con un sello propio pero que a la vez es común a esa rara avis llamada música rosarina.

"Ese sello siempre lo notan más los de afuera, pero siempre está. Y uno lo va acentuando de a poquito. Lo bueno es que no se termina nunca de aprender y al mismo tiempo cada vez me siento más cómodo con lo que hago. Pero, naturalmente, estoy yendo para ese lugar", dijo en referencia a ese ADN expresivo de la ciudad, en el que confluyen Fito Páez, Juan Carlos Baglietto, Adrián Abonizio y Jorge Fandermole, pero también Gonzalo Aloras, Vandera y Coki Debernardis, otro compañero de ruta en la banda de Páez, como punta de lanza de una generación de talentosos solistas y bandas locales que gozan de prestigio en la escena nacional.

Desde los teclados, Juan Absatz, contó cómo se planteó iniciar su camino en solitario. "Paralelamente a tocar con Fito yo siempre hice canciones, y un día me pregunté por qué no cantarlas yo. La verdad es que me encanta y me divierte, pero me resulta más difícil encarar lo propio", destacó el pianista, guitarrista y cantante que hoy tocará en McNamara acompañado de Nicanor Suárez, en contrabajo; David Bensimon, en guitarras y Silvio Potolin, en batería.

"Esto no es un trabajo, pero elegí el camino del solista porque me da mucha libertad, aunque admito que es un costo muy alto y pesado también. Pero lo paso con alegría", apuntó el músico, que después de su primer álbum "Descarriado" vuelve con "Nadie tiene la culpa", su segundo disco de estudio.

Absatz, quien se destacó como productor artístico de Los Auténticos Decadentes y Javier Calamaro, también tuvo palabras elogiosas hacia Fito: "Con Páez siento que defiendo algo que me gusta, soy un pedazo de la cultura argentina. Me transmitió el rigor a la hora de trabajar con la banda, y eso de buscar siempre la excelencia. Pero más que nada la entrega que hace no sólo en el escenario sino en los ensayos. Yo lo vi transpirar la camiseta ante nosotros siete, los integrantes de la banda, y esa intensidad es un ejemplo para todos”.

Olivero fue el último de los tres en establecer contacto con Escenario. Es que estaba grabando con Fito en Circo Beat y era motivo más que atendible para postergar la nota. “Es alucinante tocar con Fito, me hace muy feliz estar en ese lugar. Lo que más me impresiona de él es la intensidad con la que hace las cosas, eso me dio otra actitud y me hizo ver la música de una forma diferente”, apuntó.

Nacido en Rosario, Olivero vivió una década en Madrid, hasta que Páez lo llamó para integrar su banda a fines de 2009. Entre gira y gira, Diego fue moldeando lo que se llama Besas Porno!!!, así, con signos de admiración y todo. “Le puse ese nombre para que todos me pregunten y se imaginen cualquier cosa”, dijo el músico, quien admira a Charles Bukowski, considerado un poeta maldito, y admitió que a veces se nutre de esa impronta al momento de componer. “En verdad, lo que importan son las canciones y a mí me gusta contar historias. En esta oportunidad voy a tocar con el baterista Gastón Baremberg, en un dueto de piano y batería, pero lo ideal es que las canciones se puedan adaptar a cualquier tipo de formatos”, describió.

Al hacer referencia al trío goleador que se presenta esta noche, y bromas aparte sobre la mala performance de las tres divisas futboleras, Olivero también largó un chiste sobre Absatz, el único de los tres que no es de cepa rosarina. “Sí, él es porteño, pero no hay problema, poco a poco los rosarinos lo vamos corrompiendo”.

Una de las series más exitosas de la televisión estadounidense, llega con una versión recargada. "Glee 3D la película", que se estrena mañana, acompaña a los adolescentes que forman parte de ese singular coro de una escuela secundaria que va por su tercera temporada.

La película, que parte de la premiada de la señal Fox, está basada en la gira norteamericana de "Glee Live! In Concert!" que realizó el grupo. El filme le permite a los fans, "gleeks", como son conocidos, ser testigos del tour que llevó a los adolescentes a recorrer algunas de las ciudades más grandes de Estados Unidos.

La propuesta lleva a esta singular galería de personajes por primera vez a mostrar sus conflictos e intimidad no sólo en los glamorosos escenarios de la gira sino también en todo aquello que pasa entre bambalinas.

La producción convocó a un director con amplia experiencia en películas que hicieron furor entre los adolescentes. La responsabilidad recayó en Kevin Tancharoen, quien llevó adelante a otro clásico de aspirantes a artistas como fue "Fama", en 2009. En él también confió Britney Spears que le encargó el documental sobre sus shows en Miami en 2009.

Tancharoen destacó el atractivo de internarse en la intimidad de la gira "tras bambalinas". "Estamos llevando a los fans a la intimidad de la gira, para que tengan una mirada cercana de lo que experimentan los personajes antes de entrar a escena", dijo el director.

El filme incluye algunos de los números musicales más memorables del programa, incluyendo "I'm a Slave 4 U", "Raise Your Glass", "Teenage Dream" y "Lucky", así como las canciones originales que alcanzaron los primeros lugares de popularidad, como "Loser Like Me", y, por supuesto, el himno del programa "Don?t Stop Believin?".

Subtítulo. La fuerza de la música. La música de "Glee" sigue siendo una de las fuerzas motoras detrás del fenómeno cultural que suponen este grupo de chicos que reflejan algunas de las situaciones corrientes de la vida cotidiana desde la sexualidad hasta la autoestima y la discriminación.

De hecho el éxito de las grabaciones se mide en cifras millonarias, con sus interpretaciones de éxitos pasados, de canciones pop actuales, de temas de Broadway e incluso de hip-hop. Hasta ahora versiones grabadas en estudio de las 23 canciones que aparecen en la banda de sonido de "Glee 3D la película" vendieron casi seis millones de copias, en tanto que las canciones de "Glee" fueron descargadas de internet 34 millones de veces y el álbum lleva vendidas 10 millones de copias.

"Glee" es una mordaz comedia musical acerca de un grupo de entusiastas y ambiciosos estudiantes que lucha por eclipsar a su competencia en el Campeonato Nacional de Canto y Baile, mientras sobreviven a los conflictos internos de la escuela secundaria McKingley. El éxito de la serie fue tal que figuras de primera línea como Gwyneth Paltrow, Javier Bardem y Britney Spears, entre otras estrellas, tuvieron participación en el ciclo.

Wim Wenders vuelve al cine con toda su genialidad para homenajear a Pina Bausch, en un viaje que promete ser visualmente deslumbrante. "Pina", en versión 3 D, que se estrena este jueves en Rosario, es también el producto de un vínculo casi fraternal entre el cineasta y la bailarina, ya que fueron amigos durante dos décadas hasta que en medio de la filmación a ella la sorprendió la muerte. Ahí nació otra película. "Pina" cuenta el antes y el después de Pina Bausch según sus coreografías más importantes y, claro, la mirada de Wenders.

El director lleva a la audiencia hacia una nueva dimensión, en un recorrido revelador y sensual, tanto en el escenario como siguiendo a los bailarines fuera del teatro, en la ciudad y alrededores de Wuppertal, el lugar que durante 35 años fue el hogar y el centro creativo de la coreógrafa.

Luego de la muerte súbita de Pina Bausch en el verano de 2009, en medio de los preparativos del filme, Wim Wenders tuvo que comenzar nuevamente el rodaje. El resultado fue una película dedicada a Pina Bausch, utilizando las coreografías que habían sido seleccionadas en conjunto: "Café Müller"; "Le Sacre du printemps"; "Vollmond" y "Kontakthof".

Se utilizaron archivos de imágenes y de audio de su vida, así como también grabaciones en 3D de intérpretes del Tanztheater obtenidas en la primavera de 2010, donde se bailaron memorias personales con la naturaleza precisa, crítica y amorosa de su gran mentora.

Durante más de 20 años de amistad personal, Wim Wenders y Pina Bausch nunca perdieron de vista su idea de hacer juntos un film de ballet. Pero recién en la actualidad, con las más recientes posibilidades creadas por la tecnología digital 3D, fue que Wenders encontró el medio estético para llevar la plasticidad única y la expresividad emocional del innovador ballet Tanztheater a la pantalla. Es ahora cuando la dimensión del espacio puede ser fielmente reproducida por el cine.

A principios de 2009, Wenders y su compañía productora Neue Road Movies, junto con Pina y el ballet Tanztheater, comenzaron la fase de preproducción del filme. Luego de medio año de trabajo intenso y apenas 2 días antes del ensayo de filmación en 3D, ocurrió lo inimaginable: Pina falleció el 30 de junio de 2009 de forma repentina. Esto parecía ser el final del proyecto de la película. Wenders inmediatamente frenó los preparativos, convencido de que sin Pina, no se debería continuar con el filme.

Luego de un período de duelo y reflexión, y alentado por muchos pedidos, tanto de los bailarines del propio Tanztheater como del exterior, y con el consentimiento de la familia de Pina, se decidió hacer el filme sin la gran coreógrafa.

La imagen de Pina, afectuosa e inquisidora hacia los gestos y movimientos de su ballet, siguiendo de cerca cada detalle de las coreografías, estaba vivo, presente y grabado en los cuerpos de sus bailarines. A pesar de la gran pérdida, era el momento oportuno para registrar esto en un filme.

El concepto de la película incluye, además de las obras ya citadas, imágenes de archivo de Pina insertadas en el innovador mundo del 3D, además de breves actuaciones solistas de los integrantes del Tanztheater. Wenders filmó estas participaciones dentro y fuera de Wuppertal: en la campiña de Bergisches Land, en instalaciones industriales, en los cruces de ruta y en Suspension Lane. Los diversos escenarios les dieron características particulares a las intervenciones de los bailarines del ballet y le agregaron emoción a las piezas.

Oscar

“Pina” fue elegido por Alemania como candidata para competir por el Oscar como mejor película extranjera. La dirección a cargo de Wim Wenders, recordado director de culto de películas de la talla de “París Texas” y “Las alas del deseo”, la colocan como una fuerte candidata a ganar la estatuilla.

El siglo empezó mal para Argentina. La crisis del 2001 inició una serie de hechos inéditos, entre ellos las fábricas quebradas que fueron puestas en marcha nuevamente por sus antiguos empleados. Fue una medida práctica con la cual miles de personas apostaron a la esperanza. Esa etapa es lo que refleja "Industria argentina", que protagoniza Carlos Portaluppi, bajo la dirección de Ricardo Díaz Iacoponi. Integran también el elenco Soledad Silveyra, Celina Font, Cutuli, Aymará Rovera, Manuel Vicente, Daniel Valenzuela y Luis Margani, entre otros. Portaluppi, protagonista del filme, destacó la forma en que muchos conservaron su dignidad después de una crisis extrema. "Algunos operarios me contaron que de golpe no se animaban a entrar a sus casas", recordó el actor sobre el eje de este filme que se podrá ver a partir de hoy en el Arteón (Sarmiento 778).

—¿Cómo fue el proceso de reconstrucción de la trama?

—Es un trabajo muy minucioso de investigación que hizo el director con todas las fábricas en conflicto. Tuvimos la suerte de conocer operarios de fábricas que actualmente están trabajando, no al ciento por ciento, pero con lo suficiente para poder llevar adelante una empresa con su iniciativa y defendiendo sus puestos de trabajo.

—¿Cuál era el sentimiento que prevalecía en las charlas con los obreros?

—En principio era la frustración, cuando empezaban a ver el vaciamiento de las empresas en horas extrañas que de golpe se producían para favorecer cuando las empresas se declaraban en quiebra. Dependían de la buena voluntad de un juez para que les diera la posibilidad de tomar el mando de la fábrica atrás de una cooperativa. Ahora salió la Ley de Quiebras y hay una puertita nueva para un gran número de obreros que tienen la iniciativa de formar cooperativas y seguir adelante con su trabajo.

—¿Cuál es la dificultad de encarar un personaje tan complejo, con matices, con desesperación y bronca, pero también esperanza?

—Nos encontramos con un guión muy bien escrito por Ricardo Díaz. Las dificultades las íbamos sorteando con él porque él mismo dirige su guión. Fue un trabajo muy riguroso y a la vez libre porque había mucha iniciativa de los actores. Había libertad para ir al fondo de la cuestión, tratando de ser lo más verdaderos posibles en las emociones en cada escena que nos tocaba hacer.

—¿Cómo fue la experiencia en la película de animación "Eva de la Argentina", donde le pusiste la voz a Rodolfo Walsh?

—Esa es otra experiencia en la que trabajé con Carlitos Castro y María Seoane. Mi primer contacto con ellos fue cuando hicimos la vida de John William Cook que se llamó "Alicia y John", y ahí surgió esa posibilidad maravillosa de ponerle voz al pensamiento y al sentir de Rodolfo Walsh. Fue una experiencia muy grata.

—Hace poco estuviste en "El hombre de tu vida", pero no estás con frecuencia en televisión, sino más en teatro y en cine. ¿No te interesa la tele?

—Sí que me interesa. Para mi todo ámbito de trabajo es bienvenido. Y la energía que le pongo al cine, al teatro o la televisión es la misma, es la energía del deseo, de hacer lo mejor posible las cosas. La entrega siempre es la misma. No reniego de la televisión ni de nada. Creo que se hacen cosas buenas y cosas malas como en todos los ámbitos. Hay mucha porquería en todos lados, en el teatro, el cine, pero también ves cosas muy buenas y en la tele pasa lo mismo. Pero hay que intentar que se hagan más cosas buenas y menos porquerías.

Pasión por el teatro

El teatro ocupa una buena parte de la actividad de Carlos Portaluppi. Actualmente se encuentra ensayando una ambiciosa propuesta con la dirección de Oscar Martínez. Se trata de la obra “Todos felices”, Alan Ayckbourn, que son tres en una y que se estrena en enero con dirección de Oscar Martínez. Estamos con Pablo Rago, Muriel Santa Ana, Carola Reyna, Silvina Bosco y Peto Menahem. También estuvo de gira con la compañía de Daniel Veronese, haciendo en Europa “Casa de muñecas”, de Ibsen, y “La gaviota”, de Chéjov, con las cuales viajó a España, Suiza, Bélgica, Canadá, Brasil, Uruguay, Chile. “Realmente un trabajo muy lindo, con dos clásicos y dirigidos por Veronese”, evocó.

Con perfil de festival

El filme fue invitado a participar en el 60º Festival Mannheim-Heidelberg, en Alemania. Se trata de uno de los encuentros más antiguos del mundo y el segundo en importante en Alemania después del que se realiza en Berlín. Por allí pasaron artistas de la talla de Jim Jarmusch, Atom Egoyan, Francois Truffaut y Lars Von Trier, entre otros.

Los británicos de Coldplay arrancaron gritos y suspiros del público en el último show del sábado con homenajes a Amy Winehouse (que murió en julio) y al brasileño Jorge Ben Jor, cantando partes de sus canciones. La penúltima fecha del festival de música Rock in Rio, que cierra hoy (ver aparte), tuvo también las actuaciones de los norteamericanos de Maroon 5, el grupo mexicano Maná, el brasileño Skank y el guitarrista de esa misma nacionalidad Frejat.

Considerado uno de los mayores festivales del mundo, esta es la décima edición del Rock in Rio y la cuarta que se desarrolla en su ciudad de origen. El encuentro nació en 1985 en la cidade maravilhosa y se repitó en 1991 y 2001. También pasó por Lisboa en Portugal en 2004, 2006, 2008 y 2010, y por Madrid en España 2008 y 2010.

El festival se lleva a cabo en un predio en el barrio de Jacarepagua, en el este de Río de Janeiro, especialmente acondicionado para el evento.

Hits de radio. Para el Rock in Rio, Coldplay decidió mostrar una colección de hits radiofónicos y para ello abrió con las novedades “Mylo Xylot” y “Hurts Like Heaven”.

El set tuvo los efectos visuales habituales del cuarteto: láser, fuegos artificiales y grandes pelotas coloridas.

Para conquistar al público, el vocalista Chris Martin presentó dos canciones que marcaron la carrera del conjunto: “Yellow”, el primer hit internacional de Coldplay, y “In My Place”, un éxito del álbum “A Rush of Blood to the Head”.

El final del concierto tuvo hits infalibles. “God Put a Smile Upon Your Face”, “The Scientist”, “Politik” y “Viva la vida” fueron acompañadas por el coro de la platea.

Antes, el grupo mexicano Maná no conectó con las cerca de cien mil personas que participaron en la penúltima noche del festival, catalogada por el público y los especialistas como la más tibia del evento. Conocido en Brasil por algunos temas que fueron cortina musical de populares telenovelas, Maná consiguió la tímida adhesión de pequeños grupos dispersos entre un público semiadormecido, que corearon tímidamente algunas estrofas de “Vivir sin aire”, “Rayando el sol” y “Corazón espinado”.

Habían precedido a Maná los antiguos hits de la banda brasileña Skank y del guitarrista Frejat, ex integrante de la extinta Barao Vermelho, banda fundada por Cazuza en la década de los 80.

Esta segunda tanda de shows había comenzado el jueves con el soul de Jamiroquai y Stevie Wonder. El pop caracterizó al viernes con la brasileña Ivete Sangalo, el norteamericano Lenny Kravitz y la colombiana Shakira.

El principio. La fiesta de la música había arrancado el viernes 23 de septiembre con estrellas del pop como Katy Perry, Elton John y Rihanna. Al otro día fue la vez del rock con Snow Patrol y Red Hot Chili Peppers, entre otros artistas. El primer fin de semana Rock in Rio 4 se cerró el domingo 25 con el rock pesado de Motörhead, Slipknot, Sepultura y Metallica.

Cierre

Guns N’Roses, System of a Down y Evanescence eran anoche los encargados de cerrar el Rock in Rio.

Han pasado 20 años desde el lanzamiento de “Nevermind” de Nirvana. El álbum, que incluyó himnos como “Smells Like Teen Spirit” y “Come As You Are”, marcó el inicio del movimiento de rock alternativo de los años 90 y transformó al baterista Dave Grohl, el bajista Krist Novoselic y el cantante y guitarrista Kurt Cobain en insignias de la Generación X, hasta el trágico suicidio de Cobain en 1994.

....En una tarde reciente en el 606 Studio, donde la banda de Grohl, Foo Fighters, tiene su sede, el propio Grohl y Novoselic, sentados en un sillón cerca de la misma caja acústica que usaron para grabar “Nevermind”, rememoraron junto con el productor Butch Vig cómo hicieron el disco que cambió por siempre sus vidas y el impacto que éste tuvo en el mundo.

Para conmemorar el 20º aniversario de “Nevermind”, que ha vendido más de 30 millones de copias a nivel internacional, Universal acaba de lanzar el álbum remasterizado con ediciones especiales y material adicional que incluye oscuros lados B, mezclas alternativas, grabaciones en vivo y un video del concierto de Halloween de 1991 que la banda ofreció en el Teatro Paramount de Seattle.

   Una edición de lujo limitada incluye grabaciones de ensayos capturados con una radiocasetera portátil y mezclas originales inéditas de “Nevermind” que Vig atesoró hasta que el grupo comenzó a planificar la edición aniversario, el año pasado.

   —¿Cuándo se dieron cuenta de lo grande que llegó a ser “Nevermind”?
   Grohl: Yo diría que cuando nos invitaron a participar en (el popular programa de comedia) “Saturday Night Live”. Ese fue sin duda el momento para mí. Ahí fue cuando pensé, “Dios mío. Ahora somos una de «esas» bandas”. Entonces, en el camarín, llegó “Weird Al” Yankovic a preguntar si podía hacer una parodia de “Smells Like Teen Spirit”. Fue un fin de semana extraño.   Novoselic: Fue un shock volvernos famosos. Compré una casa para lidiar con eso. Y claro, estaba Kurt (Cobain), quien se vio empujado a ser el vocero de una generación. Eso fue difícil para él. Pasaba por cuestiones personales que estaban sucediendo igual de rápido. Estaba en un torbellino. Kurt no se identificaba necesariamente con la Generación X o los valores establecidos.
 

   —¿Cómo fue para ustedes volver a escuchar “Nevermind” después de todos estos años?
   Vig: Todavía sigue ahí, omnipresente. Pero esta es la primera vez que lo he escuchado desde una perspectiva crítica. La remasterización suena de maravilla. El álbum se sostiene muy bien. Es eterno. Creo que en parte se debe a que las canciones son realmente buenas. La producción no es artificiosa; sólo bajo, batería y guitarra. No hay ningún sonido de moda.   Grohl: “Nevermind” representa para mí más que sólo un álbum con música. Fue un momento específico y emocionante de mi vida. En lo personal, mi vida se divide en un antes y un después del lanzamiento de ese álbum ... Cuando salió, todo mi mundo cambió por siempre. Hay algo en la inocencia de todo esto.
 

   —¿Cómo creen que ha cambiado la música desde el lanzamiento de “Nevermind”?
   Grohl: Honestamente, si miras lo que había en esa época, fuera de la tecnología, todo lo que sucedía sigue sucediendo hoy. Están estos estúpidos programas de TV que hacen a la gente famosa para poder vender discos. El Top 10 está lleno de basura. ¡Es la misma mierda! Tienes a todas estas bandas de rock tratando de lograrlo en una van por ahí.
   Vig: Con la información moviéndose tan rápido, hoy todo el mundo sufre de trastorno por déficit de atención. Uno toma algo por un segundo antes de descartarlo. Cuando “Nevermind” salió, era una época más lenta. Ese disco realmente despegó desde sus raíces. El sello publicó unas 40.000 copias. El boca a boca fue más rápido de lo que la máquina publicitaria de Geffen podía manejar.
 

   —¿Cómo se sienten respecto al impacto que tuvo “Nevermind” no sólo a nivel musical sino cultural?
   Grohl: Yo tengo esta especie de válvula de cierre. Cuando empiezo a llegar a ese lugar en el que considero el impacto del álbum, simplemente lo apago porque es difícil imaginar que algo tan inocente y simple se convierta en algo que se escapa de las manos. Creo que ese disco salió en un momento en que muchos chicos no tenían nada en qué creer y Nirvana era completamente real.
   Novoselic: Recuerdo ese momento en que Nirvana estaba sólo dándose a conocer y todavía éramos muy idealistas al respecto. Pensamos “sí, ¡vamos a cambiar el mundo!” Es como la primera vez que escuché punk rock e incluso rock pesado, esa música me habló, pero así y todo, las revoluciones invitan a otros a formar parte de ella y en verdad nunca terminan del modo en que uno imaginó.

La palabra del bebé

Spencer Elden, el bebé de “Nevermind”, contó la historia de la tapa del disco. de uno de los mejores discos de Nirvana. A 20 años del lanzamiento del álbum, el joven detalló: “Mi padre era un artista que se dedicaba a los efectos especiales en Hollywood. Un día ellos (su padre Rick y Kirk Weddle, el fotógrafo que tomó la imagen) fueron a la piscina local, me tiraron al agua y eso fue”, comentó Elden.
Por su parte, el padre del joven que hoy estudia arte California contó hace un tiempo que le “habían contado que los bebes tenían un reflejo de reflujo. Si les soplas en la cara ellos contienen el aliento”. “Así que le soplé a Spencer en la cara y lo puse dentro del agua. Kirk (el fotógrafo) tomó 18 cuadros en un segundo, asi que mi hijo solo estuvo en el agua por unos dos segundos”.

Las dos grandes razones

(Por Dani Pérez, cantante de Sucesores de la Bestia). _  Ok. Nirvana y “Nevermind” son las dos razones por las cuales toco la guitarra eléctrica. Prefiero comenzar así, que quede bien claro: escuchar “Nevermind” a los 12 años me hizo entender que el rock no era Poison o Guns N’ Roses (no lloren). Todos los otros popes vinieron después. Amplió en su momento el estándar de lo aceptable para los grandes medios de comunicación y los rankings a través de una música que aunque no entendieras bien la letra, podías estar completamente seguro de que era algo intenso y honesto. Llegó para romperlo todo. Otro ciclo del rock que se autodevoraba y regurgitaba en algo fresco aunque no tan novedoso. Ya están los listillos de siempre diciendo que robaron todo a Pixies y a Mudhoney (también me encantan). Lo que pienso es que Nirvana tomó esa dinámica de contrastes de estrofa suave estribillo fuerte que otros ya habían utilizado y demostró saber qué hacer con eso: hits indiscutibles, intensidad, sensación de peligro, descontento tácito, angustia adolescente. Como dijo un amigo, los acordes de los hits no los conoce nadie, sino todos los músicos los haríamos. Esa fuerza persiste: hagan la prueba de poner “Smell like teen spirit” en cualquier fiesta y vean que pasa; esa magia que va más allá de los acordes, la voz, de cómo fue grabado tiene que ver con la introducción de elementos de vanguardia (puf) o underground (puf, puf) en una música que nunca persiguió serlo y aún así pulsó una cuerda sensible de millones de personas a lo largo y ancho de este mundo, como algunos años atrás lo hiciesen unos pibes de Liverpool; no sé si
los tienen.

El asesinato de los ochenta

(Por José L. Cavazza / La Capital). _  En “El luchador” Mickey Rourke le decía a su chica Marisa Tomei que los 80 eran alegres hasta que llegó ese maldito Cobain y lo arruinó todo. Con la década morían además el sonido envasado en plástico, los pelos batidos y las ropas exageradas del tipo “Buscando a Susan desesperadamente”, y moría también las adidas New York, los sueters punto inglés y los relojes pulsera con calculadora. En Argentina, puntualmente, se guardaba el gran bigote alfonsinista y se desenpolvaba la maldita pelada de Cavallo y con él moría además el austral y nacía el peso-dólar. A todo esto nacía “Nevermind”, con un bebé pateando el agua y provocando el primer gran rugido rocker de los 90. El grunge pateaba furioso el agua blanda en la misma semana en que, curiosamente, nacía el genial “Screamadelica” de Primal Scream. Lo cierto es que Kurt Cobain aparecía con un disco bajo lel brazo que llegaba para patearle los dientes a la década y, encima, vender 30 millones de discos. Lo cierto es también que Cobain a partir de ese momento inició una espiral tóxica que en su ascenso —o descenso— culminó tres años después con su propia muerte. Acá, mientras tanto, Menem encantaba serpientes que alzaban sus puntiagudas cabezas sobre una generación criada entre algodones, aún no adulta. La misma generación desencantada del mundo adulto que se ponía de rodillas ante el bebé de “Nevermind” persiguiendo vanamente el dolar. 

Love, amour, amore, amor. En cada lengua, en cada país, en cada historia este sentimiento universal tiene su particularidad. Pero el desafío de un grupo de jóvenes cineastas rosarinos fue poner en pantalla su forma local. Por eso hoy se estrena en el cine el Cairo, "Amor, amor, amor", la película colectiva que reúne el trabajo de ocho directores con formación en la Escuela Provincial de Cine.

El proyecto surgió entre amigos hace dos años atrás. En principio se lo planeaba desarrollar en un año pero el tiempo se duplicó por los obstáculos que fueron surgiendo. Los directores se animaron a la aventura de emprender con sus propios recursos y financiamiento. Este trabajo colectivo hoy estará en El Cairo, con un plus: un dúo de tango romántico que dará un concierto en la sala además de algunos regalitos, de manera de que sea una fiesta.

Se arriesgaron al proyecto porque, por sobre todas las cosas, quieren que se vea cine rosarino y se difunda. Si bien reconocen que fue una experiencia a "prueba y error" se enorgullecen de pertenecer a la gran producción cultural rosarina. Por eso asumieron los riesgos. La idea es poder continuar produciendo sus propios filmes y afirman que uno de los mayores obstáculos es la falta de continuidad por el gran tiempo que suele pasar entre obra y obra.

La película cuenta con un grupo de 20 actores locales en escena, entre los que se encuentran Hernán Celca, Omar Fanucci, Carla Sacani, Antonio Dayub, Cristian Cutró, entre otros, además de la participación de 60 técnicos locales.

"Somos un grupo de jóvenes directores que invitan a ver cine local", insistió Javier Matteucci, productor de la iniciativa que reúne a Javier Monzón, Maia Ferro, Estefani Clotti, Sebastian Navone, Paula Bares, Ariel Luque; Tati Babibi, Julia Bastanzo.

Algunas de las historias como "Pathos" hablan de lo contradictorio del amor cuando la pasión se contamina; "Hace instantes", muestra los encuentros y desencuentros de una pareja en Rosario; "La cola del gato" plantea sacar afuera lo que nos lastima por dentro en tanto que "Amor en escala" documenta el mundo de los pasacalles y grafittis en la ciudad, entre otras historias.

En ese sentido, Paula Bares, directora de "Hace instantes", relató que llegó al proyecto junto con su marido —que es el director de fotografía— y su historia viene en forma de videoclip, girando en torno al encuentro y desencuentro de una pareja. "Nuestra historia habla sobre ese sentimiento raro que uno tiene cuando se enamora y sueña", indicó la directora, quien agregó que si bien trabajaron distintas generaciones de directores, el filme tuvo "un buen encuentro, quedó equilibrado".

Amor a la rosarina. Por su parte, Ariel Luque, quien participó con "Realidad poética", contó que era un trabajo que venía armando previamente y que sumó cuando fue convocado por el productor.

"Es un ensayo de fotos y poesía que representan los distintos actos de la Divina Comedia", expresó y destacó que en todo el filme hay muchos puntos en común mostrando las diferentes caras del amor

"Hay mucha histeria en la ciudad. Mucho te quiero y no te quiero", reflexionó el joven director al consultarse sobre cuales serían las características del amor en la ciudad.

"El filme habla del amor y del desamor, desde diferentes perspectivas y seguramente el espectador se sentirá identificado con alguna historia", sintetizó.

La película participó en la sección Work in Progress del 17 º Festival Latinoamericano de Video Rosario en tanto que recibió un subsidio de la secretaría de cultura de la Municipalidad de Rosario para la distribución e exhibición en diferentes salas. Además contó con el apoyo de la Universidad Nacional de Rosario para la folletería.

Sutileza con precisión

El hilo conductor es el sentimiento que mueve a la humanidad y en el filme aparece desde su diversidad y múltiples manifestaciones. Con movimientos sutiles pero precisos. La traición, el enamoramiento, los arrepentimientos, la pasión y hasta la ternura se ven reflejadas en esta producción. La película tiene una mirada joven y fresca que se desarrolla en paisajes locales, lo que le da una cercanía al espectador con algo de su historia. En la trama hay personajes muy urbanos y animaciones que juegan al amor y al desamor durante los 85 minutos que dura la narración. Una película rosarina para celebrar y ¡enamorarse!

Salas

El domingo 9 de octubre se exhibirá en el Lumiere, el miércoles 12 en el Cine Club Rosario, el jueves 13 en el Parque España, el miércoles 26 en el Museo de la Memoria.

El grupo electro-pop Miranda! acaba de editar su nuevo cd "Magistral" en el que, según su cantante Ale Sergi, vuelve al sonido de sus dos primeros álbumes, ya que retoma el uso de sintetizadores y baterías electrónicas para "hacer un disco festivo con el que celebrar nuestros 10 años".

"En vez de festejar los 10 años de carrera editando un compilado, nos pareció mejor sacar un álbum que nos sirva para bailar el día de la fiesta", señaló el líder y vocalista del cuarteto.

El grupo que también integran la vocalista Juliana Gattas, el guitarrista Lolo, el bajista Monoto, volvió a trabajar con Cachorro López como productor y en su estadía en el estudio registró una decena de canciones. Además, la banda decidió sumar al experimentado Gabriel Lucena en teclados, sintetizadores y guitarras tanto en el disco como en el vivo y a Azafata Ludovica Morel a cargo de una batería electrónica.

—Escuchando el disco se aprecia una suerte de regreso a las fuentes, ¿es así?

—Es un álbum más maquinario y en ese aspecto se emparenta más con nuestros dos primeros CDs, donde teníamos más secuencias y sintetizadores predominando en la paleta sonora, obviamente que hay partes de guitarra y bajo, pero acá pusimos más énfasis en los sintetizadores de vuelta, no sé, será porque nos gustan, por pasión y amor a esos sonidos. Tampoco se nos ocurría de qué otra manera seguir desarrollando la parte de tracción a sangre, lo habíamos probado en un disco que tal vez nos daba para ser más personales, usando más los instrumentos de rock que los sintetizadores, pero con estos últimos estamos más cómodos, es lo que sentimos, es un sonido que nos despega más y nos identifica mucho, nos hace un poco más únicos.

—¿Actuar con un baterista los limitaba en algún aspecto?

—Tocar con batería no era una incomodidad, pero había unas cuántas cosas que con batería acústica no podíamos tocar, de hecho nunca llegamos a hacer el show completo con la batería análoga, había temas que en la adaptación perdían el gusto, nunca me pareció una buena idea tocar los temas en vivo excusándome que es en vivo y perder el toque que tienen las grabaciones o el sonido de las máquinas. Es como que si el asunto se "rockea" mucho no me gusta, trato de no hacerlo, hay muchos grupos electrónicos que cuando tocan en vivo salen más rockeros, pero a mí me fascina eso de poder reproducir lo que está en el disco y estamos fanáticos del sonido más MIDI, son todas líneas, como un grupo de cumbia.

—Cada vez que Miranda! prepara un nuevo álbum corren rumores de que se separan.

—No entiendo eso, pero son rumores que tampoco sé como empiezan, más bien a mí me llega cuando hablo con los medios, solemos salir de noche, se nos ve juntos y nunca entendí bien por qué se da ese asunto. Obviamente que en 10 años cada uno hizo otras cosas: yo hago producciones, Lolo actúa y hace sesiones como DJ, Juliana actúa y canta en varios discos como invitada.

—Otra cosa que se percibe en el disco es que no hay un dominio de un vocalista en este trabajo. ¿Es así?

—Justamente el disco está muy variado. La escucha se hace bastante grata porque cambian los cantantes muy seguido, acá Juliana canta bastantes canciones, tiene por lo menos tres temas solistas, después tenemos unas cuantas a dúo, luego está Emmanuel, además hay tres o cuatro donde canto solo, o sea, cada canción tiene un cantante diferente.

—¿Hay algo distintivo en esta producción?

—Si bien retomamos el audio electrónico de los primeros discos, logramos un sonido más contundente. Las máquinas suenan más potentes, como si ellas fueran guitarras, creo que los teclados emulan eso y que raspan igual, lo mismo con todas las percusiones, están súper "powers". También hay dos baladas muy dramáticas, compuestas en guitarra y luego llevadas a la parte de electrónica, no hay nada muy nuevo que no hayamos hecho pero está todo súper mejorado.

—¿Sentís que acá Lolo se debate contra las máquinas para imponer su instrumento?

—Eh... sí, él mucho no se debate, más bien deja paso (risas) no es que está completamente insistiendo en escuchar guitarras, eso pasa con todo el grupo, tratamos más bien de escuchar la canción y qué es lo que estamos haciendo. Teníamos ganas de hacer un disco bien bailable, bien discotequero, para celebrar.

—¿Cómo fue la gira como teloneros de Ricky Martin?

—Poder hacer toda la gira fue genial. El público de Ricky nos respeta y nos responden bien, quizá porque estamos un poco en la misma vertiente musical. A mí me gusta Ricky Martin, tiene varios temas que me encantan y hoy ocupa en la escena mundial un lugar como el artista masculino numero uno del pop latino.

Conan, uno de los personaje icónicos de los 80, vuelve a escena con nuevo protagonista en el filme "Conan, el bárbaro 3D". El encargado de ponerle el cuerpo al legendario personaje nacido en la década del 30 es Jason Momoa y el director es Marcus Nispel, que viene de sus experiencias en películas de terror como "La masacre de Texas" y "Viernes 13".

La película, que según Momoa ya tiene en marcha una secuela, se inicia con el héroe que después presenciar la muerte de su padre y la matanza de su pueblo a manos del sádico Khalar Kym, comienza una búsqueda implacable para vengar a su gente. Simultáneamente, Khalar Zym busca a una joven llamada Tamara, que es la llave de un enigmático ritual que otorga la inmortalidad.

El equipo de producción arrancó de cero para la nueva puesta a punto de la historia que no es una recreación de las películas de Schwarzenegger sino una puesta en escena de la obra original de Robert E. Howard y fiel a la mitología de su exitoso personaje.

El pasado de Arnold. El pasado de Arnold. Momoa contó que para este trabajo no tuvo ninguna influencia del trabajo previo para la pantalla grande de parte del ex gobernador de California, aunque sí pudo hablar con él. "Es una historia diferente, totalmente nueva para que el público pueda ver algo nuevo y fresco, con argumentos diferentes. Todo era muy diferente a lo que Swarzenegeer había hecho. Además, pude hablar con él y me dijo que le había gustado mucho este Conan. ¿Qué más se le puede pedir?", dijo satisfecho este actor que entre sus antecedente tiene haber debutado en televisión en la serie "Baywatch" filmada en su Hawaii natal.

El actor no pasó largas horas en un gimnasio para dar con el aspecto que se espera de su héroe y de hecho adelantó que ya piensa en una secuela de la franquicia. "Habrá una secuela. ¿De «Rápido y furioso» van siete no?. Y también van cuatro de «Piratas del Caribe»",deslizó.

Conan es un fuerte legado de la cultura pop que perduró durante más de ocho décadas y que inspiró a diferentes generaciones de artistas del cine, el cómic, el video juego, la animación y la televisión.

80 años no es nada. El personaje fue presentado por primera vez en 1932 en una serie de historias breves por el escritor Robert E. Howard y ayudó a establecer el subgénero que vincula las espadas y la brujería, que precedió veinte años el trabajo del maestro de la fantasía J.R.R. Tolkien.

Desde entonces, se convirtió en uno de los clásicos de la cultura popular, un héroe rudo e imperturbable que no hace alianzas y que tiene la habilidad de superar obstáculos imposibles a golpes y fuerza y la destreza de un guerrero experimentado.

"Creo que el atractivo de Conan es que él no busca conformar a nadie", aseguró Nispel. "No es políticamente correcto. No vive según el estándar moral de otros, es un bárbaro que no depende de nadie salvo él mismo".

Para Nispel retratar a Conan en un nuevo filme tenía que ver con mantener un balance respetuoso entre el homenaje y la reinvención. "Volvimos al Conan mitológico, tal cual está escrito en las historias de Howard", explicó. "Pero al mismo tiempo no podemos negar que la conciencia popular cambió y que la demanda de la gente acerca de quién es Conan debería haber cambiado, pero sin embargo hay algo que ellos no querrían que se transforme. Así que el objetivo al encarar este trabajo fue darle a la gente lo que quiere pero no les des lo que esperan", explicó.

Buscando a Conan. El primer paso fue encontrar al propio Conan, lo que no era tarea fácil considerando el imponente físico que requería el personaje y su estoico carisma. En diciembre de 2009, los realizadores habían estado probando actores durante un mes cuando el director de casting Kerry Barden sugirió a Jason Momoa, que hacía poco había terminado el rodaje de la serie de HBO "Game of Thrones".

"Cuando conocimos a Jason vimos todo lo que esperábamos ver en Conan", recordó Barden. "Tiene el físico que se impone, la confianza. Y tiene en él un sentido de masculinidad que es esencial para el personaje".

Momoa se tomó muy en serio este trabajo que puede significar un golpe de suerte como lo fue para Scwarsenegger y pasó seis horas por día durante un mes y medio practicando las escenas de acción, centrales para su personaje. "Ese proceso me ayudó a entender el personaje", dijo Momoa, quien hizo la mayoría de las escenas de acción sin dobles de riesgo. "Es que Conan habla a través de su espada", aseguró el actor.

El mundo real

“Vivimos en un mundo muy artificial. Nos pasamos la mayor parte del día frente a las computadoras, tomando prestado conocimientos y experiencias. Conan te lleva a un mundo donde todavía se te ensucian las uñas y donde no tenés que pedir permiso para todo”, dijo Marcus Nispel sobre el regreso de Conan.

Los fans y la familia del Rey del Pop han esperado a este día más de dos años. Mañana comienza el que podría ser el último capítulo en el “Thriller” judicial desatado tras la muerte de Michael Jackson: el médico del artista, el cardiólogo Conrad Murray se sentará en el banquillo de los acusados en un juicio en Los Angeles por homicidio negligente.

Murray ya ocupó el centro de atención policial tras la muerte del astro, el 25 de junio de 2009. Sin embargo, desde entonces, el médico reiteró su inocencia, tanto en febrero de 2010, cuando se presentó la primera acusación formal en su contra, como el pasado enero, cuando el juez dio luz verde para el proceso. “Su señoría, soy un hombre inocente”, afirmó el especialista de 58 años, quien por aquel entonces se declaró “inocente” tras leersele la acusación de homicidio negligente.

Complicado. Una primera muestra del drama judicial que vivirá el médico ya tuvo lugar en enero, cuando declaró el guardaespaldas de Jackson. En esa ocasión dijo que Murray, cuando el cantante ya estaba en coma, le retiró varias ampollas y no llamó hasta entonces al médico de emergencias.

Por su parte, un farmacéutico aseguró que el médico solicitó grandes cantidades del anastésico intravenoso propofol, generalmente utilizado en operaciones quirúrgicas.

Un médico del tribunal acusó a Murray de haber cometido errores fatales y de no haber actuado con diligencia. Con esas pruebas, el juez Michael Pastor ordenó la celebración del proceso y la inmediata inhabilitación del cardiólogo.

Cóctel fatal. La causa de la muerte es indiscutible. Según la autopsia, un “envenenamiento grave” con el narcótico Propofol, reforzado con tranquilizantes, produjo un paro cardiorrespiratorio.

Murray reconoció en interrogatorios policiales haber dado a Jackson regularmente su “leche”. Así era como el cantante llamaba al anestésico blanquecino que tomaba para dormir.

El médico se defendió diciendo que trató de que el artista dejara de tomarlo, pero que éste tenía fuertes problemas para dormir y le pedía una y otra vez el medicamento.

Los abogados de Murray aseguraron en el pasado que el cantante podría también haber tomado el anestésico sin el conocimiento de su médico y haber provocado así su propia muerte. Además, hacen referencia a que Jackson estaba agotado y sin fuerzas antes de una megaserie de conciertos que pretendía ofrecer.

La defensa quiere demostrar esto al jurado con un video en el que Jackson aparece en marzo de 2009 en Londres con lentes de sol y la cara cansada, y sólo pudo en ese momento pronunciar unas pocas frases.

Por el contrario, la acusación pretende rebatir este punto con grabaciones de pruebas de conciertos, en las que Jackson aparece cantando y bailando pocas semanas e incluso días antes de su muerte.

Hasta un mes. El juez prevé que el proceso dure un mes, ante un jurado compuesto por siete hombres y cinco mujeres de entre 32 y 57 años. La mitad de ellos reconoció haber sido en algún momento admiradores de la música de Jackson. Uno de los jurados es afroestadounidense, cinco son hispanos y los otros seis son blancos.

En el caso de ser culpable, el médico podría ser condenado a hasta cuatro años de cárcel, aunque para la familia de Jackson podría ser poco. Sus familiares más cercanos exigieron desde el principio que se juzgara al médico por asesinato. l

Algunos mitos inhiben a la mayoría de los mortales. Y sobre todo si son de acá. Leandro Barbieri nació en Rosario el 28 de noviembre de 1932, en una casa de Cochabamba al 1300. Allí cerca, en la escuela Infancia Desválida de Rosario, estudió clarinete y también, en esa barriada, se hizo hincha de Newell’s. Gato, como se lo conoce mundialmente, se hizo súperfamoso cuando interpretó en 1972 la banda de sonido de la película “El último tango en París”, de Bernardo Bertolucci, pero su legado musical habla de su capacidad de fusionar la música latinoamericana con el jazz. Barbieri llegó el jueves a Rosario invitado por la dirigencia del club Newell’s Old Boys que mañana en el estadio Marcelo Bielsa le entregará una placa recordatoria. ¿El motivo? La sangre leprosa que mostró el año pasado el saxofonista al grabar el himno de la camiseta de sus amores para el programa “Fútbol para todos” de Canal 7.

En el bar del hotel Ros Tower y con los achaques propios de los 78 años que ostenta, Gato se allanó a hablar de música y de fútbol. Muchas veces no es necesario preguntar. Su ímpetu lo gana y desgrana conceptos de alto contenido subjetivo. Otras veces, con un café con leche y dos medialunas en la mesa, queda en un limbo de pensamientos. Hasta que nuevamente lo puede su energía, se envalentona y encara como improvisando, una de sus grandes virtudes musicales.

—¿Qué lo atrapó de la música, en general?

—Yo la música la aprendí solo, de los grandes músicos. La música es una cosa que no se escribe, es misteriosa y es divina. Pero esos que escriben y escriben y escriben, y cuando tocan es una porquería, es porque no saben de música. La música es como jugar al fútbol, viejo. Es como juega Messi, que corre así (gambetea en diagonal con la mano) y de repente está en otro lado. Yo la música la toco, la rompo, y la voy pasando por varias estratosferas, y luego lentamente vuelve a su lugar.

—Es como una pelota en el pie y hacer lo que uno quiere en el momento que quiere...

—Que no es fácil. Yo conocí tantos músicos que me han traído discos para que les diga qué me parece. Y yo les digo que no quiero saber nada porque si es fea les voy a decir que es fea. Y no quiero entrar en problemas. Yo nunca le dije a nadie cómo era mi música, porque me daba vergüenza, y eso es una gran cosa. Porque para tener vergüenza hay que tener pelotas.

—¿Las mismas que necesitó para transformar su música con el paso de los años?

—Yo he cambiado varias veces mi música. Ahora estoy tocando una música internacional con chacareras, valsecitos, boleros, congas, jazz, free jazz. Todo junto. Porque me cansa muchísimo el formato de solo de bajo, solo de piano, solo de batería y se termina. Por eso Miles (Davis) era un genio, porque él tocaba siempre la misma cosa, que en realidad no era la misma cosa.

Hace una pausa. La medialuna le ha jugado una mala pasada. No importa, porque está desesperado por dar cuenta de otra de sus pasiones, el cine.

—Era lo mismo que hacía (Alfred) Hitchcock en el cine. El decía: “Parece lo mismo pero no lo es, porque depende de cómo está filmada”. La música tiene que ser filmada, con esto (se señala el corazón) y esto (hace lo mismo con la cabeza). Cuando yo veo un músico que mira para arriba cuando estamos tocando lo echo. Es un tipo al que no le interesa tocar.

—¿Puede hacer una evaluación de la actual música jazz?

—La música está cambiando, pero para mal. La música se está hundiendo. Yo siempre tuve mi grupo, siempre hice jam session, esos que terminan haciendo lo mismo. La música tiene que ser única, solitaria, bella como una mujer desnuda.

—¿Entonces cuál es la fórmula para hacer buena música?

—Toco mejor ahora que tengo algunos dientes postizos que cuando tenía todos míos. Pero no siempre tiene que ser así. Yo soy un tipo que busca el sonido bello, lo encontré así. Cuando alguien me pregunta: ¿qué te parece mi sonido, yo les digo, mirá, si no te das cuenta vos, no me lo preguntes a mí. Te puedo decir (John) Coltrane qué sonido que tenía. Charlie Parker, Ornette Coleman, Monk, Miles Davis y (Louis) Armstrong. Yo a Armstrong no lo consideraba y me di cuenta con el tiempo que era un fenómeno (se ríe).

—¿Y por qué no le gustaba?

—Porque era joven.

—¿Usted o él?

—(risas) Cuando uno es joven es pelotudo. Pero si uno es joven y es agudo, agarra.

—¿Y cómo lo trata la música?

—Cuando era joven tenía un cuarteto con (su amigo el baterista Néstor Astarita) que se llamaba El Cuarteto de la Muerte, con el que siempre nos echaban porque tocábamos fuerte. Pero ahora me estoy apartando de los músicos,

Con él grabó el último disco que Gato puso en las bateas. Fue un trabajo de standars que se hizo en Nueva York. Se muestra disgustado con el proceso de grabación. “No digo que es malo, digo no me gusta”. Y aclara que siempre tuvo su propia banda y que con ellos seguirá.

El recuerdo de sus laderos y la mención de cada uno de los instrumentos lo hace reflexionar sobre el bajo. Y recuerda a Jaco Pastorius: “Para mí si una orquesta no tiene bajo es una porquería. Porque el bajo es el que tiene todo, vos tocás, y con el bajo todo flota. Ahora sé de tipos que han tocado solos, pero tenían pelotas”.

Y continúa, hilando sus pareceres sobre la música.

—Miles siempre tocó con Paul Chambers, pero un día le hablaron de Jaco. Fue Herbie Hancock, que estaba tocado con un trío. El bajo no fue y fue Jaco. No lo podía creer. Y como a Miles les gustaba buscar, grabó un solo tema antes de la muerte del bajista en 1987.

Hace memoria y el esfuerzo lo agota. Resopla, pero está dispuesto a seguir conversando. El cronista quiere meter una pregunta pero Gato se anticipa.

—Yo soy un tipo que me gusta hablar de todo, de cine, el cine me hace vivir. Pero cuando veo esos filmes que hacen ahora, me hacen morir, porque son unos hijos de puta. Hacen que haya más guerra todavía.

Se juntan en su cabeza el cine, Hollywood, los Estados Unidos y su política exterior. Son 40 años de vivir en Nueva York.

—Tuvieron a ese tipo durante 40 años (se refiere al ex dictador de Libia, Muammar Kaddafi) por la cantidad de petróleo que les daba y ahora que no les sirve lo quieren sacar. Ellos viven por esto (y hace el gesto del dinero): money, money.

—¿Qué recuerdos le trae volver a Rosario?

—Yo estudié música acá en Rosario cuando era chico y en ninguno de los países en los que estuve, en Japón, en Rusia, en China, en Italia, nunca encontré una escuela tan divina. Adelante era una escuela y atrás te daban clases de clarinete, saxofón. Un maestro te enseñaba clarinete y esas cosas y el otro tuba, trompeta. De allí salieron muchos buenos músicos. Todos venían a Rosario. En ese sentido tengo que decir que Rosario es una cuna de música. Porque el tango es más porteño.

—¿Cómo se hizo hincha de Newell’s?

—Porque en mi casa todos eran leprosos, mi hermano, mi padre que se mordía los dedos por Newell’s. Una vez no quise ir más con él a la cancha porque siempre había algún barullo. Me acuerdo que cuando me fui, a los 13 años, estaban en la delantera de Newells Belén, Canteli, Pontoni, Morosano y Ferreyra. Y un día que perdimos y Pontoni me dijo “y qué le vas hacer pibe” con una dulzura increíble.

A la pequeña reunión llega Claudio “Tiki” Martínez, vicepresidente de Newell’s y encargado de atender al ilustre visitante. Se ufana del himno rojinegro que Gato grabó para el programa “Fútbol para todos” en Nueva York. “La tocó directamente, sin ensayar, después habló con el ingeniero de sonido y repitió lo que no le gustó. Improvisa mucho y tiene muy buen oído. No anda bien de la vista pero anda bien del oído”. Gato escucha, putea y espera a mañana cuando reciba un homenaje en la cancha por su corazón leproso.

Taylor Lautner decidió mostrar que además de interpretar a Jacob, el Hombre Lobo de la saga "Crepúsculo", puede enfrentar otros personajes. Así lo hace en "Identidad secreta", un filme de pura acción donde el muchacho está acompañado por un elenco en el que se destacan las figuras de Alfred Molina, Sigourney Weaver y Maria Bello, además de Michael Nyqvist, el actor sueco de la saga "Millenium".

Acción y misterio se mezclan en este filme en el que el protagonista, Nathan Price, lucha por encontrar su verdadera identidad. "Nathan es un chico normal y corriente que va a la secundaria. Vive una vida corriente hasta que encuentra una fotografía suya en una página de internet de personas desaparecidas", explicó el intérprete.

Su personaje "descubre que toda su vida fue sido una mentira y que sus padres no son sus verdaderos padres". Durante toda la película intentará "sobrevivir para descifrar la verdad", con una legión de agentes pisándole los talones para evitar que se revele un secreto que fue celosamente guardado por años.

Desafíos.El actor tiene una larga carrera frente a las cámaras y aseguró que cada nuevo trabajo es un desafío. "Como actor quiero buscar diferentes papeles y en distintos géneros", aseguró y añadió que este trabajo es diferente a cualquiera que haya hecho antes.

Es probable que "Identidad secreta" tenga una secuela al igual que pasó con "Crepúsculo", pero no obstante explicó que prefiere centrarse en una propuesta a la vez. "Me interesa que la gente la pase bien, después veremos qué pasa".

Algunos medios de Estados Unidos compararon el filme con la taquillera saga de Jason Bourne, basada en la obra de Robert Ludlum y que protagonizó Matt Damon.

Teniendo en cuenta ese parecido entre ambas historias, Lautner salió al paso con una broma cuando le preguntaron cuál de los dos personajes sería finalmente el mejor posicionado. "Creo que Nathan necesita un poco más de entrenamiento. Dale un par de años más y podría llegar a ser como Jason Bourne, que es bastante duro. Pero ya veremos", bromeó.

Sobre su edad, con apenas 20 años, dijo que los conflictos que encarna en su personaje Nathan pueden generar empatía para cualquier espectador. "Cualquier persona puede identificarse con algún personaje y por eso todo el mundo puede disfrutar con esta película", explicó el joven actor.

Lautner dijo que no se siente intimidado por la fama. "Intento diferenciar los dos tipos de vida que llevo. Pero también tengo la misma vida de antes. Con mi familia, mis amigos, practicando deporte. Hago todo lo que siempre hice", comentó.

Una vez que haya pasado este período promocional, Lautner tomará una decisión sobre su próxima película. "Tengo algunos proyectos muy emocionantes", confesó el actor.

En el marco de las celebraciones de los 20 años de trayectoria de Pearl Jam, se estrena hoy en el cine Showcase el documental “Twenty”, un retrato íntimo de la banda de rock norteamericana contado por el director y periodista y ganador del Academy Award, Cameron Crowe.

“Pearl Jam Twenty” fue elaborada en base a más de 1.200 horas de material inédito, junto a 24 horas de un concierto reciente y entrevistas a los integrantes. El documental narra lo ocurrido desde la formación de la banda, el caos que significó su llegada al estrellato, su rechazo a ser un producto y la creación de la cultura que mantiene a Pearl Jam como una de las mejores bandas a nivel mundial.

Un poco de concierto, de encuentro interno y de testimonios del poder de la música y sus intérpretes: el filme celebra la libertad que permitió al grupo de Seattle hacer música sin perder la visión de lo que más les importaba: sus fans y tocar lo que a ellos, como fans, les gustaba. El documental incluye entrevistas con miembros originales de la banda como Jeff Ament, Stone Gossard, Mike McCready, Eddie Vedder y el baterista Matt Cameron, además del amigo y líder de Soundgarden, Chris Cornell. También se incluye material de archivo y entrevistas de Mother Lover Bone, Temple of the Dog, Kurt Cobain y Neil Young. El filme incluye además las evidencias de las broncas de la banda contra el gobierno de George W. Bush y su política de “guardián del mundo”, el enfrentamiento con la industria musical y su adhesión a las causas justas en cualquier parte del planeta.

“Gran película”. El líder de la banda, Eddie Vedder, dio su impresión al ver la película: “La primera vez que la vimos estábamos con amigos y con la familia pero no era la versión definitiva; hasta el festival de cine de Toronto no pudimos verla y entonces fue diferente; estábamos con una verdadera audiencia, nos dio la sensación de que en verdad se logró hacer una gran película”.

El director Cameron Crowe, amigo muy cercano de la banda desde sus inicios, comenta qué lo llevó a hacer el documental: “Estaba muy inspirado por el documental “No Direction Home”, de Martin Scorsese sobre Bob Dylan; me gustó la forma en que Scorsese como admirador, musicólogo y director examina las raíces y muestra el nacimiento del músico, eso me inspiró, eso quería hacer con los chicos, les dije: si podemos hacer una película que se sienta como un concierto de Pearl Jam o uno de sus discos habremos logrado el reto”.

Distintos. Crowe, quien integró la redacción de la revista Rolling Stone y dirigió películas como “Casi famosos” y “Vanilla Sky”, entre otras, también dijo que en la película se cuelan, entre otros, el director de cine David Lynch. Cameron Crowe dice que desde que los conoció, al poco tiempo de fundada la banda, en la época en que todavía escribía para la Rolling Stone, supo que no se trataba de una banda más y que por eso empezó a recolectar todo lo relacionado a Pearl Jam y a sus integrantes. Pero además los siguió unas veces con grabador y otras con cámara, como espectador de los shows, como intruso sobre los escenarios, o infiltrándose tras bambalinas. Los del grupo se acostumbraron tanto a él que lo extrañaban los días que no se aparecía.

Para acompañar el lanzamiento del documental Pearl Jam lanza también “Twenty The Book”, la versión en libro de la película, más una gira que arrancó el 3 de setiembre en East Troy, un pequeño pueblo del estado de Wisconsin, y que los traerá a la ciudad de La Plata, el próximo 13 de noviembre.

La película, entonces, es una buena oportunidad para ver toda la potencia de una banda en vivo. De hecho, algunos críticos de rock (por ejemplo David Fricke, de Rolling Stone) señalaron que suena mejor sobre un escenario en vivo que dentro de las cuatro paredes de un estudio.

Libro y discos

El estreno de la película viene acompañado del lanzamiento de un libro que recopila todas las giras y presentaciones, el soundtrack correspondiente, de dos discos conteniendo algunas de sus presentaciones desde su debut con el disco “Ten”, así como grabaciones de estudio no conocidas.

"Es la relación de Eva y Perón antes del balcón, cuando comienza la historia de amor", dijo Julieta Díaz sobre su personaje en la película "Juan y Eva" que se estrena hoy. El filme evoca un romance que marcó a fuego la historia argentina. Los protagonistas fueron Juan Domingo Perón, en ese momento al frente de la campaña de ayuda a los afectados por el terremoto de San Juan en 1944, y una joven actriz que se sumó a la cruzada solidaria. El filme está protagonizado, además de Díaz, por Osmar Núñez en el rol de Perón y un elenco de figuras como Fernán Mirás, Alfredo Casero, Gustavo Garzón, Pompeyo Audivert, Karina K y Carlos Casella, con dirección de Paula de Luque, la misma de "El vestido" (2008) y "Cielo azul, cielo negro" (2003).

—¿Qué te interesó del proyecto?

—Me encantó el guión que contaba sobre todo una historia de amor. Esa fue una de las cosas que más me atraparon porque siento que lo que se habló de ellos hasta ahora fue quizás más deteniéndose en la historia de la Eva del balcón. Es la historia de Eva y Perón desde antes del balcón, cuando comienza la historia de amor. Creo que es una de las primeras películas que no cuenta solamente la historia de ella, y que además lo incluye a él antes de ser presidente.

—¿Desde dónde abordaste un personaje con tantas aristas y que fue encarado por tantas actrices?

—Sentí todo eso y tenía temores. Sentía que era una gran responsabilidad. Pero por otro lado trataba de pensar que no dejaba de ser una película, que no iba a cambar el mundo, sino que simplemente estaba contando una buena historia. Creo que sobre todo, el trabajo más fuerte y de investigación fue con la directora Paula de Luque. Ella se detuvo en cada sensación de Eva, en qué quería contar y en qué quería aportar yo como actriz. Me gustó mucho la idea de poder contar y entender que la fuerza depende de la vulnerabilidad y la vulnerabilidad de la fuerza. Y que no sabía qué le iba a pasar aunque en ella ya estaba presente ese germen de lo que sería después.

—¿Es una película que la pueden disfrutar los peronistas y los no peronistas?

—Para responder eso te voy a contar algo que pasó en el estreno. Había mucha gente que era peronista, otros que eran antiperonistas, otros que no eran ni lo uno ni lo otro, ni odio ni amor. Y todos salían movilizados, por la verdad, por la belleza estética, por el contenido, por la mirada femenina, por lo que no se dice. En ese momento no eran peronistas ni antiperonistas. En ese momento eran personas mirando una película y viendo hechos históricos desde un lugar lo más verdadero posible, sin opinión y sin forzar al espectador a que opine de una manera u otra. Simplemente la historia fue muy fuerte. Pero sí, una película puede tener una opinión no se si partidaria, pero sí ideológica.

—¿Qué significa Eva para vos?

—Como actriz, estuvo siempre la fantasía de interpretarla. El que diga que no tuvo nunca esa fantasía es mentira porque sea la versión que sea es un personaje histórico muy interesante, con muchas contradicciones, sobre el que se ha dicho todo de más y de menos. Entonces también es lindo poder dar una opinión. Va a seguir habiendo muchas Evas, sobre todo en lo que respecta a la historia de amor. Yo traté de no tomármelo tan a pecho como para que no me termine comiendo el mito, porque sino no iba a lograr nunca ponerle el cuerpo. Era mucho lo que sentía sobre esta historia. Con el respeto que uno siente por eso, sentía que era una historia de una esa chica de 25 años, que quería ser actriz, que quería triunfar, sin padre, que se encuentra con ese hombre, militar, que la dobla en edad.

La tele y “el sueño del pibe”

Julieta Díaz reparte su tiempo profesional entre la promoción de “Juan y Eva” y la novela “Cuando me sonreís”, que coprotagoniza con Facundo Arana. Con su próximo casamiento, sólo le queda tiempo libre para conceder alguna entrevista luego de las extensas jornadas de grabación de la tira y para ayudar en causas solidarias. Aunque esto último —colabora con la Fundación Discar que promueve la inclusión laboral de personas discapacitadas— sólo lo mencione ante una pregunta casual. “Estoy muy agradecida y muy contenta”, dijo sobre la tira de Canal 5. “Es un placer aprender todo el tiempo y que me dieran la oportunidad de hacer estas dos cosas es el sueño del pibe”, afirmó.
   Una historia de amor es también el eje de la telenovela. Y la televisión, como el cine, es ideal para narrarlas. “Creo que es difícil hacerlo sin tanto tiempo como el del cine, pero creo que se puede. Yo lo veo mucho inclusive en otras tiras, en las que es posible creer todo lo que ves entre los actores. En nuestro caso, al ser una comedia blanca para toda la familia, a veces jugamos con un color más naif, de comedia romántica, así que de alguna manera pasa por otro lado. Pero igual como actriz lo central es encontrarle verosimilitud y verdad a cualquier cosa que uno haga porque el arte pasa por ahí”, afirmó.

"Esta noche vale todo, todo", dijo Ricky, así, repitiendo el "todo", para que no queden dudas que sería una noche sin límites.

Más allá de la metáfora, el show que ofreció ayer Ricky Martin, ante unas ocho mil personas (mujeres en su gran mayoría) en Metropolitano, superó la media de los espectáculos internacionales que llegan a la ciudad. Tuvo una impactante puesta en escena, con 9 músicos y un cuerpo de baile, una dinámica sin respiro a partir de una atrapante apuesta multimedia, con hits de todas las épocas y hasta se permitió coreografías con alta dosis de erotismo.

Pero el plato fuerte de esta presentación fue el concepto del show. Es que este "M A S Tour" tuvo el común denominador de la libre elección en la vida. "Sé tú mismo" insistió el intérprete puertorriqueño, mientras las mujeres, desde niñas hasta las que cuentan unas cuantas décadas, les ofrecían fidelidad y devoción con gritos que atravesaba la popular y la platea. Todas de pie, bailando, cantando, sacando fotos, filmando y mandando mensajes. Una manera ya establecida de disfrutar los recitales, que deja en el archivo de los más gratos recuerdos la llamita del encendedor que iluminaba las almas en las oscuridad.

El cantante centroamericano estuvo pleno. Se paseó por la balada, la salsa y el pop, y arengó cuantas veces pudo hacia la multitud, que estallaba cada vez que decía una y otra vez la palabra "Rosario", un mal vicio de los artistas internacionales que, para peor, les sigue dando resultado.

"No tengan miedo, hay que vivir, vuela", y literalmente Ricky voló desde lo alto de la estructura hasta las manos de los bailarines. Era la apertura con "Será, será" y era un guiño de lo que vendría después.

"Hace tiempo que no estaba en esta maravillosa tierra. Esta noche voy a dejar mi alma y mi piel. Esta noche vale todo, todo", esbozó antes de "Vuelve", una de esas entrañables baladas de su repertorio.

A continuación, un bailarín solo en el escenario acompañado por imágenes y palabras que planteaban la libre elección sexual le dieron la "intro" ideal para "Livin' la vida loca". Vestido de noche, con saco y chaleco blanco y pantalón y camisa negra, Ricky mostró su carisma a ultranza y su destreza coreográfica, mientras se lucía la sección de cuatro vientos y el cuerpo de baile se lucía en un acting que hubiesen envidiado en "Bailando por un sueño".

Pero habría mucho más. Desde la espontaneidad rítmica de "María", con una pequeña participación de Ricky en cajón peruano, hasta el set acústico que se inició con "Tu recuerdo", otro lento de alta sensibilidad y buen gusto, donde la raíz centroamericana deja su sello en lo rítmico.

La cosa se puso hot y hasta un tanto sadomasoquista en la coreografía de "Frío", que fue por más en "I Am", donde un cuadro que representaba una orgía generó un clima de sorpresa y tensión en el público. Claro, después vino "Más" y Metropolitano se convirtió en una gran disco, con Ricky que arengaba: "Nunca te detengas, haz lo que tu sientas, sigue tu destino fuera del camino".

Y todavía faltaba el toque salsero con "Lola, Lola" y "La bomba", que se convirtió en una suerte de promoción turística de Puerto Rico, reflejado en los leds y en las palabras de Ricky. "Pégate" le siguió agregando el ritmo caliente a una fiesta que llegaba a su fin. El cierre, con "Lo mejor de mi vida eres tú" coronó un show en el que Ricky Martin se soltó las cadenas. Y decidió contarlo y cantarlo.

El thriller protagonizado por la ganadora del Oscar Rachel Weisz "La verdad oculta" denuncia la corrupción de los cascos azules en la posguerra bosnia. Basado en el libro "The Whistleblower" de Kathryn Bolkovac, la película que se estrenará el jueves en Rosario narra la propia experiencia de la autora mientras trabajaba en 1999 en Sarajevo para una compañía privada contratada por Estados Unidos para supervisar el proceso de reconstrucción de Bosnia tras la guerra.

La autora fue policía del estado de Nebraska y sostiene que las fuerzas internacionales enviadas por las Naciones Unidas, además de diplomáticos con inmunidad, permitían que las mafias de Europa del Este ejercieran la trata de personas y que su personal acudiera con frecuencia a locales donde se obligaba a mujeres a prostituirse en situación de esclavitud. Acompañan en el elenco a Rachel Weisz las consagradas Vanessa Redgrave y Monica Bellucci, mientras que la dirección corrió por cuenta de Larysa Kondracki.

"La primera vez que escuché acerca de Kathy Bolkovac fue cuando leí el guión. Me llamó la atención porque no se trata de una película biográfica o un documental, sino un filme basado en su historia y en otros aspectos de la investigación que realizó la directora", dijo Weisz. Y luego continuó: ""Así que la historia encajaba perfecto en uno de mis géneros favoritos; además de que tenía esta especie de sabor a David versus Goliath, en la que una persona ordinaria hace cosas extraordinarias", comentó Weisz, quien esta semana estrenará "360" en el Festival de Cine de Toronto.

"Me encantan ese tipo de thrillers como «Silkwood», «Erin Brockovich» o «Serpico». Me gustan las historias en las que los personajes tienen un gran carácter, pero son personas ordinarias que ven algo injusto y van en contra de eso, aunque sea ciegamente", agregó, al tiempo que recordó que el guión lo leyó en un momento importante de su vida. "Estaba embarazada, y en ese momento fue muy intenso para mí. Así que lo dejé, pero nunca lo olvidé. Un par de años después, le llamé al productor y le pregunté si todavía no se había hecho y si podíamos llevarlo a cabo".

Como otras historias de alto alcance, la génesis de "La verdad oculta" fue relativamente modesta. A principios del 2000, la directora Kondracki estaba en Nueva York para llevar adelante la investigación de lo que se convertiría en su primer largometraje. Nacida y criada en Toronto, creció con fuertes lazos con la comunidad ucraniana local, y usó esto como fuente de inspiración para la historia que quería contar.

La propia directora explicó: "Como ucraniana, era importante para mí contar esta historia sobre la trata de personas; de lo que no tenía idea era de que el crimen estaba tan ampliado y generalizado. Enseguida que leí sobre Kathryn, me contacté con ella y convoqué a Eilis Kirwan, quien escribiría el guión conmigo, para que se suba al proyecto. Sabíamos que se trataba de una historia muy grande ya en ese momento".

Uno de los puntos más importantes para Weisz durante este proceso fue haber conocido personalmente a la mujer a la que interpreta en el filme. "Conocí a Kathy cuando llevábamos una semana filmando. No nos parecemos físicamente, así que no quise hacer una imitación de ella. Ella es una típica madre del medio-este estadounidense, sexy y con muchas pelotas. Eso es lo que espero haber podido emular".

Silvia Pérez fue la invitada a "Tiene la palabra", el programa de TN, y allí hizo referencia a un hecho desconocido que ocurrió la noche anterior a la trágica muerte de Alberto Olmedo, su ex pareja.

Consultada por qué fue lo que la llevó a ponerle punto final a una relación que era "poco clara" con el Negro (su pareja oficial era Nancy Herrera), Silvia Pérez contestó: "Es muy íntimo, pero voy a dar una generalidad. Yo corté la relación la noche anterior a que él muriera. Era una relación de un fuego y una intensidad terrible. Era como un padre para mi hija y yo estaba enamorada".

La repregunta, por supuesto, tuvo que ver con qué reacción tuvo al enterarse, pocas horas después, de la muerte del ídolo. La actriz respondió: "No sé si te lo puedo decir con palabras. Fue muy raro, no lloré mucho. En algún punto lo encontraba coherente y en otro, no encajaba en la realidad. Estuve paralizada en el tiempo por mucho tiempo. No sé cómo transcurrió nada. Tenía una pareja que yo había dejado cuandoe staba con el Negro y me ayudó mucho. Estuve en una nebulosa. Sentía que el Negro me dejó esa tristeza y esas pocas ganas de vivir. Fue el punto de inflexión más importante de mi vida".

Silvia Pérez también se refirió a si, luego de la muerte de Olmedo, fantaseó con la idea de la muerte: "Suicidio no, pero yo sentía que no tenía ganas de vivir. No tenía ganas de hacer nada y culpa por sentir eso por mi hija. Estaba en la India y le pedí a Dios que me ayudara".

Además, la ex pareja de uno de los mayores ídolos del espectáculo nacional compartió su visión sobre el triste desenlace de Olmedo: "Es raro lo que pasó porque él siempre me alejaba de ese balcón las veces que fui a ese departamento, en Mar del Plata. Es cierto que con las drogas se experimientan sensaciones raras.  Pero él tenía un sentir que tenía que ver con las no ganas de vivir".

Para cerrar el tema, la actriz reveló que no pensó qué hubiera pasado de no haber muerto Alberto Olmedo: "El destino es el destino", concluyó.

Dárgelos es la voz cantante de Babasónicos, el grupo de Lanús que hace veinte años que se animó a correrse de las corrientes convencionales del género para aportarle una cuota sónica, poética, irónica y creativa a su música. "A propósito", el disco que presentan el próximo sábado, a las 22, en Metropolitano (Alto Rosario), ratifica ese camino.

A Dárgelos le encanta hablar de su trabajo, pero también del negocio del rock, de literatura, de su mirada sobre la política y la realidad social, y de la vida y la muerte.

Es imposible reflejar la totalidad de la charla en estas páginas, quizá tan difícil como para él sintetizar el mismo diálogo en una canción: "Yo escribo el 80 por ciento más de lo que la gente llega a leer, o sea hay un 80 por ciento que lo considero basura. Pero como la canción se escribe en condensación, tenés menos espacio y más interlineado, más connotación en menos palabras. Yo no puedo describir toda nuestra charla, la tendría que describir en un verso y tendría que usar unas frases que choquen y tengan tanta fuerza que generen el entendimiento, pero no podría explicarla como Proust, que nuestra conversación la podría explicar en un libro entero".

No es extraño que cite a Marcel Proust, uno de los autores franceses destacados del siglo XIX que, no tan paradójicamente, es autor de "En busca del tiempo perdido". La búsqueda es la esencia de Dárgelos. Es el típico artista inquieto, que afirma que se lleva tres libros en un vuelo de una hora para no quedarse corto, y que se puede emocionar tanto con autores de la talla de Marcelo Cohen, Juan Filloy y Quique Fogwill, como también con Leopoldo Marechal y literatura gauchesca.

“Más que todo yo soy un buscador. No sé si escribo bien o mal, creo que la gente aprecia de nosotros que somos buscadores. Y yo encuentro en «A propósito» que no tengo necesidad de hacer un hit ni de hacer algo que le guste a los demás. La gente aplaude el desafío que tengo por mi tozudez de ir a buscar”, destaca mientras hurga en su discurso las palabras que considera más precisas para expresarse.

   —¿Te pesa ser considerado un referente del rock?

   —No me pesa nada, porque si no podés componer, si no podés sentarte y escribir quizá se me vaya, vos no te podés considerar músico, compositor, estrella de rock, esas son todas estupideces. Porque si no podés escribir una canción aquí y ahora no sos nada.

   —¿Cómo influyó tu formación para llegar hasta acá?

   —Fui educado para no ser esto, no existe una formación para ser compositor, no existe la conciencia en la educación pública que lo que vos hacés es componer o escribir. A nadie en la escuela le dicen que lea la obra de tal escritor, no le dicen qué es lo que se siente internamente para que uno se convierta en escritor. Cuando le dije a mis padres que descubrí en el colegio que podía hacer canciones, me dijeron que cualquier nene hacía eso.

   —¿Por qué elegiste ser músico?

   —Nadie quería en la década del 70 que su hijo sea músico, todos querían tener un hijo médico, nadie en la clase trabajadora quería tener hijos músicos, porque pensaban que se iban a morir de hambre. Es más, yo decido hacer música para, ex profesamente, morirme de hambre. Porque en el 86 elegí una profesión que no es una profesión, que es un hobbie, que no tenía salida laboral, ni una industria discográfica del rock que te pueda mantener, elegí el nicho, la bóveda más grande para sepultarme.

   —¿Siempre jugás con la vida y la muerte?

   —Bueno, mi pulsión autodestructiva o de muerte me lleva a ser músico de rock, porque escribo desde el no, desde el no se puede. Y porque si no escribo mañana no soy nadie más.

   —¿Y en este contexto, vivís de hacer canciones?

   —Hago canciones para destruir el entendimiento de este mundo que no me sirve de nada. Y si la caída del mundo me arrastra, me arrastrará contento.Yo quiero aportar a un mundo distinto, a mí me gustaría que se acabara todo, y si eso me lleva, que me lleve, de última cantaré y la gente me dará la comida por cantar.

Dos años después de "Traición y muerte en Pichincha", el director Mariano Olivieri regresa con una comedia musical en la que se impone el clima siniestro y el terror. La propuesta es "La leyenda del jinete sin cabeza" que se estrena hoy, a las 21.30, el teatro "Mateo Booz" (San Lorenzo 2243). La obra escrita en 1820 por el estadounidense Washington Irving, tuvo una versión en cine dirigida por Tim Burton interpretada por Johnny Depp y Christina Ricci.

Es la historia de Icabot Crane un pragmático policía de Nueva York que es enviado a investigar una serie de crímenes que los habitantes del pueblo aseguran son obra de un fantasma decapitado. Esta versión cien por ciento rosarina ahora sube a escena con treinta actores y música original de Pavlo Read. Según adelantó Olivieri, el terror y el clima de pesadilla invaden la la realidad de un relato con aristas y matices que, además de inquietar, permiten hacer una lectura de algunos aspectos de la actualidad.

—¿Por qué eligieron la obra?

—Tengo una visión de la obra a partir de las distintas formas de ver lo mismo desde distintos ojos. De pronto algo que para uno puede ser maravilloso para otro puede ser terrorífico u oscuro. Fue un punto de vista que me surgió cuando leí el cuento. La obra tiene una estética muy lúgubre que es la que propone la historia. Pero no es necesariamente una historia de terror. De hecho uno de los aspectos más interesantes del cuento y que no está en la película es la duda sobre si se trata de un fantasma o un asesino. Eso fue quizás lo que más nos sedujo. Lo que tratamos de lograr fue una fusión desde un plano real hasta un plano casi de pesadilla que es el que vivencia el personaje principal que es el foráneo, el policía que llega a investigar.

—Cuánto influyó la película de Tim Burton en la elección?

—Es innegable. Me parece que cualquier realizador o puestita debería admirarla. A mi me gustó mucho el color, el tono, pero está más centrada en la fantasía que asume la existencia del jinete desde un principio. Acá no. La influencia fue que al ver la película se piensa que se puede hacer porque es muy teatral. Así que la vinculación a la película fue desde lo teatral.

—¿Qué encontraron en el trasfondo de la trama?

—En el momento de empezar a escribir me sedujo mucho la idea del poder de un grupo de gente habituada a vivir en un lugar con costumbres y que está muy arraigada a su fe. Hay una persona que viene de afuera y que tiene que tratar de entender eso o de desecharlo pero no deja de ser el de afuera y el pueblo se preocupa mucho por hacerlo sentir así.

—¿Se puede hacer una lectura de la realidad a partir del rechazo al foráneo?

—Seguro. No desde lo xenófobo, sino desde cómo cuesta socialmente incorporar o aceptar. El empujón muy grande que hemos tenido como sociedad fue el tema de la ley de matrimonio igualitario. La gente que estaba en contra estaba muy enceguecida desde una posición que no se iba a mover nunca ni siquiera para escuchar esa propuesta. Acá Icabot entra con una soberbia muy marcada, inclusive cuando habla sin filtros delante de personas que están muy arraigadas a una fe y una creencia. Y no tiene ningún tipo de respeto ni por la fe ni por la creencia. Aún así dentro de esa gente que tiene fe y creencia hay quien utiliza ese arraigo espiritual para manipularlos y usarlos para su propia conveniencia. Es una mezcla de personajes bastante interesantes.

—Eso implica una buena cuota de actualidad...

—Sí, pero es interesante porque yo lo descubrí a partir de que lo empezamos a ensayar. A veces uno como sujeto social es atravesado por lo que trasciende alrededor. Seguramente escribía con esa idea inconsciente dando vueltas por la cabeza, pero cuando hacía lecturas del libro y demás, no lo vislumbraba con tanta claridad. Sí lo literal, el rechazado y el foráneo, pero al verla dimensionada sobre la escena toma un perfil de actualidad con la que nos encontramos después.

Casi una década en escena

Mariano Olivieri aseguró que la comedia musical “Traición y muerte en Pichincha” marcó en 2008 una inflexión en la historia del grupo, que comenzó a escribirse en 2002, primero con el nombre de Centro de formación para musicales y luego, en 2006, como Formarte.

“Lo que sucedió con «Pichincha» con la que hicimos dos temporadas es que se produjo un vínculo inmediato entre el público y la historia. Fue una conexión. Una de las virtudes y bondades de esa obra era precisamente hablar de lo que había sucedido acá nomás para un público que estaba interesado en una historia de la ciudad. Lo concreto es que nos hizo un poquito más conocidos, nos dio la posibilidad de arriesgarnos un poquito más en cuanto a lo que queremos contar. Se ganaron premios, y ahora «El jinete» fue declarada de interés cultural por el Ministerio de Innovación y Cultura. Son cosas que tienen que ver con lo que uno va haciendo en el camino. Y «El jinete» tiene el aval de «Pichincha». Es odioso comparar, pero es inevitable”.

Olivieri confía en el futuro del musical en Rosario. “Quizás si hacés una obra de teatro de texto no tenés tanta demanda de costos y a lo mejor en vez de cuatro funciones podés estar dos o tres meses. Mientras más producciones de musicales con distintos estilos haya nos conviene más a todos porque el público va conociendo otras formas de esta disciplina. Las cosas que hace Nora (González Pozzi) son realmente enormes. Y está bueno que el público pueda ver eso. Y que pueda ver «Jinete », o las revistas de Manuel Cansino, con obras que más allá del costo y el esfuerzo, muestra un trabajo honesto, se ve laburo, crecimiento. Y Rosario tiene la bendición de que todavía puede esperar al publico. A la gente si le interesa va y la recomendará”.

De Enrique Iglesias y Michael Jackson al jazz fusión y al complejo mundo del sonido shred de la guitarra eléctrica. Ese es Greg Howe, el virtuoso guitarrista que en su primera gira argentina se presentará mañana en Metropolitano.
   El músico norteamericano llega a Rosario junto a un grupo que integran el bajista Stu Hamm (reconocido por realizar giras con Joe Satriani y grabar discos con Steve Vai) y el baterista Italiano Gianluca Palmieri. El guitarrista de Pennsylvania comenzó su carrera en los 80 con el sello de Mike Varney, una especie de comunidad musical del estilo shred, junto a violeros como Marty Firedman, Jason Becker, Paul Gilbert y Richie Kotzen, entre otros. Luego, Howe desarrolló un camino diferente, más enfocado en el jazz fusión que en el rock. Esta apertura mezclada con su estilo shred —pasajes de gran complejidad técnica yextraordinaria velocidad— más los toques de blues y funk, hicieron de su sonido una marca registrada. Paralelo a esta búsqueda personal Howe supo desarrollar una importante tarea como músico de sesión, contratado por artistas del pop como Michael Jackson, Enrique Iglesias, N’SYNC y Justin Timberlake, entre otros.
   De estos temas y de su primera gira por Argentina habló Howe con Escenario.
   —El estilo shred fue criticado en otros tiempos alegando el virtuosismo exagerado, la obsesión por lo complejo. ¿Tus recitales hoy tienen estas características?
   —Me gusta desmitificar esta idea de la obsesión por lo complejo, encima entendido por muchos como confuso. Muchas veces hacer música en vivo tiene algo de mágico y experimental, y eso es un devenir del momento, de la práctica misma, del espacio, la gente, la noche y de todo lo momentáneo. Me refiero a que una conjunción de cosas hacen que este estilo tenga algo de magia, pero no por eso es caprichosamente exagerado, como dicen. En ese sentido, me relajo al escuchar esas cosas.
   —¿Qué debe esperar un espectador que va a ver el show?
   —Haremos un recorrido por varios álbumes, seguramente uno o dos temas de cada disco. La idea es hacer una mezcla desde los comienzos con mi primer álbum pasando por “Introspection”, “Sound Proof”, “Extraction”, “Five”, entre otros. Va a hacer un show muy variado y flexible donde se tocarán los temas con los que el público está más familiarizado y los cuales abarcan toda mi carrera.
   —Cómo músico de sesión acompañaste a estrellas del pop ¿Cómo fueron estas experiencias?
   —Realmente todas han sido maravillosas., pero tengo un recuerdo fresco de cómo se dio mi trabajo con Michael Jackson. Estuve hablando con Jeniffer Batten, la guitarrista de Michael en ese momento y me comentó que iba a alejarse del grupo por un tiempo y que me iba a recomendar para la gira. Realmente no sabía qué esperar y todo parecía muy surrealista, raro y difícil de imaginarse en ese momento tocando en el escenario junto a el. Cuando recibí la llamada no tenía mucho tiempo para pensar y tuve que prepararme rápido para los shows. Fue una de las mejores experiencias de mi vida y uno de los momentos más importantes de mi carrera. De todas formas cuando toco en vivo junto a otro artista, sobre todo con estrellas de pop como Justin Timberlake, Enrique Iglesias o Cristina Aguilera, trato de enfocar mi atención en el artista y en asegurarme de hacer lo que el artista espera de mí, por lo que en ese momento único cuando estoy en el escenario tocando no estoy nervioso sino más que nada concentrado en lo que debo hacer.
   —De todos modos, con Ritchie Kotzen parecías tener otra química, al menos eso es lo que traslucen los discos que hicieron juntos...
   —En realidad fue sólo un proyecto de la discográfica, es decir de Mike Varney... él pensó que teníamos un estilo parecido al tocar, pero lo suficientemente interesante como para combinarlo y sacar algo bueno de ello...”Tilt” vendió bastante bien, por eso sacamos un segundo álbum.
   —Tu trabajo como músico de sesión, ¿no te distrajo del objetivo, es decir, de tu propia música?
   —No; mi sentimiento y oportunidades tuvieron que ver con ser un músico de sesión, y en este momento con poner también energías en Greg Howe’s Band. Digamos que veo un todo en el cual hay momentos para cada cosa. Y todo éxito, en ese sentido, es pleno.
   —¿Te gusta escuchar a los guitarristas de jazz fusion como Pat Metheny, John Scofield o Bill Frisell? ¿Te sentís parte de esa movida?
   —Son grandes músicos. Los admiro a todos ellos. Lo que sí, me cuesta ubicarme en un rango o movida especial. Creo que encasillarse es una tarea ajena a mí, es decir, en todo caso eso lo hace la prensa y el público.
   —Es tu primera gira en Argentina: ¿Cuáles son tus expectativas y que reacción esperás del público?
   —Me siento muy contento de visitar Argentina por primera vez. He recibido muchos e-mails de fans argentinos este último tiempo y se siente que es un público con buena energía. Trataremos de dar el mejor show posible y realmente espero satisfacer al público que nos acompañe durante la gira.

Los viajes a la luna fueron primero el "gran salto para la Humanidad" pero poco después se transformaron en una fuente de retorcidas intrigas que empañaron la historia de la carrera espacial. Por si algo le faltaba "Apollo 18", que se estrena hoy, propone un relato en forma de documental, con teoría conspirativa incluida, que tendría como punto de partida una supuesta información reservada de la Nasa.

La película juega con la idea de mostrar supuestas evidencias del desastroso resultado de una misión secreta a la Luna. La película, dirigida por el español Gonzalo López-Gallego, muestra las imágenes grabadas por una expedición secreta de la Nasa que viajó a la Luna en 1974. Lo que los dos astronautas encontraron allí fue tan aterrador que el gobierno estadounidense canceló el programa Apollo y decidió no volver nunca más a pisar el satélite.

La mezcla de ciencia ficción con terror funciona en base a una grabación de video en la que se ve lo que sucede a los tres astronautas poco tiempo después de dar el "pequeño paso para el hombre" en suelo lunar.

El recurso de apelar a un material hallado y confiscado luego de una supuesta situación crítica ya fue utilizado con enorme éxito "El proyecto Blair Witch", que inauguró un estilo continuado por "Cloverfield" y luego por "Actividad paranormal".

El gran simulador. Aunque el primer gran simulador fue Orson Welles que hizo entrar a medio Estados Unidos en pánico con su transmisión radial de "La guerra de los mundos" donde difundía una invasión extraterrestre, en este caso el director continúa con esa suerte de ambigua broma pesada que hizo historia.

Aquello ocurrió a finales de la década del 30. Hoy, en una época carente de inocencia era previsible que "Apollo 18" no generase ninguna estampida, pero la campaña de difusión fue tan efectiva que la misma Nasa debió salir a aclarar que el filme es pura ficción.

El responsable del filme es el cineasta español Gonzalo López-Gallego que desembarca en Hollywood después de una carrera en su país donde, entre otros trabajos, dirigió al argentino Leonardo Sbaraglia en "El rey de la montaña".

En un principio, la agencia espacial estadounidense estuvo implicada en el proyecto y asesoró a los guionistas Brian Miller y Cory Goodman. Ese tipo de trabajo es frecuente para la agencia espacial ya que, según Los Angeles Times, los expertos de la Nasa colaboraron en la elaboración de cerca de 100 documentales, 35 programas de televisión y 16 películas sólo en el último año.

Pero al ver hacia donde se encaminaba la historia y el tratamiento que se le daría a la información sobre las expediciones a la Luna, la agencia decidió tomar distancia y lanzar un aviso claro y contundente: "«Apollo 18» no es un documental".

El encargado de poner las cosas en su lugar entre la ciencia y la ficción cinematográfica fue Bert Ulrich, encargado de las relaciones públicas de la NASA con la industria del entretenimiento . "La película es una obra de ficción, siempre lo supimos. Estuvimos involucrados mínimamente en esta película, pero nunca vimos una primera versión", señaló. Asimismo subrayó que "la idea de retratar la misión Apollo 18 como auténtica es una estrategia de marketing".

Sin embargo aclaró que "la colaboración con la industria para elaborar películas, series y documentales es vital ya que es una maravillosa manera de llegar al público a través de estos grandes medios de comunicación".

Así como "Enterrado" transcurría casi dos horas con el actor Ryan Reynolds como un contratista del gobierno en Irak encerrado en un sarcófago, en este caso sucede algo similar con los tres astronautas como protagonistas excluyentes del relato, pero atrapados a miles de kilómetros de la Tierra.

El Proyecto Apollo fue uno de las proezas más impactantes de la tecnología. Comenzó en 1960 y nueve años más tarde Apollo 11 tocaba la superficie lunar. Fue la primera de seis misiones y sólo una no cumplió su objetivo, la Apollo 13.

Ese viaje tuvo su propia película en 1995 con Tom Hanks como protagonista. También generó la famosa frase "Houston, we've had a problem here", cuando la nave comenzó a tener problemas técnicos a miles de kilómetros de la Tierra. Y a pesar de los inconvenientes, los tripulantes regresaron sanos y salvos a la Tierra. Los de la Apollo 18, según López-Gallego, no habría tenido la misma suerte.

Intrigas con gravedad cero

La intrigante información adelantada sobre el "Apollo 18" juega con las ambigüendades desde el principio: "Oficialmente el Apollo 17, lanzada el 17 de diciembre de 1972, fue la última misión tripulada a la Luna. Pero un año después, en diciembre de 1973, dos astronautas estadounidenses fueron enviados a la Luna en una misión secreta financiada por el Departamento de Defensa de Estados Unidos". Y remata que se trata de "material de archivo real que los astronautas capturaron en esa misión. Mientras que la NASA niega su autenticidad, otros dicen que es la verdadera razón por la que nunca volvimos a la luna".

Hay nombres que quedan estigmatizados en una determinada época. Y melodías que desafían el paso del tiempo. Richard Clayderman y "Balada para Adeline" van de la mano y obligan a un flashback hacia la última mitad de los años 70, en la que confluía un difícil momento político en la Argentina con el auge del hipismo mezclado con Led Zeppelin y Palito Ortega. En ese contexto, la rubia cabellera de Clayderman y sus melodías amables abrían el juego. "Quizás en aquel tiempo haya sido más romántico, con mi largo pelo rubio, y dio más impacto, pero la música fue esencial", dijo Clayderman, en un reportaje vía correo electrónico con este diario, previo al show que ofrecerá mañana, a las 21.30, en el teatro El Círculo (Laprida y Mendoza).

—¿Siente que su música resiste el paso del tiempo y hasta aparece como una melodía limpia ante tanta música contaminada que suena en estos tiempos?

—En rigor, yo pienso que la música que hago no es la música de moda. Consiste en bellas composiciones, las cuales puedo ejecutar en mi piano con mi propio estilo.

—Ganar mercados con la música instrumental es una tarea nada fácil. ¿Cuál fue el secreto de su éxito a lo largo de tantos años?

—Sinceramente es algo de lo que no tengo control, yo hice y toqué lo mejor que he podido, y he presentado los mejores shows. Pero supongo que el secreto de ganar mercados es haber tocado ante una audiencia que le gusta escuchar el piano.

—¿Lo ayudó su imagen, que en su momento provocó el suspiro de las jovencitas y era la foto del póster más grande en sus habitaciones?

—Quizás en aquel tiempo haya sido más romántico, con mi largo pelo rubio, y posiblemente dio más impacto, pero la música fue esencial.

—¿Qué recuerdos le trae ese furor por usted en esos años. Lo extraña o prefiere la tranquilidad de esta etapa?

—No soy muy consciente de esos recuerdos, y no tengo una percepción muy profunda de aquellos tiempos. Mi prioridad eran los ensayos y eso me provocaba tensión. Todavía ahora practico en mi piano por lo menos dos horas por día. Me gusta esta adicción.

—"Balada para Adeline" sigue siendo un sello en su repertorio. ¿Es además su tema preferido o ya no le da tanto placer interpretarlo?

—Por supuesto que "Balada para Adeline" no fue descubierta por mí. Yo la he tocado en alrededor 2.000 conciertos que he realizado a lo largo de 30 años con la música. Y la he tratado de tocar lo mejor posible con la menor variación, depende mi estado de ánimo.

— En su discografía también interpretó temas de Los Beatles o Simon and Garfunkel. ¿Por una cuestión generacional, nunca se le ocurrió ser un músico de rock?

—Cuando tenía 17 años tocaba pop o rock, pero sinceramente pienso que el rock and roll no fue mi destino.

—El tango y el folclore no son géneros muy visitados en su discografía. ¿Les cuesta adaptarlos a su interpretación o no les agrada tocarlos?

—Bueno...tú sabrás...yo he grabado alrededor de mil temas diferentes en los 35 años pasados. Me gusta intentar cosas nuevas, incluyendo composiciones mías que adapto, a mi manera, en el piano.

—¿Si tuviera que comenzar de nuevo con su carrera, haría el mismo camino?

—Yo realizaría diferentes experimentaciones, pero no sé cuales...pero hoy en realidad estoy muy contento con lo que hago.

Bradley Cooper tiene una larga experiencia en cine y televisión, pero después de "¿Qué pasó ayer?" Hollywood parece haber descubierto su potencial. El actor ahora encabeza el elenco de "Sin límites" que se estrena pasado mañana donde comparte los roles protagónicos nada menos que junto a Robert De Niro, un referente de la industria.

Cooper era hasta 2009 el habitual amigo del protagonista, el chico bueno, el candidato ideal del que se enamoran las chicas y tranquiliza a sus madres. Pero algo raro ocurrió a partir de aquel filme en el que su personaje pierde el control y la consciencia en una salvaje despedida de solteros junto a un grupo de amigos en Las Vegas.

Milagrosamente, o gracias a la primera y segunda parte de "¿Qué pasó ayer?", dejó de ser el galancito para convertirse en Bradley Cooper, alguien con nombre propio. Al mismo tiempo hoy es uno de los actores más cotizados de Hollywood. "Las cosas surgen así, pero me siento muy afortunado por todos los papeles que hice", aseguró el actor.

Un escritor en crisis. En este caso interpreta a Eddie Morra, un aspirante a escritor que sufre de bloqueo crónico, pero su vida da un giro cuando un viejo amigo le da a conocer el NZT, un medicamento revolucionario que le permite aprovechar su potencial por completo.

Con cada impulso nervioso, Eddie puede recordar absolutamente todo lo que ha leído, visto o escuchado, aprender cualquier idioma en un día, entender ecuaciones complejas, siempre que continúe tomando la misteriosa droga experimental.

Sus hazañas llaman la atención del magnate Carl Von Loon, quien lo invita a participar en la fusión corporativa más grande de la historia. Con su vida amenazada y las consecuencias brutales de los efectos secundarios de la droga, Eddie esquiva acosadores misteriosos y una investigación policial, mientras intenta aferrarse al menguante suministro de NZT y con poco tiempo para zafar de sus enemigos.

"La película enfoca sobre qué harías si tu cerebro funcionase al cien por ciento", contó el intérprete. Sin embargo aclaró que no se basó en experiencias ajenas para interpretar su personaje: "No me preparé conociendo a adictos, porque no se trataba de una droga convencional. De hecho el personaje está muy enfocado, con gran claridad".

"No pensé que fuera ese tipo de drogas", añadió el intéprete sobre ese tema. "No lo enfoqué como una droga para escapar de la realidad sino mas bien, para adentrarse en ella y realizarse como persona. No la vi como una droga adictiva", explicó.

Cooper no carga las tintas sobre el hecho de que este es su primer protagónico. "El trabajo era el mismo que en otras películas, sólo que mi personaje tenía un papel más grande. En otros filmes es como si uno estuviese corriendo un maratón. En un maratón estás acompañado por otros corredores. Aquí era como si estuviera en solitario, como en un deporte individual, como si estuviese jugando al tenis", graficó.

Para meterse en su papel, Cooper ha seguido el ejemplo de Robert De Niro, su "inspiración" desde su primer trabajo. "Era un sueño en mi vida trabajar con De Niro. Además, gracias a él me he hecho actor, era mi inspiración. Tener la oportunidad de trabajar con este ícono fue increíble, y encima podía llamarle esclavo en una escena de la película", bromeó. "Es un hombre de pocas palabras pero me enseñó mucho. El se convierte en el personaje, se apodera de él", aseguró.

De hecho aseguró que se sorprendió de su propia reacción: "Pensé que trabajar con él durante dos semanas sería estresante, pero fueron las mejores dos semanas de mi vida gracias a que él me facilitaba el trabajo", afirmó.

Una carrera con pocos sobresaltos

Una de las primeras ocasiones en las que Bradley Cooper se acercó a un protagónico fue en “Brigada A”, donde compartió el elenco con Liam Neeson. En 1999, participó en la serie de televisión “Sex and the City”. Poco después encontró su primer personaje importante en “Alias” y entre 2007 y 2009 apareció en algunos capítulos de la serie de televisión “Nip/Tuck”.

En cine participó en las comedias “Los Rompebodas, donde compartió cartel con Vince Vaughn y Owen Wilson”, y “Soltero en casa” protagonizada por Sarah Jessica Parker y Matthew McConaughey. Trabajó junto a Jim Carrey en “Si, señor! y formó parte del reparto de la comedia romántica “Simplemente no te quiere”. En 2009 con lQué pasó ayer? obtuvo su gran salto a la fama. Un año después, participó en Día de Sa Valentín. En 2011 estrenó la secuela de Qué pasó ayer?

Los dos tienen las suelas gastadas de tanta calle empedrada. Uno recorrió con sus zapatos de gamuza azul una ciudad de guitarras callejeras y descubrió que de nada sirve escaparse de uno mismo. El otro salió a caminar y descubrió, simplemente, que la lluvia no lo inspira y que no le queda otra salida. Moris y Antonio Birabent, padre e hijo, se toparon en la misma cuadra en "Familia Canción", el primer disco a dúo y con temas nuevos. Y ambos le contaron a Escenario cómo vivieron ese proceso creativo.

"Más que un desafío, era una obligación grabar canciones nuevas. Hacer temas viejos hubiese sido un error gravísimo, porque es un lugar común y un lugar fácil", destacó Birabent, quien compartió las letras con su padre y fue el responsable de la producción junto con Víctor Volpi.

Con la voz aguardentosa de siempre, Moris destacó que "compartir esto ha sido bastante emocionante". Y agregó: "Hemos coincidido en muchas cosas y en otras no, respecto a los lineamientos filosóficos, pero hemos llevado el disco a un punto que nos refleja y nos representa".

Los típicos conflictos padre-hijo quedaron para otro momento. "Todo fue muy fluido", dijo Antonio y destacó que en gran parte eso se debió a "una actitud generosa y sabia" de Moris, que le dijo que lleve el proyecto adelante.

El autor de "El oso" está contento de verdad. Y a la hora de responder qué admira de su hijo describe: "La insistencia, la pasión que pone, la fuerza, está en un momento de buena energía. Admiro la fuerza que tiene para vivir".

En cada una de las canciones hay una confluencia de pasado, presente y futuro. "En estas canciones está lo que ha vivido Antonio y lo que he vivido yo. Hemos logrado algo un poco extraordinario en este disco, que fue juntar dos generaciones, es que vivimos el mundo presente desde distintas épocas, y tenemos otras hormonas, otros fisicos, otras mentes", destacó Moris,

Al momento de hacer un relevamiento de los temas del disco, aflora "Vedette falopa", un tema en el que se podrían ver reflejadas muchas botineras o mujeres mediáticas de la actualidad. Pero Moris hace una salvedad y deja su trazo: "Ese tema es mío y hace mucho que lo hice, pero la grabamos porque es una canción que tiene en cuenta lo que es la televisión, la radio, el cine y la prensa, y lo que es el mundo pornográfico en el que vivimos".

Ese mundo lo contrarresta con música "de otro cuño" como Schubert o lecturas filosóficas de Krishnamurti, pero afirma: "El mundo se está poniendo cada vez más complicado, se están rasgando las últimas vestiduras de la intimidad, y si bien uno se puede refugiar en buenos escritores, también estoy salpicado por los diarios de todos los días". Y asestó que, aunque sus canciones no están exentas de la temática social, siempre se corre de la coyuntura política al momento de componer. "Prefiero volar un poco más alto que la política", afirma sin dudarlo un segundo.

Para Birabent, la esencia urbana que respira "Familia Canción" es uno de los puntos de contacto más importantes. "La descripción del hombre urbano, del suburbio, la crónica del hombre en la esquina, en las calles, es común a los dos. Yo soy más urbano y ciudadano que porteño, mi obsesión es por lo urbano, si hubiese sido rosarino sería lo mismo", destacó. Y a la hora de detallar coincidencias, puntualizó: "Somos dos cantautores, dos tipos de una manera muy juglaresca de cantar y de componer, y lo urbano es un tema que nos seduce".

A su turno, Moris dijo: "No es fácil de explicar por qué seguimos manteniendo esta cosa geográfica humana y descriptiva de la ciudad, en la que,siempre se está hablando de esquinas, de barrios, de calles, tiene que ver con el tango y con la poética de corte tanguero".

Moris y Birabent, como cuando jugaban en el banco de una plaza en una clásica postal familiar, siguen garabateando canciones. Y caminan por la misma huella.

Roger Waters sumó ayer su octava función en River y en medio del récord de asistentes a nivel mundial, se plantea una pregunta casi obligada: ¿Por qué no viene a tocar "The Wall" a Rosario? Algunos productores locales afirman que "es imposible" por una cuestión de costos e infraestructura, aunque no falta quien diga que "ya no se sostiene la idea de una Rosario sin estrellas internacionales".

"Es imposible, no sólo en Rosario sino en cualquier otra ciudad del país", opinó Pepe Grimolizzi y agregó que la ciudad "no tiene infraestructura" y que su cercanía con la Capital Federal le saca posibilidades para traer a estos artistas.

"Por un lado el artista tiene que decidir si quiere venir de gira, y por otro tampoco hay la cantidad de sponsors como en Buenos Aires para poder cubrir un evento así", aclaró el productor.

De todos modos, consideró que teniendo en cuenta el cambio favorable por estos días, sí están llegando a Rosario artistas internacionales, como es el caso de Maná, Deep Purple, Guns N´ Roses, entre otros, que tienen sus seguidores en la ciudad y la región.

Por otra parte, entre los productores locales hubo consenso que principalmente es una decisión del artista ir de gira por el interior del país, ya que por lo general eligen las grandes capitales. Esto se debe a que es muy costosa la logística de traslado de las impactantes estructuras para el show.

El productor Claudio Joison coincidió con el tema de la falta de infraestructura local y que la opción podría ser la decisión del artista de hacer un show en un estadio como el de Rosario Central, con capacidad de 35 mil personas, con lo cual implica cobrar un cachet menor por función. "Tenemos que aceptar que Rosario tiene limitaciones y no se trata de un problema de capacidad de las empresas productoras. Si uno se fija en la gira, en países como Brasil, donde el cambio es favorable, sólo van a tres lugares: San Pablo, Porto Alegre y Río de Janeiro", acotó.

El empresario observó que la gran demanda es un fenómeno argentino, ya que en los otros destinos el show de Roger Waters no presentó el mismo fervor que tuvo aquí. Y si bien no pudo precisar los motivos, destacó que es la primera vez que viene "The Wall" al país y marcó toda una generación.

Gustavo Granato, de All Press, en sintonía con sus colegas, sostuvo que el tema de los sponsors y de infraestructura no permiten traer un espectáculo como "The Wall". "Por más que vaya toda la gente a Central no se puede cubrir costos", destacó, y agregó: "Aunque el Orfeo de Córdoba es más grande, en esa ciudad tienen el mismo problema".

Otro enfoque. En oposición a sus colegas, Gastón Abiad, que integra Abad Producciones, la primera productora que se animó a traer a esta ciudad a Bob Dylan, agregó que "ya no se sostiene la idea de una Rosario sin estrellas internacionales", y apuntó que shows como el de Ricky Martin, que viene el 13 de septiembre, o el de Maná, el 8 de diciembre, son ejemplos que indican que la ciudad tiene acceso a recitales de nivel internacional.

"Cuando dicen que los artistas no vienen a Rosario por problemas de infraestructura es un enfoque que no se resiste, porque están viniendo shows importantes. Y así como esos artistas no vienen al interior tampoco lo hacen en países como Chile, aunque no es así en Brasil, donde las ciudades tienen otras dimensiones", apuntó.

Finalmente, Ulises Herrera, del teatro Broadway, sintetizó que para que no se concrete el show del ex Pink Floyd en la ciudad "hay dos motivos principales: uno, porque a Roger Waters no le interesa, y dos, porque económicamente es inviable".

Marzo de 2012 será la tercera visita que hará Roger Waters a la Argentina. La primera fue un sólo show en 2002 (Vélez Sársfield) y la segunda en 2007, en River, en dos noches memorables con localidades agotadas.

La expectativa se explica porque es la primera vez que presenta "The Wall", un disco emblemático del rock que marcó a toda una generación. Las fechas que cerraron son 7, 9, 10, 12, 14, 15, 17 y 18 en el estadio de River Plate.

"Tras su desvinculación de Pink Floyd, Roger Waters se quedó con el proyecto y desde 2010 está en gira con "The Wall", que tiene una de las puestas más importantes y deslumbrantes que arribará a la Argentina. Es decir, a Buenos Aires.

El record con el aura de Pink

Roger Waters logró batir todos los records de concurrencia a conciertos realizados en el estadio River Plate, que anteriormente poseían los Rolling Stones con 5 fechas en el Monumental y Soda Stereo con 6 estadios agotados.

Con esta nueva función, la octava de “The Wall Live” confirmada para Argentina, el ex Pink Floyd definitivamente logra hacer historia en nuestro país. Pero lo más llamativo es que el record no será sólo en el país, sino a nivel mundial: ya que en ninguna otra ciudad del mundo Waters realizó tantos conciertos seguidos.

“La producción de ‘The Wall’ desarrollada para los estadios al aire libre en América del Sur será de un tamaño inimaginable y nunca antes vista”, dijo el manager que traerá a Roger Waters a la Argentina. Según los datos de la puesta del show en River, el escenario pesará unas 55 toneladas, habrá 172 altoparlantes y el famoso muro que se construirá en el show, tendrá un largo de 137 metros.

“The Wall” es un álbum de estudio de 1979, el undécimo de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd. El disco doble fue grabado entre abril y noviembre bajo la dirección del productor Bob Ezrin y de David Gilmour y Roger Waters. Fue el disco más vendido en los años 70 y, como si fuera poco, figura en el tercer lugar entre los discos más vendidos de todos los tiempos.

Parecía que su anterior entrega, "Destino final 3D", el cuarto capítulo de la serie, iba a ser el final. Así se anunció en su momento, pero los más de 180 millones de dólares que recaudó el filme en todo el mundo bajo el nuevo formato de las tres dimensiones, convencieron a los productores de que aún podían sacarle un poco más de dinero a la saga. Así nace la quinta parte de una historia que no deja de interesar al público juvenil, tal y como se ha visto en su estreno en Estados Unidos. Al igual que la saga "El juego del miedo", "Destino final" engrosó el bolsillo de la industria, confirmando en cada uno de sus lanzamientos que el cine de terror para adolescentes funciona estupendamente en la taquilla, exprimiendo una y otra vez la misma fórmula.

"Destino final 5", que se estrena mañana en Rosario, fue rodada en Vancouver bajo la batuta de Steven Quale, un protegido del mismísimo James Cameron que se ocupó de los efectos especiales en "Avatar".

En la quinta película de la saga de "horror teen" los protagonistas sobreviven de nuevo a una muerte segura y recopila distintas maneras de eliminar a los personajes protagonistas.

Emma Bell, que encabeza esta vez junto a Nicholas D'Agosto y Tony Toddel el reparto de esta nueva entrega, dijo en una reciente entrevista que "ser parte de esta saga es una verdadera bendición, porque tiene millones de fans y además una mitología muy rica. Además es genial hacerlo en esta película en concreto ya que todo el mundo está muy satisfecho con el resultado y las buenas críticas recibidas".

Con "Congelados", "Supernatural" y la serie de Fox "The Walking Dead" el nombre de Emma Bell está unido a los títulos de ciencia ficción y horror. "Me encantaría ser un ícono del terror y, afortunadamente, esto puede venir de varias formas y subgéneros. Me siento increíblemente afortunada de haber formado parte de todos esos proyectos y trabajar con la gente que lo he hecho. De hecho, algunas de mis películas favoritas son de este tipo: «Bitelchus», «El laberinto del fauno». Como actriz siempre estoy dispuesta a asumir nuevos retos. Además, si Guillermo del Toro o Tim Burton quieran que trabaje con ellos en cualquier proyecto lo haré sin dudarlo un segundo", afirmó la blonda actriz.

Sobre su participación en la primera temporada de "The Walking Dead", Bell señaló que "lo mejor que puede decirse de haber trabajado en la serie es que estaba en una hermosa burbuja. Rodamos todos juntos siendo completos extraños pero en un momento ya parecía que éramos una familia. El material que nos dio Frank Darabont y sus guionistas es sin duda el mejor con el que he trabajado en toda mi vida. Cada día nos despertábamos en éxtasis para ir a trabajar aunque no teníamos ni idea cómo iba a ser el resultado final. Sentíamos que estábamos haciendo algo muy bueno, pero no teníamos ni idea de cómo iba a ser recibido por el público. Nosotros nos sentíamos con una pequeña familia zombie en Atlanta".

El periodista y conductor televisivo Nicolás "Pipo" Mancera falleció ayer, a los 80 años, mientras estaba en su hogar, y a consecuencia de un paro cardiorespiratorio, según consignaron sus familiares más cercanos.

Pipo Mancera fue un hombre emblemático en la televisión argentina en las décadas del 60 y 70, cuando con sus famosos "Sábados circulares" acaparaba la audiencia de Canal 13, un programa "ómnibus" de seis horas, en el que entrevistó a personajes que pronto adquirirían popularidad.

De Sophia Loren y Alain Delon a Palito Ortega y Sandro, Mancera entrevistó a grandes figuras nacionales e internacionales, e incluso fue uno de los promotor número uno del catalán Joan Manuel Serrat, cuando era prácticamente desconocido y estaba prohibido en la España franquista.

Nacido el 20 de diciembre de 1930, en Buenos Aires, Mancera tuvo un vínculo especial con Rosario. Es que a los dos días de vida su familia se mudó a esta ciudad, y vivió hasta los 4 años en la casa de sus padres, en San Lorenzo 1682. "Yo casi soy rosarino" le confesó a LaCapital en una entrevista publicada en este diario el 10 de octubre de 2000.

"No me considero el inventor del periodismo atrevido ni creo que exista el periodismo atrevido. Las atrevidas, muchas veces, son las respuestas", dijo en la misma nota uno de los dos pioneros mundiales en la utilización de la cámara sorpresa. Un recurso que muchos años más tarde fue el trampolín hacia la fama del mismísimo Marcelo Tinelli, sinónimo de rating en la Argentina.

Mancera estudió locución en su juventud y en la década del 60 se desempeñó como crítico de cine e hizo algunos trabajos en la pantalla grande como productor o actor. Pero su gran éxito vino de la mano de la televisión y del programa que marcó una nueva frontera. Por sus estudios pasaron grandes figuras no sólo nacionales sino también internacionales como Marcello Mastroianni y Pelé, en el momento de mayor auge de ambos.

"Sábados circulares" nació en Canal 9, en 1962, se mantuvo por una década en 13, y culminó en 1974. Ese año, el programa mutó a "Y ahora habla Mancera", en Canal 11, hasta que Pipo se fue del país por una amenaza de muerte.

"Sábados circulares" tenía 6 horas de duración y con entretenimientos, reportajes y música. Fue el introductor en la Argentina del formato llamado "ómnibus".

Hizo pruebas de escapismo, doma de leones y las primeras "cámaras sorpresa", con las que llegó a tener un pico de 80 puntos de rating.

En 1971, entrevistó a Diego Armando Maradona, cuando tenía diez años, en la que es considerada la primera nota periodística al crack.

En los últimos años tuvo un programa radial y en 2007 relanzó en Crónica un ciclo de entrevistas, combinadas con envíos de archivo de "Sábados circulares". Su impronta quedó marcada a fuego en la televisión argentina.

El cine de habla hispana en la 68ª edición del Festival de Venecia tendrá sobre todo acento argentino, pues de ese país proceden la mayoría de producciones que se muestran en las secciones paralelas del festival italiano. La Mostra se celebrará desde pasado mañana, 31 de agosto, al sábado 10 de septiembre.

Aun cuando el año pasado la “Balada triste de trompeta” le dio muchas alegrías al director español Alex de la Iglesia —que cosechó el premio al mejor guión y a la mejor dirección—, en esta edición tan sólo habrá una representante del cine iberoamericano en la sección oficial pero fuera de la competencia: se trata de “Eva”, un thriller futurista que con el que el catalán Kike Maíllo encara su arriegado debut.
La sección Orizzonti, que pone su acento en las nuevas tendencias del cine mundial, ha invitado a Mauro Andrizzi, el director marplatense que ya el año pasado debutó en la ciudad de los canales con “En el futuro”. A pesar de haber sido galardonado, la cinta todavía sigue inédita en Argentina. Andrizzi codirige junto a Markus Lindeen “Accidentes gloriosos”, una historia de 58 minutos que protagonizan Cristina Banegas y Lorena Damonte.

Con la literatura. En esa misma sección se verá “Nocturnos”, una película también breve, de 63 minutos, de Edgardo Cozarinsky, con Esteban Lamothe, Marta Lugos, Esmeralda Mitre y Jimena Anganuzzi en el reparto.
Cozarinsky, un director que se distingue porque sigue asumiendo riesgos, divide su pasión por el cine con la literatura, como también es el caso del escritor y ahora director reincidente Santigo Amigorena, que ha sido invitado a las Giornate degli Autori para mostrar su segundo trabajo como director, “Another Silence”, rodada en el norte de Argentina con un reparto internacional que encabeza la canadiense Maria Josée Croze.

Aliado documental. De un tiempo a esta parte, el también argentino Pino Solanas se ha aliado con el documental para denunciar las injusticias en su país en sintonía con su militancia política. “Tierra sublevada II: Oro negro”, que aborda la venta del petróleo argentino a empresas extranjeras, viene a completar el panorama sobre la actualidad argentina que el cineasta inició en 2004 con “Memorias del saqueo”.
La proyección de “Tierra sublevada II”, en la noche del 9 de septiembre en la sala Volpi del Lido de Venecia, servirá como excusa para realizar un homenaje especial al cineasta y diputado argentino, informaron los organizadores del encuentro veneciano.
“Este fresco está centrado en el fracaso económico, social y humano que dejó la venta de las dos principales empresas argentinas: YPF y Gas del Estado”, aseguró el cineasta. En un encuentro con la prensa después de preestrenar “Tierra sublevada II” en Buenos Aires, el también autor de “El exilio de Gardel” y “Sur” cargó contra las privatizaciones de ese par de empresas energéticas nacionales. Pino consideró que ambas privatizaciones son “una de las mayores estafas de la historia argentina” y sostuvo que ambas están “ligadas a la ilegítima deuda externa que dejó la dictadura militar”.

Entre críticos. Del terreno del documental procede Hernán Belón, el argentino que debuta en la ficción con “El campo”, protagonizada por dos actores conocidos Dolores Fonzi y Leonardo Sbaraglia.
Esta producción y la mexicana “El lenguaje de los machetes”, de Kyzza Terrazas, son las dos únicas representantes del cine en español dentro de la Semana Internacional de la Crítica, otra de las secciones paralelas de La Mostra.
Los programadores de Orizzonti quieren mostrarán además “Verano”, del chileno José Luis Torres Leiva, y el documental “Hollywood Talkies”, de los españoles Oscar Pérez y Maria del Mar Ribot.

   —¿Cual fue la idea original?

   —La idea primigenia fue que queríamos de alguna manera trabajar sobre el quinto sentido, que es el gusto, y sobre el que no habíamos trabajado nunca. Pero claro, La Fura dels Baus tenía un currículum espantoso para dar de comer a la gente porque en otros espectáculos habíamos tirado pulmones, corazones... Así que dijimos de juntarnos con alguien que tuviera un currículum mejor y si puede ser el mejor del mundo mejor. Conseguimos al tercero del mundo, lo enredamos, le presentamos el espectáculo y le pedimos que haga la dirección gastronómica.

   —¿Cuál es el objetivo de cocinar en vivo?

   — Esto se acaba con un banquete y queríamos que hiciese el último plato. Al tener una cocina en directo había muchos olores que desprendía esta cocina que a veces nos iba a favor y otros en contra. Estuvimos trabajando para que el olor que desprendiera cada una de las cosas fuera dramáticamente interesante.

   —¿La puesta en escena se ajusta a lo que se espera de La Fura?

   —El espectáculo tiene todos los ingredientes del lenguaje furero. O sea que hay un cubo que rodea a todos los espectadores, hecho con pantallas de video y hay videos en todas las paredes en las que puedes ir mirando. A veces es utilizado como fondo de escenografía virtual para crear un ambiente de bosque o de catacumbas, o personajes virtuales. Y a veces también son metáforas que piensan los actores, a lo que se suma la banda sonora y la escenografia, y la gastronomía y los olores. Creo que estos ingredientes sumados a lo normal que solemos desarrollar creó un espectáculo que llega a cosas más intimas que los otros.

   —¿Cómo incide el olfato en esta obra?    

—Los olores son muy malos porque van por detrás y no avisan. Cuando los has olido, ya no puedes decir esto no lo quiero. Ese trabajo, ya no del espacio exterior con el público, sino con su espacio interior que va cambiando, es nuevo. Por ejemplo: estamos utilizando una imagen súper cruda y terrorífica y en ese momento los cocineros están haciendo algodón de azúcar. Hay una confusión ahí. Es un empuje interior, tu contra tí mismo. Esto nos ha abierto otro campo, el interior del se humano.

   —¿Por qué este trabajo a partir de esta primera tragedia de Shakespeare?

   —En ella podemos descubrir Macbeth y otras, pero es como la pieda que hay que pulir. El tío la escribe en la adolescencia y en esa época queremos que todo pase más rápido y somos más radicales. Los grises no nos gustan tanto. Para nosotros es una obra escrita casi en blanco y negro porque pasa del triunfo al fracaso, del aquí te quiero, aquí te mato en un momento. Y nos sirve en bandeja la entrada de la gastronomía al teatro, ya que el banquete de la obra nos abría esa opción de una forma natural.

   —Eso en cuanto a la necesidad de trabajar a partir de los sensorial. Y en cuanto al tema ¿qué los atrajo de la obra?

   —Shakespeare tiene ese punto que los malos no son malos del todo y los buenos no son buenos del todo. Esto nos gusta mucho de él. El patrón o el arquetipo es el de la familia de los malos o de los buenos, pero después te pones del lado de uno o de otro y no sabes quién es más bestia. La última reflexión es que después de cada tragedia la gente sigue comiendo. Más con lo que estamos viendo en Irak, Irán, países en guerra y nosotros comiendo en casa. Incluso sacando el filtro de la televisión estamos tan acostrumbrados que cuando nos ponen un plato y con la mesa puesta, nuestro cerebro pierde todo lo demás.

   —¿Qué relación ves entre el trabajos de ustedes, que fueron pioneros en los 70, y grupos de Argentina?

   —Es que de hecho los únicos seguidores de este lenguaje son de Argentina, con De la Guarda, la Organización Negra, con Fuerza Bruta. Creo que en el 84 ellos estaban buscando algo, vieron La Fura y dijeron, por aquí va. Ellos han desarollado sus historias, nosotros las nuestras y cada uno ha seguido sus pautas. Pero de alguna manera fue ver un lenguaje y decir estamos muy próximos a esta manera de expresar.

El director iraní Abbas Kiarostami vuelve al circuito de los cines comerciales argentinos con "Copia certificada", un filme en el que aborda la dificultad para relacionarse entre dos personas a pesar de sus claras afinidades.

La película, que se estrena hoy con Juliette Binoche y William Shimell en los roles protagónicos, narra el encuentro de un hombre, un escritor inglés y teórico que reivindica el valor de la copia en el arte, y la galerista en una pequeña ciudad italiana del sur de Toscana en un relato que pone en crisis algunas de las afirmaciones más obvias sobre el amor, la pareja y el arte.

En un principio parecen meros conocidos pero, como se sugiere después, ambos podrían estar casados. De hecho, nunca queda del todo claro si son pareja y el filme desafía al público a decidir si su matrimonio, real o una copia de la realidad, es importante a la hora de juzgarles como personas.

Kiarostami, que obtuvo renombre internacional gracias a "El sabor de la cereza", logró trascender las fronteras de Irán con películas personales en las cuales intentó mostrar un fresco de la sociedad iraní a pesar de las restricciones que alguna vez mencionó. De hecho "Copia certificada" fue estrenada en la competencia de Cannes en momentos que fue encarcelado otro cineasta iraní, Jafar Panahi.

"El hecho de que un cineasta haya sido encarcelado es, por sí mismo, intolerable", dijo Kiarostani en esa ocasión y agregó: "Los cineastas independientes iraníes han tenido que enfrentarse durante décadas a obstáculos creados por un Gobierno que quiere controlar sus trabajos".

Sin embargo, "Copia certificada" sugiere el tránsito del director por unos carriles menos ríspidos con esta historia de amor que sedujo a Binoche desde el primer encuentro con Kiarostami.

"Fui a Irán a reunirme con Abbas, a quien había visto en tres ocasiones: Cannes, en la UNESCO y en casa del guionista Jean-Claude Carrière. Me dijo: «¡Tienes que venir a Teherán!». Así que me tomó la palabra y fui. Una noche me contó la historia que rodamos. Me contó todos los detalles, el restaurante, el hotel. Y me dijo que era una historia que le había ocurrido a él", recordó la actriz.

La sorpresa y el encanto que le produjo aquel relato la persiguen aun hoy, evocó Binoche: "Al final, después de hablar durante 45 minutos en un inglés perfecto, me dijo, «¿Me crees?», y yo le contesté convencida, «Sí». El me dijo: «¡No me lo creo!». Y yo estallé de risa. Creo que por eso quiso que yo hiciera la película. Es que la diferencia entre realidad y ficción me da mucha risa porque estoy convencida de que todo es posible. Hasta el día de hoy, estoy segura de que vivió esta historia. Pero también creo lo contrario", afirmó.

Kiarostami tiene una larga trayectoria en la actividad audiovisual de su país, aunque su primer largometraje llegó en 1980, al año siguiente del establecimiento de la República Islámica que desplazó al reinado del sha Reza Pahlevi, el último heredero en ejercicio de la milenaria dinastía del imperio persa.

Luego llegarían "La tarea del colegio" (1989), "Primer Plano" (1990). Con "La vida continúa" (1992) y "Detrás de los olivos" (1994) que completa la trilogía que había comenzado con "¿Dónde está la casa de mi amigo?" (1990).

"El sabor de la cereza" (1997) marcó su consolidación al obtener la Palma de Oro en Cannes, además de otros premios internacionales, como la Espiga de Oro en Valladolid por "A través de los olivos" y el Gran Premio Especial del Jurado en Venecia por "El viento nos llevará", entre otros reconocimientos. La película fue además nominada a un Cóndor de Plata en el Festival de Cine de Mar del Plata de 1999.

"Copia certificada" es la primera película de Kiarostami fuera de Irán. El realizador dijo sin embargo que no cree que haber rodado en Italia haya modificado su "genio artístico" ya que el filme y los personajes le resultaron familiares. De hecho aseguró que al escribir el guión buscó que estuviera "desprovisto de cualquier particularismo oriental" para que la historia y los diálogos sean "universales".

La oscuridad suele ser la fuente de toda clase de misterios y alucinaciones, sobre todo si se da en el escenario adecuado. Y el horror su consecuencia directa. Así lo entendió Guillermo del Toro, productor de "No le temas a la oscuridad", el filme que se estrena mañana en Rosario. Del Toro confió en la actriz Katie Holmes para el rol protagónico en un trabajo que parece el relanzamiento de su carrera, luego del prolongado paréntesis que marcó su fastuosa boda con Tom Cruise y su posterior y promocionada maternidad.

Todo marcha perfecto para la pareja que conforman Kim (Holmes) y Alex, a cargo de Guy Pearce, quienes se mudan con su pequeña hija Sally, interpretada por Bailee Madison, una niña tímida y retraída, a su nueva casa en Rhode Island en una ruinosa mansión del siglo XIX que están reformando.

Descubrimiento.La niña explora el enorme caserón y descubre un sótano oculto, que luego se enterarán, permanece cerrado desde hace un siglo cuando se produjo la extraña desaparición del constructor de la casa. Sin querer, Sally liberará a unas diabólicas criaturas que conspiran para arrastrarla a las profundidades de la misteriosa casa.

La niña tendrá que convencer a Alex y Kim de que no es un invento en este filme inspirado en una producción televisiva de John Newland la cual se estrenó con el mismo título en el año 1973 y que es la opera prima del director Troy Nixey.

Holmes tuvo un regreso a los primeros puestos del negocio gracias a la polémica serie de "The Kennedys" que refleja la vida privada del John Kennedy donde ella interpreta a su esposa Jacqueline. Antes había rodado este filme, además de "The Extra Man" y "The Romantics", además de prestar su imagen a una marca de ropa.

Según contó que desde su casamiento y su maternidad intentó entontrar un equilibrio entre el trabajo y sus obligaciones: "Supongo que en la sociedad actual es muy común que los dos padres trabajen y siempre se cuestiona la búsqueda de un balance, tratando de encontrar la mejor forma de que funcione".

Personaje. Así es como decidió embarcarse en este personaje que dijo que le gustó porque es bastante opuesto a su realidad. La actriz dijo que no conocía la primera versión del filme de la década del 70 y que el abordaje por lo tanto le resultó más estimulante.

"Mi primer encuentro con la película fue con el nuevo guión y por supuesto, con el director, Guillermo del Toro. Y me enamoré de los personajes. A mí me gusta el clásico género de terror. Me encantó mi personaje de Kim, es una mujer muy fuerte que toma decisiones firmes en la película. Fue emocionante", afirmó.

En ese sentido añadió sobre su personaje: "Me gusta el camino que sigue desde el principio de la película. No quiere ser madre ni quiere acercarse a la hija de su pareja por todos los problemas que ella había tenido en la infancia. Y sin quererlo, de a poco se convierte en madre", explicó.

Holmes parece decidida a no perder el impulso de esta nueva etapa y adelantó varios planes para el futuro: "En noviembre estreno otra película, esta vez con Adam Sandler, «Jack and Hill». Y después sigo con otra película, «The Son of No One» con Al Pacino".

El regreso a los sets además la vinculó con uno de los directores de cine de suspenso más taquilleros de los últimos tiempos. "Lo bueno del rodaje además es que todos llevaban a sus hijos al estudio. Así fue como pude conocer la familia de Guillermo del Toro y ahora entre nuestras familias somos todos muy amigos. Es maravilloso estar rodeada de artistas y me siento orgullosa de que mi hija pueda conocer gente tan interesante", afirmó.

De todas las experiencias que le brindó el filme, la intérprete destacó el "coraje" que es capáz de desplegar un padre en algunas circunstancias.

"Creo que al convertirnos en padres revivimos un nivel tremendo de coraje que ni pensábamos que teníamos, un nivel tremendo de amor que no sabíamos que podíamos ser capaces de sentir o brindar. Son dos temas que me sorprendieron y es lo mejor", concluyó Katie Holmes, aún conmovida por el filme.

Cuento de Hadas

“Los cuentos de hadas, a menudo, hablan acerca de secuestros de hadas: hadas que secuestran niños, bebés, adultos y los devuelven a sus familias, con algún cambio”, dijo Guillermo del Toro. El cineasta agregó que “esos niños nunca vuelven a ser los mismos. Los devuelven llenos de vicios e inclinaciones oscuras, aúllan a la luz de la luna o lo que sea. Los modifican de una manera extraña”. Al respecto, el realizador confesó: “Pensé que sería lindo integrar esas cosas en esta historia”, en alusión a los disparadores que generaron el primer boceto de “No le temas a la oscuridad”, filme dirigido por el debutante Troy Nixey, que fue producido por el autor de “El orfanato”.

Cuatro rosarinos son los responsables del último videoclip de los raperos Eminem y Lloyd Banks. Se trata de los creativos al frente de los estudios de publicidad y de animación locales Feedback y Linterna Mágica que fueron convocados para la realización de las imágenes del tema “Where I’m At” interpretado por los cantantes estadounidenses.

Martin Llarín, de Feedback Film & Digital, y Damián Ciancio, de Linterna Mágica, contaron cómo fue el proceso de realización de este trabajo de animación sobre un tema del último álbum de Banks.

Ambas empresas ya realizaron trabajos para compañías argentinas y extranjeras. En el caso de Linterna Mágica también participó en algunos de las grandes apuestas del cine argentino para el segmento infantil, pero la oportunidad de encarar este video surgió después de que esta última empresa obtuviera un premio Emmy.

La firma, que Ciancio dirige junto a Matías Sinchich, recibió ese galardón por un corto animado para PDS, una señal de televisión estadounidense dedicada a la programación segura para niños. Por aquel trabajo se puso en contacto con ellos G Unit, una compañía dedicada a la promoción de algunos de los raperos más destacados.

“Nos llamaron para hacer este video con algunas premisas. Nos enviaron la letra, el tema en dos formatos y en tres semanas hubo que planificar y hacer el video”, resumió Ciancio.

Dinámica de cómic. El video que puede verse en internet muestra el resultado de la fusión del trabajo de Banks y Eminem y la letra gira en torno al amor y la traición. Según contó Ciancio, la estética del cómic fue un requerimiento de G Unit. “Uno de los productores me dijo que quería lograr una estética de cómic para darle una dinámica diferente a lo que siempre se hace con los videos de música. Entonces propusimos viñetas en movimiento e ilustraciones fijas y así surgió un cómic animado. En tres semanas se planificó, se armó un storyboard, se presentó, gustó y se hizo. Fue todo muy abrupto”, recordó.

La aprobación que tuvo el trabajo tanto por parte de G Unit como por los fans abrió la posibilidad de continuar la relación con la empresa para nuevas propuestas. “Me están consultando para hacer otro video de Lloyd Banks, pero en fusión con otros artistas como Kenny West y ya estamos armando un boceto, quedamos a la espera de una respuesta”, explicó.

Ciancio comenzó a trabajar como animador en 1995. En 2004 abrió su propio estudio y participó en animaciones para Italia y México, pero también para la productora argentina Patagonik, para la cual trabajó en las películas “Patoruzito” y “El arca”. A pesar de la larga experiencia, señaló que cuando surgió el proyecto con G Unit decidió unirse a Feedback por su experiencia en el campo audiovisual.

Martín Llarín, integrante de Feedback junto a Belisario Gronda, contó algunos aspectos técnicos de la producción que los unió a Linterna Mágica. “Se utilizó una técnica de rotoscopía, que es dibujar sobre una imagen siguiendo los rasgos del modelo, y cámara en multiplano, y en cuanto a los fondos fueron imágenes sometidas a un tratamiento de dibujo, retoque fotográfico y filtros para emparejar la ilustración”.

Feedback es una empresa con experiencia sobre todo en comerciales difundidos en la televisión italiana, pero también en otros países de Europa y realizó aproximadamente 25 trabajos en la ciudad con difusión internacional.

Con este video clip “la expectativa es seguir abriendo caminos”, afirmó Llarín. “Trabajar para Italia te da la posibilidad de acceder a un mundo profesional distinto al de Rosario. Laburar para el exterior, tanto en nuestros caso como en el de Linterna Magica, te obliga a hacerlo a otro nivel comercial y profesional y la posibilidad de seguir generando espacios y de abrir puertas en el exterior, con un trabajo cada vez más competitivo”, afirmó.

Internet

El video puede verse en http://www.youtube.com/watch?v=vkur1TlTq64&feature=player_embedded

No es nuevo que los estudios cinematográficos de todas partes del mundo son empresas que quieren ganar dinero. De ese modo, las decisiones que se toman en sus lujosas oficinas están más asociadas a maximizar sus ganancias que a dar un ejemplo de estética o innovación. Con la crisis económica los riesgos deben minimizarse y una de las fórmulas más abordadas es la de apostar a lo seguro. Es decir, a las sagas que, si bien no garantizan resultados en la taquilla, ya tienen públicos cautivos.

Desde personajes fantásticos como Batman o los vampiros de "Crepúscula, pasando por los Navis de "Avatar", de literatura como "Sherlock Holmes", o de la propia factoría de Hollywood como "Indiana Jones", irán apareciendo en la pantalla hasta 2014.

Aunque la estrategia no es nueva. Se llevan filmadas 21 películas del personaje creado por el novelista inglés Ian Fleming en 1952. Así, desde 1962 a 2008, James Bond ha pisado el set con diferentes intérpretes. Más acá en el tiempo, el personaje que vio cómo se retomaban sus disparates es Jason con once entregas en 20 años. Y la lista continúa.

Aún más oscuro. La reaparición del Hombre-murciélago en el cine y en la piel de Michael Keaton data de 1989, ya con el aspecto oscuro que le imprimiera Tim Burton más acorde con tiempos más violentos que los tintes pop del "Batman" del filme de 1966 con Adam West, el mismo protagonista de la famosa serie televisiva. Le siguió "Batman vuelve" (1992) con la misma dupla Burton-Keaton.

Vino luego la serie menos preciada con Joel Schumacher al mando. "Batman eternamente" (1995) con Val Kilmer aún contó con la producción de Burton, pero la situación se tornó difícil con un George Clooney rechazado por los fans en "Batman y Robin" (1997). El corolario fue la cancelación del proyecto en 1999 de "Batman triunfante", con los mismos nombres.

Allí apareció Christopher Nolan que se hizo cargo de las últimas tres películas con Christian Bale como Bruce Wayne: "Batman inicia" (2005), "Batman: el caballero de la noche" (2008) y "Batman: el caballero de la noche asciende" (2012).

En busca del anillo. Las dos partes de "El hobbit" son en verdad una precuela, se llamarán "Un viaje inesperado" y "Partida y regreso" y están basadas en una novela publicada en 1937 que adelanta el universo creado por el escritor británico J.R.R. Tolkien para su obra más celebrada, "El señor de los anillos". Esta última historia fue llevada al cine por el director Peter Jackson en tres partes: "La comunidad del anillo" (2001), "Las dos torres" (2002) y "El retorno del rey" (2003). Al descomunal éxito comercial se sumó un reconocimiento de la industria que le otorgó 17 premios Oscar. ¿El secreto? Una novedosa estrategia de producción que llevó a hacer los tres filmes juntos en Nueva Zelanda. De allí las dos entregas de "El hobbit" (2013 y 2014) con Jackson a la cabeza peleando contra la falta de presupuesto y las actuaciones de Ian McKellen y Andy Serkis del elenco anterior, más Ron Perlman y Martin Freeman.

Con telarañas. Todavía está en postproducción "El sorprendente Hombre araña" y ya Sony Pictures anunció una segunda parte. Está inspirada en el último dibujo animado para TV sobre el personaje creado en 1962 por Marvel Comics que se estrenó en 2008 y que se ve actualmente por Cartoon Network. Esta también será una precuela porque se remonta a la adolescencia de Peter Parker y lo sitúa en su escuela secundaria. Le precedieron a esta producción las tres partes de “Hombre Araña” (2002, 2004 y 2007) con Sam Raimi en la dirección y Tobey Maguire como protagonista, y un fallido intento en 1977 de un filme para TV que se llegó a ver en el cine dirigida por E. W. Swackhammer con Nicholas Hammond como el arácnido.

De vampiros. Adaptación de la novela de varios capítulos “Crepúsculo”, escrita por la estadounidense Stephenie Meyer, en 2008 el filme fantástico homónimo sobre vampiros adolescentes prendió la mecha. Rápidamente Kristen Stewart y Robert Pattinson, los protagonistas de la mencionada “Crepúsculo”, “Luna nueva” (2009) y “Eclipse” (2010), se transformaron en íconos de veneración teen. Aprovechando semejante impulso se prevé la cuarta y quinta parte de la saga, cuando los vampiros forman familia, lleguen a los cines el 18 de noviembre de 2011 y el 16 de noviembre de 2012.

Del cielo al agua. Después de la superpoducción “Titanic” (1997), James Cameron no se achicó y encaró el proyecto “Avatar” (2009), un filme que aunó las aventuras que tanto seducen a Hollywood con la más alta tecnología digital asociada al, en ese momento, recién arribado al cine masivo formato 3D. En la segunda parte el director vuelve sobre sus pasos y sitúa la acción ya no en los cielos del planeta Pandora, sino en sus océanos al estilo de “El secreto del abismo” (1989). La tercera aún no tiene guión definitivo, pero sí fecha de estreno.

Viaje al pasado. La tercera parte de “Hombres de negro” llega bastante después de las anteriores. Rodadas en 1997 y 2000 por Barry Sonnenfeld, la historia giraba en torno a agentes secretos que velaban por la convivencia de los humanos con los extraterrestres en la Tierra. Con el mismo director, Will Smith volverá a su personaje, al contrario de Tommy Lee Jones. Con la excusa de que Smith viaja al pasado, se encontrará allí con su compañero, pero más joven. Josh Brolin reemplazará a Jones, en una batalla contra una amenaza alienígena.

Un gran adversario. La secuela de “Sherlock Holmes” (2009) con idéntico director y elenco llevará el subtítulo “El juego de las sombras” e intentará reproducir las buenas dosis de aventuras y dividendos exhibidas por aquel. En esta oportunidad el famoso investigador y su ayudante, el doctor Watson, vuelven a unir sus fuerzas para enfrentar a un difícil adversario, el profesor Moriarty.
Con un circo. DreamWorks Animation acertó en 2005 con “Madagascar”, un divertido relato sobre un grupo de animales que tuvo su replay en 2008 y que esta vez deambula por Europa integrado a un circo con el propósito de regresar al zoológico de Nueva York.

Engañar a La Parca. La quinta de las películas de “Destino final” pretende salir de la pozo argumentativo que sufrió la saga. A un buen primer filme de terror de 2000 sobre un grupo de jóvenes que espera engañar a La Muerte le continuaron otros de 2003, 2006 y 2009 con la misma tónica. La moda de las precuelas alcanzó a esta serie con tanto brío que ya se anuncia la filmación de una sexta.

La gran renovación. Sin dudas que “Indiana Jones: En busca del arca perdida” (1981) fue una lisa y llana renovación del cine de aventuras. Luego vinieron “El templo de la perdición” (1984) y “La última cruzada” (1989). Y si bien “El reino de la calavera de cristal” (2008) no conformó ni a los fans ni a las taquillas, el productor George Lucas anda sacudiendo el fantasma de la continuación. Nadie le pone la firma ni comenzó la preproducción pero ya estarían apalabrados Harrison Ford y Shia LaBeouf, quien a partir de ahora y como el hijo del profesor Jones sería el protagonista.

El guitarrista de jazz John Scofield tuvo que pisar los 60 años para sonar cada vez tan cool. Es decir, su música hoy se basa más en la expresividad que en las acrobacias técnicas y armónicas de otros años. Quizá, esté más cerca del blues.

También es cierto que Scofield supo llegar a los 60 con una reputación notable y si bien su terreno natural sigue siendo el jazz, su cabeza y su talento están abiertos al mundo.

Ahora, el guitarrista neoyorquino que supo tocar en otras épocas junto a Miles Davis, McCoy Tyner, Jaco Pastorius, Herbie Hancock, Billy Cobham y hasta con Charles Mingus, se lanzó una vez más a la ruta, pero esta vez llegará a Rosario para mostrar en vivo y junto a su grupo su último álbum, "A Moment's Peace": el 9 de septiembre en el teatro El Círculo.

En una charla telefónica desde su casa en Nueva York, el artista que forma parte del podio actual de los guitarristas norteamericanos de jazz junto a Pat Metheny, Bill Frissell, Mike Stern y el veterano George Benson, dijo que los de su generación no siempre fueron rockeros porque cuando eran niños en los años 60 el jazz ya estaba en el ambiente y admitió que se enamoró del jazz cuando escuchó "a los grandes" como Miles Davis, Thelonious Monk y John Coltrane. También habló de su experiencia en la banda de Davis, del miedo que le inspiraba el gran Mingus en medio de una sala de grabación, y confesó cuáles son sus preferidos.

—¿Qué lo inspiró a componer "A Moment's Peace", el álbum que está presentando en la gira?, ¿cómo lo define estilísticamente?

—Si, primero que nada estoy presentando la música de "A Moment's Peace" pero además otros temas anteriores. Será una combinación. Quise hacer una grabación de canciones tranquilas, baladas, y eso es lo que hice en "A Moment's Peace". Escribí canciones nuevas y elegí algunas de mis favoritas de diferentes años para tocar.

—¿Es por eso que lleva ese nombre el álbum?

—Claro, todas las canciones son muy tranquilas.

—Pat Metheny y usted se conocen hace ya un largo tiempo. ¿Qué los une y que los separa, musicalmente hablando?

—Bueno, yo creo que tenemos mucho en común ya que somos de la misma generación y porque experimentamos muchas cosas similares a temprana edad. Los dos amamos el jazz y aprendimos a tocarlo en ese entonces, cuando tocar jazz y rock con la guitarra era algo que empezaba a conocerse como fusión. Y nosotros estuvimos al comienzo de todo eso, en los 70. Eramos amigos en aquellos años. Solíamos intercambiar ideas en Boston. Y creo que las diferencias pasan porque somos personas muy diferentes y a pesar de que aprecio todo lo que Pat hace, algunas de las canciones que él hace no son apropiadas para mí y lo mismo pasa desde mi estilo para él. Son diferentes estilos porque somos dos individuos.

—Eso es cierto. Ahora bien, generalmente, los guitarristas norteamericanos de su generación se volcaron al rock. ¿Qué pasó con usted, cómo no se transformó en un Jimmy Page?

—Bueno, no siempre fuimos rockeros los de mi generación porque el jazz también estaba en el ambiente cuando yo era pequeño, especialmente la música del under neoyorquino. En realidad, yo siempre estuve interesado en literatura y arte, en cosas más aventureras, es decir, yo ya estaba involucrado en la música pero escuché sobre el jazz y enseguida esa idea me fascinó, porque me pareció una música especial. Es más, me gustaba la idea del jazz incluso antes de escucharlo y me enamoré de esa música cuando escuché a los grandes como Miles (Davis), Thelonious Monk, John Coltrane. Y bueno, creo que yo era la persona indicada para convertirse en un discípulo del jazz.

¿Qué otro tipo de música escuchaba en los 60?

—Comencé con el blues.

—Hoy en día el jazz no es sólo una música de los Estados Unidos. ¿Qué tipo de jazz le atrae afuera de su país?

—Yo no creo que haya jazz de un solo país, no pienso "oh, me gusta la música de Uruguay pero no me gusta la de Chile"... Quiero decir que el jazz es hoy por hoy internacional. Lo bueno es que se le puede incorporar todo tipo de folclore. Considero que hay buenos músicos en cada cultura, que están haciendo cosas muy interesantes con el jazz y que son diferentes de la corriente americana. Y me gusta escuchar buena música donde sea.

—¿Qué conoce del jazz argentino?

—Escuché un poco. El primero fue el Gato Barbieri.

—¿Le gustó?

—Sí, me encantó, creo que es un músico fantástico. Me gusta la música latinoamericana. El tango en Argentina, la música afrocubana del Caribe, la brasilera... estoy interesado en todo tipo de música y pienso que hemos heredado mucha música europea que luego cambiamos al escuchar la norteamericana y la sudamericana. Pero cambia en modos diferentes y es muy interesante para mí ver las similitudes y las diferencias.

— Ahora bien, la tradición hoy puede convertirse una presión para un músico de jazz norteamericano a la hora de encarar una obra más libre y original. ¿Se ha sentido así alguna vez?

—Siento la presión todo el tiempo, por un lado es un regalo de la música ser inspirado por los grandes del jazz pero además a veces puede ser una gran presión porque siempre tratamos de probarnos a nosotros mismos con tocar la música tradicional. Y yo sufro de esto también, pero afortunadamente toco otro tipo de música que me permite ser más libre... aunque tengo mucha influencia del jazz tradicional.

—Volviendo a Miles Davis, usted actuó con verdaderos próceres del jazz, pero quizás Miles haya sido especial es su vida, ¿no?

—Bueno, antes de tocar con él estaba tocando jazz en New York y conocía el jazz pero Miles era mi favorito, cuando pude conocerlo, tocar en su banda por tres años y componer con él, eso me brindó mucha confianza, porque ser aceptado en su grupo me hizo darme cuenta que lo que estaba haciendo estaba bien.

—¿Y qué podría decir acerca de su experiencia junto a Charles Mingus?

—Con Mingus toqué en solo una grabación, yo era muy joven, más o menos 28 años, solo fui al estudio a ensayar y pasamos un par de días haciendo el disco con un grupo, un gran grupo. Y yo le tenía tanto miedo a él que ni siquiera le hablé. Al final de la sesión él le dijo al trompetista Jack Walrath que yo era el mejor guitarrista de ese momento.

—Digamos que fue una experiencia corta aunque bastante fuerte...

—Sí, así fue y me sentí muy halagado de haber tocado con él.

—Por último y según su óptica, ¿cuál fue el mayor compositor de jazz de la historia?

—No me gusta decir quién fue el más importante porque siempre me voy a olvidar de alguien pero las personas que me inspiraron y que aún lo siguen haciendo con sus composiciones son Duke Ellington y Bill Evans por su orquestación increíble y el desarrollo del jazz. Pero además Thelonious Monk y Wayne Shorter son realmente mis compositores destacados.

—Podríamos decir que habría una lista interminable.

—Si, pero estos cuatro músicos son los mejores entre otros grandes del jazz.

El espíritu de Luis Alberto Spinetta siguió flotando  sobre el predio del festival Cosquín Rock, donde hubo más recuerdos  y homenajes a su figura y donde Catupecu Machu, Las Pelotas y Skay  hicieron vibrar con rock de alto voltaje a un público masivo  llegado de casi todas las provincias del país.

El líder de Catupecu Machu, Fernando Ruiz Díaz, dedicó el  sábado su show a Spinetta, le agradeció más de una vez por su  legado artístico, invitó al público a recordarlo con cánticos y  ofreció una versión muy potente de "Seguir viviendo sin tu amor",  tema del "Flaco" que el grupo incluyó en su disco "Laberintos entre  aristas y dialectos".

Tanto Ruiz Díaz (que también recordó a Gustavo Cerati y a su  hermano Gabriel), como Germán Daffunchio, líder de Las Pelotas, y  Andrés Ciro, que cerró la segunda jornada con su banda Ciro y los  Persas, ofrecieron sendos homenajes a Spinetta y pidieron a viva  voz que el predio donde se realiza el festival sea bautizado con el  nombre del ex líder de Almendra, Pescado Rabioso e Invisible.

Precedidos por los españoles Marea y los platenses Guasones,  los Catupecu Machu fueron los encargados de calentar el ambiente y  generar los primeros pogos entre el público con temas como "Magia  Veneno", para el cual tuvo a dos invitados de lujo: Germán  Daffunchio y Gabriela Martínez, cantante y bajista de Las Pelotas  respectivamente.

El cover de Massacre "Plan B: Anhelo de satisfacción", el  punk "Elevador" y el clásico de sus primeros tiempos "Dale!" fueron  suficientes para encender los ánimos de un público ansioso de  ritmo, rock y velocidad, que siguió saltando, bailando y cantando  poco después con la llegada al escenario de Las Pelotas.

"Corderos de la noche", "Cuándo podrás amar" y "Capitán  América", fueron algunos de los puntos altos de la presentación de  la banda liderada por Daffunchio, que lanzó críticas a los  políticos que votaron la ley de minería e invitó a escena a Ruiz  Díaz para cantar juntos “El ojo blindado”, cover de Sumo que estuvo  dedicado a Luca Prodan.

Luego llegó el turno de Skay, ex fundador  junto a El Indio  olari de los emblemáticos Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota,  que tocó temas de su carrera solista y también evocó su paso por  Los Redondos interpretando temas tan populares como "Ji, ji, ji",  "Criminal mambo" y "Masacre en el puticlub".

Por último, en el cierre del festival, llegó el ex líder de  Los Piojos Andrés Ciro, que tocó junto a su banda Los Persas y  comenzó su show con una versión no muy feliz de "Me gusta ese  tajo", en homenaje a Spinetta, y siguió con "Pistolas", "Ruidos" y  "Como Alí", clásico de su anterior banda que tuvo que interrumpir y  volver a comenzar, debido a que se había olvidado parte de la  letra.

Si bien se estima que la concurrencia fue un poquito menor a  la de la primera jornada, donde más de 40.000 personas disfrutaron  con Charly García, los portorriqueños Calle 13, Massacre y otras  bandas, el ánimo festivo de los jóvenes y adultos que asistieron  anoche a este evento federal y multitudinario fue tan grande que  pareció multiplicar su número.

Algo similar se vivió en el escenario secundario, que está  ubicado en el mismo aeródromo de Santa María del valle de Punilla,  pero a unas diez cuadras de distancia del principal, y donde los  amantes del heavy metal tuvieron un festín con una seguidilla de  actuaciones notables de grupos como Horcas, Logos, Malón y los  estadounidenses Anthrax, íconos del trash metal mundial.

El grupo neoyorkino, una de las visitas internacionales del  festival junto a los portorriqueños  Calle 13 y los españoles  Marea, sedujo a un público muy nutrido con un repaso por algunos  hitos de su trayectoria, como "Earth on Hell", "Madhouse", "I`m  Alive", "The Devil You Know", el cover de Joe Jackson "Got the  Time","In the End", "Metal Thrashing Mad", "Refuse/Resist" y "I Am  The Law".

Los ex Hermética que integran Malón, revolucionaron el sector  heavy del festival con su trash metal potente y políticamente  comprometido, en el que destacaron temas propios como "Nido de  almas, "Cancha de lodo", "Ciegos del mundo", "Grito de Pilagá",  "Gatillo fácil", "Espíritu combativo", "Cicatrizando", "30.000  plegarias" y "Malón mestizo".
Ante la locura de sus seguidores, la banda formada por  Claudio O`Connor, Tano Romano, Pato Strunz y Karlos Cuadrado  revivió además versiones de clásicos de Hermética como “Masa  anestesiada”, "Tú eres su seguridad", "Vientos de poder", "Memoria  de siglos", "Otro día para ser" y  "Gil trabajador".

El Cosquín Rock es uno de los festivales más concurridos y  federales de la Argentina, que atrae espectadores de todas las  provincias, seguramente por la calidad y cantidad de las propuestas  artísticas que ofrece, pero también por la posición geográfica del  lugar donde se realiza, ya que espacialmente Córdoba está en el  centro del país.

Con banderas artesanales que indicaban su adhesión a tal o  cual grupo, miles de adolescentes, jóvenes y adultos, algunos de  los cuales trajeron a sus hijos, empezaron a ocupar el predio del  festival a partir de las 16 para ver a Enzimática Soul Orchestra, 4  al Hilo, Numeral, Hammer y El Dragón, entre otras bandas soportes.

Luego llegó el turno del Negro García López, destacado e  histórico guitarrista del rock local que en la primera anoche  acompañó a Charly García como parte de su banda y que ayer también  subió al escenario invitado por Ruiz Díaz para acompañar a Catupecu  Machu en el cierre de su recital, con una versión libre e  improvisada del tema "Y lo que quiero es que pises sin el suelo".
En su presentación, García López interpretó "Me gusta ese  tajo", tema con el que -al igual que Ciro y los persas- siguió en  la línea de los múltiples homenajes al "Flaco" Spinetta. (Télam).-
 

La noticia de la muerte de Whitney Houston a los 48 años no sólo ha conmocionado Estados Unidos. Sus amigos estaban preocupados desde hace años por sus abusos de las drogas y el alcohol.
Houston murió el sábado a los 48 años en un hotel de Beverly Hills por causas aún no determinadas, informó Mark Rosen, miembro de la policía de la ciudad estadounidense, cercana a Los Angeles.

La cantante se encontraba allí para asistir a la entrega hoy de los premios de la música, los Grammy. Horas después del deceso, en la página web de la cantante se informaba que Houston participaría en una de las fiestas que se realizan tras la gala.

El mundo de la música reaccionó impresionado por la noticia. Su madrina Aretha Franklin dijo en twitter: “Sencillamente no puedo hablar. Es tan impresionante e increíble”. También la cantante Mariah Carey se mostró impactada con la muerte de Houston:“Mi corazón está roto y lloro tras la impactante muerte de mi amiga la inolvidable Ms. Whitney Houston”.

“Te querremos siempre”, escribió Katy Perry. Y también el joven cantante de pop Justin Bieber se mostró conmocionado: “Una de las grandes voces de todos los tiempos nos ha dejado”.

La policía no cree que el deceso se deba a motivos criminales. El policía Mark Rosen dijo en una conferencia de prensa, que la artista murió a las 15:55 horas (23:55 GMT) en una habitación del cuarto piso del hotel Hilton de Beverly Hills.

Los médicos no lograron reanimarla. “Hicieron todo lo posible, pero no pudieron hacer nada más”, dijo el portavoz policial. Además, “no hay signos evidentes de un hecho criminal”, afirmó Rosen. El deceso de Houston “está siendo investigado por detectives de la policía de Beverly Hills”.

Rosen no pudo decir si la muerte estaba relacionada con las drogas. “Inicialmente no pudimos hallar ningún indicio, pero estamos muy al comienzo de nuestra investigación”, añadió.
Una persona de su entorno fue la que llamó a la emergencia médica. “No puedo decir exactamente quién fue. Pero estaban presentes amigos, familiares y colaboradores, quienes identificaron a la señora Houston”.

Aunque la estrella de Houston estaba en declive, fue una de las grandes voces a mediados de los años 80 y en los 90. Su canción “I Will Always Love You”, de la banda sonora de la película “The Bodyguard”, se convirtió en un himno romántico para toda una generación y es el single más vendido por una artista femenina.

Hace 21 años cantó en la Superbowl en Tampa (Florida) y su interpretación del himno de Estados Unidos fue tan emocionante que desde entonces todos los cantantes se miden en comparación con aquella interpretación. Además el himno entró por primera y única vez en la listas de música más escuchada.

Sólo unas pocas horas antes de su muerte habían circulado especulaciones sobre proyectos nuevos para Houston, entre ellos en el popular show “The X-Faktor”, donde era posible que integrara el jurado. Sin embargo, la esperanza de la cantante, y también de su entorno, era que actuase en “Sparkel”, la película basada en la carrera de las “Supremes”, y que se espera que estrene en agosto próximo.

Houston se crió en Newark, Nueva Jersey, hasta que su familia se mudó tras los disturbios raciales de 1967. Su madre, Cissy Houston, fue cantante de gospel, su prima fue Dionne Warwick y su madrina Aretha Franklin. En el plano personal, la cantante también fue noticia por su adicción a las drogas y el alcohol, así como por un turbulento matrimonio con el cantante de R&B Bobby Brown, con quien tuvo un hijo. El año pasado tuvo que internarse de nuevo en una clínica de rehabilitación.
La muerte de Houston ocurrió en la víspera de la entrega de los premios Grammy. La cantante ganó seis de estos galardones durante su carrera. Vendió 200 millones de álbumes en todo el mundo, informó la página web TMZ. (DPA)

A la salida del  Cementerio Parque Memorial de Pilar donde fueron cremados los  restos del artista rockero Luis Alberto Spinetta, fallecido ayer a  los 62 años, su hijo Dante anunció que en fecha a confirmar las cenizas del músico serán esparcidas en el Río de la Plata.

"Vamos a decir dónde vamos a esparcir sus cenizas, seguramente será en el Río de la Plata donde está su padre para que puedan llevarle unas flores y ver un atardecer con él", comentó  Dante ante los medios reunidos en las afueras del cementerio privado.

Dante fundamentó la decisión de anunciar cuándo la familia va  esparcir las cenizas del "Flaco", a partir de percibir "todo el  amor de la gente". "Ahora mi papá pasó a un mejor plano. El es el mejor, es  inmortal y aunque su cuerpo no aguantó más, su mente sigue  brillando", describió uno de los cuatro hijos del mentor de  Almendra y Pescado Rabioso.

Un cerrado y constante aplauso acompañó hoy los restos de Luis Alberto Spinetta, en el lento andar del cortejo fúnebre que a las 12.10 abandonó la funeraria del  barrio porteño de Belgrano con rumbo a un cementerio privado de Pilar.

Lágrimas y muestras de dolor se sucedieron tras los aplausos para despedir al máximo artista del rock argentino que falleció ayer por la tarde, a los 62 años. El cortejo se dirigió hasta el kilómetro 47 de la Panamericana donde se encuentra el Cementerio Parque Memorial de Pilar, lugar donde se produjo el crematorio de los restos del genial músico.

Sin alardes, en la intimidad que solicitó su familia pero con la necesidad de ir a despedir al amigo, al compañero, al referente, varios músicos pasaron durante la noche por el velatorio de Luis Alberto Spinetta,  el artista rockero que falleció ayer, a los 62 años.

Por la casa funeraria del barrio de Belgrano dijeron presente, desde la 1 de la madrugada, Ricardo Mollo, Juanse, Fito Páez, León Gieco, Guillermo Vilas, los integrantes del grupo Babasónicos y Héctor Starc, entre otros.

A la salida del lugar, Gieco opinó que "se va a compensar esta tristeza con la magnitud de la obra de Luis, que ahora va a ser reconocida".

"Hoy me di cuenta que la magnitud que va a alcanzar esta persona es increíble. Fue uno de los primeros tipos que nos metió a todos en ésta", redondeó León.

Starc, guitarrista de grupos como Aquelarre y Tantor y contemporáneo del Flaco, destacó que Spinetta "jamás hizo nada en contra de lo que él creía" y sostuvo que "grandes músicos tenemos un montón pero Luis era único".

La Habana.- "En una fría noche insular la banda rosarina Los Vándalos calentó los cuerpos de los seguidores del rock and roll con un cálido concierto en el teatro Maxim Rock de la habana que puso punto final a su primera gira por Cuba", así arrancaba la crónica de Prensa Latina tras el último show de la banda rosarina el pasado sábado 7 de enero.

Tras actuar en el Centro Cultural El Mejunje, en la central provincia de Villa Clara, la emblemática escudería de Rosario llegó hasta la catedral del rock en Cuba para abrir fuego con su intenso cóctel sónico a base de guitarras trepidantes, funk, blues y reminiscencias del punk.

En la presentación compartió el cartel con la alineación local Tesis de menta que inauguró la noche con su repertorio de batalla, en el que no faltaó un puñado de temas como Quita del medio y Hombre X

Arropados particularmente por miembros de la "hinchada argentina" en la isla, Los 

Arropados particularmente por miembros de la "hinchada argentina" en la isla, Los Vándalos echaron mano a una selección de sus canciones más conocidas, que pusieron a arder con notable intensidad a los espectadores congregados en la instalación.

Tanto que cuando dejaron caer el último tema del repertorio preparado para la despedida tuvieron que regresar al escenario ante los reclamos del público.

Como ya es habitual en sus presentaciones estos incansables trabajadores del espectáculo plantaron la bandera de una auténtica manera de entender el rock and roll como un lenguaje radicalmente contemporáneo y esperanzado, definido especialmente por letras que recrean historias comunes a los habitantes de su ciudad.

Poco antes de comenzar el concierto, el vocalista Diego "Popono" Romero, líder de Los Vándalos, confesó a Prensa Latina su sorpresa por la respuesta del público ante la música de la banda.

"Este viaje superó todas nuestras expectativas. En un principio no pensábamos que los cubanos recibieran nuestra música con tanta euforia y alegría. Eso demuestra que aquí hay mucha sed de rock and roll" señaló.

Fundada a finales de la década de 80, la banda ha sido catalogada como un icono del rock barrial en la ciudad de Rosario, con una discografía conformada por los discos Los Vándalos I y II, Con alegría Che!, Vivo entre Vándalos y No significa nada.

"Si bien ya cumplimos 21 años en la carretera nunca hemos dejado de ser un grupo del underground porque creemos que en este ámbito se conversa la auténtica esencia del rock, la filosofía de llevarlo como forma de vida", afirmó.

Días antes de viajar a Cuba tocaron junto al músico hispano francés Manu Chau en el estadio cubierto del equipo de fútbol Argentinos Juniors.

"Fue una gran experiencia tocar con Manu Chao y la Colifata (la radio impulsada por internos del hospital psiquiátrico Borda de Buenos Aires). Es muy importante para nosotros participar en este tipo de proyectos que nos hacen grandes. Porque también siempre tocamos para contribuir al bienestar de las personas", agregó "Popono".

Los Vándalos, que regresaran la próxima semana a Argentina, lo forman además Cristian Bruscia y Chino Aguilar (guitarras), Bruno Acanfora Greco (teclados), Lucas Olivan "Kutu" (bajo), Gabriel Basani (batería) y Pablo Casadei (armónica). (Fuente: Prensa Latina)

“El juego de la fortuna” es una adaptación al cine de “Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game” (el arte de ganar un juego injusto), un best seller de 2003. El filme protagonizado por Brad Pitt y Jonah Hill relata la historia real de Billy Beane, el director del equipo de béisbol Oakland Athletics, quien utilizó unos complejos análisis y cálculos estadísticos para confeccionar la formación más adecuada para el equipo.
   Después de varias interrupciones y cambios en el elenco y la dirección que iba a recaer en Steven Soderbergh, finalmente el elegido para conducir el proyecto fue Bennet Miller, el mismo responsable de “Capote”, ganadora de un Oscar en 2006 para Philip Seymour Hoffman, quien también interpreta un personaje en este trabajo.
   “Cuando era chico me encantaba «The Bad News Bears»”, contó Pitt sobre esa popular serie de la televisión estadounidense de los 70 sobre la decadencia y la poca suerte de los entrenadores de un equipo de béisbol integrado por un grupo de inadaptados que integran la ultra competitiva liga de California que fue una de sus inspiraciones para su rol.

Nostalgia. “Ben (Bennet Miller) y yo hablamos mucho sobre esa serie. Y me encantaba «North Dallas Forty», con Nick Nolte. Creo que fue la primera película clasificada R (para mayores de 17 años) en la que me colé, por lo que ocupa un lugar especial en mi corazón”, dijo Pitt sobre aquel filme de 1979 que se inspiró en la trayectoria del equipo de fútbol americano Dallas Cowboys, también de la década del 70.
   En “El juego de la fortuna” el personaje de Pitt recurre a un joven nerd experto en estadísticas (Jonah Hill) con un sistema revolucionario para evaluar a los jugadores, y reconstruye así a su equipo después de perder a los principales integrantes. Esta forma de reclutamiento demostró que era posible armar un equipo competitivo en la Liga Nacional de Béisbol a una cuarta parte del costo.
   Los críticos elogiaron ampliamente la actuación de Pitt en este nuevo trabajo que sucede a otro muy eficaz desemepño suyo en la elogiada “El árbol de la vida”, de Terrence Malik.
   Las películas de deportes, dijo el actor, “tradicionalmente funcionan a un cierto nivel (porque son sobre) ganar y superar la adversidad. Es algo en nuestro ADN. Es por eso que amamos a nuestros héroes del deporte y a nuestros equipos deportivos”, agregó.
   El filme ya tiene un exitoso recorrido en su país donde obtuvo los premios del Círculo de Críticos de Nueva York, a mejor guión y actor para Pitt y las cuatro nominaciones a los Satellite Awards incluyendo mejor película y guión adaptado. Además fue seleccionado para la sección oficial en concurso del Festival de Cine de Toronto.

Cambios. Pitt, quien en los últimos años desarrolló una variada carrera como productor de proyectos, descubrió la historia de este equipo considerado menor en el 2003. Primero se puso en contacto con Soderbergh, con quien había filmado “La gran estafa”. En un punto del proyecto cuestiones ajenas al filme hicieron el realizador se alejara y así ingresó Miller y el guionista Aaron Sorkin, ganador de un Oscar por “Red social”.
   Pitt reconoció que había aprendido a apreciar la complejidad y los matices del juego mientras hacía la película, ayudado por varios encuentros con Beane, pero no es el típico fanático del béisbol.
   “Me avergüenza lo poco que sé de béisbol”, y bromeó con que una de las veces que sintió el juego nacional estadounidense fue cuando una bola le pegó de lleno en la cabeza. “Ahora lo encuentro tranquilizador cuando está de fondo en la televisión”, dijo con ironía.
   El intérprete consideró que existen razones para que el béisbol forme parte de la identidad nacional. “Hay una razón por la que se convirtió en nuestro pasatiempo nacional, y es que es la vez un deporte de equipo y una batalla individual”, opinó.
   Tanto el director como los productores querían que el público viera que “El juego de la fortuna” no era otra historia del estilo de “El mejor”, que protagonizó Robert Redford en 1984, o películas similares sobre béisbol que son tan populares en Estados Unidos.
   Así es como confiaron en Pitt para transformar el empleo de tediosas estadísticas y tablas matemáticas de Beane en una película entretenida. Y para eso ajustaron la historia de los Oakland Athletics en una de vencer a las adversidades.
   “Siempre buscamos la parte oculta de las películas, lo que subyace”, dijo Pitt, y añadió que el filme es “mucho más que una película de béisbol y más que una historia de perdedores. Es un relato de justicia”, afirmó el intérprete.

Un golpe de suerte

“Mirá, la vida tiene altos y bajos; es un círculo vicioso, pero tenés que atravesarlo y lidiar con él. Podés caer y levantarte, pero cada fracaso puede llegar a ser un éxito”. Esas palabras le dedicó Brad Pitt a un desconocido que asistió a la premiere de “El juego de la fortuna”. El hombre, según medios de Estados Unidos, le había comentado poco antes, durante un encuentro con el público, que el filme lo había animado a no quitarse la vida.

El productor y director teatral Gerardo Sofovich dio a conocer el fin de semana el elenco que protagonizará su próximo espectáculo con vistas a la temporada veraniega por venir. Con la presencia de tres bellezas rosarinas, la comedia “Delicadamente inmoral” debutará a mediados de diciembre en el Teatro Provincial de la ciudad de Mar del Plata.

La obra mencionada marcará el retorno de “El ruso” a la cartelera teatral de La Feliz, luego de varias temporadas de ausencia.

Ana Acosta, Carna, Pacotillo, Sebastián Almada, Sofía Giménez y Fiorella Castillo se sumarán a las modelos rosarinas Silvina Luna, Belén Lavallen y Alexia Andrei. El elenco ya empezó con los ensayos.

“Delicadamente inmoral” se presentará de miércoles a domingos a las 21.30 y 23.30. El estreno será el 15 de diciembre, y Sofovich sueña con repetir varios éxitos que logró en esa ciudad.

La modelo, presentadora y ex “Gran Hermano” Silvina Luna será una de las protagonistas de la obra, junto a Acosta y Almada, mientras que Lavallén y Andrei acompañarán dentro de un sólido elenco.

Luna decidió no aceptar la oferta de Telefe para hacer “GH 2012” y sí la propuesta millonaria de Sofovich, pero se mostró agradecida: “Creo que fue una etapa. Yo inicié mi carrera en «Gran Hermano ». Le estoy muy agradecida, pero prefiero seguir con otros rumbos más enfocados a la ficción”.

De la mano de su nuevo proyecto musical, el cantautor Manu Chao arrancará esta noche a las 21 en Metropolitano su gira argentina. En un principio el recital había sido programado en el Anfiteatro Municipal, pero ante la alta demanda de entradas los organizadores decidieron trasladar el show al espacioso salón ubicado en el shoping Alto Rosario. Las entradas se agotaron y no habrá venta en las boleterías de Metropolitano que abrirá las puertas a las 19.15.

El ex Mano Negra vuelve a nuestro país para presentar "La ventura", su nueva fórmula en formato cuarteto, que incluye a sus compañeros de Radio Bemba Madjid Fahem "Il Magico" en guitarra, Phillippe Teboul "Garbancito" en batería y Gambeat en bajo. El regreso a la Argentina incluye además un doblete en el Malvinas Argentinas de Buenos Aires, Córdoba, Mendoza y Neuquén.

El compromiso social, siempre presente en sus visitas, estará marcado principalmente en su recital del 18 de noviembre en el Estadio Andes Talleres de Mendoza, que será a beneficio del Barrio La Gloria. También tocará el 20 de noviembre en en el Zanon Fasinpat, de Neuquén, en conmemoración de los 10 años de gestión obrera en la fábrica de azulejos, en la cual había tocado en diciembre de 2009 y había prometido volver.

El nuevo espectáculo de Manu Chao promete ritmos latinos, espíritu punk y letras acorde a su perfil de gran cronista de la calle. En permanente búsqueda de la canción que sintetiza el estado del mundo y el baile del barrio, el cantante francés actuó por última vez en Rosario en 2009 en el estadio cubierto de Newell's Old Boys junto Radio Bemba.

¿Qué se puede esperar del repertorio? De todo un poco; en su gira europea de este año y bajo este mismo formato, Manu estuvo tocando algunos viejos temas de Mano Negra mezclados con éxitos más actuales como "Mr. Bobby", "Me gustas tú", "King of the Bongo", "Desaparecido" o "Por el suelo". Los shows en Europa los arrancó con una versión del tema del Gato Pérez, "Se fuerza la máquina".

El cierre del tour argentino del autor de "Clandestino" será en Buenos Aires, con presentaciones el miércoles 23 y jueves 24 en el Estadio Malvinas Argentinas.

El francés más latino del mundo ya cumplió 50 años y más de la mitad, los dedicó a la música. Desde sus inicios en 1984 en una banda con su hermano y su primo, Mano Negra, publicó ocho discos y otros seis como solista, carrera que arrancó en 1998 con el álbum "Clandestino".

En sus últimas y escasas declaraciones periodísticas, Chao comentó que tiene tres discos casi grabados, solo sin la parte del mix, uno en portugués, otro con la comunidad jamaiquina en Londres y otro de rumba en Barcelona, sin embargo aún no tienen fecha de salida.

Silvina Luna debutó anoche en la ficción de América donde protagonizó a una mujer inescrupulosa empeñada en separar a un marido maltratador de su mujer y su hijo. Luna encarnó a Nilda en un fuerte capítulo de la ficción “Maltratadas” y se la vio muy sensual en varias escenas de sexo.

El capítulo de ayer se llamó la “La Invitada”, y juntó a Natalia Lobo y Diego Alonso, mientras que Luna fue Nilda, una chica del interior que se fue a vivir con un matrimonio, invitada por el jefe de familia.

Durante el transcurso de la historia, el papel interpretado por Alonso (Poncho), queda atrapado por los encantos de Silvina (Nilda), dando como resultado una serie de humillaciones a las cuales Natalia Lobo se ve sometida con tal de salvaguardar la seguridad de su hijo adolescente.

Poncho se ve una y otra vez seducido por el personaje de Luna y protagonizan escenas de alto contenido sexual, incluso adelante del hijo de él.

Finalmente Nilda queda embarazada, las cosas se complicaron y todo finaliza de la peor manera, con la muerte de “Poncho” y el encarcelamiento de Lobo.

Mirá el video.

Más de 30 mil personas disfrutaron en el club GEBA del encontronazo entre dos propuestas artistas tan disímiles como las que presenta los estadounidenses de Sonic Youth y los puertorriqueños de Calle 13, pero a la vez tan válidas artísticamente y tan ricas en su sustancia.

La segunda jornada del Personal Fest fue una gran mescolanza de estilos y formas, algo quizás prohibido para la ortodoxia rockera, pero a su vez permitió la mezcla de públicos, de estilos y de caminos en búsqueda una definición sonora.

Para la ortodoxia rockera, la propuesta de los programadores de mezclar el noise de Sonic Youth con el sonido bien latino de Calle 13, el reggae de Damien Marley, con los clásicos de INXS, resulta una herejía, pero también una gran idea para derribar los levantamientos de muros ultraconservadores que apuesta a la creación de tribus y a su no convivencia.

Los Calle 13 son una banda en ascenso en la Argentina, que con su propuesta de rock alterlatino han tomado la posta dejada por los Fabulosos Cadillacs, Manu Chao, Todos Tus Muertos y Bersuit Vergarabat, y con sus agregados de ritmos caribeños parecen anunciar un reinado de varios años.

Fueron uno de los más convocantes de la jornada, por su riqueza y variedad rítmica, por su mensaje combativa y contestaría, pero además por el carisma de René, su cantante, mitad de la fuerza motora de la banda.

Calle 13 nunca fue un grupo de reggaetón, en su ADN hay merengue, salsa, hip hop, rock combativo, ska y por esa razón tienen una banda integrada por 11 músicos, entre bronces y percusionistas.

Obviamente, René con su carisma todo lo devora y su hermana Ileana Cabra hace lo mismo con su gran voz y su incansable baile, pero es justo destacar lo que Eduardo Visitante hace como director musical, que Mark Rivera aporta el rock desde su guitarra eléctrica y el sabor que los tres bronces cubanos le dieron a la noche.

Sin dejar ni un segundo de lado la arenga política y las críticas a los "enemigos de la unidad latinoamericana" por el setlist de Calle 13 fueron pasando canciones como "Vamo` a portarnos mal", "No hay nadie como tu", "Ven y critícame", la bonita "Un beso de desayuno".

Calle 13 dedicó la comprometida "Una bala" a la memoria de Facundo Cabral e invitó a Pedro Aznar a cantar con ellos en "Latinoamérica" y en "Canción para un niño en la calle", antes de dejar a la gente agotada de tanto bailar.

Unos minutos después, otra ceremonia, más rockera por su vestimenta, se inició en el escenario de al lado, cuando con humildad y en silencio Thurston Moore, Lee Ranaldo, Kim Gordon, Steve Shelley y el bajista Mark Ibold subieron al escenario.

Allí estaban, varios años después de su primera visita a la Argentina, los padres del movimiento sónico que se abrió en los `90 en la escena mundial, quizás los padrinos del grunge y los músicos que motivaron a un par de generaciones de colegas a tomar un instrumento y querer volcar anhelos y frustraciones en él.

Los Sonic Youth le enseñaron a rockear a Nirvana, a la movida No wave, a My Bloody Valentine, a Ride, inclusive a los argentinos El Mató a un policía motorizado, a fuerza de trabajar la música desde la mirada menos ortodoxa posible.

Los neoyorkinos rechazan la gimnasia onanista que tanto cunde en el heavy metal y en el jazz y apuestan construir su camino desde el acople, la desafinación y la tortura de una nota por varios minutos.
Todo esto, mientras su público deja que la música lo lleve a un cuelgue buscado y deseado después de 11 años, maravillado por el trabajo principalmente del trío Moore-Gordon-Ranaldo.

A lo largo de sus casi 30 años de carrera, Sonic Youth desechó la posibilidad de componer o construir un hit porque su búsqueda pasaba por la experimentación, por el ensayo y error, por la pifia y la generación de ambientes.

Abrieron el concierto con "Sacred Trickster" y "Calming the snake" de su último disco "The Eternal" y en esos minutos la banda dio rastros de su búsqueda cuando tocaban sus guitarras con pequeños arcos de violín, descargando una tormenta sonora.

Canciones a dos bajos entre Gordon y el ex Pavement Mark Ibold, para armar una base con el demoledor Shelley en la batería y así permitir que Moore y Ranaldo abran infiernos y desaten tormentas en canciones en las que el estribillo está ausente casi por dogma.

Así fueron pasando canciones que van de los dos minutos y medio a los 11 como "Cotton Krown", "Sprawl", "Hey Joni" y el paroxismo al que llevaron a la gente uniendo "Tom Violence" con "White Cross" de los discos "Evol" y "Sister" de finales de los `80.

Moore concluyó "White Cross" aporreando su guitarra con un ventilador de pie, mientras que en la clásica "Death Valley 69", Ranaldo se despachó con largo solo de pedales, cables y golpes a su guitarra.

En una noche de cielo despejado, la tormenta la desataron estos músicos sobre el escenario, en la que podría ser una de sus últimas giras, que además ofrendaron una experiencia notable para quien quisiera oírla.

Aunque tocaron temprano, quienes parecieron ser los más convocantes de la jornada fueron los australianos de INXS, que concretaron su enésima visita a la Argentina, ahora con su cuarto cantante, el irlandés Ciaran Gribbin.

Suplantar a un frontman con el carisma, la voz y el sex appeal de Michael Hutchence -fallecido en 1997- es muy complicado y los australianos llevan 14 años y tres vocalistas intentándolo, con un resultado muy negativo que casi los ha convertido en una banda tributo de si mismo.

La apuesta por Gribbin pasa por una resurrección desde lo musical, ya que al irlandés lo precede su currículum como compositor e instrumentista que ya trabajó con artistas como Madonna y Snow Patrol. Es evidente que los hermanos Andrew, Jon y Tim Farris -nucleo duro de INXS- apuestan a que este músico genere una nueva química en el estudio y la sala de ensayo para parir nuevas canciones.

El show sonó como si fuera un CD, Gribbin eludió repetir formas, movimientos y estilos de Hutchence y se propuso entrar en la gente desde otro lugar, mientras la banda iba desgranando una hit tras otro, que deben haber llevado a algún ejecutivo de una discográfica a derramar más de una lágrima.

Es que la industria ya no ofrece más discos como "Kick" o "X" de los INXS, de los cuales se llegaron a extraer hasta siete singles que estuvieran rankeados en los cinco temas más escuchados en las radios de EEUU y Gran Bretaña. Esos tiempos pasaron e internet y la piratería no quieren que vuelvan.

Así pasaron la noche casi 30 mil personas que se dieron cita en la sede San Martín de Geba para la segunda y última jornada del Personal Fest 2011, que volvió a destacarse por su variopinta programación. (Télam)

Nicole Neumann y su marido, Fabián “Poroto” Cubero, conforman una de las parejas más sólidas y queridas del ambiente artístico y futbolístico. Un amor botinero con final feliz, en medio de tantas separaciones escandalosas.

Y siempre llaman la atención. Meses atrás, la top modelo publicó en Twitter unas fotos hot de una producción fotográfica que estaba realizando junto a su marido y generó más de una mirada curiosa.

Ahora, el que subió la apuesta fue Poroto, quien en una entrevista que brindó el matrimonio a la revista Viva confesó que se viste de mujer para jugar son su hija Indiana: “Ella me pide y me pongo extensiones de pelo rubias y algún shorcito de Nicole. Le he roto ropa…”, reveló.

Nicole también contó que su esposo se vistió del personaje Hello Kitty a pedido de su hija. Entonces, Fabián se inhibió y dijo: “Eso no lo podés contar. Tal vez un nene de seis años agarra la revista, lee esta nota y le dice a Indiana: ‘Tu papá se disfraza de Kitty’. Pareciera que perdí la noción de la edad…”.

A pedido de la periodista, el futbolista relató cómo comenzó esta costumbre de disfrazarse de Neumann: “Un día a la noche Indiana estaba en su cama por dormirse y jugando le dije: ‘Hola hija, acá viene Nicole’. Y ella me dijo: ‘No sos Nicole, sos papá´. Y a la semana me pidió: ‘Vestite de mamá otra vez’. Así que cada tanto me aparezco con un vestido de Nicole”.

Otra faceta que llama la atención de Cubero es su coquetería y en la nota contó que no le importan las “cargadas” porque se realizó el tratamiento de depilación definitiva: “En el ambiente del fútbol hay muchas cargadas, pero tengo varios compañeros que están haciendo depilación definitiva. Ya somos cuatro. Parece que es una moda”, dijo en el último tramo de la entrevista de la que se hablará en todos lados.

Fito Paéz vuelve mañana a cantar para los rosarinos. En esta ocasión presentará sus clásicas canciones mañana en el Anfiteatro Humberto de Nito y seguramente incluirá en su repertorio algunos de los temas del nuevo disco "Canciones para Aliens".

Este trabajo que aún no salió a la venta, lo encuentra a Fito realizando reversiones de canciones que según estima "quedaron grabadas en su memoria sentimental y es de lo que trata este álbum . El primer tema que salió a la luz es el hit del cantante español Nino Bravo, "Un beso y una flor" que explotó a comienzos de los años 70 y ahora es reversionado por el rosarino.

En "Canciones para Aliens", Fito Páez eligió temas de artistas del mundo y les dio su propio toque. "Es una idea de álbum que surgió después de grabar una versión de “Esta tarde vi llover” de Armando Manzanero junto a Leo Sujatovich, productor del álbum. Se me ocurrió que podríamos hacer una serie de grabaciones para enviar al espacio, como un mensaje en una botella y que lo escuche alguien en algún recóndito lugar del universo. Parte de las canciones más hermosas del mundo. Con autores de todas las nacionalidades. Este sería el primero de una serie de discos que seguiremos haciendo en el futuro con otras canciones de otros lugares y otros autores”, contó Páez.

Escuchá el audio de "Un beso y una flor" que se adjunta a esta nota.

Susana Giménez el miércoles invitó en su programa a Jorge Rial quien esa noche comenzaba a conducir Gran Hermano 2012. En el living, Susana le comentó al pasar que no había podido comprar dólares gracias a las nuevas restricciones impuestas por la Afip.

"No sé por qué, porque tengo plata en blanco y pago casi el 50 por ciento de lo que gano". "¡Me volví loca! Se les fue de las manos. Además, si no querían que la gente comprara dólares... ahora compran el triple, porque basta que te prohíban algo para querer hacerlo", bromeó.

"Acá te dicen 'el que apuesta al dólar pierde', entonces hay que hacer todo contrario", aconsejó. "Los que nos quedamos en el corral no recibimos dólares", confesó.

Y agregó: "¿Por qué si tengo todo en blanco no puedo comprar pesos chilenos o yen o lo que se me cante?", exclamó indignada.

Lo cierto es que las declaraciones de la diva corrieron como reguero de pólvora y el tema fue uno de los excluyentes de la jornada del jueves.

Pero ayer a la noche desde su cuenta de Twitter, Jorge Rial ahondó en el tema y reveló el que sería el verdadero motivo por el cual a la conductora no le fue permitido cambiar pesos argentinos por moneda norteamericana.

Fueron tres tuits en los que Rial explicó el tema: "Saben xq Susana no pudo comprar dólares? Xq declara ante la Afip que gana 50 mil pesos x mes! Si, 50 mil. Ampliaremos!!!".

Y siguió: "Mas de Susana: con esa declaración de 50 mil pesos anuales, lleva comprados en lo que va del año mas de 2 millones de dólares".

Y terminó: “Su está en regla xq su ganancia sale x una SRL. Pero ella, como persona, no puede comprar gran cantidad de U$S ya q declara 50 lucas anuales”.

"Si la radio pudo sobrevivir a la ausencia de Lalo Mir, ¿cómo no va a poder sobrevivir a mi ausencia?" Con esta frase Mario Pergolini terminó de confirmar ayer los rumores que lo hacían lejos de Rock & Pop y de "Cuál es?", el ciclo insignia que lo tiene al frente desde hace 20 años.

Lo que permanece en el misterio es el futuro del ex conductor de CQC, La TV Ataca y Hacelo por mi. Él tampoco dio pistas. Dicen que se pondría al frente de su propia radio, proyecto que ya se barajó varias veces, sobre todo desde que Rock & Pop fue adquirida por el banquero Raúl Moneta. Por ahora, se sabe que Pergolini está montando un impresionante estudio en un teatro de Colegiales, que sería la base de su futuro emprendimiento. Para quienes lo siguieron durante años, se va uno de los más grandes.

La noticia, que  ya era un secreto a voces, fue confirmada por el propio Pergolini durante la emisión del ciclo “Cuál es?”, líder hasta el mes pasado de las mediciones de audiencia de las FMs.

Actualmente, Pergolini ocupa su tiempo en la construcción de un estudio de grabación propio en el Teatro de Colegiales, en Federico Lacroze y Álvarez Thomas. Su proyecto es convertir uno de los pisos del local en un estudio de transmisión de última generación.

Recordemos que comenzó a coquetear con tener su propia emisora de radio cuando montó Vorterix, una plataforma online que transmite shows y contenidos vía web.

"Era muy raro, no me sentía como si estuviera rodando una película de Crepúsculo. Era como, ¡Bella! ¿Qué estás haciendo? ¿Qué está pasando aquí?", comenta Kristen Stewart. "Fui muy surrealista. De hecho -subraya- al principio nos dieron una valoración de película para adultos. Así que se cortaron algunas escenas".

"Amanecer" lega a las pantallas el próximo 18 de noviembre, reorientada para un público más amplio, aunque, dicen, aún quedan algunas imágenes violentas, sexuales y desnudos parciales. ¿Quién sabe? Tal vez saque, dentro de unos meses, una versión DVD/ Blu-Ray en la que podamos ver esas escenas eliminadas.

Como si se tratara de un adelanto de lo que vendría, María Eugenia Ritó prefirió evitar la previa con Marcelo Tinelli en Bailando 2011 y bailar antes que hablar para no desconcentrarse. Pero, lejos de calmar los ánimos, la vedette explotó durante la devolución del jurado.

Cuando el conductor le preguntó si había tenido algún inconveniente en la obra que integra junto a Moria Casán, La revista de Buenos Aires, Ritó explicó que tiene problemas cervicales y dorsales que complicaban sus ensayos de acquadance, por lo que debió abandonar una función del teatro por el malestar.

Al borde de las lágrimas, afirmó que el encargado de la dirección técnica, Daniel Mautone, la maltrató y le dijo “hija de p…”: “Sentí que no les importó nada lo que me pasaba”, dijo. Entonces, en tono de broma, Moria contó que María Eugenia la había ido a ver al camarín llorando.

Ante la carcajada generalizada, Ritó le respondió a Casán: "No me lo merezco porque no le hice mal a nadie. Gracias por cargarme Moria, pero no me gusta que me carguen con un problema de salud".

Tan enojada estaba, que también le reprochó al iluminador de ShowMatch su risa y a pedido de Marcelo, el técnico debió explicar que no se reía de ella. Otra víctima de la furia de Ritó fue Sofía Zámolo, quien se encontraba en el estudio y también se rió mientras hablaba.

“Se hace la fina, por favor mi amor. Si te has agarrado cada matraca, tengo cada cosa tuya. ¿Sabés cuántas cosas sé de vos? No te rías. Prefiero ser de barrio y hablar mal que ser como vos, fría como un tempano. Voy a averiguar muchas más cosas”, le dijo a Zámolo.

Todavía repercute el cruce que tuvo Beto Casella con Nicolás Repetto en Sábado Bus. El debate sobre la televisión que los conductores propusieron generó que otras voces del medio dieran su opinión. Entre ellos, Lucho Avilés, quien destrozó a los programas de archivo, como Bendita TV.

“Coincido con Repetto en que lo que con un eufemismo llaman programas de archivo y yo llamo tv caníbal. No se están matando por producir, se limitan a afanar lo que se mataron en producir los otros. Ponen lo que otros hicieron y se dedican  a criticarlo, nada más. Para mí, los programas de archivo son tv caníbal, deplorables y repugnantes. Nico estuvo demasiado delicado”, afirmó Lucho en su programa Convicciones.

La respuesta de Beto no se hizo esperar y desde Bendita TV dijo: “¿Qué sabe Lucho Avilés de edición? El informe que vieron recién, llevó fácil 45 minutos de trabajo de edición. La otra es agarrar la planilla de ratings, como hace él, ¿de qué me estás hablando Lucho Avilés? Respetá a la gente que labura y sino,  te explico cómo se hace tele hoy”.

En el programa de Viviana Canosa entrevistaron a ambos y la polémica continuó: “No tengo nada en contra de Beto, si él lo tiene, no me importa. Estoy en contra de los programas de archivo, que con dos editores, zafan y encima te toman el pelo. Si está molesto, tiene dos opciones: joderse o  tomar quina, que es la mejor medicina. Un programa de tv caníbal es bosta de elefante”, disparó Lucho.

Por su parte, Casella le dijo al ciclo de Canosa: “Reivindico los programas, porque sé que el laburo que lleva. Ojalá pudiera estar como Lucho Avilés, sentado con cuatro panelistas, leyendo el rating. Si hago eso, los directivos me pegan una patada y el público me expulsa. Está pifiadísimo y no sé si entiende estas nuevas formas de tv, que no son de su época. Lucho Avilés ha estado 25 años haciendo la rueda de chimentos. Yo no hago la planilla de rating porque siento que estoy robando”. Una pelea que recién comienza….

Con Dady Brieva como anfitrión, se estrenó "La terapia del jurado", el nuevo segmento de "Sábado show", que convocó a los jurados de Bailando 2011: Moria Casán, Carmen Barbieri, Aníbal Pachano, Flavio Mendoza y Marcelo Polino, para hablar desde lo más íntimo de sus experiencias personales.

Es sabido que Moria Casán no tiene demasiados problemas en hablar de sí misma, y no le huye a ningún tema por más cruento que sea. Por ello, la confesión que hizo sobre que ejerció la prostitución no debería sorprender.

"Soy muy conservadora con mis parejas, no me gusta compartir a mi hombre, pero sí cuando transitaba mi despertar sexual me gustó tener una doble vida", aseguró Moria.

Y luego sí, llegó al revelación hecha en primera persona. "Estaba estudiando y una vez salí a la calle y me acosté con un señor por dinero y me calentó la situación de ser prostituta. Que no me gustara el tipo, que no lo necesitara y que lo hiciera. Y la verdad que la pasé bien", confesó.

Uno de los momentos más emotivos llegó cuando Dady le preguntó a cada uno qué envidian o admiran de sus compañeros. Entonces, Marcelo Polino afirmó que envidia “la energía de Moria y de Aníbal, la fuerza física de Flavio y de Carmen –con quien mantiene una dura rivalidad tras muchos años de amistad- admiro que sea tan buena madre. Esa cosa maternal y de protección que tiene”.

Por su parte, Aníbal Pachano dijo que admira su “entereza” al recibir las críticas; de Casán, su “desparpajo cotidiano”, de Flavio, su personaje circense y su destreza acrobática; y de Carmen, su protección.

Flavio Mendoza, que se emocionó hasta las lágrimas, aprovechó para aclarar los tantos con Carmen: “Siempre la admiré y e gusta que no baja nunca la guardia. Si en algún momento la he ofendido, creo que es el momento de pedirle disculpas porque es una gran mujer”. Acto seguido, una emocionada Carmen se acercó a abrazarlo. Luego, Flavio se refirió a Moria: “Estuvo en momentos muy difíciles de mi vida, y también muy buenos. Cuando estoy a su lado, siento seguridad”. 

En otro pasaje de la noche Carmen Barbieri se refirió a su ex amigo Polino. Dijo estar arrepentida de haberlo calificado como un “oportunista y mercenario, por una bronca”. Y agregó: “Te pido disculpas. Es un amigo que he perdido y voy a tratar de recuperar”. Sin embargo, Marcelo eligió el silencio como respuesta. Barbieri también se acercó a Moria a través de las palabras: “Te admiro como mujer, a pesar de que nos peleamos y muchas veces pasamos el límite. Te quiero y te admiro”.

Mario Pergolini, por fin, rompió el silencio y habló de su futuro inmediato. Si bien no dio precisiones, sí dejó entrever que su ciclo en la Rock and Pop, al frente de “Cual Es?”, está terminado, y se viene una nueva etapa, que incluye una nueva radio.

Según lo que publica Diario Libre, Pergolini se haría cargo del 100.7, donde actualmente funciona Blue FM, para llevar adelante su proyecto Vorterix, que actualmente es la web por la que se transmiten los shows desde el estudio y otros. La radio, en realidad, es propiedad de Raúl Moneta y Matías Garfunkel, los mismos dueños de la Rock and Pop, por lo que Mario se haría cargo de la parte artística, bajo el paraguas del empresario.

En una entrevista que dio a La Nación, Pergolini habló del fin de esta etapa, de la angustia que le da dar por terminado su ciclo en la 95.9, y, en parte, deja entrever cómo será el nuevo proyecto.

“Yo a fin de año termino mi contrato con Rock and Pop, y siempre que termino el contrato empieza el histeriqueo chistoso de qué hacemos, qué no hacemos”, dijo, sobre los rumores que empezaron a circular por estos días. Enseguida, comentó que “creo que ya no me bastan cuatro horas, creo que Vorterix ha crecido mucho“, y agregó que “estoy en una etapa en mi vida en donde puedo replantearme un poco cómo quiero que sea la segunda etapa, lo estoy pensando, tengo ofertas“.

“Yo estoy casi seguro de que mi ciclo en Rock and Pop está terminado”, manifestó, aunque luego precisó que “estamos en plena etapa de negociaciones, tengo que ser muy vivo cómo negocio porque no creo que pueda negociar mucho más, el hecho de haber renegado de la televisión y no haber aceptado los contratos que me ofrecieron para vovler el año que viene me da libertad para hacer otro tipo de cosas”.

“Hay mucho movimiento radial, también Rock and Pop está pasando por un momento muy especial, tiene que ver con quiénes fueron sus conductores durante mucho tiempo, y me parece que al igual que como hice con ‘Caiga’, lo mejor que le puede pasar a Rock and Pop ahora es desprenderse de mí“, reflexionó, aunque luego bromeó con que “soy como esos novios que le dicen a la novia que no son ellas, somos nosotros, pero… no se qué va a pasar, pero creo que hemos llegado al fin de una etapa“.

“Rock and Pop fue la radio de mi vida, es mi vida, el solo pensar que me pueda ir de Rock and Pop me angustia, pero tengo otros sueños, y creo que voy por un buen camino, que lo he recorrido muy bien y creo que tengo un pequeño secretito que le he ganado de mano a unos cuantos y lo voy a aprovechar”, indicó.

“Yo amo Rock and Pop, amo estar con mis compañeros, me gusta estar con Marcelo [Gantman], con Eduardo [de la Puente], la verdad que la paso bien, son gente que quiero, y creo que durante muchos años hemos marcado un rumbo de cómo hacer radio”, apuntó luego.

“La radio está cambiando, es el único medio que tiene la posibilidad grande de cambiar. Cuando puse un estudio para que toquen bandas me decían que era ridículo, y funcionó. La música es un commodity, todo el mundo tiene los mismos discos, todo el mundo tiene los mismos videos, pero si yo genero el contenido, y yo lo puedo mostrar y la gente lo puede ver, es otra cosa. Todas las mañanas ‘Cuál es?’ lo ven y lo escuchan por computadora casi 500 mil personas. Lo hacen todos los días, por una computadora. Lo ven, y lo escuchan. Cuando he transmitido un concierto, y ahora le ponemos imágenes a través de Vorterix, sin estar en la radio, como hemos hecho el de Slash, con 60 mil personas en simultáneo viéndolo, me dan la razón”, precisó.

“He hecho esto 25 años en Rock and Pop, he sido muy feliz, cada vez que pienso que existe la posibilidad de irme es una daga en el corazón, pero bueno, todos hemos crecido, incluso los oyentes”, expresó enseguida, y finalizó: “Rock and Pop fue la radio de mi vida, ahora viene la radio de mis sueños”.

Una información disparada por el diario Muy habló de la supuesta mala relación entre Mario Pergolini y Eduardo De la Puente. Si bien ambos comparten 18 de compañerismo radial, existiría tirria entre los ex "CQC" y un evento de última hora que tiene que ver con un pedido de licencia médica por parte de Eduardo, habría desencadenado el enojo de Pergolini, quien habría despedido a su amigo del programa que ambos realizan.

Pero en la mañana de este martes, Mario Pergolini habló del tema e ironizó al respecto de lo publicado por Muy:

“Yo no puedo echar a nadie. Los medios hablan de fuentes. Es una fuente poco confiable. Me molesta que haya hablado el círculo íntimo. No pidan una licencia médica porque me enojo”, bromeó Mario.
 
“No soy su jefe. Tampoco puedo echar a Gantman si quisiera. No tengo poder para echar gente de la nada; y agradezco no tenerlo. Es horrible echar gente…”, concluyó Pergolini, quien decidió no continuar con el tema “porque después se arma una pelota y no quiero”.
 
Lo cierto es que después aclarar las cosas en su ciclo radial, Pergolini fue entrevistado por un envío televisivo y volvió a desmentir los rumores sobre el despido de De la Puente: "Es mentira. Es un hermano", aseguró.

Gonzalo Valenzuela pasó por Sábado Bus y habló de todo lo relacionado a su vida profesional y privada luego de este año difícil de su vida. El esposo de Juanita Viale se animó a hablar de su infancia, de sus pérdidas y de sus afectos.

“Mi hermano mayor murió tres años antes que mis padres, en un accidente casero. Se ahogó en la pileta de casa, lo encontramos ahí en la pileta un 31 de diciembre. Tres años después, murieron los dos (madre y padre) con un mes de diferencia cuando tenía 23 años, hace 10 años”, contó el actor chileno.
 
A pesar de todo, Valenzuela pudo salir adelante: “Me aferré a mis amigos y al trabajo. Me aferré mucho al trabajo y descubrí que te hace superar muchas cosas. Cuando descubrí el teatro me enamoré. Hice una tira en Chile, que se llamó Machos y se vio acá por América, entonces me llamaron de Endemol en el año 2004 para venir. Cuando llegué a Buenos Aires conocí a Juana y me enamoré profundamente".
 
“Ahora a Juana la operaron de apendicitis, ya está recuperándose... Perder un bebé era lo último que me faltaba. La muerte es una parte de la vida y uno tiene que aceptarla, no entenderla porque es imposible, pero sí aceptarla. La muerte de mis viejos fue un shock terrible”, sostuvo.
 
Por último, se refirió a las escandalosas fotos de Juana con el economista Martín Losuteau: “El amor todo lo perdona, todos tenemos derecho a equivocarnos. Hay que tener claro cuáles son las cosas que a uno le interesan. El amor que tengo por mis hijos puede sobrepasar muchas cosas. Todos también hemos cometido errores. Yo la pasé muy mal porque me vi muy humillado. Es un tema muy sensible y terminó en una tragedia, que es que muriera mi hijo”.

"Yo sigo tranquilo, haciendo lo mío. Fue un año de mierda, pero ahora estoy cumpliendo un gran sueño que es estrenar ‘La Celebración’", finalizó. Además, cabe destacar que Valenzuela no se animó a confirmar el embarazo de su mujer. No te pierdas el video de esta nota.

La barriga que hizo famoso al actor mexicano Edgar Vivar ha quedado en el olvido ya que después de una operación el comediante luce una figura mucho más delgada. Su nueva apariencia deslumbró en Perú donde fue recibido por una multitud y en un programa de televisión (ver video) reveló que el sobrepeso incluso lo llevó a estar cerca de la muerte.

Edgar Vivar dejó atrás la época en la que llegó a pesar 168 kilos y ahora solo pesa 60. El actor sobrevivió a dos infartos pulmonares, problemas cardíacos y operaciones que lo mantuvieron con vida. Ya recuperado y con alegría Vivar dice que ahora tiene una nueva oportunidad en su vida, sin barriga.

Justamente con su nuevo look el Sr Barriga podrá zafar de los agravios que el Chavo y la Chilindrina le propinaban. “Tinaco desparramado”, “Albóndiga con patas”, “Garrafón de electropura”, “Bola de manteca”, “Cachalote con lentes” o “Viejo panzón”, quedarán en el recuerdo.

Durante la entrevista en la televisión peruana confesó que cuando era niño padeció de discriminación por culpa de su peso, lo que lo obligó a refugiarse en los estudios y a escoger con mejor ojo a sus amistades. Pero su aspecto físico le trajo también lo mejor de su vida que fue interpretar al "Señor Barriga" o "Ñoño", en la clásica tira "El Chavo del Ocho".

Contó que en 1992, abandonó la serie "Chespirito", ya que sus kilos de más le habían causado problemas cardiovasculares. Luego enfrentó un problema glandular que lo llevó a aumentar más de peso, por lo que se internó en una clínica para adelgazar, realizándose el bypass gástrico en 2008. “Cuando doblegas tu soberbia y te das cuenta que necesitas ayuda, me di cuenta que nopodía manejar mi vida, y que tengo cualidades pero tengo defectos también”, contó.

El actor siempre estuvo ligado al combate contra la obesidad e incluso participó del programa "Cuestión de Peso", versión argentina, donde contó su experiencia con los rollitos y en el cual logró bajar un kilo en los pocos días que compartió con los participantes.

Joaquín Sabina y Joan Manuel Serrat ya están listos para volver a la carretera. Los cantantes españoles más populares en la Argentina están ensayando el nuevo espectáculo con el que el año próximo demsembarcarán en el país y que estrenarán en Rosario el 24 de marzo, en el salón Metropolitano, del shopping Alto Rosario.

"Dos pájaros contraatacan", tal el nombre del show con el que volverán a actuar juntos, tendrá su bautismo de fuego en el Luna Park de Buenos Aires, donde actuarán el 17, 18, 21 y 22 de marzo y el 3 y 4 de abril. La venta de entradas para los recitales porteños registró un récord: en cinco horas se agotaron 15 mil tickets.

Sabina y Serrat adelantaron que su nuevo espectáculo es distinto al que presentaron en 2007 y que, con el título de "Dos pájaros de un tiro", deslumbró a Rosario en el Gigante de Arroyito. Además de sus grande éxitos, tocarán temas nuevos que por estos días están grabando para un disco nuevo que se editará antes de que salgan a la ruta.

Las entradas para el show local se pondrán a la venta el lunes próximo en el local ubicado Córdoba 1077. No se imformó el precio de las localidades. Posteriormente seguirán su serie de shows en el Orfeo Superdomo de Córdoba el 30 de marzo y una vez concluía la serie de recitales en Argentina seguirán sus éixtos en España.

María Eugenia Ritó descargó todo su furia tras quedar sentenciada anoche en “Bailando por un sueño”, y disparó munición gruesa contra Coki Ramírez y Zaira Nara. La pequeña y explosiva María Eugenia se sintió perjudicada por el jurado en la jornada dedicada al cuarteto y buscó como blanco de su enojo contra dos de sus principales competidoras.

“No vengo seguida de nadie, ni tengo un programa. Ni hermana botinera. Justo se salvó Zaira. Qué casualidad. Ella tiene un programa acá”, dijo al recibir el veredicto del jurado.

Después fustigó a Coki Ramírez, con quien no le gusta compartir el camarín y a la que definió como falsa. "Se queja demasiado y tiene cara de vieja. Hay que saber llevar los años. ..",  disparó la vedette, quien le aconsejó a su compañera que no se queje porque "el año pasado no era nadie".

“Que la fumen todas, loco. Vos tambén fumámela”, le dijo Ritó a Tinelli. “Vos sos el que bancás al resto. ¿Cuál es la carrea de Zaira, quiero sabre la carrera ya. No hay. La inventaron ustedes. Llamemos ya por teléfono a Wanda”, exigió, pero después se relajó y bajó los humos.

No todo terminó mal para ella y su compañero. Tras su perfomance, el jurado la seleccionó para que siguiera en carrera y, en agradecimiento, le dio un beso a Tinelli y otro a Graciela Alfano. “En la gala anterior bailé mal porque estaba indispuesta y con dolor de ovarios”, reveló, como si a alguien le interesara.

María Eugenia Ritó suele dejarnos boquiabiertos cuando se le ocurre disparar confesiones que tienen que ver con su intimidad o fantasías sexuales.

En reiteradas oportunidades, la vedette se ha expresado ambigua a la hora del sexo. Y sus declaraciones han despertado todo tipo de “ratoneo” en hombres y mujeres.

Semanas atrás, la rubia aseguró haberle tirado onda a Érika Mitdank y a Coki Ramírez y muchas fueron las veces que la oímos hablar con particular interés de Silvina Escudero.

Aunque la Ritó aún no concreta con ninguna de las mencionadas (hasta lo que nosotros sabemos), no deja de amagar en su intento en demostrar que “algo” le sucede, por ejemplo, con la ex de Matías Alé.

Esta tarde, mientras la vedette de “La Revista…” estaba haciendo una nota para Intrusos en Ideas del Sur, la aparición de Silvina Escudero pareció alegrar la tarde de la despampanante blonda.

Con buenas intenciones, la hermana de Vanina se acercó hasta el móvil para devolverle a María Eugenia una prenda que le pertenecía y, a partir del saludo inicial de las dos mujeres, la atracción de la Ritó por la Escudero traspasó la pantalla del televisor.

Luego de un intento de “pico” hacia la bailarina, María Eugenia Ritó correteó a su amiga hasta alcanzarla y tocarle la cola. Pero eso no fue nada, mientras la (también) ex de Tacho Riera se alejaba, la vedette seguía con sus ojos la parte trasera de su objeto de deseo.

No te pierdas el video de esta nota.

Aunque la noticia sobre el embarazo de Juanita Viale fue adelantada la semana pasada por Jorge Rial en Intrusos, ahora, la nieta de Mirtha, le reveló a la revista Caras que cursa un mes y medio de embarazo.

Recordemos que tras un año de mucha repercusión mediática por sus vidas privadas, Juanita Viale y Gonzalo Valenzuela intentan reafirmar su amor en el exterior.

En las últimas semanas, los actores disfrutaron del calor de las paradisíacas playas de Costa Rica.

Juana y Manguera llegaron a San José de Costa Rica el martes 16 y lo primero que hicieron fue visitar el consulado ya que planean radicarse un tiempo en ese país. Luego de unos días de descanso la pareja regresó a Buenos Aires para reencontrarse con sus hijos.

Ella tiene previsto regresar a los escenarios el 19 de septiembre con la obra “La celebración” producida por el propio Valenzuela y Benjamín Vicuña.

Hasta el momento, la pareja tiene a Silvestre Valenzuela. Ella, además, es mamá de Ámbar de Benedectis. Sus últimos dos embarazos también fueron anunciados por el programa de América.

El Indio Solari se reencontró anteanoche con su público y desató una nueva fiesta rockera que hizo vibrar a más de 100.000 fanáticos de todo el país que se congregaron en el autódromo de la ciudad bonaerense de Junín, a partir de una propuesta en la que condensó buena parte de su carrera solista y de su historia con Los Redonditos de Ricota.

“Cuídense a la vuelta, manejen los que están sobrios” y “Cuidemos a Junín, que es la ciudad que nos alberga”, fueron algunas de las frases que deslizó el artista a lo largo de un show de dos horas y que fueron bien recibidas por un afectuoso y apasionado público.

Una acertada lista de 27 temas, en la que intercaló piezas de su etapa con Los Redondos como “Tarea fina”, “Yo caníbal”, “La hija del fletero” y “Nadie es perfecto” con canciones de la trilogía que registró a lo largo de su carrera solista, entre los que sobresalieron “Pabellón séptimo”, “El tesoro de los inocentes” y “Flight 956”, fue festejada por una multitud que ayer se adueñó de la ciudad bonaerense de Junín.

El cansancio en el público tras haber viajado durante horas, de caminatas de hasta 5 kilómetros para llegar al predio, y de una “previa eterna” que se vivió desde el mediodía, le quitó cierto protagonismo a este mega show, aunque no opacó la ceremonia artística que propone el Indio y Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado.

Una voz en la inmensidad. “Disculpen si pifio cuando canto, tengo el viento en contra”, dijo el cantante para graficar una situación que afectó a muchos, ya que si bien el sonido era impecable, no llegaba a todos los rincones del autódromo y por momentos se perdía entre un público algo disperso ante la inmensidad del lugar. Promediando la noche, llegaron los acordes de “Murga de la virgencita”, que dio lugar a uno de los pasajes más emotivos, cuando el Indio, quien en estos días se había mostrado conmovido por el caso de Candela, la niña asesinada en Hurlingham, abogó: “Cuiden a las nenitas del barrio, la prostitución es una elección de los adultos”.

En esta presentación el Indio eligió abrir el recital con los temas más potentes de su tercer álbum “Perfume de la tempestad”.

“Todos a los botes”, “El tábano en la oreja” y “Ceremonia durante la tormenta” fueron bien recibidos por un público de todas las edades que luego también disfrutó de un popurrí de Los Redondos, entre los que no faltaron los clásicos rocanroles “Vamos las bandas”, “Ñam Fri frufi fali fru” y el siempre esperado “Jijijí”, que una vez más cerró el concierto con el pogo más grande del mundo.

El séptimo recital del Indio en su carrera solista y el segundo que encara en el año, iba a realizarse en mayo pero el cantante, de 62 años, decidió posponer la cita a raíz de la bengala que el 30 de abril mató a Miguel Ramírez durante un recital de La Renga en La Plata.

Anoche no hubo bengalas, se destacó un buen trabajo en el operativo de seguridad y en la organización en general, que estuvo a la altura de las exigencias de un espectáculo de tal magnitud.

El periodista y conductor, Chiche Gelblung, se animó a las plumas en el musical de Sábado show, el programa que conducen Denise Dumas y Jose María Listorti por Canal 13.

Vestido con un smoking blanco, Chiche, de 67 años, jugó a ser el dueño de un cabaret junto a veinte bailarines. En el musical, se movió al son de un popurrí de canciones de jazz,  acompañado por efectos especiales y una escenografía al mejor estilo Moulin Rouge.

La grabación se hizo el jueves en los estudios de Ideas del Sur, previo ensayo de hora y cuarto ya que si bien estaba estipulado de 17 a 19 “a las 18.15 Chiche lo dio por terminado”.

“No se cómo estoy, ni cómo llegué acá, pero me divertí bastante”, comentó Chiche al terminar su actuación. Fiel a su estilo, le preguntó a las bailarinas: “Chicas, ¿quieren seguir bailando?”.

“Estaba muy tranquilo, tal como es él. Si bien no es un tipo ágil, se lo vio bien, divertido, se hacía el galán y le tiraba besos a las bailarinas, pero fiel a su estilo de no mostrar tanto sus emociones”, dijeron desde la producción.

Cuando terminó el baile, alguien le preguntó si se animaba a estar en “Bailando por un sueño”, a lo que respondió con humor: “Yo estoy para el 'Bailando' pero de la tercera edad”. 

Miles de curiosos se concentraron anoche frente al Teatro Nokia de Los Angeles, para el estreno mundial de la esperada película "Amanecer: Parte 1", penúltima cinta de la saga "Crepúsculo".

El desfile de estrellas por la alfombra negra duró varias horas, acompañado por fuertes aplausos y gritos de los fans, muchos de los cuales acamparon durante días frente al complejo para obtener un lugar en las primeras filas.

El actor Robert Pattinson, de 25 años, que interpreta al vampiro, su rival Taylor Lautner, de 19 años, y por supuesto la actriz Kristen Stewart, de 21, dieron autógrafos y posaron con los fans.

En la cuarta parte de la saga de los vampiros, basada en el bestseller de la escritora estadounidense Stephenie Meyer, la estudiante Bella podrá casarse por fin con su gran amor, el vampiro Edward.

Meyer se asombró por la gran afluencia de personas. Fue "emocionalmente raro" filmar el casamiento, dijo a periodistas sobre el punto culminante de la nueva saga.

Tras el estreno mundial en Los Angeles, la película se exhibirá a partir del 18 de noviembre en Estados Unidos y Reino Unido.

El cuarto libro de la saga de vampiros fue llevado a la pantalla cinematográfica en dos partes. Para el gran final, los fans deberán esperar hasta noviembre de 2012.

Tenemos dos pares de entradas para el show que Silvio Rodríguez ofrecerá este sábado en el Hipódromo del Parque de la Independencia y una puede ser tuya.

Para participar tenes que ser seguidor de La Capital en Twitter o fans en Facebook. Si aún no sos ninguna de las dos cosas, podés hacerlo ahora.

 
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La Promoción será válida en Rosario (el “Territorio”) desde el 09/11/2011 al 11/11/2011 (el “Plazo de Vigencia”) y se regirá por las Bases y Condiciones Generales de la Promoción. Los premios ofrecidos en el marco de la Promoción son los siguientes (el/los “Premio/s”):   cuatro (4) plateas altas sin numeras con un valor unitario aproximado de pesos doscientos ($200.00 ) para el recital de Silvio Rodríguez el 12 de noviembre de 2011 en el Hipódromo del Parque de la Independencia -  El valor total de la Promoción, resultante de la suma del valor unitario de cada uno del/los Premio/s, será de pesos ochocientos ($800.00).

El cierre del concurso será el 11 de noviembre a las 11 hs. (el “Sorteo”). Los 2 ganadores (2 entradas para cada uno) serán elegidos utilizando el sistema random.org y se llevarán dos entradas cada uno. Los ganadores deberán seguir a La Capital en Facebook o Twitter  y haber completado sus datos en el formulario. La entrega de los premios se realizará en Diario La Capital ( Sarmiento 763 – Rosario) el 11 de noviembre entre las 15 y las 19. 

Belfast. - La entrega de los MTV Europe Music Awards se convirtió hoy en una cruzada triunfal para la reina del pop Lady Gaga. La cantante estadounidense de 25 años se llevó cuatro trofeos, hizo delirar a los 8.000 seguidores en Belfast y una vez más encandiló con su llamativo vestuario.

Casi todos los premios fueron este año para astros norteamericanos. Hubo un sólo premio que no cruzó el Atlántico. El “World Wide Act” fue para la banda surcoreana Big Bang, que se impuso en la votación online a la estadounidense Britney Spears o la alemana Lena, entre otros.

En las dos horas y media que duró el show, casi todo giró en torno a Lady Gaga. Ya en 2010, la cantante se había llevado tres premios MTV europeos.

Según los fans europeos de MTV, Lady Gaga ofreció la mejor canción con “Born This Way” y el mejor video, basado en ese tema. Además, fue elegida mejor artista femenina y artista con la mayor cantidad de fans.

El cantante canadiense Justin Bieber fue elegido mejor artista masculino y mejor astro pop. Su novia Selena Gomez ofició de moderadora durante la velada.

Por otra parte, el hawaiano Bruno Mars también se llevó dos galardones: mejor artista revelación y mejor actuación apoyada por MTV. La banda de rock Thirty Seconds To Mars fue elegida mejor grupo alternatuvo.

Mejor artista de hip hip fue Eminem. Y los premios a la mejor actuación en vivo y a la mejor banda de rock fueron para Kate Perry y Linkin Park, respectivamente.

Durante el encuentro, que se emitirá en vivo por la web de la radio,  actuarán los grupos rosarinos Cielo Razzo, Vudú, Los Vándalos, Coki & The Killer Burritos, Carmina Burana, El Regreso del Coelacanto, El Caño y Trakus, entre otras bandas. La conducción estará a cargo del Lalo Mir.

Diego Capusotto donó la campera negra que usó para caracterizarse de Bombita Rodríguez, su festejado personajes del programa de humor que protagoniza por la Televisión Pública, para que sea sorteada durante el festejo. La recaudación se donará a la asociación civil sin fines de lucro La Colifata.

El músico francés Manu Chao, que en sus visitas a la Argentina se acerca al Hospital Bordas para colaborar con La Colifata,  mandó un saludo especial con motivo de los festejos de los 20 años de la emisora. También expresaron su apoyo al proyecto el cineasta Francis Ford Coppola y el cantante Javier Calamaro.

Las cámaras captaron el jueves 22 de septiembre, a las 12, al exitoso Marcelo Tinelli relajándose frente a las piscinas del exclusivo hotel Encore, uno de los más lujosos de la ciudad de Las Vegas. Con categoría 6 estrellas, el hotel elegido por Tinelli ofrece una estadía de primer nivel: en sus pasillos están las tiendas de las marcas más importantes del mundo. Marcelo viajó junto a sus hijas mayores, Micaela y Candelaria, y sus respectivos novios. Antes de viajar, dejó grabados los programas del jueves y viernes pasado.

Nada que ver tiene la artista soul con otros recientes fenómenos musicales, como Lady Gaga o Katy Perry, que buscan la notoriedad con sus llamativos modelos, sus videos y a base de titulares en la prensa.

Adele no cumple los actuales cánones de belleza basados en la delgadez y normalmente aparece sobre el escenario vestida de negro y acompañada únicamente por un piano. Aún así, su disco es número uno en Estados Unidos desde hace 18 semanas. En conjunto, los ingresos de "21" y "19" (su primer trabajo) supusieron en 2011 el 2 por ciento de las ventas en el sector musical estadounidense.

En realidad, el rapero Kanye West tiene incluso una nominación más que Adele, pero quien podría hacerle verdadera sombra a la cantante de 23 años es Bruno Mars, de 26, que también recibió seis nominaciones.

Los Foo Fighters consiguieron también seis candidaturas pero el resto de favoritos van muy por detrás de ambos: Lady Gaga opta a sólo tres Grammy (entre ellos a mejor álbulm) y Katy Perry podría conseguir como máximo dos. Y la triunfadora de la pasada edición, Lady Antebellum, únicamente está nominada al premio a mejor álbum de música country.

Aún así, hay que contar también con el factor de la imprevisibilidad: el año pasado, el rapero Eminem llegó a los Grammy con diez nominaciones pero sólo se alzó con dos premios.

En la categoría de mejor álbum latino (pop, rock o urban), se disputan el Grammy los puertorriqueños Calle 13 ("Entren los que quieran"), los mexicanos Maná ("Drama y Luz") y Gustavo Galindo ("Entre la ciudad y el mar") y los venezolanos La Vida Bohème ("Nuestra") y Los Amigos Invisibles ("Not So Commercial").

Este estilo musical tuvo más suerte que otros, como el gospel, el latin jazz o la música indígena: este año los organizadores de los Grammy redujeron las categorías a concurso de 100 a 78. Así que decenas de artistas se disponen a manifestarse contra esa decisión, en contra de la que están estrellas como Carlos Santana o Paul Simon.

Por otro lado, la gala que este año conducirá el rapero LL Cool J, contará con otro protagonista, el fallecido cofundador de Apple Steve Jobs. La Academia de Grabaciones Discográficas de Estados Unidos le entregará un Grammy honorífico póstumo por su contribución a la industria musical.

Firme

Adele no está dispuesta a ceder a la presión de la moda. “No quiero ser una flacucha que enseña los pechos”, dijo.

"Hugo Cabret"
Calificación: cuatro estrellas
Intérpretes: Asa Butterfield, Chloë Moretz, Ben Kingsley,.
Dirección: Martin Scorsese.
Género: aventuras.
Salas: Del Centro, Monumental, Showcase y Village.

¿Se trata de las aventuras de Hugo, un niño huérfano en el París de los años 30, o de un homenaje a George Méliès, el pionero del cine fantástico? En el inicio, el filme se centra en la historia del chico, su relación con el padre muerto, con una máquina que busca reparar; luego, de su vida marginal en la torre del reloj de la estación de trenes y su vínculo con el misterioso dueño de una juguetería. La historia asoma entre romántica y emocionante. Pero luego se vuelve evidente que a Scorsese no le interesa tanto Hugo como Méliès, y la historia del pobre chico aparece como un mero pretexto para narrar en 3D y con la tecnología más avanzada la historia del director de los primeros tiempos del cine. Desde el aspecto de vista técnico, el filme es sobresaliente.

J.L.C.

►Esos lazos de la familia

"Los descendientes"
Calificación: tres estrellas
Intérpretes: George Clooney, Shailene Woodley, Beau Bridges
Dirección: Alexander Payne.
Género: drama.
Salas: Monumental, Showcase, Del Centro, Sunstar y Village.

Es una candidata al Oscar, George Clooney actúa en un rol mucho más dramático si se lo compara con la mayoría de sus producciones, pero no por eso es una gran película. La acción se desarrolla en Hawai, a partir de la historia de un padre que tiene a su mujer en coma, y debe afrontar su derrotero con dos difíciles hijas adolescentes y un grupo de primos que mueren por sacar ventaja de un negocio famiiar. Los momentos más brillantes del filme de Alexander Payne (cuya mejor carta de presentación es “Entrecopas”) es cuando la trama se codea con la comedia y el buen modo en que el director muestra la calidez de los vínculos familiares. Lo peor es cuando la cámara se detiene excesiva cantidad de segundos sobre el rostro muribundo de Elizabeth, la madre de los secretos. Para ver y reflexionar.

P.S.

►Miedos de otras épocas

"La dama de negro"
Calificación: tres estrellas
Intérpretes: Daniel Radcliffe, Ciarán Hinds y Janet McTeer.
Dirección: James Watkins.
Género: suspenso.
Salas: Monumental, Showcase, Sunstar y Village.

Hammer Film Productions es una mítica factoría británica de películas y series de terror que hoy, resucitada, encara la remake de una cinta suya para TV estrenada en 1989 y basada en un libro de Susan Hill, al igual que la famosa obra de teatro. Un joven abogado es enviado a una gran mansión de un pequeño pueblo a ordenar el papeleo de un cliente fallecido. Allí observa que los lugareños, ante su paso, esconden a los niños. El secreto a voces habla del espíritu de una mujer que busca venganza por la muerte de su hijo y que habita la casona. Recreando el opresivo clima de los filmes de la Hammer, donde los objetos juegan un papel tétrico y los protagonistas nunca son tan buenos ni tan malos (aunque el halo potteriano siga sobre Radcliffe), el filme es un excelente tributo a aquellos miedos, que ya no son los de estos días.

O.V.

►Apenas una sombra

"Penumbra"
Calificación: una estrella
Intérpretes: Cristina Brondo, Camila Bordonaba, A. André.
Dirección: A. y R. García Bogliano.
Género: suspenso.
Salas: Monumental, Showcase, Sunstar y Village.

Marga (la pulposa Cristina Brondo) es una abogada española que viene a la Argentina un par de meses al año para atender distintos negocios. Entre estos, está ocuparse de alquilar un departamento en pleno barrio porteño de clase media. En medio de una trama poco creíble, la mujer queda a merced de unos clientes extraños, que tienen el objetivo de ocupar ese departamento para llevar adelante un plan macabro. El suspenso no llega nunca, el terror mucho menos, la película se hace tediosa, las actuaciones son pésimas y técnicamente es ampliamente inferior a cualquier ficción televisiva. Con el afán pretencioso de mostrarse como una comedia negra, “Penumbra” queda a mitad de camino de todos los géneros y se ampara en las primeras movidas del cine de terror argento. Adelante el terror, pero que sea del bueno.

P.S.

Lejos de mostrar guillotinas y sangrientos motines, esta coproducción franco-española dirigida por Benoet Jacquot (“Sade”, “La escuela de la carne”) se cuela entre los muros del palacio para evocar la sensualidad a flor de piel, mostrando una faceta hasta ahora poco conocida de la esposa de Luis XVI.

“Cuando interpretas a un personaje histórico todo el mundo tiene ya una opinión formada al respecto sobre cómo es o si les cae bien o no”, explicó Kruger (“Bastardos sin gloria”). “En el caso de María Antonieta, su fama es la de una reina terrible y caprichosa, pero yo intenté no juzgarla”.

La película es narrada bajo la mirada inocente de la joven Sidonie (Léa Seydoux), una lectora de la reina capaz de hacer lo que sea por agradarla. Ella y la duquesa de Polignac conforman un peculiar triángulo amoroso dominado por una María Antonieta desbordada.

Para la actriz alemana el personaje de la reina posee algunos paralelismos con su vida: al igual que María Antonieta, que era de origen austríaco, ella también se trasladó a París en su juventud, donde comenzó una carrera como modelo, para más tarde dedicarse a la interpretación. Además, dijo sonriendo, nació un 15 de julio, un día después de la famosa toma de la Bastilla.

El Anfiteatro “Pedro Carossi”, con una capacidad para diez mil personas, presentará hoy en su apertura la convocante figura del Chaqueño Palavecino.

El festival, que tuvo su primera edición en 1965 llegó a la cúspide en su tercera edición (1967), donde desfilaron 105 artistas durante 9 noches, entre los que se encontraban nombres centrales de la música popular argentina como Atahualpa Yupanqui, Astor Piazzolla, Aníbal Troilo y Los Chalchaleros. Los tiempos felices se acabaron en 1976 con la llegada de la dictadura militar que lo llamó a silencio, siendo el único de los grandes festivales que se prohibió, quizás por su fama de “pluralista, contestatario y alternativo”. Con el advenimiento de la democracia, en 1983, Baradero intentó recuperar su historia y su identidad, pagando el alto precio de varios años de silencio.

El Chaqueño Palavecino, quien actuará en la jornada inaugural, dijo que “en mi caso soy un eterno agradecido a este festival porque siempre me recibió con los brazos abiertos y con el paso de los años y con mucho esfuerzo y dedicación, se convirtió en uno de los más importantes del país”. Con respecto a su actuación, Palavecino comentó que va a cantar los temas de su último disco “Mi cielo terrenal” además de los clásicos de su carrera como “Amor salvaje”, “A Don Amancio” o “La yapa”. (Télam)

Desde Angelina Jolie a Robert Pattinson, la superestrella de Bollywood Shah Rukh Khan, Uma Thurman, Isabelle Huppert, Clive Owen, Christian Bale y, como no, Meryl Streep, que será homenajeada apenas unos días antes de la ceremonia de los Oscars, la lista de estrellas este año sí es rutilante. Y a ella se suman una buena selección de astros hispanoamericanos, como la mexicana Salma Hayek o los españoles Antonio Banderas y Javier Bardem.

La encargada de abrir el telón es la coproducción franco-española "Les adieux à la reine", con la alemana Diane Kruger ("Inglourious Basterds") en el papel de Maria Antonieta. En total, 18 películas de Francia, Italia, Indonesia, Estados Unidos, Senegal, o Grecia, entre otros países, competirán por el Oso de Oro que entregará un jurado presidido por el británico Mike Leigh.

La lengua de Cervantes también se escuchará en la sección oficial con el thriller "Dictado", del español Antonio Chavarrías. Entre sus rivales se destacan la estadounidense "Jayne Mansfield's Car" (Billy B. Thornton), con Robert Duval y Kevin Bacon; "Captive", en la que el filipino Brillante Mendoza dirige a Isabelle Huppert o "Bai lu yuan", del chino Wang Quan'an, ganador del Oso de Oro 2006 por "La boda de Tuya".

El cine del país anfitrión estará presente con tres filmes: "Gnade", "Barbara" y "Was bleibt". Desde Italia, los hermanos Paolo y Vittorio Taviani presentan la shakesperiana "Cesare deve morire", mientras que de Dinamarca llega el filme de época "Royal Affaire" y desde Portugal el melodrama "Tabu", parcialmente en blanco y negro. Completan la lista la húngara "Just The Wind", la canadiense "Rebelle", la griega "Metéora", la indonesia "Postcards From The Zoo" y las francesas "A moi seule" y "L'enfant d'en haut", coproducida con Suiza.

No obstante, la sección oficial guarda también algunas perlas fuera de concurso. Por ejemplo, la británico Stephen Daldry presentará su adaptación del bestseller sobre el 11-S "Extremely Loud and Incredibly Close", protagonizado por Sandra Bullock y Tom Hanks.

Norma Aleandro, estrella invitada en la tira, aparece como una vidente misteriosa en el primer bloque de la telenovela de El Trece (que se emite, de lunes a jueves, a las 22.30, por Canal 3), con una frase demoledora: "Ese hijo está maldito, mátelo". Quien recibe ese mensaje no es otro que Leopoldo Díaz Pujol (Gerardo Romano).

La maldición dice que el día que cumpla 30 años el séptimo hijo varón de su familia se convertirá en lobo en una noche de luna llena.

La acción se traslada tres décadas después. Lucas Moreno (Heredia) vive su noche especial, simplemente porque va a cumplir 30 años y además porque está empecinado en resolver su problema de identidad.

El sabe que fue abandonado de niño, y que la mujer que lo rescató le dio indicios que su padre podría ser quien, ahora, es dueño de un poderoso holding empresario.

Lucas quiere entrar a esa empresa como diseñador, pero más que nada toparse cara a cara con quien cree que es su padre, nada menos que Leopoldo Díaz Pujol.

La historia se va a cruzar con otra, que es la de Ana Linares (la ascendente actriz Vanesa González), quien entra a trabajar como operaria en la empresa de los Díaz Pujol y es invitada a una fiesta de la empresa, a la que concurrirá un poco en contra de su voluntad. Allí también asistirá otro invitado sorpresa, Lucas, atraído por su belleza, y Andrés Díaz Pujol (Esteban Pérez), quien intentará seducirla de todas maneras.

En medio de la fiesta, y mientras el villano Lisandro Díaz Pujol (Osvaldo Laport) muestra miserias personales para desbancar a su hermano Leopoldo, se produce un hecho clave. El jefe de personal de la empresa acosa a Ana en una zona arbolada cercana a la fiesta y le dice que no diga nada o la va a matar. En ese momento, entra en escena el hombre lobo. Lucas siente que su cuerpo se transforma. La imagen remite a la transformación de "Hulk", pero es efectiva. El animal mata a su presa, en un gesto justiciero y también de amor salvaje.

Lo que mejor manejó la dirección de actores de "Lobo" fue el momento en que Ana percibe la presencia de esa rareza mezcla de animal y de humano. La cámara subjetiva da a entender que ella lo observa, pero el rostro de Ana no delata terror sino ternura. En ese gesto está el comienzo de una historia de amor que hace un link con "La bella y la bestia", con "King Kong" y hasta con "Crepúsculo", pero no por falta de originalidad es menos atrapante. Bien vale sucumbir ante las garras de este nuevo animal de la tele.

Herederos

"Herederos de una venganza" tiene fecha del capítulo final. El cierre de la historia se verá por Canal 3 el lunes 13 de febrero. Para dejarle la pantalla caliente a "Lobo", la tira protagonizada por Luciano Castro y Romina Gaetani comenzará a las 22 y los capítulos durarán sólo media hora. Las emisiones que restan se verán hoy, mañana y el lunes.

El otro largometraje argentino es "Escuela Normal", un documental de Celina Murga, donde la autora de "Una semana solos" registra un año en la vida de los estudiantes secundarios de la Escuela Normal 5 de Paraná, la primera de su tipo fundada por Domingo Faustino Sarmiento.

Además de estos filmes, "Nosilatiaj. La Belleza", ópera prima de la cineasta argentina Daniela Seggiaro, competirá en la sección Generation del certamen alemán, a donde llevará la historia de Yolanda, una joven de la comunidad indígena wichi que trabaja como empleada en casa de una familia criolla.

McCartney recibirá su estrella, la número 2.460, el próximo 9 de febrero.

La placa se situará en la esquina entre Hollywood Boulevard y Vine Street, justo delante del histórico edificio de la discográfica Capitol Records, uno de los legendarios sellos que impulsaron la carrera en Estados Unidos de la banda inglesa así como la industria de la música.

Allí tienen también su estrella Ringo Starr y los fallecidos John Lennon y George Harrison.

Además, los cuatro compartirán a partir de ahora una estrella a los Beatles en el famoso paseo.

En 1988, John Lennon fue el primero de la banda en ser honrado con una placa, ocho años después de su asesinato.

McCartney tendrái un mes más que especial. Es que al día siguiente de ser inmortalizado en el Paseo de la Fama será condecorado como "persona del año" por la fundación MusiCares en vísperas de la gala de los Grammy. Con ello, la fundación reconoce especialmente las iniciativas humanitarias del artista.

Además, McCartney podría alzarse el 12 de febrero con otro premio en la gala de los Grammy, ya que está nominado por su álbum "Band On The Run" en la categoría de mejor álbum histórico. Como si fuera poco, el universo del rock y el pop a escala mundial está a la expectativa del lanzamiento de su nuevo álbum, "Kisses On The Bottom", que estará a la venta desde el lunes 6 de febrero.

"Kisses on the Bottom" contiene catorce canciones tradicionales, algunas de la primera mitad del siglo XIX, que el pequeño Paul solía escuchar tocar a su padre en el piano en su casa de Liverpool.

Paul McCartney salió a aclarar la razón del título de su nuevo disco "Kisses on the Bottom", y que no implica ninguna procacidad como podría suponerse.

Se refiere a la letra de una canción de Fats Waller incluida en el álbum, "I'm Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter" (ahora mismo me voy a sentar a escribirme una carta a mi mismo), con la cual el protagonista se consuela ante el abandono de su pareja. Y la expresión "A lot of kisses on the bottom" se refiere al montón de besos que al final de la misiva se enviará a sí mismo al final (on the bottom).

Con la ayuda del legendario productor ganador del Grammy Tommy LiPuma y estrellas de la talla de Diana Krall, Stevie Wonder y el talentoso Eric Clapton, este material es un viaje personal por las composiciones clásicas del cancionero norteamericano.

Gastón Gaudio grabó una participación especial en "Los graduados", la ficción que pronto estrenará Telefe.

Tras retirarse de la actividad profesional, el tenista podrá verse en la tira como paciente de Vicky (Paola Barrientos), íntima amiga de Loli (Nancy Dupláa). Su papel será del propio Gaudio que acude al consultorio de la profesional ya que necesita una guía psicológica.

Loli no podrá soportar la curiosidad de conocer detalles de la vida privada del deportista y se lo transmitirá a su amiga.

"Los graduados", la novela que Telefe coproduce junto a Underground y Endemol, cuenta con los protagónicos de Nancy Dupláa y Daniel Hendler, y es una de las tiras fuertes para este año.

Aún sin fecha definida de estreno, se destaca por contar con un elenco de alta calidad, integrado por Luciano Cáceres, Juan Leyrado, Roberto Carnaghi, Mirta Busnelli, Julieta Ortega, Mex Urtizberea, Isabel Macedo, Juan Gil Navarro, Violeta Urtizberea, Mercedes Scapola Moran y Paola Barrientos, entre otros.

Este sería el primer paso de "El Gato" Gaudio como actor, pero no sería el último. Como amigo de Sebastián Ortega, principal productor de la tira, el tenista podría volver a ser convocado para sentarse en el diván.

En tanto, la primera entrega del ciclo de directores de la provincia será "Hombres de ideas avanzadas", del realizador rosarino Diego Fidalgo, basado en el libro "El fusilamiento de Penina", de Aldo Oliva y sobre el asesinato del anarquista catalán. También se verá "El hombre de los guantes", del santafesino Patricio Agusti, que recorre la vida de una leyenda del boxeo, Amilcar Brusa. Otra de las propuestas será "La infinita distancia", ópera prima de Florencia Castagnani y completan la grilla "Alta en el cielo", de Julio Vacaflor, que se proyectará en homenaje al Bicentenario de la Bandera.

La película, también conocida como "Criadas y señoras", dispara su relato a partir de la historia de Eugenia "Skeeter" Phelan (Emma Stone), una chica de la alta sociedad sureña, que regresa de la universidad dispuesta a convertirse en una audaz escritora.

Ella entrevistará a las mujeres negras que se han pasado la vida trabajando al servicio de las grandes familias de la zona. Esto sembrará una verdadera revolución en su círculo de amistades y en una pequeña localidad de Mississippi, llamada Jackson, en el sur de Estados Unidos.

Aibileen Clark (Viola Davis, en otra magistral actuación) es una criada negra, que ha criado a 17 niños blancos. Tras perder a su hijo, mientras sus jefes blancos miraban para otro lado, Aibileen siente que algo ha cambiado en su vida y se compromete con la educación de la niña que tiene a su cargo, que la llama la "verdadera" mamá. Minny Jackson (Octavia Spencer) es la mejor amiga de Aibileen, una mujer bajita, regordeta y de fuerte carácter, que no le es suficiente para detener a su marido golpeador.

Tras quedarse sin trabajo, recalará en la mansión de Celia (Jessica Chastain), una mujer rechazada por las mujeres paquetas y que encontrará en su sirvienta negra una ayuda para encauzar su vida.

Eugenia, Aibileen y Minny se unirán para llevar a cabo un proyecto clandestino que supondrá un gran riesgo para ellas, sin embargo se embarcan en él con el fin de tratar de liberarse de las ataduras de la época, la ciudad y de los prejuicios de sus habitantes. Planteado como una denuncia a las injusticias raciales, el filme también da lugar a la comedia sostenida en un destacado elenco.

Nominaciones

A las puertas del Oscar, "Historias cruzadas" está nominada a mejor película,mientras que Viola Davis, que había sido nominada por "La duda", ahora tiene la posibilidad de levantar la estatuilla como mejor actriz. En tanto, Octavia Spencer y Jessica Chastain competirán por mejor actriz de reparto.

Quien haya visto su canto del cisne, la puesta de "Bodas de sangre", de Federico García Lorca, que había subtitulado "Un cuento para cuatro actores" y en la que también actuaba, habrá entendido esa forma total de comprensión del teatro que pocos directores poseen.

Esa capacidad lo condujo a una carrera en la que se comprometió con la actuación, la dirección y la docencia, y le granjeó una popularidad que a su pesar provino de la TV, donde como miembro del "clan" Stivel escribió "Cosa juzgada", una serie de unitarios que delataban su conocimiento del asunto legal.

En diferentes épocas de su vida fue secretario general de la Asociación Argentina de Actores, director general del Teatro General San Martín, director de Canal 7 y hasta sus últimos días titular local del Celcit (Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral).

Gené había nacido en Buenos Aires el 6 de noviembre de 1929 y luego de cursar la primaria en una escuela religiosa y la secundaria en el colegio Mariano Moreno, hizo tres años de Abogacía hasta que descubrió que no era lo suyo.

Sin embargo, la facultad lo vinculó con el teatro y en concordancia con Duilio Marzio y el recordado Roberto Durán emprendieron un espectáculo que al principio pensaban reservar a la experimentación y finalmente presentaron en el desaparecido Teatro Comedia de Buenos Aires.

En 1953, por estímulo de su hermano Enrique y junto a Durán actuó en "Dulcinea", una adaptación del texto cervantino en el que interpretaba el rol de Sancho Panza, ya que en aquella época "tenía 30 kilos más que ahora", dijo en 1971.

Poco tiempo después, en 1954, estrenó en el ex Teatro de la Luna "El herrero y el diablo", que fue su caballito de batalla y disfrutó de varias versiones propias y ajenas, además de consagrarlo como un dramaturgo impar.

Su trabajo como actor en las películas "Quebracho" y "Tute Cabrero" y su labor de libretista del filme "La Raulito" y "Cosa Juzgada", en televisión le dieron otro aire.

Sin duda, a partir de allí se posicionó como una figura de peso, que supo combinar sus distintas facetas y siempre mostró un perfil transgresor y comprometido. Como actor también trabajó en "Alta Comedia" y escribió varios textos teatrales relacionados con la obra del español Federico García Lorca.

La dictadura militar lo impactó como a tantos creativos en esos tiempos, y tuvo que seguir su labor en otras tierras. Así fue que en 1976 se exilió en Venezuela, donde fundó el Grupo Actoral 80, integrado al Celcit, en el que participaron actores como Aroldo Betancourt y Fermín Reyna.

Gené regresó a la Argentina en 1993 y se desempeñó como director general de Canal 7 y director del Teatro San Martín de Buenos Aires.

En 2007 presentó su obra "Todo verde y un árbol lila", escrita a partir de una serie de cartas reales de una niña judía perseguida en Europa en la década del 30 que intenta emigrar a la Argentina, en la que conversaba con el público sobre los hechos.

En 2010, dirigió y actuó en una de las obras clásicas de García Lorca, "Bodas de Sangre". El año pasado dirigió otro clásico, "Hamlet", de William Shakespeare, protagonizado por Mike Amigorena, Luisa Kuliok y Esmeralda Mitre.

En teatro fue autor de "El sueño y la vigilia", "Memoria del cordero asesinado", "La hierbabuena", "Yo tenía un mar", "El inglés" y "Se acabó la diversión", entre otras. Además protagonizó "Copenhague", en 2002, en cuya gira teatral por el interior visitó La Comedia, de Rosario.

Ya en su vejez, reflejó en una nota a un medio gráfico una frase muy lúcida: "Mi sensación es la misma a cuando uno ha pasado una bella temporada de verano en un lugar. De pronto llega el otoño, se están yendo los veraneantes, cambia el clima: ese tono de las obras de Chejov. Uno mira todo y sabe que se tiene que ir. De todas maneras, no tengo apuro en hacer las maletas".

Al conocer su muerte, el director de teatro, Carlos Gorostiza, dijo que Gené "era como un hermano. Iba a dirigir mi última obra, pero no pudo. Qué pena que no lo pudo hacer". Gorostiza destacó que "todo lo que hacía lo sentía, lo necesitaba". El mayor mérito de Gené era su disciplina, su rigidez, a veces un poquitito exagerada", agregó. Gené ya no está, su obra sigue viva.

Manzotti poseía una extensa trayectoria en cine, teatro y televisión que inició en 1959 integrando el elenco de la puesta "El farsante más grande del mundo", protagonizada por Alfredo Alcón y Osvaldo Bonet. Más tarde llegó hasta a desempeñarse como vedette en el teatro Maipo.

Manzotti recordaba con humor sus inicios en la actuación, donde no rehuyó ningún género. Según contó a medios porteños, suponía, en los años 50, que su padre no aprobaría su decisión de ser actriz. Así, fue alumna del Conservatorio Nacional de Arte Dramático mientras supuestamente cursaba el profesorado de Historia.

De hecho, hasta aquel debut junto a Alcón mereció el acuerdo entre el actor y la familia. Resolvieron dar la versión de que su presencia en escena se debía a que alguien la había visto en una fiesta de la escuela donde advirtieron sus condiciones para la actuación. Así superó la prueba de una actividad que luego confesó a su padre y que le brindaría varios premios, entre otros, como el Talía, el Estrella de Mar, el Moliere y el Konex.

Entre otros trabajos en teatro, durante 1967 y 1969 acompañó a Libertad Lamarque en el musical "Hello, Dolly!".

Popularidad. Sin embargo, su popularidad llegaría a fines de los años 60 con su personaje de Bochita en "El botón", con Alberto Olmedo y Jorge Porcel. También actuó en "Los ángeles de Vía Veneto", en 1971, junto a Darío Vittori, en Mar del Plata. Y en cine, en 1996 y tras diez años sin actividad cinematográfica, retornó a ese medio con "Besos en la frente", junto a China Zorrilla

Nacida en Pergamino, a los cuatro años su familia se mudó a Buenos Aires, pero nunca perdió su cariño por las ciudades más pequeñas y por la atmósfera de las provincias.

Así lo recordó durante una entrevista en 2004 con La Capital a raíz de la presentación de "Síndromes", uno de los tantos espectáculos que la trajeron a la sala Empleados de Comercio. Allí hablaba sobre las patologías, manías y obsesiones, sobre todo de los habitantes de las grandes ciudades. "En las provincias tienen más suerte que los porteños porque no tienen subte y tienen siesta", dijo. En Rosario actuó también en salas como Aureliano y el desaparecido teatro Olimpo.

Televisión. El humor, uno de los rasgos de su personalidad, estaba presente aun en los trabajos en los que se comprometía con la actualidad. Así ocurrió en "La borra de la yerba", estrenada en Rosario en 1996, que hablaba del futuro con tono premonitorio a través de dos desamparados del 2001, "dos más de los que en ese año viven en las veredas porque no tienen plata para el alquiler", dijo sobre esa pieza coescrita junto a Beatriz Mosquera.

Su última actuación en la TV fue en la telenovela protagonizada por Facundo Arana "Vidas robadas". También con ironía encaraba su ausencia de la pantalla chica, donde fue parte de numerosos ciclos aunque no siempre con la continuidad deseada. "Me cansé de que me levanten los programas, de no poder elaborar los personajes y de la falta de dirección de actores", aseguró.

Y con el mismo humor remató: "Voy a tener que salir de nuevo en televisión haciendo pavadas porque mi público ya se está muriendo y me tengo que hacer conocer por los más jóvenes".

Dueña de un cuerpo envidiable, la melliza griega Victoria Xipolitakis salió de paseo por las callecitas de Mar del Plata y logró cautivar a los transeúntes que admiraron el esplendor d la muchacha.

Y es que Vicky, aprovechó el calor de la feliz y salió semidesnuda a recorrer la ciudad balnearia, seguida de cerca (de muy cerca), por una multitud de fervorosos admiradores.

La actitud de la Xipolitakis, bien podría ser una nueva excusa para el Mago Sin Dientes, quien anda rondando a la niña.

El pasado domingo, el ilusionista, protagonista de “Tonto y Retonto” (Teatro del ángel), acudió, cegado de amor, hasta el teatro para saludar personalmente a Vicky y le regaló un ramo de flores.

Ante tamaña muestra de amor, la melliza griega le cerró las puertas: “Tiene que remar y remar. Igual, el mago no es un perfil mío. Gracias por fijarse en mí”, le dijo.

Pero Pablo no se da por vencido: “Voy a insistir porque es la persona que me gusta. Si ningún seductor pudo estar con ella, ¿por qué no puedo estar yo?”, le contó el Mago a Primiciasya.com.

¿Qué nuevas ténicas de conquista estará planeando ahora el Mago, luego de ver que su amada se pasó casi desuda por Mar del Plata? ¡Cuidado Vicky!

Más suelto que nunca, el protagonista de “Mi novia, mi novio y yo” volvió a someterse al increíble cuestionario que Estelita, (Jey Mammon) le realiza a los famosos que pasan por su espectáculo.

“En mi vida hice todo. Estuve en partuzas con hombres y mujeres y llegué a estar con cuatro hombres solos. Nunca tuve sexo con travestis, no me gustan las cosas raras, a medias. O mujeres u hombres”, arrancó Fort acerca de su sexualidad.

“En la cama nunca entregué la cola, soy activo. ¿Si trago o escupo? Escupo, no quiero quedar embarazada”, agregó Fort, quien además confesó que nunca usó consoladores.

Sobre Claudia Ciardone, Ricardo Fort graficó en una pizarra el sexo de su ex: “Claudia Ciardone tiene la nena pequeñita y apretada, no entra y sale fácil”, disparó.

“No sé cuánto sale el litro de leche. Tampoco sé lo que es un subte porque nunca me subí a uno”, dijo y luego le contó a Estelita que “Mis hijos van al cole pero no sé cómo se llaman sus maestras”, confesó al respecto de su realidad aparte a la del común de los mortales.

Durante la entrevista, Richard también recordó a Marcelo Tinelli: “Me parece un tipo atractivo. Le tengo respeto pero me gusta”. Y también, destacó que Joaquín Starosta le parecía más atractivo que Guido Süller.

Roberto "Negro" Moyano, quien reemplazará a Mario Vidoletti por dos funciones, es quien sale a relucir primero con un divertido monólogo que provocan la risa y el aplauso del público.

Con la dirección de Manuel Cansino, quien apuesta al teatro local con pasión y profesionalismo, el show propone números musicales muy bien logrados por un cuerpo de bailarines que se adaptan a todo tipo de ritmos, desde el clásico 2x4 hasta un moderno cuadro de música electrónica se fusionan con momentos de salsa y ritmos latinos.

Y no pueden faltar los cuadros románticos, donde Marcelo Barbosa brinda un show no sólo desde su dotada voz y desde lo actoral, sino que hasta se anima a liderar graciosas coreografías de mariachis.

Sin dudas la revelación de la nueva temporada del género revisteril rosarino es el periodista Juan Junco, que decidió subirse a las tablas e incursionar en una nueva veta que el espectáculo tiene para ofrecerle.

Monólogo de por medio, Junco dispara contra todos: Gustavo Yanczewski y Carmen Yazalde reciben algunos dardos, siempre desde la ingenuidad y el humor, un equilibrio que Junco parece dominar muy bien, tanto en el teatro como en la pantalla chica donde está al frente de la conducción de "Escenario Mercenario", y en Telenoche, por Canal 3. Un debut exitoso para alguien que se animó a contar sus fobias y a hablar de la farándula local y porteña.

La gran destacada de la noche fue la comediante Gachi Roldán, que asegura que "tiene todo para ser vedette menos el cuerpo" y quien es una parte trascendental de "Revistísima". Con su humor característico, fresco y perspicaz logra la identificación inmediata con el auditorio que estalla en carcajadas cuando habla de las crisis maritales.

Con un mix de cuadros musicales, sketches y monólogos subidos de tono que despertaron murmullos en el auditorio, "Revistísima" demostró una vez más que está a la altura de las grandes revistas. El show estará en cartelera todos los sábados hasta esta temporada de verano rosarina.

Aniversario

“Revistísima” es la última apuesta del director Manuel Cansino que cumple diez años con el género.

En el invierno de 2010, Martín puso un aviso en internet y on line conoció a Axel. El guitarrista y el baterista consiguieron rápidamente un cantante, Emanuel, y con otros componentes, el grupo se presentó en el club Saladillo y en el Galpón 11 de la costa central. Corría el verano de ese año y fue allí cuando, pensando en darle más identidad a su música, Pedro se integró con sus teclados. Con show en García terminaba el año.

Otro nombre. Ya en febrero de 2011 llegó Joaquín con su bajo y así quedó finalmente conformado Sicosis, que en realidad, en principio, no se llamaba así.

Emanuel, Martín, Pedro, Joaquín y Axel tenían como nombre Sicarius, en referencia a una de las arañas más ponzoñosas del mundo, aclaran, pero como en Rosario ya existía una banda llamada Sikarios, debieron modificar su nomenclatura. Cuentan que estuvieron pensando como “tres días”, y gracias a los consejos de “amigos y familiares” decidieron finalmente llamarse Sicosis.

“Una vez en Willie Dixon el jueves tocaba Sikarios y el viernes nosotros, Y ahí nos dijeron que nuestro nombre no daba, había que cambiarlo”, relata Martín sin que se le corra el flequillo.

“Le pusimos Sicosis porque nos interesaba mantener las dos eses del nombre anterior”, explica Joaquín. “Además, refleja la locura nuestra”, interrumpe el guitarrista. “Sí, queríamos conservarlas”, acota Emanuel.

—¿A la locura?

—La locura también.

Las risas sirven para que los chicos se larguen a desandar sus motivaciones y expectativas.

“La formación de ahora es la más profesional”, asegura Martín. “Estamos más unidos porque somos amigos. Antes tocábamos y cada uno a su casa. Ahora somos compañeros y amigos”, retoma Emanuel.

—¿Esa cercanía sirve a la hora de componer y tocar?

—Sirve para trabajar.Sirve para ponerse de acuerdo.

Martín es el más atento a la cuestión y el más verborrágico. Con una cadencia de saber dónde está parado, Emanuel es certero, mientras que como buen bajista Joaquín parece el más tranquilo. Sus ojos claros contrastan con los de Pedro, mientras que Axel acota.

—¿Cómo eligieron un estilo musical extraño para chicos de su edad?

“Sabemos que el rock melódico no está de moda en chicos jóvenes, pero tenemos influencias de bandas viejas, o digamos de otras épocas”, dice Martín. “Es metal clásico”, retruca Joaquín. “Es una especie de rock duro clásico”, agrega. “Con una pizca moderna”, le mete Emanuel.

Confiesan que tienen influencias de grupos como Rata Blanca, La Renga y otras bandas internacionales, sobre todo de Iron Maiden. “Queremos seguir manteniendo este estilo para que no muera nunca”, se atreve Joaquín. “Por eso le agregamos los teclados, que le dan un color distinto”, alienta Emanuel. “El estilo es clásico y los teclados ayudan mucho a estar más cerca de la música clásica”, propone Pedro. Axel asiente: “Es una mezcla de heavy metal y música clásica”.

Los chicos se sinceran y no dejan de agradecer a quienes los pusieron en el lugar de ganadores del concurso. “Ganamos por el apoyo de la gente. Nos votaron más de tres mil personas por internet, y lo más importante para nosotros es saber que tenemos el apoyo de esos tres mil. Porque juntar todos esos votos para pibes como nosotros no es fácil”.

Cuando se les pregunta que los diferencia de otros grupos, Emanuel no duda: “Es una banda virtuosa”. Y sobre su futuro, tampoco dudan: “Queremos hacer lo que más nos gusta hacer, que es tocar y divertirnos”, asevera Joaquín.

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood dio a conocer los nueve precandidatos al Oscar del rubro mejor película no hablada en inglés, mientras que el martes próximo se conocerán las cinco aspirantes finales.

La gran ceremonia de entrega de los premios tendrá lugar el 26 de febrero próximo en el Teatro Kodak de Los Angeles, y se transmitirá en directo a canales televisivos de más de 225 países.

Sin iberoamericanas. De las elegidas, entre las que no hay ninguna latinoamericana ni española, se destacan el documental "Pina" de Wim Wenders y la iraní "Una separación", de Asghar Farhadi, que se estrenará en marzo en la Argentina.

Junto a las obras de Farhadi y Wenders, se cuentan la belga "Bullhead" de Michael R. Roskam, la canadiense "Monsieur Lazhar" de Philippe Falardeau, la israelí "Footnote" de Joseph Cedar, y la taiwanesa "Warriors of the Rainbow: Seediq Bale" de Wei Te-sheng.

También aspiran a la esta tuilla dorada la producción marroquí "Omar Killed Me" de Roschdy Zem —el primer filme africano que llega a este capítulo de la competencia—, la polaca "In Darkness" de Agnieszka Holland, y la danesa "Superclásico" de Ole Christian Madsen, filmada en Buenos Aires.

En la película dinamarquesa cuyo título alude al clásico Boca-River, Estevanez interpreta a Juan Díaz, un futbolista estrella del plantel xeneize.

La historia trata de un danés que viaja a la Argentina para intentar recuperar a su esposa, una agente de fútbol que se enamoró del exitoso mediocampista de Boca Juniors.

En la segunda producción filmográfica de Ole Christian Madsen, de quien en la Argentina se conoció el drama bélico "Flame y Citron", el recién llegado descubrirá algo que cambiará por completo el rumbo de la historia.

Los cuestionamientos advierten sobre la aplicación de la medida sanitaria, cuyos defensores señalan que protegerá del sida y de otras enfermedades a los actores de la multimillonaria industria de la pornografía.

Los productores se quejan de que la exhibición de un condón en una escena de sexo desanima a los consumidores a comprar sus videos.

El Concejo Municipal de Los Angeles votó el martes por 9 a 1 la aprobación final a la medida, propuesta por la Aids Healthcare Foundation. La norma aún requiere la sanción del alcalde Antonio Villaraigosa.

Este paquete legislativo convierte a la ciudad de Los Angeles en la primera de EEUU que impone tal requerimiento. El estado de California obliga ya a los actores porno a llevar barreras cuando entran en contacto con fluidos humanos. Pero la norma se viola constantemente, dijo Michael Weinstein, presidente de Aids Healthcare.

Chau L.A. Mientras, el municipio se plantea aún cómo aplicar la obligatoriedad, que entrará en vigor en 90 días, algunos de los proveedores del cine porno dijeron que empacarán sus juguetes sexuales y abandonarán la ciudad si las autoridades insisten en sus intenciones de mandar a la policía a los sets de filmación para asegurar de que cada actor tenga puesto su condón. Los productores que no cumplan con la obligación perderán sus licencias.

Sin embargo, "será interesante ver cómo intentarán aplicarla y quién la financiará y todo el tiempo y esfuerzo que requerirá", dijo Steven Hirsch, cofundador y copresidente de Vivid, una de las mayores productoras de cine erótico.

La normativa prevé la creación de una comisión de jefes policiales, el fiscal de la ciudad y funcionarios de salud para determinar su aplicación.

"En última instancia descubrirán que la gente dejará de rodar en Los Angeles", añadió Hirch. Su productora, fundada en 1984, estaría entre las que contemplarían la mudanza.

Otros directivos del sector condenaron la medida a la que consideraron imposible de aplicar en una ciudad conocida como la capital nacional de la pornografía. Casi el 90 por ciento de las películas porno estadounidenses se realiza en Los Angeles.

Contando las películas, descargas por internet, juguetes y clubes, el sector genera ingresos por ocho mil millones de dólares anuales. En los últimos años ha sufrido los embates de la recesión y el porno gratuito por internet, y la obligación de usar condones también atentaría contra su rentabilidad.

Las guerras y escándalos no se dan tregua esta temporada de verano. Y ahora, la trifulca entre Alejandra Maglietti y Adabel Guerrero comienza a cobrar protagonismo.

Las chicas, ambas compañeras de elenco en “Excitante”- la obra que Nito Artaza y Miguel Angel Cherutti llevaron Mar del Plata- comenzaron a sacarse chispas.

Maglietti, tras haberse enfrentado con Jésica Cirio, se pone en pie de guerra contra Adabel Guerrero y hoy, en Desayuno Americano, salió al cruce de las declaraciones arrojadas por la bailarina, quien había dicho que su colega tenía que pagar “derecho de piso” dentro de la Compañía de los capocómicos.

“¿Decime en qué programa trabajó Adabel? Yo vengo haciendo otras cosas aparte del teatro. Cualquier persona en mi lugar se defendería de la mejor manera”, arrancó Magieltti en Desayuno Americano.

Y agregó: “Siempre me banqué todo lo que dijeron y nunca contesté, siempre todas sacan su currículum vitae cuando hablan y ahora es tiempo que yo diga todo lo que hice”.

“Voy a contar qué hice para que nadie me vea callada. No da bancarme todos los golpes, ya pasó esa etapa”, concluyó Alejandra Maglietti, insinuando que hoy, más que nunca, se encuentra preparada para batallar contra sus enemigas.

Nueva York.- YouTube lanzará un festival de cine por internet y eventualmente enviará a 10 finalistas al Festival de Cine de Venecia.

El portal de videos propiedad de Google anunció hoy jueves que Your Film Festival (Tu Festival de Cine) recibirá cortometrajes de hasta 15 minutos de duración entre el 2 de febrero y 31 de marzo. Quince semifinalistas serán seleccionados por Scott Free Productions, la casa productora de Ridley y Tony Scott.

Cincuenta cortos formarán un canal en YouTube: www.YouTube.com/yourfilmfestival. Ahí, los usuarios podrán verlos y votar por sus favoritos.

Los 10 finalistas serán llevados al Festival de Cine de Venecia, donde sus trabajos serán exhibidos en agosto. Ridley Scott encabezará un jurado que elegirá al ganador, que recibirá un premio de 500.000 dólares por parte de YouTube para producir una obra con Scott Free.

“A través de este programa, YouTube dará a los cineastas la oportunidad de llegar a un público muy amplio, proyectar su trabajo en pantalla durante el Festival de Cine de Venecia y la posibilidad de ser recompensados de una forma que cambiará su carrera”, dijo en un comunicado Robert Kyncl, jefe global de contenido en YouTube.

El año pasado, YouTube dio a conocer el documental “Life in a Day” (La vida en un día), que fue coproducido por Scott. El largometraje juntó videos que fueron enviados por usuarios de YouTube.

Si bien cualquier persona puede enviar un cortometraje, Your Film Festival espera particularmente recompensar a los cineastas y productores jóvenes.

“Haciendo cortometrajes es exactamente como comencé mi carrera hace 50 años, por eso ayudar a los nuevos cineastas a encontrar un punto de entrada como éste a la industria es fantástico”, dijo Scott.

YouTube ha celebrado concursos de cine anteriormente, pero Your Film Festival es de una escala mucho mayor. Los videos en otro idioma que no sea inglés tendrán subtítulos. Básicamente, las únicas restricciones además de la duración son que los participantes tengan al menos 18 años de edad y que el trabajo no haya sido distribuido antes del 1 de enero de 2010.(AP)

Según Pareja, en la edición teatral iniciada el jueves 5 de enero último en Necochea se registraron hechos que merecen un esclarecimiento total.

La directora del elenco que integran los artistas rosarinos Luciano Matricardi, Anabela Agostini, Alejandro Ghirlanda, Christian Valci y Flor García reveló que los primeros problemas se registraron en el sitio que la Municipalidad de Necochea dispuso para alojar a algunos elencos participantes del encuentro.

"Tuvimos inconvenientes pero enseguida advertimos que no se trató de problemas organizativos, ya que fuimos amenazados y tuvimos miedo", relató.

"Tengo la edad del festival —advirtió la directora— un encuentro prestigioso del que participaron grandes del teatro infantil como Javier Villafañe —ilustró—. Con nuestra obra «Corazón de bizcochuelo» nos costó llegar, pero estábamos felices de participar, aunque tuvimos miedo por nuestra integridad física", advirtió.

Marcados. "Nos cambiaron tres veces de hotel y nos llevaron a uno que no tenía agua caliente. Después nos quedamos sin agua. Cuando se lo transmití a un compañero de (el canal infantil) Paka Paka, Florencia Trobo, la directora de cultura municipal me dijo: «¡Dale vos con la rosca...!». Después me apartó del grupo y me advirtió: «A ustedes los tenemos marcados, así que ¡cuidado!». A esta altura de la democracia es muy grave que te digan algo así", lamentó Pareja, perceptiblemente alterada por los momentos vividos.

Además de las amenazas que recibió de parte de la directora de cultura municipal, la hacedora teatral rosarina hizo mención otro de los sucesos que infundieron el miedo entre algunos artistas participantes del encuentro. "Habíamos hecho un comunicado que hablaba de estas falencias y un grupo de La Plata lo leyó al terminar su representación. Luego, cuando fueron al restoran La Guapa, donde habitualmente cenábamos, les dijeron que no había más comida. Uno de los integrantes del grupo comentó: «¡Que ineptitud!». En una mesa cercana estaba la directora de cultura de la municipalidad y sus acompañantes increparon a los actores que se quejaron por no poder comer. Luego los agredieron a sillazos y a las chicas las tiraron contra las vidrieras y las golpearon. Fue tanto el miedo, que la gente no hizo la denuncia y lo terrible fue ver llorar a las chicas y a los hombres porque tenían miedo que los mataran. Yo tuve miedo de deaparecer. Tengo 51 años y creía que estas cosas no pasaban más", exclamó.

"La directora del teatro La Usina, de Necochea, nos ofreció su casa y un concejal me dijo que eso le daba vergüenza ajena", acotó la directora rosarina para aclarar que Alejandra Darín, la presidenta de la Asociación Argentina de Actores, llevará adelante las acciones legales pertinentes.

Consternada por la experiencia vivida, Pareja informó que los integrantes de los grupos afectados por los hechos que relató se comprometieron a difundir los sucesos en sus respectivas ciudades de origen.

"Fue horroroso. Y aunque nos quedó una sensación muy amarga, no lo vamos a callar", enfatizó.

   A los cómics de Marvel no les ha ido nada mal este año, en el que triunfó “Thor”, dirigida por el shakesperiano director británico Kenneth Branagh, pero también pasaron por la gran pantalla “Capitán América” o “X-Men: Primera generación”.

   Sin embargo, el anillo de poder de poco le sirvió a Ryan Reynolds para hacerse valer como superhéroe con “Linterna verde”. La película de Martin Campbell, un especialista del cine de acción que firmó la penúltima aventura de James Bond, no consiguió entusiasmar al público y mucho menos a la crítica.

   Los que sí reunieron a millones de espectadores fueron los juerguistas de “¿Qué pasó ayer? 2”, que figura entre las comedias más taquilleras del año, pero la revelación fue “Damas en guerra”, una pequeña producción que dirige Paul Feig, director de series de televisión, sobre un grupo de amigas que se disputan el puesto de dama de honor.

Animación. En el mundo de la animación regresaron “Cars” y el encantador y gordinflón oso panda “Kung Fu Panda”, pero sobre todo este año brilló con luz propia un felino con mucha picardía, “El gato con botas”, a quien presta su voz el malagueño Antonio Banderas. En este “spin-off” de “Shrek”, acompaña a Banderas una amiga personal, la mexicana Salma Hayek, que se mete en el papel de una pícara gatita.

   Además, la precuela de “El planeta de los simios”, con James Franco como protagonista, consiguió tal número de seguidores que no se descarta que se emprenda una nueva saga.

   Fue el año en que el aprendiz de mago Harry Potter puso punto final a su saga, iniciada hace ya una década, con “Las reliquias de la muerte”, o “Piratas del Caribe: Navegando aguas misteriosas”, la cuarta, y por ahora, la última entrega de los piratas del Caribe, que en esta ocasión contó con Penélope Cruz en el reparto.

   Con todo, los que más fans han arrastrado son los vampiros de “Crepúsculo” que volvieron a arrasar en todo el mundo con la primera parte de su despedida.

   Y Steven Spielberg, volvió a demostrar por qué es uno de los hombres más poderosos de Hollywood, produciendo “Super 8”, una película de JJ Abrams, que en realidad era todo un homenaje a al cine de aventuras del director de “E.T”. Además, el propio Spielberg dio el salto al mundo de la animación llevando a la gran pantalla “Las aventuras de Tintín 3D” (que se estrenará en Argentina el 5 de enero próximo). Como no podía ser de otra forma, lo hizo innovando: rodando con actores de carne y hueso los movimientos originales para luego introducirlos en los personajes animados.

   Fuera de los grandes estudios, el año comenzó con el Oscar a una pequeña producción británica “El discurso del rey”, que arrasó llevándose cuatro estatuillas de la Academia de Hollywood.

   En el Festival de Berlín se alzó con el Oso de Oro la película iraní “Una separación”, una de las producciones más aplaudidas del certamen, en el que se estrenó también “El precio de la codicia”, un thriller sobre la crisis financiera vista desde los tiburones que dirigen las grandes empresas. Esta producción independiente del debutante J.C. Chandor contaba eso sí con un reparto de lujo encabezado por Kevin Spacey, Jeremy Irons y Demi Moore, entre otros.

Palma de Oro. En Cannes la Palma de Oro fue para la quinta película de Terrence Malick, “El árbol de la vida”. El filme, protagonizado por Brad Pitt y Jessica Chastain, recibió otros 24 premios con un delicado relato con metáforas y alegorías sobre la vida y la muerte.

   Por las pantallas de Cannes pasaron algunas de las mejores películas del año, pues se estrenó “El artista” (que se estrenará en marzo), un emocionante homenaje al cine mudo del francés Michel Hazanavicius, cuyo protagonista, Jean Dujardin, se llevó el premio al mejor actor. Se fueron con las manos vacías sin embargo dos grandes favoritos, el finlandés Aki Kaurismaki con “El puerto” (que será estrenada en mayo) y el español Pedro Almodóvar con “La piel que habito”.

   Fue el año de los grandes autores, porque el ruso Alexander Sokurov se llevó también el León de Oro en Venecia, donde además el canadiense David Cronenberg mostró el duelo intelectual entre los padres del psicoanálisis con “Un método peligroso” (se estrenará en marzo) y Roman Polanski rompió su silencio cinematográfico tras haber pasado por la cárcel con “Un Dios Salvaje”, una obra de teatro que critica la hipocresía burguesa.

   Finalmente, 2011 ha sido el año del adiós a una de las grandes divas del Hollywood clásico, Liz Taylor, pero también se marcharon el director Sidney Lumet (“Doce hombres en pugna”), así como la actriz María Schneider, la compañera de Marlon Brandon en “Ultimo tango en París”.

El escándalo von Trier

Aunque “El árbol de la vida” ganó en Cannes, el protagonista fue Lars von Trier. El director danés fue objeto de polémica por unas desafortunadas declaraciones sobre Hitler. La dirección del certamen tomó una decisión inédita: expulsarlo del festival. No obstante, la protagonista de su filme “Melancholia”, Kirsten Dunst, recogió el premio a mejor actriz. La película relata el último día de la humanidad desde la perspectiva de mujer que atraviesa el momento más importante de su vida.

La imagen más llamativa de Sorini en su ciudad se puede ver en una gigantografía de una publicidad de ropa frente a la cancha de Central. Sin embargo el modelaje le llegó casi por casualidad, aunque no "reniega" de esa actividad. A pesar de que entró en ese mundo de la mano de Bruce Weber, responsable de campañas para Calvin Klein y Ralph Lauren, este rosarino que vivió hasta 2009 en Entre Ríos y Tucumán se reivindica como actor.

La experiencia sobre las tablas antes de partir fue con "El bailongo argentino", que dirigió Luis Fittipaldi. Luego de formarse en los cursos del teatro Lavardén, entre otras experiencias, en 2009 decidió probar suerte en Buenos Aires, donde comenzó a entrenarse con Augusto Fernández y Julio Chávez, con quien aún continúa.

El siguiente paso fue integrar el staff de un conocido representante de actores. Y la oportunidad llegó cuando Gasalla debió reemplazar a Esteban Pérez en la obra para interpretar al hijo de Mirta Bertotti. Sorini, finalmente, se impuso en un casting del que participaron unas veinte personas. "Creo que si me eligió es porque pensó que yo podía cumplir con ese rol", afirmó sobre su elección. "Hubo que pulir algunas cuestiones que traigo personales y de mis experiencias como actor, pero entré en un elenco que está afianzado hace tres años. Más que nada fue amoldarme a eso desde lo que sabés hacer", explicó.

Sorini describió su presente como "apabullante", pero reflexionó: "Me llegó en un momento en el que estaba preparado para afrontarlo. En cuanto a los nervios y la ansiedad, lo disfruto porque estoy trabajando en lo que quiero". Pero trabajar con Gasalla, y en una obra de repercusión nacional, ¿es como ganarse la lotería? "La lotería no me la gané", afirmó. Sin embargo añadió: "O sí, pero soy bastante cauto en ese sentido. Soy consciente del esfuerzo que tuve que hacer y que hago día a día".

En ese sentido explicó: "Primero fue una alegría y un orgullo enorme. Eso es obvio. Después creo que es el resultado del esfuerzo. No lo veo una casualidad o como algo librado a la suerte. Por supuesto que hubo suerte, pero hay que estar preparado para rendir cuando llegue la suerte y cumplir con lo que me están pidiendo. La felicidad es inmensa, pero muy dentro mío era algo que estaba esperando que sucediera, si bien esta es una profesión con mucha incertidumbre. De todas maneras creo que llegó en el momento adecuado. Si hubiese llegado antes lo más probable es que no hubiese tenido esta oportunidad", reflexionó.

Sorini, que tuvo experiencias televisivas en "Malparida", "Botineras" y "Los únicos", y que en Buenos Aires actuó en las obras "Conviviencia femenina" y "En boca cerrada", señaló sobre las circunstancias que permitieron esta suerte de despegue: "Todavía no tenía el representante que tengo ahora. Y después hice un viaje a España. Fueron una serie de cosas que consiguió mi representante".

Sobre su rol de modelo publicitario, Sorini explicó: "Yo nunca busqué la gráfica ni la moda. Creo que hasta renegué, y quizás eso no tenía nada que ver. Pero así conocí a Bruce Weber. Me recomendó que hiciera fotos porque «tenés con qué» y que, mientras tanto, eso sumaría dinero para mi carrera. Fue una persona muy generosa. A los dos meses estaba en Miami. El me llevó a Vogue París. De ahí pasé a España, donde me presenté como actor e hice fotos", enumeró.

Sorini prefiere no hacer distinciones entre la idea de galán y la de un actor como la que se podría tener de Julio Chávez, en quien reconoce un "maestro". "Creo que van de la mano. Con lo que soy, lo primero que me van a buscar es para hacer de galán, después veremos qué clase de galán haré. No voy a renegar de eso, pero no aspiro a hacer de galán toda mi vida", aseguró.

Gasalla es un actor popular y apreciado por el público, pero ¿cómo se comporta como director? "Es una persona muy exigente, y creo que eso se refleja en su carrera. Tiene una mirada particular y expresiva que la sabe plasmar muy bien. A mi particularmente antes de trabajar con él me gustaba esa mirada y la forma en que la concreta en sus diversos personajes y también como director. Por eso la gente haga lo que haga se identifica rápidamente. Estoy muy contento y aprendiendo mucho de él y es un placer", afirmó.

Maritano será el encargado de abrir en abril la temporada lírica 2012 del Teatro El Círculo con "Un ballo in maschera", que contará con la actuación de la soprano Virginia Tola y el tenor Luis Lima junto a Leonardo Lopez Linares, Jaquelina Livieri y Anabella Carnevali. Con el objetivo de seguir de cerca los primeros preparativos de la puesta, el director pasó varios días en Rosario.

Maritano es un descollante y joven director escénico, un hombre que confiesa sin vergüenza que su amor por la opera nace, no en las tablas del teatro sino, en la cómplice oscuridad del living de su casa mirando el "Casanova" de Fellini en "Función privada". Las tres escenas de ópera que se ven en "Casanova" lo maravillaron y revelaron la carrera de su vida, aunque los avatares de la profesión le demostraron empíricamente que la ópera no siempre es un maravilloso artífico barroco sino una señora gorda, muy gorda, impertinente y demandante. "L'italiana in Algeri" de Rossini, "La Traviata" y "Rigoletto" de Verdi, "Serse", de Handel y "Il Mondo di la Luna" de Haydn son algunos de los títulos que ha dirigido. Cada puesta de Maritano derrocha inteligencia, erudición, una búsqueda profunda de dramaticidad sin estar exenta de una refinada ironía.

"Como dice la gente de la Opera de Rosario estamos trabajando a pulmón", dijo el artista a Escenario. "Estoy viniendo a trabajar con los comprimarios el texto y he encontrado gente muy dispuesta y con muchas ganas de trabajar, lo que me augura que la producción va a ser muy buena. Además es un pedazo de obra, es un Verdi en pleno dominio de sus fuerzas creativas. Era considerado uno de los compositores más importantes de Italia, sin embargo fue tratado como un compositor menor por la censura que le puso muchísimos obstáculos en su camino en la producción de esta ópera".

En cuanto a la producción propiamente dicha, Maritano formará el siguiente equipo: Nicolas Boni en escenografía, el vestuario de Mariano Toffi y la colaboración de Paula Pérez de Eulate.

Entusiasmado, disfrutando del trabajo y tomando fotografías de viejos programas que se conservan en los anales de El Circulo, Maritano lucía como un adolescente feliz, descubriendo las mil y una posibilidades que la obra de Verdi le ofrece: "La temática es una figura un tanto extraña en el universo verdiano por que es la única obra en que lo social está escondido. Siempre Verdi fue un compositor eminentemente social hoy diríamos que fue un compositor de izquierda y mucho de su escritura tiene el sabor de un emplazamiento popular en una Italia altamente conflictiva por ese universo a mediados del siglo XIX . Esta es la obra de Verdi donde más deschavado esta su amor por el siglo XVIII. Las obras que tenía en su mesa de luz cuando muere son de Haydn y Beethoven. Musicalmente "Un Ballo" está siempre dando vuelta en torno a Mozart, un aspecto no suficientemente considerado".

"Una cosa que estamos trabajando es la figura del stage manager, una persona que centralice la problemática de la función. Así como los teatros parecen barcos los elencos son ejércitos, entonces tiene que haber un comandante de este lado y de alguna manera la figura del director de escena se mantiene mientras el telón se abre. Una vez iniciada la función el director de escena ya no existe más, desaparece por completo, los hijos ya están caminado solos y es el momento del stage manager".

Las chicas del "Soñando por Bailar 2", de a poco, van demostrando quienes son y qué es lo que quieren con su estadía en el reality de Canal Trece. Soledad Cescato, Clara Douradinha, Yanina Iglesias, Ana Izaguirre y Carolina Puntonet, realizaron una sesión de fotos hot para la revista Hombre.

La sesión se llevó a cabo en "La Soñada", la finca en la que los participantes esperan poder cumplir su sueño de llegar a ser parte del staff de Bailando por un Sueño 2012.

La estrella pop y ahora directora de cine asegura que empapeló una habitación vacía de su casa con imágenes de la pareja porque quería sumergirse en su historia de amor, que llevó al monarca a abandonar el trono en diciembre de 1936 después de que el primer ministro Stanley Baldwin y la Iglesia de Inglaterra le dijeran que no podía casarse con Simpson, una americana divorciada.

"Estuve sentada en una habitación que estaba completa y absolutamente inundada con sus imágenes para poder absorber su energía. Estaba intentando entender la naturaleza de su historia de amor y averiguar por mí misma si hay algo parecido al amor verdadero", contó la cantante en una entrevista al diario Daily Telegraph. Madonna admite que quedó cautivada con el romance de la pareja porque Eduardo estaba decidido a sacrificar su posición y su poder por la mujer a la que amaba. "Sé qué se siente cuando alguien te quiere mucho, pero nadie ha abandonado nunca su reino por mí", explicó con cierta tristeza la diva del pop.

Fragancia

Madonna presentó al público su nuevo producto. Se trata de una fragancia llamada Truth or Dare, que traducido al español significa verdad o consecuencia.Además del perfume, la reina del pop anunció el lanzamiento de una nueva marca que contará con una loción corporal, gel de baño, aros, pulseras, lencería y hasta una botella de Dom Perignon.

El pelirrojo teniente Horacio Caine, de la franquicia Miami de la serie "CSI", lleva una semana en el país buscando escenarios para su nueva película. En el curso de estos días fue cuando conoció a la argentina Julieta Martínez, de 25 años, quien subyugó con su belleza al actor, que ahora la quiere como protagonista de su filme.

En un hotel de Buenos Aires, Caruso decidió dejar de lado los lentes de sol con los que tanto juguetea el teniente Caine y las poses con las que sobreactúa, y dialogó con la prensa.

—¿Por qué razón está de visita en el país?

—Volví por dos razones, la principal es que estaba buscando locaciones para una película que se va a llamar "Chacarita". Estuve en las vacaciones de junio pasado y aproveché para probar un nuevo tipo de cámara de filmación. Decidí hacerlo durante mi estadía acá. Entonces juntamos un equipo de técnicos para hacer la prueba y en el grupo había una chica argentina muy especial, que empecé a notarla cada vez con más interés.

—¿Se la eligió sin casting?

—Inicialmente estaba planteado hacer un casting para encontrar a la protagonista, pero lo cierto es que ella ya estaba entre nosotros. Habíamos hecho una lista de nombres y cuando la vi supe que había encontrado a la chica indicada. Y si todo va bien y tenemos suerte, esté en el filme con nosotros. Aunque, claro, ella no es actriz, nunca actuó y ni siquiera quiere hacer la película. Pero yo considero que es maravillosa y apuesto todo a que acepte. Y esa es la razón número dos: estamos intentando convencerla de que participe de la película. No quiere ser actriz pero en principio se prestó para el tráiler y ahora estamos viendo qué decide.

—¿Cómo es la historia?

—Es sobre un hombre americano que viene a Buenos Aires y, una vez acá, conoce a una chica argentina, se enamoran y tienen un hijo varón. Pero ese chico muere y ellos se separan. El regresa a Estados Unidos pero no puede superarla y vuelve para recuperarla. El espera que ella todavía esté disponible, pero ella no está. Entonces intenta descubrir quién la acompaña además de conseguir su perdón. Pero para descubrir si ella lo perdona o no, hay que ver la película.

—¿De dónde surge la idea?

—De pensar en el arrepentimiento. De que algunas veces en la vida no podés superar, olvidar a alguien, de que intentás seguir adelante y no podés. Entonces tus opciones en ese punto son: o aceptás que no podés superar a alguien o tratás de vivir con la realidad de que no podés tener a esa persona otra vez. Y eso es muy duro.

—¿Y por qué elegiste el cementerio de Chacarita que da nombre al filme?

—Porque es el cementerio del pueblo y con el que me siento más identificado. Además, ahí es donde se supone que está enterrado el chico que fallece en mi historia. Y por la vida que tienen los personajes, es más realista hacerlo ahí.

—¿Hay fecha para el inicio de la filmación?

—Tengo que regresar a hacer una nueva temporada de "CSI" y calculo que estaremos empezando a mediados de año.

—¿Cuál va a ser exactamente tu trabajo en la película?

—Probablemente voy a ser el productor, quizás también dirigiré, pero estoy comenzando a conocer a grandes directores argentinos y me voy dando cuenta de que hay mucha gente talentosa en este país. Así que quizás, con un poco de suerte, no tenga que dirigir en mi película. Produje antes y lo haría de nuevo, pero este es un proyecto muy especial para mí.

—¿Cuál es tu balance del trabajo realizado en "CSI"?

—Es un hito muy emblemático. Mi personaje es muy importante para mí, representa a la justicia. Y para todos, porque es una persona muy sensible y en un mundo donde hay tanto miedo necesitamos de gente fuerte que nos defienda. "CSI" cambió mi vida. A nivel personal me dio la posibilidad de viajar con el show y conocer a mis fanáticos de todo el mundo. Y paradójicamente los fans de otros países se volvieron más importantes que los de EEUU.

—¿Qué razones explican el fenómeno de la serie?

—La imagen del show tiene la habilidad de trascender el lenguaje. Es una historia universal donde la gente puede sentirse identificada. El personaje de la película parece ser muy diferente al que estamos habituados a ver en "CSI".

—¿Buscás despegarte de un rol tan asociado a tu nombre?

—Sí, este personaje es más vulnerable. Es una persona que no tiene más defensas y soy consciente de que no es normal verme en esa posición. Pero la verdad es que en la vida suelo ser un hombre vulnerable.

Las funciones de "Qué gauchita es mi mucama", tienen lugar en el nuevo teatro de la Torre Melos, con Florencia de la V, Emilio Disi, Gino Renni, Diego Pérez, Gladys Florimonti, Iliana Calabro, Alejandro Müller, Paola Miranda, Flopy Tesouro y Santiago Almeyda.

Desde el pasado jueves, en el Candilejas 1, ya está en cartel "El anfitrión", la nueva revista de Daniel Comba, dirigida por Reina Reech, con Cacho Buenaventura, Bicho Gómez, Mónica Listorti, el mago Emanuel, Stefanía Bacca y elenco. El último fin de semana se agregó "Boeing Boeing", de Mar Carmoletti, en el Teatro Bar, con Matías Alé, Tristán, Ximena Capristo, René Bertrand, Dallys Ferreyra, Josefina Pouso y Jole Tabasso, y dirección de Carlos Olivieri.

Esta semana llegó "¿Quién con cuál?" a la sala Zorba, comedia con Daniel Aráoz, Alejandro Fiore, Sergio «Pasta» Dioguardi, Marianella Sinisterra, Sabrina Ravelli, Solange Gómez Abraham, Alejandra Fidalme y Ximena Campisi, mientras que anoche en el Holliday 2 hizo su debut "Venecia", pieza del dramaturgo jujeño-porteño Jorge Accame,con María Rosa Fugazot, Roly Serrano, Laura Miller, Belén Giménez, Juan Pablo Skrt y Betty Villar, con dirección de René Bertrand.

Para hoy se anuncia la primera función de la comedia romántica "Cuando Harry conoció a Sally", que irá en el Teatro del Lago, con Florencia Peña, Raúl Taibo, Mario Pasik, Henny Trayles, Lucrecia Blanco, Graciela Pal, Roberto Catarineu y Gabo Correa.

También esta noche debutará Ricardo Fort en el Teatro Libertad con "Mi novia, mi novio y yo", con Beatriz Salomón, Adriana Salgueiro, Cristina del Valle, Jorge Martínez, Jacobo Winograd, Omar Calicchio, Jean François Casanovas y Claudia Ciardone.

Para mañana en el Holliday 1 está anunciada la llegada de "El gran show", espectáculo con Palito Ortega, Laura Fidalgo, Ingrid Grudke, Mario Devalis, Juan Alberto Mateyko, y el elenco de acróbatas "Aire".

La semana próxima llegará "Stravaganza, Water in Art", con Flavio Mendoza, Cinthia Fernández, Diego Reinhold, Noelia Pompa, Gisela Bernal, Lucila Juárez y elenco, en el teatro Luxor, con más de mil localidades.

El resto de los elencos de la amplia cartelera teatral de Carlos Paz seguirá subiendo a escena desde el domingo navideño hasta los primeros días de enero, y estará en cartel hasta finalizar la temporada en los últimos días de febrero.

Varias de las compañías alternarán funciones en otras localidades turisticas cordobesas, como Mina Clavero, Santa Rosa de Calamuchita o La Falda, e incluso la Villa de Merlo en la provincia de San Luis.

Los Vándalos tocan hoy en Willie Dixon antes de su presentación en la isla caribeña

¿Alguien se imagina a un grupo de rockeros cubanos tarareando “Tonight”? Bien, falta muy poco para que eso se convierta en realidad. Es que Los Vándalos se irán a tocar a Cuba, pero antes quieren festejarlo en su ciudad.

El show, que será también para despedir el año con su público, será hoy, a las 22, en Willie Dixon (Suipacha y Güemes). Y para agitar la noche habrá una previa rockera con Bichos Palo y A Bordo.

Los Vándalos tocarán en la isla caribeña en conmemoración del 53º aniversario de la revolución cubana. El grupo rosarino fue invitado por la Agencia Cubana de Rock, perteneciente al Ministerio de Cultura de Cuba, a formar parte de los espectáculos que se brindarán específicamente en Santa Clara del 26 de este mes al 8 de enero.

“Para nosotros es un orgullo, una responsabilidad y mucha alegría representar el rock de la ciudad, como también viajar y conocer otros países llevando nuestra música. Es lo mejor que nos puede pasar”, dijo a Escenario Diego “Popono” Romero, voz líder de la banda que está integrada por Cristian Bruscia y Chino Aguilar (guitarras); Bruno Acánfora Greco (teclados); Lucas “Kutu” Olivan (bajo); Gabriel Basani (batería) y Pablo Casadei (armónica).

El viaje, que fue declarado de interés provincial y municipal, es un merecido premio para Los Vándalos, un grupo que hizo su primer show en 1990, y a más de dos décadas de aquel debut sigue manteniendo su fuerza blusera. “Estamos muy contentos de viajar a un país tan querido como Cuba, las expectativas son muchas porque históricamente ambos países tienen fuertes lazos de amistad”, remató Popono, quien también se imagina viendo un pogo descontrolado de cubanos cantando a viva voz “Tonight”.

Cabe recordar que ambas giras pisaron suelo argentino. Mientras que U2 debutó en el estadio único de la ciudad de La Plata el 30 de marzo de 2011 e hizo después dos shows más, Bon Jovi lo hizo en el estadio porteño de River Plate el 3 de octubre de 2010.

Continuando con el ranking de los tours más rentables del año, en tercer lugar se ubicó la reunión de la boy-band británica Take That, con 185 millones de dólares. El quinteto de Manchester comenzó su carrera en 1990 y la terminó en julio de 1995 cuando el cantante Robbie Williams abandonó la banda para encarar su carrera solista. El regreso de Williams al grupo precipitó la gira.

Los demás. Entre los demás artistas y bandas que hicieron más dinero con sus giras se encuentra Roger Waters en el cuarto lugar con 150 millones de dólares. El ex Pink Floy hará un maratón de presentaciones en Buenos Aires en marzo próximo en el estadio de River para presentar su obra cumbre "The Wall".

La cantante británica de música country Taylor Swift se posicionó en el quinto lugar pues generó 97,3 millones de dólares; su colega Kenny Chesney alcanzó los 84,6 millones de dólares, mientras que el cantante, compositor, productor y actor estadounidense Usher y la cantante neoyorquina Lady Gaga se mantuvieron cerca con 75 millones de dólares y 72 millones de dólares, respectivamente.

Para el ranking, a Waters se le contaron 92 presentaciones, a Swift 89 y a Chesney 55. Por su parte, a Usher le correspondieron 73 recitales y a Lady Gaga 45 shows.

Por debajo. En el noveno lugar, el violinista holandés André Rieu produjo 76 millones de dólares y la cantante nigeriana Sade con 50 millones de dólares se quedó con el décimo puesto.

La lista de los 15 se completa con Michael Bublé, Eagles, Katy Perry, Lil Wayne y Justin Bieber,

Durante 2011 se generaron 4 billones de dólares con shows, un poco por debajo de los 4.4 billones registrados en todo el mundo en 2009.

“Este aniversario es especial y será emocionante hacer un nuevo disco y volver al escenario”, dijo Wilson en un comunicado.

El grupo incluye desde hace varias décadas a Bruce Johnston y David Marks. La banda, que es parte del Salón de la Fama del Rock and Roll, es la creadora del sonido californiano. Originalmente, los miembros eran Love, Jardine, Wilson y los dos hermanos de éste, Carl y Dennis Wilson, ambos fallecidos.

Con canciones como “Good Vibrations,” “I Get Around” y “California Girls”, el quinteto encarnó la fantasía de la vida playera en la costa del Pacífico. Sus álbumes, sobre todo “Pet Sounds”, tuvieron gran influencia sobre los roqueros de su generación y de las siguientes.

Jardine dijo que la banda tenía el plan de actuar en la ceremonia de los Grammy el 12 de febrero en Los Angeles.

El primer concierto de la gira internacional está previsto para el 27 de abril en el Jazz & Heritage Festival de Nueva Orleans. (AP)

   En ambos casos, la calidad actoral fue de la mano de la fina letra de los guiones. Así, “El puntero” se lució con la locura del personaje del Gitano, pero también con los protagónicos de Rodrigo de la Serna, Luis Luque, Belén Blanco, Pablo Brichta y Bárbara Lombardo. “El hombre de tu vida” demostró que con los elencos alternativos también se puede ofrecer un producto sin fisuras, más allá del plus que significa Campanella. Fue memorable la actuación de Jorgelina Aruzzi, como la médica con capacidades diferentes, y un escalón abajo estuvieron Graciela Borges y Norma Pons. Claro que el tándem protagónico fue un lujo, ya que Francella se cansó de tirar paredes con Luis Brandoni y Mercedes Morán.
 

Los premios Tato, denominados así desde esta tercera edición en homenaje al humorista Tato Bores por ser uno de los referentes de la televisión argentina, tienen como fin galardonar los mejores trabajos de la producción televisiva.

En la ceremonia conducida por Mariana Fabbiani y Humberto Tortonese, los ciclos "El elegido" y "El hombre de tu vida" obtuvieron cuatro galardones y "Showmatch" consiguió tres.

"El elegido" ganó sus estatuillas por mejor ficción diaria, actriz protagónica (Leticia Brédice), actor de reparto (Lito Cruz) y actriz de reparto (Mónica Antonópulos). En tanto, "El hombre de tu vida" tuvo la misma cantidad de Tato por mejor ficción unitaria, guión, dirección y otro por imagen y sonido.

"Showmatch" se llevó las distinciones por mejor programa de entretenimientos, conducción masculina (Marcelo Tinelli) y producción integral, un rubro con el que Tinelli sigue destacándose año a año en las distintas ternas televisivas.

Entre otros premios de relevancia "Caiga quien Caiga" ganó como mejor periodístico; "Clase Turista" por interés general en prime time; "Diario de medianoche" en el rubro noticiero y "Bendita TV", conducido por Beto Casella, se llevó su lauro por programa de espectáculos.

Rodrigo de la Serna ganó el Tato por su rol protagónico en "El puntero", ficción que también se llevó una estatuilla por mejor dirección de arte. Mariana Fabbiani, la animadora de la ceremonia, se dio el gusto de levantar su lauro por conducción femenina, mientras que Germán Paoloski ganó por labor periodística masculina y Cristina Pérez, por la femenina.

El disco se llama simplemente "Jubany 20002010", así, todo junto. Y son 18 tracks ordenados cronológicamente, en donde participan 25 músicos a lo largo de una década. El disco tendrá descarga gratuita vía web, único modo de acceder a este material, y se podrá bajar desde el día del show, cuya entrada también será libre y gratuita.

Allí estará la obra conocida de Jubany, desde "Maquetas", editado en 2003, que fue editado en cd "cuando uno tenía esa idea media rara de confiar en una compañía como cierta posibilidad de trascendencia"; un disco en vivo "Under Glitter", que fue grabado en El Sótano; y dos simples, "Cien días", de 2009, y "Sos lo que siempre quise ser" (2010).

"Una de las cualidades de este trabajo es la irregularidad, y esta década fue muy irregular respecto a la industria de la música, ya que antes había compañías (grabadoras), pero no existían las descargas en mp3 ni las grabaciones caseras", dijo el músico, quien consideró que la nueva modalidad de producción autogestionaria favoreció la creatividad de los músicos. "Cambió la idea del álbum como concepto, la gente estableció un nuevo uso, ahora escuchan los temas en forma individual. Yo siento que la tecnología me permite hacer cosas que de otra manera no hubiera podido hacer, como arreglos y una buena producción, que antes eran carísimos. Me resulta positivo el cambio", agregó.

Jubany admitió que se considera un pionero "en eso de poner el ojo sobre un ambiente de la cultura rock que era combatido", en alusión a su enfoque estético y musical, en pleno auge del rock barrial, a fines de los 90.

"Junto con la gente de Planeta X nos adelantamos a un cambio de paradigma. Se creía que el pop era mala palabra y el pop es como el rock, es más, Los Beatles hacían pop y en algunos países llaman pop a la música de Pink Floyd", destacó. Y remató: ""No hago un pop de estómagos flacos, pero sí con cierta virilidad, es un pop bastante abrasivo".

El dúo conformado por la vocalista Marie Fredriksson y el cantante y compositor Per Gessle le da vida a Roxette desde 1986, en pleno auge del pop.

Fue a partir de "Joyride", editado en los primeros 90, que el dúo adquirió una alta popularidad, convirtiendo a ese trabajo entre los cien discos más vendidos del mundo.

Roxette presentará los clásicos de toda su carrera y las canciones de "Charm School", el último material del dúo, editado a principios de este año, y que tomó éxito a partir de su primer single "She's Got Nothing On (but the Radio)".

Sólo los fans y quienes estuvieron al tanto de las novedades de la enfermedad de su cantante, Marie Fredriksson (diagnosticada de un tumor cerebral en 2002) entenderán que la vuelta de Roxette en Argentina es casi milagroso, como lo definieron los mismos protagonistas. Será una oportunidad exclusiva de vivir un evento histórico para los fans de la banda.

Se trata de Viviana Saccone, quien en rigor acredita roles de mujer terrible en "El puntero" y en "Herederos de una venganza". Ella será Rebeca Díaz Pujol en "Lobo", la tira protagonizada por Gonzalo Heredia que promete sacudir el horario central el año próximo. Saccone ya empezó a grabar en reemplazo de un personaje que en un primer momento iba a abordar Isabel Macedo y luego Millie Stegmann, pero ambas se bajaron del proyecto.

Saccone, que en alguna oportunidad fue la mujer que enamoró a Osvaldo Laport en las tardes de Telefé, ahora será la pareja villana de Laport en la tira que encabeza Heredia junto a un elenco integrado por Luis Machín, Marcelo de Bellis, Luisana Lopilato, María del Cerro, Gerardo Romano y Adrián Navarro.

El otro villano que también pide pista es nada menos que Eduardo Calvo, quien ya tuvo sus apariciones en "Los únicos", pero lo confirmaron para la segunda temporada de la tira que protagonizan Griselda Siciliani, Mariano Martínez y Nicolás Cabré.

Calvo, quien adquirió notoriedad como el heavy "re-jodido" de los ciclos de Marcelo Tinelli, interpretará un personaje camaleónico, que adoptará diferentes disfraces en pos de su objetivo maligno.

Como en una charla de café multitudinaria, apareció Germinal Terrakius, entre la gente, como uno más, adelantando que "va a ser una noche con muchas noticias, algunas no tan buenas, pero que al fin y al cabo, hay que informarse". Junto a su fiel compañero de aventuras Orestes Ramón Muñante, quien se jacta de ser un respetable periodista de investigación, logran un ida y vuelta entre ellos y con el público digno de admirar. Y no es para menos, ya que las temáticas son variadas, pero eficientes a la hora de lograr una pronta identificación con el espectador.

"Vamos a empezar con un tema importantísimo: el fenómeno de muñecos drogadictos en la ciudad, tema que Del Frade no investigó", apuntó Ramón Muñante, haciendo alusión a aquellos muñecos que flamean en las playas de estacionamientos. Así, desfilaron titulares como "El cascarudo que mutó", "El huevo de pascuas de Royal que este año no se rifó" y otros temas bizarros. No faltó la teoría de la extinción de winnes en el fútbol latino relacionado con el capitalismo, un clásico de Germinal. Y la escandalosa historia del "perro sanador de Barrio Martin", el chihuahua que lamió un callo del pie de su dueña hasta hacerlo desaparecer por completo, y es así como Poroto se convirtió en el perro sanador, logrando filas de personas rezando plegarias para que les de una "lambeteada general".

El show contó con una varieté de números que incluyeron desde el cantante e hijo del ideólogo de Germinal, Julio Franchi, un impecable show de marionetas a cargo de Los Arana, la intervención divina de "el viejo de arriba" interpretado por Diego Moset, quien vino a "agradecerle a Germinal todo lo que les dio a los actores locales". Y los sensuales tangos de Eleonora Gotán, quien acompañada de su bandoneonista y guitarrista interpretaron los clásicos del 2x4 en un constante filtreo con el público provocada por el audaz guión de Gotán.

"Acústico. Una noche en el Teatro Real" es el título del nuevo CD-DVD del intérprete español que fue grabado en ese recinto de Madrid a principios de noviembre, y que verá la luz el próximo martes.

"Ya tenía ganas de experimentar y adornar mis canciones de esta manera (en versión acústica), siempre me he dedicado a hacer temas para pegar en la radio, pero ahora quería mostrar a un David Bisbal más íntimo, más cercano", dijo el cantante en una rueda de prensa en la ciudad de México.

Señaló que grabar un disco en acústico representó todo un reto para él, pues requirió un esfuerzo 10 veces mayor que un concierto habitual. "En este tipo de conceptos, los cantantes son acompañados sólo por la música en su pureza", dijo.

Bisbal explicó que en su nueva entrega discográfica quiso hacer un viaje a través del tiempo, a manera de revisión de su desarrollo como cantante, pero también rendir un homenaje a la cultura iberoamericana a través de canciones de autores como María Grever, Armando Manzanero, Alberto Cortez, Joan Manuel Serrat y Alejandro Sanz.

De ahí que "Acústico. Una noche en el Teatro Real" incluya éxitos en voz del oriundo de Almería como "Ave María", "Dígale", "Lloraré las penas", "Mi Princesa" y "Silencio", pero también clásicos del cancionero hispano como "Te quiero dijiste", "En un rincón del alma", "Lucía" y "Adoro". Esta última canción original del mexicano Armando Manzanero y que funje como primer sencillo del álbum.

El recital que da vida al nuevo álbum de Bisbal formó parte de uno de los recitales de la gira que el cantante de 32 años inició el 14 de abril de 2011, en su natal Almería, y que continuará en marzo de 2012, cuando su espectáculo llegue a México, Centroamérica, Estados Unidos y Europa.

El joven cantaor surgido del reality musical "Operación Triunfo" comentó que será en junio de 2012 cuando la gira promocional de su acústico concluya definitivamente, para entonces concentrarse en lo que será su quinto álbum en estudio.

"Me gustaría adoptar algunos elementos de este concepto acústico en mi próximo álbum.... Utilizar esos elementos, esa magia, me gustaría fortalecer esa parte popera con las baterías y la base", indicó el vocalista que participa en México como asesor del cantante de música grupera Espinoza Paz en el reality muscial "La voz de México".

“Acústico. Una noche en el Teatro Real”, David Bisbal

El nuevo disco del cantante español incluye una larga lista de éxitos interpretados bajo el formato unplugged. Por ejemplo “Dígale”, que además ha cambiado mucho y suena muy cabaret. “Te puedes encontrar desde swing, bossa nova, jazz...hay temas que suenan muy distinto como «Esta ausencia», «Me derrumbo»”, señaló Bisbal.

Jiménez participará en la noche del martes 24, primero junto al tradicional conjunto Los 4 de Córdoba y luego brindando un set de sus canciones más conocidas, en busca de recomponer su trunca presencia en Cosquín en 1988 donde casi no pudo actuar porque buena parte de su público, que no pudo ingresar a un predio ya colmado, causó desmanes dentro y fuera de la plaza Próspero Molina.

Víctor Hugo Godoy, pampeano de nacimiento, bombisto y cantor del conjunto cordobés, reflexionó sobre la presencia del cuartetero en el escenario Atahualpa Yupanqui y sostuvo que "hace algunos años que venimos pensando en hacer algo con La Mona porque sabíamos de su deseo por regresar a Cosquín y dejar de lado aquella mala experiencia del año 88".

"Sabemos también que esto trajo algunas diferencias, pero está todo preparado para que sea una verdadera fiesta y que el público de Cosquín también pueda disfrutar ese momento", agregó.

Más allá de aceptar que Jiménez es un fenómeno popular, poco puede aportar musicalmente en un festival folclórico como Cosquín que nada tiene que ver con el ambiente cuartetero aunque muchos —erróneamente— lo consideren el folclore tradicional de Córdoba.

En materia de grandes figuras están confirmadas las del Chaqueño Palavecino, Jorge Rojas (hoy por hoy los dos de mayor convocatoria que aseguran llenos totales), Soledad, Los Nocheros, León Gieco, Los Tekis, Luciano Pereyra, Abel Pintos, Raly Barrionuevo, Jairo, Peteco Carabajal y Teresa Parodi.

En materia de homenajes Coco Martos y Roberto Pérez junto a Yuchán, le brindarán un tributo a Los Tucu Tucu en la velada del sábado 28, previa al cierre del festival, pero no se confirmaron homenajes a otros artistas referentes que desparecieron durante 2011 como Chango Farías Gómez y Argentino Luna.

Con respecto al cantor de Madariaga, el payador Nicolás Membriani, junto a los cantores Germán Montes, Lucia Ceresani y Alejandro Avila, tienen preparado un set para recordarlo, pero hasta el momento esto no fue confirmado.

La jornada comenzó con la actuación de La Cotorra. Afincada en barrio Azcuénaga, la murga de acá también tenía mucho para celebrar. Ofrecía su primera actuación luego de que fuera elegida para participar el año que viene en el carnaval de Montevideo, y la última antes de ese viaje consagratorio. Mostró su última creación "Extraños, somos muchos y nos conocemos poco". Luego la gente de Bigand presentó "Flores".

Pasadas las 22, subió a escena la gran ganadora del Carnaval 2011 de Montevideo, ya que además de obtener el premio a la mejor murga, obtuvo también galardones a la mejor puesta de escena, vestuario, maquillaje, letrista y espectáculo integral. Con esos blasones, la murga de los hermanos Cardozo había visitado Sportivo América el 29 de abril pasado y había agotado entradas con el show "Gente común".

Humor de allá. El saludo fue con un segmento del espectáculo ya mencionado, con el "Couplé de Manuela y el Pepe" (2010), sobre la perra de tres patas del presidente uruguayo José Mujica. Y si ya la imagen resulta risueño en sí misma, lo fue mucho más cuando como música de base sonó "Manuelita" de María Elena Walsh.

Con "Dios" (2007), la agrupación hizo una feroz crítica a la iglesia católica, al punto de llamar "nazi" al actual papa. Luego, con un parlamento quizás demasiado largo inspirado en "la composición de Milton", Catalina le dio pie a "Las maestras" (2007), otro famoso cuplé con el que se la tomó con el sistema educativo, sus hábitos y terribles consecuencias.

El fin del mundo sonó tan catastrófico como cómico con "Cucarachas" (2006), al igual que el recuerdo del plan del ex presidente oriental Tabaré Vázquez para declararle la guerra a Argentina.

Arte paródico. "El sueño americano" (2005) y "El novio de la nieta" (2008) quedaron chiquitos ante el impactante couplé "La violencia" (2011). Luego, "Los sin cabeza" habló de los peligros de la desmemoria.

Parodiando a la autoridad, la religión, el futuro, los sueños, los prejuicios, el mercado, la educación y la cotidianeidad, Agarrate Catalina hizo un repaso de su primera década de vida, divirtió, emocionó con la voz irrepetible de Freddy Bessio, y sorprendió por su despliegue. La retirada fue con las tres agrupaciones sobre el escenario. La gente cantó y aplaudió, y con plena seguridad, por un par de horas se sintió en Montevideo. Sólo faltó un medio y medio para brindar.

Repleto

El jueves Agarrate Catalina hizo el mismo espectáculo en un estadio Luna Park de Buenos Aires repleto.

El trabajo fue presentado por el rosarino en la sala Nezahualcóyotl de la Universidad Nacional Autónoma de México (Unam), donde estuvo acompañado por la Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata y el Coro de la Escuela Nacional de Música.

La producción discográfica incluye temas como "El breve espacio en que no estás", de Pablo Milanés, "Te recuerdo Amanda", de Víctor Jara, "Fiesta", de Joan Manuel Serrat, y será transmitida al espacio en enero de 2012 a través del proyecto "Música al espacio".

La iniciativa, que dirige el integrante del departamento de ingeniería en Telecomunicaciones de la Unam Víctor García, con respaldo de Sony Music, pretende transmitir al espacio las canciones por ondas electromagnéticas. "Los temas fueron metidos en mi laboratorio musical y las dejé hasta que las sentí mías, por eso no son covers", dijo Páez.

El artista también contó que escogió a México para el lanzamiento porque fue el país donde le surgió la idea del disco tras grabar una versión de "Esta tarde vi llover", de Armando Manzanero.

"Se me ocurrió que podíamos hacer una serie de grabaciones para enviar al espacio, como un mensaje en una botella, y que lo escuche alguien en algún recóndito lugar del universo", había expresado recientemente sobre el proyecto.

De acuerdo con Páez, "Canciones para aliens" sería el primero de una serie de discos que seguirá haciendo en el futuro con otras canciones de otros lugares y otros autores.

Los detalles del lanzamiento fueron descritos por el artista a través de su cuenta de Twitter.

En la sección “A RSM le gusta esto”, el programa conducido por Mariana Fabbiani recomendó al ciclo español El Hormiguero, destacando las divertidas intervenciones de famosos de todo el mundo.

Así, se lo pudo ver a Lenny Kravitz tocando muy entusiasmado flamenco en una improvisada zapada con el conductor del programa, Pablo Motos.

Otra estrella internacional que visitó el talk show español fue Justin Bieber, quien sorprendió a todos al armar el famoso cubo mágico… ¡en un minuto!

Ricardo Darín, nuestro gran representante actoral en el mundo, también participó en El Hormiguero mientras estaba en España promocionando su película Un Cuento Chino. Entonces, el conductor lo desafió a diferenciar en varias fotografías entre chinos y japoneses.

La revista porteña se consolidó como un género teatral en sí mismo en otras épocas, cuando la oscuridad de la sala le permitía a los artistas decir eso que no se podía, a las vedetes mostrar lo que estaba prohibido ver y a los espectadores esconderse de sus propias risas. Los tiempos han cambiado pero no el ritual, aunque parezca extraño que "La revista de Buenos Aires" esté copada por rosarinos. Encabezado por Moria Casán, el varieté hizo su última presentación el sábado en un teatro Broadway colmado alineando en su formación a Miguel Angel Rodríguez, y a los rosarinos Raúl Lavié y Chiqui Abecasis, a la bailarina Valeria Archimó, y a un grupo de baile también de acá. El show terminó en una gran ovación para los locales, entre quienes hay que incluir a Pecky Land, coreógrafa, vestuarista y escenógrafa del espectáculo.

La fórmula sigue siendo la misma: hermosas mujeres, comediantes hilarantes, cuadros de baile de gran impacto, una pizca de emotividad y mucha energía positiva.

En el primer ítem entran la voluptuosidad, el desparpajo y la simpatía de Moria, y la belleza de un cuerpo entrenado como el de Archimó. Y si bien Casán es la primera vedete y la gran carnada de este show, la segunda hace lo que la primera no hace, esto es dejar con la boca abierta al público con sus pasos y figuras, sobre todo en un tributo a Michael Jackson.

Para Moria, por supuesto, un párrafo aparte. Más que bailar acompaña, más que actuar se interpreta a sí misma y más que animar conduce el tradicional pasaje del escenario a la platea con un delirante cuestionario que atrapó a más de uno. Especialmente a Francisco, un espectador que terminó actuando con la diva en el sketch ante la risa descontrolada de la gente.

Pero es Moria, y su avasallante personalidad, sus muletillas y protagonismo en el programa más visto de la televisión argentina, la convierten en un objeto de deseo actualizado.

Los hombres. Otro que cumple con creces (como si fuera una novedad) es el Negro Lavié, una garantía de aplausos a la hora de desandar tangos y otras yerbas. "Balada para un loco", "Naranjo en flor" y "A mi manera" resultaron en un exiguo repertorio para quienes lo saludaron de pie.

Por su parte, Rodríguez aprovecha su gracia como capocómico, como actor y hasta como Minguito (en la vida real su suegro), en un homenaje que intentó serlo además para todos los grandes del género.

Sorprendió Abecasis, más maduro, efectivo y gracioso que nunca, en una performance que le sacó lágrimas de alegría a muchos de los presentes. Su monólogo sobre los perros domésticos fue imperdible.

Otras perlitas. Otras de las perlitas de la noche fueron los momentos de participación del público. Además de bajar a la platea, saludar, besar, juguetear y hasta seducir a espectadores de cualquier edad, al final del sketch Moria pidió que la gente suba al escenario para fotografiarse con ella sentada en su cama. La seguridad de lugar debió esforzarse para detener a todos los que esperaban un retrato con la diva.

Y si bien este es un género típicamente porteño, no se le escapó a nadie la presencia mayoritaria de los artistas rosarinos. La particular pasada final (sin plumas como dicta el protocolo) ratificó el apoyo del público, de pie, a los actores y bailarines locales.

Entretenida y vistosa, llevadera y de gran producción, delirante y emotiva, "La revista de Buenos Aires" fue un buen ejemplo de la promesa que un varieté debe cumplir: llevar al público al lugar de la imaginación, fuera de la cruda realidad, para que un buen rato se transforme en el combustible necesario para seguir con la vida cotidiana.

Messi

La madre y el padre del futbolista rosarino Lio Messi estaban en la sala y recibieron una plaqueta recordatoria.

Hipódromo

El Hipódromo Independencia vivió el domingo un día especial al realizarse una reunión hípica solidaria destinada a ayudar a comedores comunitarios de Rosario. En la cuarta carrera de la jornada se disputó el Premio Moria Casán y la propia vedete se hizo presente junto a otras figuras del elenco de la REvista de Buenos Aires para entregar el trofeo al jockey ganador.

"Siento que no trabajamos desde un lugar rockero, lo que siento concretamente es que a partir de este disco nos empezamos a acercar un poco más a nuestro propio lenguaje", dijo Ezquiaga, voz parlante y cantante de la banda que editó su primer disco allá por 2004 con "Educación sentimental" y transitó por "Rosal" y "Su majestad" hasta llegar a "La casa de la noche", de 2009.

"La estética de un grupo tiene que ver con la decisiones que tome, con su propia lógica, eso lo hace especial", dice la cantante y afirma que Rosal está en ese camino. Y siempre va por más.

Ecléctico y sutil, las canciones de este material están hilvanadas dentro de la amplia temática de la noche y confluye, según la página web de la banda, "en una suerte de rompecabezas que se completa desde diferentes miradas".

María Ezquiaga, principal compositora de la formación de rock y pop, dijo que este trabajo implicó un quiebre dentro de la línea creativa que venía produciendo el grupo. "Fue un crecimiento grande, quisimos hacer un disco con un sonido clásico, pese a que no es un disco popular, porque es más cerrado que los otros". destacó a Escenario.

La banda contó con una sección de cuerdas y un sonido más oscuro, que se puede observar en letras intimistas, como es el caso de la ya citada "Canción para el que llora", "Te empiezo a olvidar" y "En círculos".

El enfoque femenino siempre estuvo presente en la banda. "Esa mirada se mantiene, pero en este último disco, en el cual trabajé muchas letras con Guadalupe Gaona, que hace poesía, recibí muy buenos comentarios de hombres que son del palo del rock. Rosal se abrió un poco más a partir de este material", afirmó la vocalista.

Y las palabras de Ezquiaga están en lo cierto. Rosal es esa banda que para muchos puede ser la eterna banda revelación, pero con diez años de escenarios, siempre apuntó a subir peldaños en lo artístico sin mirar los réditos comerciales. Insólitamente, una publicidad, la de Bonobón, hizo que el tema "Bombón", creado en 2002 y editado en su disco debut, se convierta en una suerte de hit de los adolescentes, por obra y gracia de la televisión. "En un primer momento me generó conflictos esa popularidad, pero después pensé que cuando uno hace algo ya la canción no es tuya. Entonces, si la quieren usar para una película o una publicidad, más allá de que a uno le conviene económicamente, hay que dejar que sea lo que tiene que ser", indicó. Y agregó: "A veces uno quiere controlar cómo y de qué forma se escucha una canción, y no es así. Yo me hago cargo de que hice el tema pero después no me hago cargo de cómo lo escucha cada uno".

Tras admitir que el grupo "siempre está en la búsqueda", Ezquiaga consideró que Rosal "no es de conformarse rápido con cada una de las cosas que hace". Y completó: "Es más, en este disco cambiamos totalmente lo previsto porque queríamos hacer otra cosa".

En momentos de pleno auge de la banda, y tras una brillante presentación en el Personal Fest en el que compartieron escenario con destacadas bandas internacionales de la talla de Sonnic Youth y The Strokes, Ezquiaga confesó que siempre le ronda por la mente la idea de hacer balances artísticos y profesionales. "Soy de hacer balances todo el tiempo, a veces demasiado, por eso estudio, trato de mejorar e intento que la banda pueda tocar lo máximo posible. Pero en lo personal, me tomo las cosas de otra manera, ahora estoy más grande y mucho más tranquila, y trato de concentrarme sólo en la música", concluyó.

Ante unas siete mil personas que disfrutaron a pleno en Metropolitano, el ecléctico músico francés ofreció antenoche un set con lo mejor de su carrera solista y algunos hits de Mano Negra. Y lo llevó a cabo a la manera de una gran rocola.

Dado el estilo de Manu Chao, con una excesiva similitud tímbrica, rítmica y compositiva en sus canciones, pareció que la veintena de temas que tocó con su grupo se sintetizaron en una larga y potente canción. Lo asombroso fue que todo se convirtió en una fiesta, con un público que cantó y bailó hasta dejar la última gota de sudor.

Esa fue la pata artística, la otra, la ideológica se mantuvo en lo alto, como siempre. Es que Manu Chao mantiene una línea de pensamiento consecuente, que apunta a la libertad, la igualdad y la fraternidad, leit motiv de la revolución francesa, que lo expande hacia cada lugar del mundo donde se sube a tocar.

Por eso no extraña que ambas patas concurran hacia un todo. Y que lo suyo atraiga más como un colectivo artístico, en donde confluyeron chicos de barrio Ludueña pintando un mural en vivo con la imagen del ángel de la bicicleta, Pocho Lepratti; un marionetista haciendo su rutina en pleno show, y hasta dos bandas Magia Toba y Delfino Flow, que hicieron la previa para calentar motores.

El ex Mano Negra presentó "La Ventura", secundado por Madjid Fahem, en guitarra, quien se destacó con algunos solos pirotécnicos; Phillippe Teboul, que sigue demostrando el mismo nivel con que se destacó en Mano Negra y Gambeat, en bajo y coros, uno de los responsables de mantener la energía a full en toda la noche.

El guiño ska y la energía punk, sobre todo en el cierre de las canciones, fueron una constante. Desde el comienzo con "Míster Bobby" hasta las estrofas de "Se fuerza la máquina", del Gato Pérez, o "Vida tómbola", quizá la canción que mejor representa el universo de Diego Armando Maradona.

Las hiteras "Me gustas tú" y "Clandestino" sumaron dos de los grandes momentos desde arriba y abajo del escenario. Es que fue en estos temas donde se lo vio a músico francés mostrar su mejor veta expresiva y porque gran parte del público se soltó en un pogo intenso y cantó las letras de punta a punta.

Manu Chao abusó una vez más del "vamos Rosario", latiguillo con el que aburren muchos de los artistas extranjeros que llegan a la ciudad, y tampoco pudo eludir algunos yeites efectistas, como es el caso del golpe en el pecho hecho con el micrófono simulando el latido del corazón, tal cual lo había hecho en su anterior visita en el Anfiteatro.

La fórmula se repite: Manu Chao sigue cantando su eterna canción. Y no cambiará mientras haya fiesta.

Después de la muerte de su mujer y su hijo, un exitoso escritor estadounidense viaja a Barcelona para reunirse con su hermano Samuel, un cura que se encuentra postrado en una silla de ruedas, y con su padre Richard, que está muriendo.

El hombre comienza a sufrir una serie de pesadillas y visiones relacionadas con la aparición regular del número 11, un fenómeno que será el prólogo de hechos extraños que suceden en la iglesia vecina a la casa donde se hospeda.

El cineasta aseguró que a partir de "El juego del miedo" intentó buscar nuevas formas de acercarse al terror. "Eso es lo que queríamos hacer con este proyecto. La idea fue tomar el fenómeno que se dio en torno a este tema y conferirle un propósito inquitante".

La numerología alrededor del 11 es vasta y la más trágica es la del día que cayeron las Torres Gemelas. Sin embargo el director aclaró que no se trata de una película sobre numerología. "El concepto del filme es que el 11-11 es un punto de partida, una fecha que marca un hecho trascendental" afirmó el director, en tanto que los notas de prensa lo califican como "un aviso" para la humanidad.

Con sentido del humor y chispeante, como cualquiera de sus películas, Dante recordó su acercamiento al cine con cierta ternura. "Cuando era chico era fanático de las matinés del cine de barrio, adonde iba los sábados por la tarde. Siempre era el primero en llegar a la sala, porque el primero entraba gratis", recordó en el marco de la esperada charla del festival de cine de Mar del Plata.

"Una vez, una película de la momia la vi tantas veces, que se me hizo muy de noche, y mis padres llamaron a la policía porque pensaron que había desaparecido", destacó. "El único problema fue que tuve 6 meses poliomielitis en el 56 y ese cine no podré recuperarlo nunca más", acotó como aquel que pierde una piedra preciosa en medio del desierto.

Esas experiencias, de algún modo las rescató en "Matiné" (1993), a la que no consideró su mejor filme. "Las películas son como hijos, no puedes decir a quién quieres más, aunque sabes que algunos son mas lindos que otros. Pero sí puedo asegurar con cuáles me divertí más, y fue con "Viaje insólito" y "Gremlins 2".

Joe Dante contó que tras el éxito de "Gremlins" los estudios de Hollywood lo fueron a buscar desesperadamente para hacer la secuela, pero él no quería. "Estaba harto de Gremlins, pero los estudios me dijeron que si accedía, después podría filmar la película que yo quisiera, algo no muy frecuente en Hollywood", dijo. Y agregó: "Barajaban historias como "Los Gremlins van a Marte", "Los Gremlins versus Abbott y Costello", "Los Gremlins conocen a Frankenstein". Y nada de eso era lógico en la cabeza de Dante.

Finalmente "Gremlins 2" terminó siendo una de las películas más satisfactorias de su carrera, tanto es así que sus fans le piden a gritos que saque la tercera parte. "Para hacer Gremlins 3 tendría que hacer una remake y en 3 D. Es algo que no va a ocurrir", aseveró, tras admitir que muchas veces se inspiró para los gags de esa saga en el humor de la revista Mad (aquella famosa producción gráfica cuyo personaje era un niño pecoso que le faltaba un diente).

Uno de sus fans le preguntó qué opinaba sobre "Critters", ya que se cree que esas criaturas emulan a sus Gremlins. "No tengo nada que decir del trabajo de los colegas. Además, yo no puedo decir nada, porque "Piraña" está inspirada en "Tiburón", destacó sin ponerse colorado.

De sus comienzos en las filas de Roger Corman reveló que le gusta pensar en esas producciones como "hijos al margen de la ley". Y agregó: "Corman fue nuestra figura paterna, y en toda situación familiar así, siempre hay algo de rebeldía. Pero en realidad, estábamos mas que contentos de tener un trabajo y de estar seguro que las películas que hacíamos iban a ser mirada por mucha gente".

Dante también habló de su relación con el cine 3D, que puede verse en su última producción, "The Hole", también programada en este Festival. "Decidí utilizar el 3D porque se trataba de una película pequeña, con pocos personajes, pero con muchas oportunidades para poder implementarlo". Dante estuvo en la ciudad balnearia, si hasta pareció que los Gremlins andaban chapoteando con las olas, muy a su estilo, junto a los lobos marinos de la Bristol.

Para el mundo de la música el 8 de noviembre es una fecha que quedó marcada por la publicación de uno de los mejores discos de la historia del rock and roll que,  precisamente, tenía entre sus momentos más recordados un tema llamado como la música nacida en la década de 1950  que se convirtió en la banda de sonido de la segunda mitad del siglo XX y lo que va del XXI. Ese día en 1971 veía la luz Led Zeppelin IV, el disco sin nombre de la gran banda inglesa que este año cumplió los 40.

 Con este disco Led Zeppelin se quiso recuperar de las malas críticas que recibió su predecesor Led Zeppelin III, tercer álbum de estudio de la banda que contenía canciones acústicas con aires folk y temas tan potentes como Inmigrant Song o Celebration Day.

Quizá en concordancia por la atracción hacia el ocultismo que profesaba su guitarrista y compositor Jimmy Page, el disco era enigmático desde que uno lo veìa. Sin nombre en la tapa, ni del grupo ni del disco, y con la imagen de una pared empapelada y un cuadro de un anciano acarreando en su espalda un fajo de ramas y apoyado en su bastón se presentaba este gran trabajo de Zep. Nadie sabía como llamarlo. Al desplegar la tapa doble del vinilo en la parte de atrás se podía ver como la pared estaba destrozada y mostraba una ciudad al fondo. En el sobre interior aparecían cuatro símbolos que correspondìan a cada uno de los integrantes de la banda, que aparte del guitarrista Page, se completaba con el cantante Robert Plant, el bajista y tecladista John Paul jones y el monumental baterista John Bonham. En uno de ellos se podía leer la palabra ‘Zoso’. Muchos comenzaron a llamarle así al disco, que también se popularizó como el Zeppelin IV y hasta algunos por estas latitudes llamábamos El Ermitaño.

Pero la incógnita lejos de ser un obstáculo podría haber ayudado a que vendiera quince millones de copias en poco tiempo, estableciendo al grupo como una de las bandas más importantes de la década. Con el tiempo, ha llegado a vender veintidós millones de copias, siendo el álbum más vendido de la banda y convirtiéndose a su vez en el segundo álbum más vendido de la década de 1970, sólo por detrás de The Wall, y en uno de los más vendidos de todos los tiempos, ocupando la cuarta posición en el ranking de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA (Recording Industry Association of America).

Dejando de lado los números y metiéndose de lleno en lo musical al escuchar la primera canción se caen todos los parámetros de lo conocido hasta entonces, como el grupo hiciera en su momento con Led Zeppelin I. Black Dog, primer corte del álbum, significó el regreso de unos Zeppelin enojados y con ansiosos de darle a los críticos una piña en la mandíbula, al igual que hizo el mítico Joe Frazier (tristemente fallecido el lunes) al gran Muhamad Alí en el combate que los enfrentó por primera vez aquel mismo año. Page y Plant destapan lo mejor de cada uno, como si de un combate se tratase (siguiendo con la comparación boxística), en un duelo titánico entre la voz y la guitarra.

En Rock and Roll es Bonzo el que toma el mando desde el primer minuto. Un tema con aún más fuerza que el anterior que solo puede mejorar el panorama. Una tormenta imparable que se tomaba un descanso con el tercer tema. La épica The Battle Of Evermore, es una canción en la que las voces de todo el grupo brillaban en todo su esplendor.

Más adelante la guitarra de Page en el tercer tema se apagaba para dar paso a uno de los punteos más conocidos de todos los tiempos subiendo las escaleras al cielo. Stairway to Heaven es una de las canciones más hermosas del mundo. Ocho minutos memorables y muy versionados por distintos artistas en los que el crescendo se apodera del clima musical arrancando con una guitarra, una flauta y la voz de Plant, a la que se suman Jones y Bonham para rematar con un sonido pocas veces repetido. Y sin hablar del solo de Page, elegido por las revistas Guitar World y Rolling Stone como el mejor solo de la historia.

Misty Mountain Hop, canción que recoge el espíritu hippie de la banda, y Four Sticks, el tema en el que Bonham usó cuatro palillos para su grabación, seguían golpeando sin parar en la continuidad del disco. Temas de muchos quilates para uno de los disco más vendidos de la historia.

El cierre del álbum, Zeppelin eligió Going to California y When the Levee Breaks. El séptimo tema lo compusieron en honor a la cantautora canadiense Joni Mitchell y en él está más vivo que nunca el folk que admiraban Page y Plant y un magistral John Paul Jones ejecutando la mandolina. La última canción tiene una génesis algo desconocida ya que muchos creen que es una creación del grupo inglés, aunque en realidad se trata de una canción blues que compuso Kansas Joe McCoy y Memphis Minnie en 1929 como reacción a la Gran Inundación del Mississipi de 1927, si bien es cierto que los arreglos son obra de Led Zeppelin.

A pesar de que 40 años es mucho tiempo y sobre todo en el mundo de la música, este disco sigue siendo una obra memorable, uno de los mejores surgidos de esa Edad de Oro que la década de 1970 y que no ha perdido ni una pizca de la adrenalina que despierta a cada oyente que lo descubre por primera vez.

Lista completa de temas:

1. “Black Dog” (Page/Plant/Jones) – 4:54
2. “Rock and Roll” (Page/Plant/Jones/Bonham) – 3:40
3. “The Battle of Evermore” (Page/Plant) – 5:51
4. “Stairway to Heaven” (Page/Plant) – 8:03
5. “Misty Mountain Hop” (Page/Plant/Jones) – 4:38
6.“Four Sticks” (Page/Plant) – 4:44
7.“Going to California” (Page/Plant) – 3:31
8. “When the Levee Breaks” (Page/Plant/Jones/Bonham/Memphis Minnie) – 7:07

Excéntrico, carismático y vistiendo un traje amarillo con remera azul, Fito irrumpió en el escenario y confesó que "Rosario siempre estuvo cerca", añorando a la ciudad que lo vio crecer y dándole la bienvenida a los miles de espectadores que el sábado se predisponían a disfrutar de cada una de sus canciones.

Un hermosísimo piano pintado de muchos colores se situaba en el centro de la escena. De allí sonaban clásicas melodías de la mano de Páez, quien, enérgico, anunciaba un compilado acústico donde sólo se degustaron piano y voz. Así, "Cable a tierra" se fundió con "Confesiones de invierno" de Sui Generis para terminar a coro con el público suplicando "Y dale alegría a mi corazón".

"Hace apenas 24 horas que terminamos de grabar el último álbum", contó entusiasmado Páez sobre el material de "Música para aliens" que saldrá a la luz el 27 de noviembre y que cuenta con la producción artística de Leo Sujatovich, a quien Fito invitó para interpretar "Un vestido y un amor" en una versión más que conmovedora que provocó las lágrimas de algunos muchos.

En los bises, el rosarino se atrevió a más y lució un traje rojo cargado de "Actitud", una de las elegidas para terminar. "Quiero invitar a alguien que quiero mucho: Liliana Herrero", dijo Fito cuando la gran cantante aparecía en escena para una versión emocionante de "Yo vengo a ofrecer mi corazón".

"Mariposa tecnicolor" marcó el fin de la velada, pero cuando parecía que todo había terminado, Páez entró a escena nuevamente para sorprender con una canción de antaño, se trató de "Canción de amor mientras tanto" del año 88.

Un artista que atrapa a todas las generaciones y a distintos partidos políticos. Mauricio Macri recurrió a la canción "Y dale alegría a mi corazón" y la presidenta Cristina Fernández a "Dar es dar".

Páez es un artista consagrado cuya vigencia no tiene límites: melodías que forman parte de la historia de muchas generaciones y el inagotable brillo de un rosarino. "Maravillosa noche, Rosario. Salud, dinero y amor para todos", sentenció el cantante cuando el reloj anunciaba la medianoche.

Carolina Pampita Ardohain demostró por qué se la considera una de las mujeres más bellas del país en Sábado Bus al protagonizar el segmento Grandes Bellezas Internacionales. Pero, antes de presentar el videoclip, Nicolás Repetto le hizo la pregunta que todos esperaban: “¿Estás embarazada?”.

Y luego de días de rumores, Pampita confirmó la noticia: “Sí, voy a ser mamá. Estoy de muy poquito. Me hubiera encantado mantener la noticia en reserva, porque estoy de muy poquito de verdad. Lo intentamos todo, ni siquiera le contamos a nuestros mejores amigos, hicimos todo lo posible, pero se filtró porque es una noticia maravillosa”, dijo la modelo y conductora.

Entonces, la mesa a pleno de Sábado Bus brindó por el anuncio de la llegada del tercer hijo de Ardohain y su pareja, el actor chileno Benjamín Vicuña, quien también confirmó que su mujer estaba en la dulce espera a través de su cuenta de Twitter: “Estamos embarazados. Se viene el tercero. Gracias por toda la buena onda”, escribió el galán, que ya es padre de los pequeños Blanca y Bautista. 

Luego, Repetto presentó su Grandes Bellezas Internacionales, en el que se la vio más linda que nunca en un crucero que recorrió Barcelona, Túnez, Malta y Roma, entre otras ciudades.

Uno de los creadores del cantar revolucionario vuelve a la ciudad del Che tras casi 18 años de espera, ya que su anterior presentación fue en el estadio de Newell´s Old Boys en 1994.

Silvio Rodríguez tendrá una velada emotiva no sólo por el recital sino también porque será distinguido por el Concejo Municipal como visitante ilustre de Rosario, tras un proyecto del edil Oscar Greppi. El autor de “Unicornio” y “Vamos a andar” interpretará una galería de clásicos y presentará además las canciones de su última producción discográfica “Segunda cita”, en el marco de una gira que llegará también hasta Córdoba, Buenos Aires y Montevideo.

El compositor que sabe conjugar como pocos textos poéticos con compromiso social se presentará junto al Trío Trovarroco, al que se suman la flautista y clarinetista Niurka González y Oliver Valdés en batería y percusión.

El artista cubano de 64 años, oriundo de San Antonio de los Baños se hizo popular en la Argentina en la apertura democrática junto a otro de los grandes referentes de la música de la isla, Pablo Milanés.
“Playa Girón”, “Sueño con serpientes”, “Pequeña serenata diurna”, “Días y flores”, “Rabo de nube”, “Ojalá” y “Te doy una canción” son algunos de los clásicos de su extensa obra, que se convirtieron en canciones de fogón.

En “Segunda cita”, su última producción, se destacan canciones como “Tonada del albedrío”, que es una de las cinco composiciones de su carrera que le dedicó al revolucionario rosarino Ernesto “Che” Guevara; “Carta a Violeta Parra”, que está realizado en homenaje a la intérprete chilena; “San Petersburgo”, en el cual evoca al escritor colombiano Gabriel García Márquez y “El gigante”, estructurada a partir de la idea de José Martí, que dice que “nada hay más importante que un niño”.

Luego de editar este material, que fue una suerte de bitácora personal, Silvio Rodríguez creó este año su propio sitio web llamado www.zurrondelaprendiz.com.

Con el objetivo de comunicarse aún más con su público, en esta página puede encontrarse un detallado listado de canciones inéditas, fotografías de distintas épocas del cantautor y varias entrevistas realizadas a lo largo de sus más de cuatro décadas de trayectoria.

Desde hoy hasta el lunes se desarrollará en el Parque de España el II Festival Internacional de Jazz con la presencia de figuras tales como el pianista norteamericano Kenny Werner, el guitarrista franco-vietnamita Leguyen Le, la ex percusionista de Miles Davis, Marilyn Mazur, el pianista catalán Albert Bover y el histórico contrabajista noruego Arild Andersen.

Además, en el marco de este festival, el sello BlueArt Records festeja sus diez años con la presentación de los nuevos discos de Ernesto Jodos y Guillermo Calliero.

Hoy actuarán desde las 21 Mutasapos, ARild Andersen Trío (foto) y Marilyn Mazur Quartet. Mutasapos está integrado por reconocidos músicos jóvenes de la escena jazzística rosarina e interpretan composiciones originales en la búsqueda de un lenguaje personal. Nicolás “Mu” Sánchez, guitarra, Leonardo Piantino, saxo, Sebastián Mamet, batería y Mariano Sayago, contrabajo.

ArildAndersenes unbajista noruego que supo acompañar a figuras del jazz como PhilWoods, DexterGordon,Johnny Griffin, Sonny Rollins, Chick Corea., Kenny Wheeler, Bill Frisell, y Ralph Towner. Su trío se completa con el saxofonista escocés Tommy Smith y el baterista italiano Paolo Vinaccia.

Por su parte, Marilyn Mazur es una de las percusionistas más carismáticas e innovadoras del panorama actual del jazz moderno y la World Music. En su historial destacan sus colaboraciones con músicos como Miles Davis, con quien grabó los discos “Aura” y “LiveAround The World”. Mazur llega con su cuarteto integrado por Fredrik Lundin (saxos y flauta), Krister Jonson (guitarra) y Klavs Hovman (contrabajo).

Mañana se presentarán Sergio Poli Cuarteto, encabezado por el violinista platense Sergio Poli, y los locales Chivo González-Pedro Casís Sexteto. Mientras que el cierre de la noche, a partir de las 23, estará a cargo del pianista y compositor Kenny Werner junto a su trío.

Claudio María Domínguez protagoniza un verdadero fenómeno, que muchos denominan “el boom espiritual” y Susana Giménez, quien afirmó que escucharlo de da mucha paz, quiso llevarlo a su programa.

Juntos, hablaron de la vida, el amor, el trabajo y el sexo: “Todo el mundo se está dirigiendo hacia el lado espiritual: hay que abrir el corazón y saber perdonar”, arrancó diciendo Susana al comienzo de la entrevista.

Claudio le dio la razón: “Hay que ser libre, ser una buena persona. Respira y ama, lo demás es puro cuento”, afirmó. Y continuó con su mensaje: “El 10 % de la gente se despierta y agradece estar vivo. Esa es una opción positiva. El secreto es develar quién soy en la vida. Si uno vive pensando en la camioneta o en el amor de fin de semana, demuestra lo endeble que es tu vida porque sos un actor secundario en tu historia. ¿Por qué sigo esperando a alguien que me recuerde que estoy vivo? “ se preguntó Domínguez.

Susana volvió a afirmar que quiere seguir soltera y le preguntó a su invitado cómo hacer para salir de una relación insana: “Entendé que primero lo atrajiste por algo. Vibratoriamente, algo llama para que entre los dos sean aves depredadoras. Cuando te das cuenta, decís ‘te amo y te pido perdón, pero no puedo darte mi libertad’. Una persona no va a estar nunca bien en pareja, sino está bien sola”, le respondió él.

Por último, ambos hablaron de su experiencia en la India, y Giménez confesó que su paso por ese país la modificó para siempre: “Me cambió la vida, me hizo mucho más buena, más espiritual. Ver toda esa gente que está en la miseria y sonríe todo el tiempo, es algo tan fabuloso”, dijo la diva.

"Vamos a ir la con la banda entera. Y será la primera provincia donde vamos a presentar el disco, más allá del «Olé» y «Sin tí», las canciones que han tenido más éxito", explicó Noelia. "Además —añadió la añadió artista— van a poder ver un poquito más el concepto de qué es Gitanos. Llevamos un espectáculo más allá del disco en sí. Más allá de una canción tras otra hay un contenido, un espectáculo. También está la parte de baile y los músicos en vivo que aportan muchísima calidad", afirmó.

El disco, fue grabado en Miami, donde fue su compatriota Alejandro Sanz quien los impulsó en sus inicios. "Al grabarlo en Miami justamente lo que queríamos era trascender un poquito más allá de lo gitano, de lo tradicional, de lo típico. Entonces nuestra puesta y lo que es Gitanos en sí, es un concepto más del año 2011, mucho más actual, afrontando un poquito más el pop", continuó la cantante y bailarina. "De hecho el vestuario no tiene nada que ver con lunares, con peinetas ni con nada de eso. Obviamente las raíces son gitanas porque los dos lo somos, pero estamos muy actualizados y muy pop, y en Miami se buscaba enriquecer el trabajo con distintas culturas para que sea internacional, popular y masivo", afirmó.

Patrimonio. La idea de trascender la "tradicional y lo típico" es uno de los objetivos, pero ¿no sienten que están traicionando las raíces?. Charly lo explicó así: "Fijate que no porque hace poquito el flamenco se nombró patrimonio de la humanidad. Mi pensamiento es muy libre y pienso que si es algo que se ha declarado patrimonio mundial de la humanidad creo que es justamente de la humanidad. No es algo que haya inventado uno ni otro, pues cada uno lo puede armar a su forma y hacer con ello lo que quiera siempre respetando las bases. Que hayan distinguido así al flamenco para nosotros es muy importante e invitamos a que todo el mundo pueda utilizarlo, como sucedió con la fusión entre el tango y el flamenco", enfatizó.

Charly dijo que el estilo que hoy los caracteriza es el resultado de la fusión del estilo "puro" de Noelia con el gusto por el "gipsy". "El estilo es la mezcla de donde viene Noelia y de donde vengo yo. Ella viene del flamenco más puro y yo del más del pop. Alejandro Sanz hace un flamenco pop, que lo pueden entender la gente que de verdad aprecia la música española. Estopa y hasta Joaquín Sabina muchas veces lo han hecho. Mezclamos esas dos cosas", resumió el guitarrista.

El impulsor del grupo fue Charly, quien luego de escuchar cantar a Noelia insistió hasta convencerla de formar el dúo. "Es una gran bailaora de flamenco, una persona que viene de expresar todo con el baile y con el cuerpo, pero además cantaba muy bien y le decía que tenía que hacerlo en escena", recordó. Luego de llegar a Miami y de "conocer gente muy importante de la industria y entre ellos Alejandro Sanz" comenzó el despegue con giras por Europa del Este, Malasia y México.

¿Y cómo reciben la propuesta en Europa del Este donde hay una gran presencia gitana o en otros países donde grupos de gitanos fueron desplazados? "El gitano es gitano porque tiene una procedencia que nadie sabe de dónde viene, o que fueron echados de algún lugar en su día y cada uno tomó un rumbo. Nosotros venimos de los gitanitos que se afincaron en España. Gracias a la música se adentraron en una sociedad. Hoy por hoy tenemos gitanos abogados, jueces, policías, incluso hasta un político del PSOE. En su día, hace muchísimos años, fuimos discriminados y vivíamos en los campos o las caravanas. Hoy eso ya no se lleva", afirmó el artista para luego subrayar el carácter vital y optimista de la propuesta que llega hoy a

Hoy, a las 19.30, habrá una ceremonia de apertura en el Centro Audiovisual Rosario (CAR), ubicado en Chacabuco 1371, donde los organizadores darán palabras de bienvenida con música experimental a cargo del grupo Guo Cheng y el ensamble vocal PO.

En esta séptima edición, el festival difundirá especialmente material audiovisual de la provincia de Santa Fe, a través de la sección "En foco: Santa Fe", en la que se presentarán unas 45 producciones.

Entre otros puntos de importancia, con la intención de ampliar la difusión de artistas locales, se ofrecerá una retrospectiva del artista Mauro Guzmán, en la sección "Autores", más una selección de trabajos de Luis Bras y otra de Pablo Rodríguez Jáuregui. Mario Caporalli, por su parte, presenta un documental sobre la banda Guo Cheng.

Desde hoy y hasta el domingo habrá funciones en las distintas salas: El Cairo (Santa Fe 1120); Arteón (Sarmiento 778, planta alta); Auditorio del Museo del Diario La Capital (Sarmiento 763, subsuelo); CAR (Chacabuco 1371) y Espacio Wip (Mendoza 862).

El festival, que en rigor comenzó el lunes con distintos cortos y otros filmes entre los que se destacó "En el futuro", de Mauro Andrizzi; retomará el ritmo sostenido de exhibición a partir de mañana en Arteón, a partir de las 17, con el ciclo dedicado a Santa Fe, en el que se destaca el corto "Lea, en Argentina", de Maia Ferro. En la misma sala, a las 19.15, en el ciclo "Rockumentales", se proyectará "Todo lo que nunca quisiste saber sobre Los Látigos", de Ezequiel Muñoz y "¿Qué sois ahora", de Mariano Goldgrob y Gustavo Galuppo.

El mismo día, en el Auditorio del Diario La Capital se exhibirá, a las 18.30, "Domingo de Azul y Amarillo, recorrido canaya de Rosario", de Roser Caminal Saperas y a las 20.45 "Victoria, un instante", de Elbio Córdoba, Gabriel Pereyra, Luciana Enriquez, Pablo Grasso, Silvia Dahlquist y Alejandro Lucero.

Entre otras producciones audiovisuales distinguidas se proyectará este viernes, a las 17, en Arteón, "Jorge Migoya, una entrevista documental", de Ernesto Gallo y Raúl Astorga.

El sábado se presentan los cortos "Retratoautorretrato de Lola Prun" y "Una forma estúpida de decir adiós", de Paulo Pécora, a las 20, en El Cairo, en el marco del ciclo Autores, junto a una decena de obras del citado artista.

Como parte del ciclo Cine Expandido, se proyectará en este cine, a las 22.45, "Sinfonía industrial nº2: Música para Astronautas", de Ernesto Baca, con música en vivo de Ariel Tremari y Marcelo Mamani. A continuación, la producción que cerrará el festival será "Teoría de cuerdas", un trabajo colectivo en el marco del ciclo Transterritorio. El domingo, en Mendoza 862, se podrá ver, a partir de las 20, la Muestra Wip, de Mauro Guzmán.

Dibujos de acá

El dibujo local tendrá su homenaje en el festival underground. Este jueves, a las 18.30, en el Auditorio del Museo del Diario La Capital se verán cortos del artista Pablo Rodríguez Jáuregui, en base a la producción realizada entre 1993 y 2011. Desde las 20, en El Cairo, se exhibirá “Conoce usted el mundo animado de Bras”, en homenaje a la obra de Ricardo Luis Bras, transcurrida entre 1970 y 2000.

La obra, que se presenta mañana, a las 21, en el Astengo (Mitre 754), gira en torno a igual número de señoras reunidas en la ociosa tranquilidad de una casa de campo que se rompe imprevistamente cuando el dueño del lugar aparece asesinado. Así, el clima creado por estas estas mujeres "divinas" empieza a "descomponerse, a deformarse y dejan aflorar las cosas no tan glamorosas que puede tener cualquier ser humano", contó la actriz.

La situación, gracias al abordaje del autor y al trabajo del director José María Muscari, tiene "bastante de comedia". "La obra es un clásico. No tiene porqué tener humor, y lo tiene y es muy sutil. Es un texto muy efectivo. Es una comedia de suspenso porque hay un crimen. Pero la situación pasa a tener aristas tan absurdas que se convierte en algo bastante gracioso", recordó Mazer.

Pese a que son todas mujeres, subrayó que no se trata de "una obra de género, no habla de cosas actuales de las mujeres, pero sí de estas mujeres que tienen un muerto en el placard y empiezan a traicionarse, a culparse, a develar secretos. Empieza a haber alianzas, agresiones". Luego de reconocer que la pieza "muestra tal vez lo peor de lo femenino", advirtió no obstante que expone también los costados menos amables de "los seres humanos en general", afirmó Mazer.

La función en Rosario es parte de una gira que incluirá también a Paraná, Rafaela, Santa Fe y Melincué. Luego se presentará en ciudades del Gran Buenos Aires y a partir del 1º de diciembre subirá a escena en el teatro Lido de Mar del Plata como continuación de una experiencia que comenzó en mayo pasado en el teatro Tabarís. Un exitoso recorrido, pero ¿es posible la armonía entre ocho mujeres todo ese tiempo? "Es un mito", afirmó con humor Mazer y explicó que de acuerdo a su experiencia "a veces es más complicada la convivencia con actores varones".

En ese sentido añadió: "Te puedo decir que los varones tie ne a favor que son muy directos, pero no todos porque los actores varones tienen un costado femenino bastante profundizado. Es muy ameno laburar con actrices", dijo convencida y añadió: "Para convivir lo que vale es la tolerancia. Estuve en muchos elencos de mujeres y en muchos de hombres. Y hasta he sido la unica mujer en un elenco. Todos tienen reglas un poco distintas. La regla dentro de un elenco de minas es que somos compañeras, no importan las edades. Somos pares, nos divertimos, nos contamos intimidades", explicó.

La dirección de Muscari fue otro de los elementos que la convencieron para sumarse al proyecto. "Hacía tiempo que tenía ganas de trabajar con Muscari y por uno y otro motivo no podía", afirmó sobre el creador de piezas como "Feizbuk" o "Desangradas en glamour", y que además fue parte del ciclo "Bailando por un sueño". "Me gusta el respeto que tiene por los actores. Es un tipo que monta la obra y viene una vez por semana a ver cómo está. A veces viene a ver las funciones en gira. Trabaja por el espectáculo, nos cuida a las actrices. Es un tipo muy arriesgado que se juega por lo que propone. Tiene una óptica muy personal, entonces siempre vas a estar protegido en lo que te propone por más que sea actoralmente riesgoso. Está la firma de él que te ampara. Es un joven gran director", afirmó.

El recorrido por la obra de Floyd comenzó con una bienvenida. "Welcome to the Machine" regresó a todos a los gloriosos, para la música progresiva, años 70. Y para ello, The End tiene preparada una escenografía austera donde sobresalen los juegos de luces y la pantalla redonda característica de la banda inspiradora.

Sin mediar relocalización temporal el grupo se sumergió en "The Wall" para hacer "In the Flesh" y con sonido de helicóptero y un seguidor sobre el público repasar "The Happiest Days Of Our Lives" y un clásico "Another Brick In The Wall II". Al final de este tema, la ovación volvió a sembrar dudas sobre la relectura que el público hace de las grupos de covers: ¿aplaude la interpretación o cree estar reconociendo a aquellos, sus viejos héroes del rock?

Una novedad irrumpió luego en la play list de The End. "Set the Controls for the Heart of the Sun" llevó a la platea aún más atrás en el tiempo, exactamente a 1968.

Fue el momento que Gorgui Moffatt utilizó para saludar. El "muchas gracias" después de esas canciones suena extraño. De todas maneras los primeros acordes de "Us and Them" hicieron olvidar ese ruido en la memoria auditiva y le abrieron paso a "Mother" para darle rienda suelta a la los fans de Floyd: Durga Mc Broom hizo su aparición para escenificar el triste relato de "The Wall".

El ruido de campanadas adelantó "Time" y precedió a "Breathe" para que, con "One of These Days" de cuña, el grupo llevara a la platea por un viaje al lado oscuro de la luna con "Brain Damage" y "Eclipse".

Momento esperado. Un pequeño intervalo terminó con "Shine on You Crazy Diamond" y "Nobody Home".

La serie más contemporánea y ligada al estilo Gilmour comenzó de la mano de "What do You Want from Me" y fue interrumpida por quizás el momento que todos esperaban: la versión que Mc Broom hiciera famosa de "The Great Gig in the Sky". Después siguió "Learning to Fly" y "Hig Hopes" con globos gigantes incluidos, volando por todo el teatro.

"Wish You Were Here" y "Comfortably Numb" pusieron a todo el mundo a cantar y cerraron un recital de dos horas y media que acabó con un bis integrado por "Coming Back", "Money" y "Run Like Hell".

La ovación del final con las luces del teatro prendidas volvió a despertar el interrogante: ¿Qué aplaude el público?

El músico Charly García, quien lleva más de 40 años de trayectoria, cumplió ayer 60 años y los festejará con una serie de seis conciertos en el teatro Gran Rex de Buenos Aires que comenzará el 27 de octubre, y en los que estará escoltado por su banda The Prostitution.

Por localidades agotadas, el artista agregó tres shows más a las tres fechas iniciales en los que interpretará un repertorio diferente cada noche y que contarán con una escenografía de impronta teatral.

Desde 1972. Carlos Alberto García Moreno nació el 23 de octubre de 1951 y, desde su debut en 1972, al participar del disco "Cristo Rock" de Raúl Porchetto, sus temas con Sui Generis, La Máquina de Hacer Pájaros, Serú Girán y como solista han acompañado a varias generaciones y son una referencia fundamental de la música contemporánea argentina.

Sus 60 años lo encuentran en plena actividad. El jueves ofrecerá el primer recital llamado "La vanguardia es así", una de sus frases preferidas; el segundo será el sábado y se denominará "Detrás de las paredes", donde abordará viejos temas devenidos ya en clásicos; y el último, bautizado como "El ángel vigía", será el 1º de noviembre. Las nuevas fechas son el viernes 4, el martes 8 y el viernes 11 de noviembre.

Si bien reconoció que tiene muchas influencias y es difícil encasillar su producción, definió lo que hace como MPB (música popular brasilera). La base de sus creaciones es el rock y con él vienen apareados los matices de las diferentes melodías que hacen a las distintas regiones del vecino país.

Mauricio Baia es el nombre como autor, y simplemente Baia, el de cantante. Estuvo de gira promocional por Argentina —de la mano de la discográfica DBN— dando a conocer su quinto álbum, que grabó en vivo en ese espacio musical carioca donde "la energía fluyó en cada show que hice a lo largo de mi carrera", relató.

Sus letras están influenciadas por su formación —nunca concluidas— en filosofía y comunicación social. Así hay musas como Fiódor Dostoyevski en lo literario o Bob Dylan en lo musical. Le gusta contar historias que "despierten conciencia" en el que escucha. Un plus extra es su carácter histriónico y alegre que muestran sus videos y que generan empatía con su público en cada show que da.

Joven camino. Baia comenzó el camino de la música a los 18 años con una banda que se llamó Rockboys, siempre con temas propios y tratando de seguir el difícil camino de producir en forma independiente.

Para el artista este camino "si bien está lleno de dificultades también tiene grandes satisfacciones". También participó en otros proyectos como Cuatro Cabezas, de donde, de una reunión de amigos, salió un disco acústico. Pero su andar solista fue luego de la muerte de su compañero y guitarrista Tonho Gebara (ex Farofa Carioca) en 2005. Entre sus discos, además de "Baia no circo" figuran "Na fe", "Overdosis de lucidez" y "Entrada de emergência".

Otro acento. Aunque nació en Salvador de Bahía y vivió allí hasta sus 13 años, su acento es bien carioca ya que tiene un cantar diferente y más acelerado. No obstante, afirmó que aún cuando esa diferencia pueda observarse, su "sotaque", como se dice acento en portugués, se transforma según el lugar donde esté. El músico aseguró que lo mismo sucede con sus canciones.

Además del CD, Baia editó un DVD con imágenes del mismo show y ya se encuentra trabajando en lo que será su próximo álbum, que sería lanzado en el 2012. Por otra parte, siendo fiel a sus vetas literarias y creativas, está pensando en lanzar un libro de música, humor y pensamientos.

Con su música ya ha recorrido diferentes festivales por el mundo y viene de hacer varias giras por Europa.

De todos modos, Argentina le implica un nuevo desafío ya que además de tener pensado hacer shows —también en Rosario en breve—, observó que se están produciendo intercambios entre bandas nacionales y brasileras a modo de enriquecer la música.

"Estuve invitado a tocar en Río con una banda llamada Ana Paul Delmonte y estoy conociendo músicos como Peteco Carabajal o Pedro Aznar", contó eufórico al mismo tiempo que destacó que participó del festival de los festivales, Rock in Río, donde estuvieron figuras como Elton John, Guns and Roses o Metálica.

Se lo observa entusiasmado con la idea de venir a presentar su trabajo a la Argentina y aseguró que hay toda una nueva generación de músicos jóvenes con un gran potencial creativo. "Así como en el fútbol, hay una gran cantidad de músicos nuevos siempre de calidad", disparó.

—¿Cómo es la vida del músico independiente en Brasil?

—La vida de recorrer ese camino no es fácil. Como artista tuve muchas dificultades pero lo más importante es que tuve un público cautivante. No nunca fui muy comercial y no participé de la gran industria ni de las modas. Mi camino fue quizás más lento pero sólido. Estamos siendo descubiertos siempre y es un desafío permanente. Hoy el mundo digital nos da todo el tiempo nuevas oportunidades y se consiguen distintos retornos que son muy buenos. Lo que me ha movilizado siempre ha sido el profundo deseo de hacer las cosas. Esto es lo que vale.

Berry llevó como nadie a los escenarios el espíritu de los 50 y 60. Rompió con las reglas y con su forma de tocar la guitarra conseguía arrancar gritos a las jovencitas del público, que imitaban además su forma de moverse como un pato.

“Haz sitio Beethoven, y cuéntale las novedades a Tchaikovsky”, cantaba sarcásticamente en su éxito “Roll Over Bethoven”, pleno de confianza en sí mismo.

“Si queréis dar otro nombre al rock & roll, debería ser Chuck Berry”, dijo en una ocasión John Lennon.

Y es que, antes de escribir sus propios temas, los Beatles tocaban las canciones del mismísimo Chuck Berry. De las 500 versiones de los éxitos del músico, 16 salieron de las guitarras de los Rolling Stones y de los cuatro de Liverpool.

En realidad, entre los planes de Berry, nacido en Saint Louis (Misuri), no estaba convertirse en “Mr. Rock ’n’ Roll”. Durante el día trabajaba en la cadena de una fábrica y por la noche estudiaba para peluquero, su profesión ideal.

La guitarra aprendió a tocarla de forma autodidacta en el reformatorio al que fue a parar tras un intento de robo. Después, formo un trío de aficionados.

En 1955 saltó a la fama con “Maybellene”, una analogía entre el sexo y la velocidad al volante que todavía hoy sigue utilizando Mick Jagger.

Después, siguieron un texto genial tras otro: “Sweet Little Sixteen”, “Rock and Roll Music”, “Back in the USA” o “Brown-Eyed handsome Man”, entre otros temas que posteriormente quedarían en la historia del género.

Con su música, consiguió entusiasmar incluso a la NASA. Cuando la agencia espacial envió al espacio la sonda Voyager en 1979, incluyó una cinta con grabaciones de los mejores temas de la historia: y junto a la “Flauta Mágica” de Mozart podía escucharse también “Johnny B. Goode”, grabada por Berry en 1958.

Pero su carrera también generó titulares negativos. En 1962 estuvo dos años en prisión por llevar prostitutas de un estado a otro, y en 1979 cayó entre rejas por evasión fiscal. También se lo vinculó a drogas y pornografía.

A sus 85 años, Berry sigue actuando. Una vez al mes desenfunda su guitarra eléctrica roja y toca en el “Blueberry Hill” de St. Louis. Pero verlo es casi misión imposible: las entradas para los conciertos hasta el próximo febrero ya están agotadas.

El paso casual

El paso del pato, que después inspiraría a James Brown y Michael Jackson salió de casualidad. Fue en un show que llegaron tan tarde que no tuvieron tiempo de cambiarse la ropa. Para evitar que el público se fijara en sus pantalones arrugados, Berry imitó el andar de un pato. Las mujeres enloquecieron.

La ofrenda fue también para promocionar la película "El cuervo", que recrea los últimos días del gran escritor estadounidense. Evans, de 32 años, interpreta a un joven detective de Baltimore que busca a un asesino que utiliza las historias de terror de Poe para inspirarse y matar a personas. John Cusack interpreta a Poe, quien se une a la búsqueda del sospechoso.

Evans dijo que le intrigó la biografía de Poe y que lo considera el "padrino de la literatura estadounidense"; también dijo que aprendió de los desamores de Poe y de su alcoholismo, así como de su gran papel en la historia como el primer escritor estadounidense que trató de vivir de la literatura. "Poe comenzó algo que todavía es muy productivo: las historias de asesinos y el papel del detective", dijo Evans. Y añadió: "El fue quien inició todo". La película es una mezcla de hechos reales y ficción que entrelaza la vida tortuosa de Poe y sus cuentos, lo que es distinto a otras películas sobre Poe, dijo McTeigue. El famoso poema "El cuervo" aparece en el filme como una escena en la que el escritor hace una lectura dramatizada de su obra en el almuerzo de un club de señoras. Está claro que Poe "tiene que hacer todo eso porque tiene que vivir de algo", dijo McTeigue. "El cuervo" se estrenará el 9 de marzo en los Estados Unidos.

La cantante de pop dijo a la revista Esquire que el rencor le “quitaba demasiado tiempo” a su vida. “Era demasiada ira”, declaró la estrella de 23 años. “Estoy realmente emocionada de ver el gran paso que él ha dado en su carrera”.

Brown, de 21 años, cumple cinco años de libertad condicional tras haberse declarado culpable de un delito grave de agresión por haber atacado a Rihanna en el 2009, la madrugada previa a la ceremonia de los premios Grammy.

“Graffiti”, el álbum que lanzó 10 meses después de la golpiza, fue un fracaso comercial. Pero su más reciente álbum, “F.A.M.E. (Forgiving All My Enemies)”, debutó en marzo en el Nº 1 de la lista Billboard de los 200 más vendidos, alcanzó estatus de oro y tiene múltiples éxitos de pop y R&B, como “Look at Me Now” y “Deuces”.

“Es increíble ver cómo salió adelante como lo hizo, aun cuando el mundo parecía estar en su contra”, dijo Rihanna. “Realmente me gusta la música que está sacando. Soy una fan”.

Y a Rihanna también le ha ido bien. Sus álbumes post-ataque —”Rated R” y “Loud” — han registrado platino. Su más reciente single, “We Found Love”, es su canción Nº en el top 10 de la lista Hot 100 de Billboard.

Rihanna dice que quiere ver bien a Brown. “Jamás le desearía algo horrible. Nunca lo he hecho”, dice.

La más sexy

Rihanna es la mujer más atractiva del mundo según Esquire, que publicó su imagen desnuda en la tapa.

La agrupación originaria de Polonia, reconocida mundialmente por su elevado nivel artístico y su alta expresividad musical, ofrecerá un repertorio con las obras: "Divertimento K. 136", de Wolfgang Amadeus Mozart; "Adagio Op. 11", de Samuel Barber; "Dos piezas para octeto de cuerdas, Op. 11", de Dmitry Shostakovich y "Suite Holberg Op. 40", de Edvard Grieg.

Fundada en los años 80 en Cracovia, la orquesta ganó prestigio partir de la calidad de sus músicos, surgidos de un exhaustivo proceso de selección. La idea fue crear un conjunto de cuerdas que pudiera ejecutar repertorios diferenciados, y que vaya del barroco y el clásico al romántico y contemporáneo.

La orquesta sorprendió con sus interpretaciones innovadoras de obras de Haydn, Rossini, Beethoven y otras obras primas de Penderecki, Britten, Bacewicz y Schoenberg.

En la actualidad, sus músicos se destacan además como concertinos y principales solistas de la Opole Philharmonic Symphony Orchestra.

Argerich

Martha Argerich Presents Project se presentará el martes 25 y jueves 27 de octubre en las dos próximas funciones de abono de El Círculo. El concierto incluye a Gabriele Baldocci, Lyda Chen Argerich, Daniel Rivera, Alexander Panizza, Enrico Fagone y Rodolfo Marchesini, junto a la Orquesta de Cámara Municipal de Rosario.

La obra escrita por Eduardo Rovner tuvo hace dos años a otro intérprete: Arturo Bonín se puso en la piel de quien fuera presidente de los argentinos entre 1963 y 1966.

En esta ocasión, el rol principal le compete a Brandoni quien subsana un fisic du rol esquivo con una sentida composición de su personaje.

Así, el ex diputado nacional y ex candidato a la vicegobernación de Buenos Aires por la Unión Cívica Radical de ese distrito desanda un guión esquemático que presenta diferentes momentos de la vida de quien también fuera diputado nacional y vicegobernador por Córdoba, entre 1940 y 1952.

Anecdotario. Los cuadros en los que se divide la obra dirigida por Héctor Giovine van desde la juventud de Illia hasta su muerte, acaecida en enero de 1983.

La constitución de su familia, su quehacer de médico y la estrecha relación con sus hijos se suceden antes de la referencias explícitas a las anécdotas políticas que han alimentado el mito.

Sus encuentros con los también radicales Hipólito Yrigoyen, Arturo Frondizi y Ricardo Balbín, y sus famosas reuniones con los embajadores de Estados Unidos, forman parte de la acción.

Así como también su defensa de los intereses nacionales a través de las leyes de anulación de contratos petroleros y de control de precios de los medicamentos, a la postre, responsables por su destitución.

En ese marco, "Don Arturo Illia" describe a un presidente lejos de la imagen de tortuga que le imprimieran sus rivales y muy cerca de la de un gran estadista. Juega un destacado papel una escenografía púrpura con un gran escudo nacional en el fondo para contener a un personaje manso, democráctico y profundamente argentino. Al punto de alcanzarle sólo una pocas palabras para arrancar ruidosos aplausos.

Radical

La reconstrucción histórica del libro no esconde su perfil partidario, saludado con vítores por la platea, en la que se vio a numerosos dirigentes de boina blanca. Al punto de comparar lo peor del peronismo con los militares golpistas de la época y con los de la última dictadura. Así, “Don Arturo Illia” peca de radical.

Larissa Riquelme, la model paraguaya que baila en el programa de Marcelo Tinelli, se animó a protagonizar el último musical de Sábado Show, el programa conducido por José María Listorti y Denise Dumas.

Luego de su provocativo strip dance, Larissa mostró un perfil distinto en su performance del sábado ya que la coreografía tuvo, al menos al cominezo, un tinte infantil. Lookeada como una bebota, Riquelme bailó acompañada de un grupo de veinte bailarines -diez hombres vestidos como soldados y diez mujeres, como muñecas-, mostrando su lado más naif.

Pero minutos más tarde, como era de esperar, comenzó a sonar la canción FireWork, de Katy Perry, y Larissa sacó ese sex appeal que la hizo conocida a nivel mundial, jugando a sacarse la ropa al ritmo de la música.

Sobre el final de la coreografía, una lluvia artificial se desató en el estudio de Sábado Show mientras la exhuberante modelo paraguaya bailaba sensualmente en ropa interior. "¡Excelente!", fue la palabra que eligieron los conductores del programa para definir la performance de Larissa. Ella, por su parte, también se mostró conforme con el trabajo realizado: "Estoy muy contenta por cómo salió y le quiero agradecer a la producción por hacer posible esto", dijo con su simpatía habitual.

El recital comenzará con la presentación, como soporte, de dos bandas, la bonaerense Guillermina y el power trío rosarino Sikarios. El show de GNR está previsto para las 23.

En la actualidad, la banda norteamericana está formada por Axl Rose (voz y piano), DJ Ashba, Richard Fortus y Ron "Bumblefoot" Thal (guitarras), Dizzy Reed (teclado, piano y sintetizador), Tommy Stinson (bajo), Chris Pitman (teclado) y Frank Ferrer (batería).

Hace un año y medio que GNR está embarcado en la gira mundial de presentación de "Chinese Democracy".

Axl y compañía vienen de tocar el domingo anterior en el Rock in Rio, el megafestival realizado en Brasil; el miércoles en Santiago de Chile; y antenoche en el Estadio Unico de la ciudad de La Plata.

Los organizadores informaron que la venta de ingresos seguirá hoy de 10 a 23 en Metropolitano, y recomendaron a los espectadores no portar elementos contundentes (encendedores incluídos) ni cámaras fotográficas.

Griselda Centini participó de todos los festivales realizados hasta hoy y como organizadora del evento explicó que se trata de una convocatoria abierta para dramaturgos, con y sin antecedentes, de Rosario y su zona de influencia. "Se recibieron 14 obras y se seleccionaron estas ocho", dijo y agregó: "Después cada escritor elige al director y éste a los actores que reoresentarán la obra".

La organizadora dijo también que este año se decidió "prestigiar" el festival y para ello se convocó a un tribunal de notables para que hiciese la selección. Participaron de esa instancia como jurados los escritores Patricia Suárez de Rosario, José Serralunga de Santa Fe y Julio César Parissi de Buenos Aires. Centini adelantó además que ya se encuentra abierta la convocatoria para el noveno capítulo de "La cocina" ha concretarse el año próximo.

"Cita por agencia" de Griselda Centini abrirá entonces el fuego hoy y todos los viernes de este mes. En la obra actúan Sandra Harford y Silvia Galizzi, mientras que se alternarán en las interpretaciones durante los próximos fines de semana Jorge Moral y Chita Bochicchio, acompañados por la cantante Silvia Campanari. Todos bajo la dirección de Christian Valci.

Después será el turno de "Cuando se rompe la ilusión", escrita por Doris García, puesta que tendrá a los actores Gastón Legaristi y Flavio Soso sobre las tablas, obedeciendo a la dirección de Fernando Pallas.

Los viernes cerrarán con "Amanecer de una noche agitada", que fuera craneada por Marcos Sánchez. Las interpretaciones son de Juan Pablo Yevoli y Dannae Abdala de Saa con dirección de Raúl Giacoppini.

Por su parte, mañana y los sábados de octubre se presentará "Lo humanamente posible" de Carmen Farías, con las actuaciones de Sabina Mecozzi, Fernando Oyharbide y Ariel Fumis. La dirección corre por cuenta de Luis María Fittipaldi.

Además, subirá a escena "¡De cortes,piquetes y otras yerbas!", obra escrita por Rodolfo Rivas en la que Zé Cordeiro, Luisina Zampa y Alejandro Martín Panzerini interpretan los roles protagónicos. Paula Geminale es la directora.

Le seguirá "Pendiente de resolución" de Susana Galván con las interpretaciones de Germán Geminale y Enrique Marín, todos bajo la dirección de Adriana Felicia. También lo hará "La flor de mi jardín", producto de la pluma de Doris García. Se trata de un unipersonal en la piel de Marcelo Mainini con la dirección de Daniel Carballido.

Finalmente será la vez de "Un submarino en el mar" de Nicolás Jaworski. En esta puesta actúan Bernardo Vitia, Mariano Raimondi y Juan Manuel Raimondi, con Soledad Otero en la dirección.

El sonido y la asistencia en el escenario serán responsabilidad de Christian Pereyra, mientras que la producción y la coordinación general del festival fue de Centini junto a Hugo Méndez. El ciclo cuenta con el apoyo de Argentores, entidad que nuclea a los autores de teatro, radio y televisión.

Comicidad

La organizadora de “La cocina de los dramaturgos”, Griselda Centini, contó que si bien el hilo conductor del festival es el humor, “las obras tienen diferentes estilos” de comicidad, y pendulan entre “el absurdo y el costumbrismo”, sin descartar que algunas de las puestas tengan una “veta de comedia dramática”.

Con entrada libre y gratuita, este megafestival solidario (que de llover se suspende para mañana a la misma hora) tiene el objetivo primario de celebrar una experiencia terapéutica de prestigio mundial y el secundario de colaborar con su financiación. Para ello, además de lo percibido por la rifa, habrá un equipo de 100 voluntarios con urnas para recibir donaciones. Lo recaudado es para que la Asociación civil sin fines de lucro La Colifata pueda continuar con sus servicios en salud mental y seguir con su trabajo de desestigmatización de la locura.

Comprometieron su presencia integrantes de los grupos de rock Cielo Razzo, Vudú, Los Vándalos, Coki & The Killer Burritos, Carmina Burana, El Caño, El Regreso del Coelacanto y Tarkus, así como algunas personalidades de la cultura que han hecho pública su admiración por LT22.

Otras, lejos de la ciudad, se harán presente vía internet, tal el caso del cantante francés Manu Chao que saldrá en vivo desde Barcelona, y de Dani Martin, líder del grupo español de pop-rock El canto del loco. Por su parte, el director de cine norteamericano Francis Ford Coppola, el cantante argentino Javier Calamaro y Capusotto han dejado un saludo grabado que se verá en pantalla gigante.

La misma que acompañará en el escenario principal la radio en vivo y mostrará imágenes de los momentos más emocionantes de la emisora, así como sus logros en la promoción de la dignidad de las personas con sufrimiento mental.

Declarado de interés municipal, el evento ofrecerá también la posibilidad de disfrutarlo en sonido cuadrafónico y podrá ser seguido a través de internet en www.redtl.com y www.lacolifata.org. Salvas de fuegos artificiales cerrarán la jornada solidaria.

Una precaria situación

El Hospital de Salud Mental J. T. Borda de la ciudad de Buenos Aires se encuentra en una situación de alta precariedad financiera debido a la decisión del gobierno de Maurcio Macri de trasladar el centro asistencial. Diferentes organizaciones sociales han denunciado una gran especulación inmobiliaria con los terrenos que ocupa.

"Cuántos ríos tendré que cruzar hasta encontrar el que es mío" canta Federico a viva voz en "Ríos", track 2 del disco de 14 canciones, en las que se aprecia la buena mano en la producción de su primo Carlos Altolaguirre, hermano del baterista Fernando y el bajista Juan Martín. El grupo se completa con Lisandro Pinchetti, en guitarras y Manuel Sánchez Rubio, teclados.

Carlos Altolaguirre, quien fue ingeniero de sonido de Luis Spinetta y Fito Páez, le dio a la banda un sonido impecable. "El audio es lo más profesional que nos sale", confiesa Federico, quien apunta que las letras están asociadas a "experiencias personales e historias prestadas". "Rock para imaginar" transita entre el pop clásico de "Los tatuajes de tu voz" y "Ríos", se corre hacia bases reggae en "Siempre" y "Perdidos en la selva", y se codea con un aire latino en "Nuevo amanecer" o a una veta punk en "Sólo vos me das".Varios estilos, la misma inercia.

La soprano Paula Almerares, una de las voces de más quilates en el actual panorama de la lírica argentina, dio todo lo que se esperaba de ella. Fue una Lucía que unió gran voz a una creíble interpretación, sin necesidad de sobreactuación, culminando en la escena de la locura, que trabajó sin excesos apoyada solo en pequeños gestos.

Bien por el tenor uruguayo Juan Carlos Valls, un Edgardo correcto y expresivo en "Sulla tomba", el emocionante dúo del adiós que cierra la primera parte. Uno de los mejores regalos que un compositor ha hecho para los tenores es sin duda el cuadro final de la ópera y Valls fue agradecido dando lo mejor de la noche para ese Edgardo, taciturno y autodestructivo, agudos firmes, buen color de voz y emoción que llevo al publico a premiarlo con largos aplausos. El Enrico del barítono Leonardo López Linares fue potente, trabajando lo dramático desde lo vocal y con gran proyección. Lucas Debevec Mayer hizo un Raimondo excelente. El aria "Ah!, cedi, cedi", que en muchas producciones se suprime, fue bellamente cantada por el bajo, mientras que el "Delle Stanze" fue una acabada muestra de buen gusto.

Otros destacados. De los locales hay que destacar a Andrés Novero, un interesante Lord Arturo; Germán Polon como Normando y Valeria Osuna que asumió el rol de Alisa el día del estreno. El coro de la Opera de Rosario, dirigido por el maestro Horacio Castillo, sonó correctamente en sus intervenciones.

El director colombiano Hadrian Avila Arzuza acentuó la instrumentación refinada de Donizetti dentro del estilo belcantista, sin opacar a los cantantes. Sólo en algunos momentos la Sinfónica local pareció algo excedida en intensidad, pero el rendimiento general fue bueno. La puesta de Rubén Martínez no se perdió en la búsqueda de innovaciones que más de una vez confunden y desmerecen el drama, la suya fue una lectura fiel de la historia. La hizo creíble y puso su arte en función del drama de Donizetti y Cammarano. Lamentablemente la iluminación no siempre estuvo a la altura que el drama y la arquitectura escénica requería para dar la dimensión adecuada a la historia y al espacio.

Sin rodeos, una producción superlativa con elenco de primera línea y producción que está a la altura de las más importantes plazas líricas de Latinoamérica.

Funciones

La ópera “Lucía Di Lammermoor” vuelve a El Círculo (Laprida y Mendoza) mañana y el sábado a las 21.

Noche de stripdance en ShowMatch, y Cinthia Fernández hizo honor al nombre de la disciplina, y quedó completamente desnuda en la pista del Bailando.

“Hace un mes que no tengo relaciones y estoy muy hot” dijo la participante al ingresar al estudio, sorprendiendo a todos.

Vestida como diosa griega, y con una coreografía con reminiscencias helénicas, la diosa del hilo dental primero se sacó el minúsculo corpiño que tenía, y luego, sobre el final, su bailarín le quitó la tanga, dejándola completamente desnuda, ante el asombro de todos los presentes.

Los dos terminaron sin ropa encima de una tarima que simulaba una cama y aunque Tinelli pedía que se visitieran, ambos seguían encimados en el centro del decorado.

Marcelo Tinelli se puso frente a la cámaras para tapar la imagen, y dio rápidamente paso al jurado. Graciela Alfano (9), Flavio Mendoza (9), Moria Casán (voto secreto), Aníbal Pachano (7) y Marcelo Polino (3). Total: 28 puntos.

“¿Qué querés que me ponga? Me molestan mucho las injusticias. Si voy a la sentencia voy a bailar así y más sexy“, gritó Cinthia cuando el periodista de espectáculos pidió un baile más “tranquilo”.

“Cuanta incoherencia. A partir de ahora van a decir que sos la acomodada…”, saltó Flavio, quien contrató a Cinthia para el verano.

Disculpas. Luego del atrevido desnudo total que protagonizó en el stripdance, Cinthia Fernández pidió perdón a través de Twitter.

“Perdón, ni bien me di cuenta me tapé! Pido disculpas de verdad! No se qué decir”, escribió, y agregó enseguida “Pido disculpas porque me resbalé en el sillón y se me cayó vino que es alcohol puro en los ojos y no vi para dónde me desprendí la bombacha. Perdón”.

En un esperado shows para sus fans, el recital de hoy contará con una decena de músicos en escena, que le darán vida a la nueva estética de Drexler. Es que este disco es uno de los más "orgánicos" de su carrera, ya que se alejó de su trasfondo electrónico y se inclinó por vestir sus canciones con guitarras, pianos y secciones de vientos.

"Tres mil millones de latidos", "Aquiles por su talón es Aquiles", "Todos a sus puestos" y "Toque de queda" se destacan en "Amar la trama" a partir de un concepto que respeta las más cálidas armonías, apuesta a arreglos sutiles y potentes, según la ocasión, y con letras que siempre invitan a la reflexión.

El músico uruguayo viene de presentarse el sábado pasado en el festival Rock in Rio, de Brasil, y tras el show de Rosario tocará el 6 y 7 de este mes en el Gran Rex porteño, el 10 en Montevideo, el 12 en el teatro Caupolican, de Santiago de Chile y el 14 en el Parque de la Exposición, de Lima.

Conformado por Wolfgang Redik, profesor de música de cámara de la Universidad Mozarteum de Salzburgo, el violonchelista Marcus Trefny y el pianista Stefan Mendl, el Vienna Piano Trío dio una lección de cómo interpretar y disfrutar la música de cámara. El programa abarcó "Trío para piano y cuerdas nº 2 en Sol mayor", "Op.1 de Beethoven", "Trío para piano y cuerdas nº 2" de Mauricio Kagel" y "Trío para piano y cuerdas nº 3 en Fa menor Op. 65" de Antonin Dvorak.

Lo destacable de esta agrupación es la marcada diferencia estilística que imprimen a cada obra, respetando la estética particular dentro de la cual fue concebida.

En la obra de Beethoven, el trío sonó con la luminosidad, la elegancia y el equilibrio que requiere la música del clasicismo. Es digno de resaltar el trabajo del pianista Stefan Mendl, quien dio al instrumento el toque exacto entre la sonoridad clásica y la emoción interna, la meditación y la melancolía subyacente en este Beethoven de 1793, un músico en busca de su propio sonido.

La pieza de Antonin Dvorak ofreció al Vienna la posibilidad de exhibir la comunión profunda que han llegado los tres músicos en un diálogo constante, que tiene como corolario la perfección de una interpretación sin fisuras.

En esta obra el sonido fue totalmente diferente a lo realizado en la obra de Beethoven. Dvorak es el lenguaje del romanticismo maduro y robusto, adornada con los ritmos y melodías populares que son parte intrínseca en la obra del compositor bohemio, y eso fue lo que ofreció el Vienna Piano Trío.

El diálogo entre el violín de Wolfgang Redik y del violonchelo de Marcus Trefny fue superlativo, lleno de colorido y con una entrega total al canto de las pasionales melodías bohemias, en especial en el movimiento "Poco Adagio", que recibió un tratamiento muy expresivo y sin duda fue uno de los momentos más brillantes del concierto.

En la pieza del argentino Mauricio Kagel, considerado uno de los popes de la vanguardia musical, se necesita de exactitud y coordinación extrema porque exige a los instrumentos más de lo que usualmente se les pide.

Aquí, el músico demanda sonoridades distintas, que obliga a usar los arcos de manera novedosa, haciendo del violín y el violonchelo instrumentos de percusión, que opaca el sonido del piano cubriendo sus cuerdas, extiende los límites del trío clásico hasta sonoridades insospechadas.

Esa búsqueda post moderna de la fragmentación a partir del discurso dominante quedó plasmada a la perfección por el Vienna Piano Trío.

El músico rosarino presenta mañana, a las 21.30, su disco "Vale " en el Auditorio Fundación (Mitre 754), en un show especial que contará como invitados a David Bolzoni, Nelson John y la intérprete venezolana Marger.

Hay momentos en la carrera de un artista en que se desea que un instante sea eterno. Y algo así andará pasando por la cabeza de Cristian Amado. Es que "Vale más" ya tiene vida propia. Con aire latino y un mensaje optimista, la canción fue ganando espacios en las señales musicales de cable, en populares programas de aire y también en las FM.

Y se generó una brecha laboral intensa que abrió puertas a giras por el interior del país e incluso al exterior. Lo prueba la buena repercusión que obtuvo su show de Miami en julio, que le permite regresar a esa ciudad estadounidense en febrero, y en octubre partirá a Perú. Lo mejor es que todo parece indicar que esto recién empieza."Son canciones con alas, son cosas que uno no maneja", grafica Amado

Cuesta entender cómo es ese proceso que se origina en la intimidad y con una guitarra acústica y de pronto explota para la sensibilidad de un número ilimitado de personas. "Si uno tuviera una fórmula de lo que pega y lo que no pega, todo sería más fácil, pero esto es más auténtico, porque es una letra muy simple y directa, no tan metafórica, que habla de ciertos valores que siempre tuve en mi vida", remarcó.

Y agregó: "La vida nos trata a las cachetadas y no nos deja concentrar en las cosas importantes, como son la familia, los amigos, los sueños. Y cuando das un mensaje que habla de la esperanza a la gente le llega de verdad".

La carrera discográfica de Cristian Amado empezó en 2003 con "Por una vez más", a caballo de hit del mismo nombre; siguió el año siguiente con "Esta vez es por mí", que tenía el corte "Dueña de mi intimidad", gracias al cual logró su primera gira nacional; y recién ocho años más tarde se editó "Vale más".

Amado explicó qué pasó en el medio de esos largos ocho años sin lanzar un material: "Hice un disco en el medio, de doce canciones, que se llamó «Buenas noches», que no fue editado. Te soy franco, era más de lo mismo y no me convenció para nada, necesitaba un quiebre, necesitaba aprender, ahí empecé a laburar con productores y cambió la cosa".

"En este disco perdí prejuicios, un tema como «Vale más» no lo hubiera hecho en discos anteriores. Era muy difícil sacarme del pop rock clásico. Pero hubo gente que me alejó de mi círculo de comodidad", dijo.

En su nuevo trabajo no faltan las baladas que respetan la línea estética conocida, como es el caso de "Ese silencio es amar" y "No me olvides". Pero también se anima al reggaetón en "Más te extraño", donde se luce Trova-D, o a temas de onda latina como el citado "Vale más" y "Una sonrisa", más allá de un aire pop que sobrevuela todo el material.

Cristian Amado se ríe y aún agradece cuando lo llamaban "Calamarito" en pleno momento en que se conocía su hit "Por una vez más". "Ese tema, que mucho los llaman "Cuál es el precio", por el estribillo, es mi DNI, me sacó de las salas de ensayo, y lo quiero mucho", indicó. Y remató: "Pero «Vale más» no es parecido a nada". Y deja abierto que lo suyo va por ese camino, a dónde la canción lo lleve.

La película, que se estrena pasado mañana, transcurre en el zoológico del Parque Franklin donde los animales aman a Griffin Keyes, su cuidador, como a un padre. Como el hombre se encuentra más cómodo con un león que con una mujer, decide que la única forma de conseguir una chica es dejar el zoológico y buscar un trabajo más glamoroso. Los animales entran en pánico y deciden romper su código de silencio largamente respetado y revelan su mayor secreto: que pueden hablar. Y para evitar que su cuidador se vaya, deciden enseñarle las reglas de cortejo al estilo animal.

"El papel fue hecho para Kevin", afirmó el director Frank Coraci. "Lo vi durante años y siempre me hace reír. Lo vi en (la serie de televisión) «El rey de Queens» y en «Hitch», en «Chuck and Larry». Tiene un poco de Jackie Gleason, un poco de Jimmy Stewart, pero él hace su propia y adorable comedia original. Llega a la gente de todas las edades, por eso creo que ésta es su clase de película ideal".

James, que co escribió, produjo y protagonizó el filme, afirmó: "Griffin se siente muy orgulloso de su trabajo, pero después de una amarga ruptura con su última novia piensa que debe hacer un cambio drástico y avanzar. Sin embargo los animales creen que es el mejor guardián de zoológico que han tenido y no se pueden arriesgar a perderlo. Entonces deciden revelar que pueden hablar, lo cual es riesgoso para ellos pues las cosas tienden a ir mal cuando la gente sabe que pueden hacerlo, pero están en una situación desesperada. No tienen otra opción", contó el actor sobre el origen de la trama.

En el filme, el mejor amigo de Griffin termina siendo Bernie, el gorila, que estaba aislado y marginado por una errónea percepción de que era peligroso. "Esta es mi primera comedia de amigos en la que mi camarada pesa más que yo, lo cual me hace muy feliz", comentó. "Le puedo decir toda la palabrería que he oído por años: «No deberías comer tanto» y ese tipo de cosas. Es agradable que las cosas cambien", bromeó el intérprete.

Ecológico

Los realizadores optaron por usar animales reales siempre que fue posible, menos en el caso de los gorilas porque ninguna entidad privada puede ser propietaria de esos animales en peligro de extinción. Así que para interpretar a Bernie recurrieron a un gorila animado cuya voz pertenece a Nick Nolte.

Con el eje puesto en el acoso laboral a una joven de buena familia, el debut cumplió acabadamente con lo enunciado previamente por la guionista Esther Feldman acerca del propósito de "derribar algunos clichés y dejar de pensar que la violencia de género sólo es el resultado de un hombre borracho que le pega a una mujer de bajos recursos".

Victoria (a cargo de la siempre bella Sabrina Garciarena) logra acceder a una de las tres pasantías en un importante laboratorio multinacional y para superar esa condición y demostrarle a su padre, distante y reconocido abogado (con gran composición de Arturo Goetz), que ella tiene capacidad y condiciones, se deja avanzar por el apuesto y desagradable Ignacio (un ajustado Rafael Ferro).

Es en ese lance, creciente y por demás evidente, fue que la historia -narrada sin cortes publicitarios- utilizó atajos que debilitaron el nudo dramático y la densidad de la de nuncia, ya que la joven permitió pasivamente el desarrollo de un vínculo perverso.

"Acá nadie te fuerza a nada. Vos me hacés feliz a mí y yo te hago feliz a vos", le resumió Ignacio al proponerle el desigual trato de sexo a cambio de puesto laboral.

El doloroso laberinto emocional en el que se va encerrando Victoria ante la desazón de su abnegado novio (un expresivo Ezequiel Castaño), resultó más atractivo que la anunciada relación con su trajeado victimario.

El capítulo, titulado "La mejor", terminó con un mensaje didáctico donde Garciarena y Ferro aportaron reparticiones a las que recurrir en caso de abuso laboral y terminó cosechando un rating que la medidora Ibope estimó en 5.1 puntos.

"Maltratadas", con dirección de Alberto Lecchi y producido por Torneos y Competencias (que aportó locaciones propias para ambientar el ámbito laboral donde se desarrolló la trama), constituyó el primer programa surgido de los concursos propiciados por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa).

En la continuidad de esta propuesta, América estrenó ayer "Historias de la primera vez" y mañana lanzará, siempre a las 23, "Vindica" .

"Algunas letras de mis canciones pertenecen o han pertenecido a mi vida y otras son historias cercanas o que he podido ver en la gente que me rodea", expresó Bisbal por mail a LaCapital.

El cantante de 32 años nacido en Almería le debe su popularidad a su participación en el programa "Operación Triunfo", versión española, que le brindó una difusión impensada a su carrera, a pesar de haber obtenido el segundo lugar en el reality musical.

Luego del suceso de "Corazón latino", a caballo del tema "Ave María", el intérprete lanzó"Bulería", "Premonición" y "Sin mirar atrás".

Actualmente se lo oye asiduamente en la televisión, a partir de su versión de la canción "Herederos" en la cortina del ciclo "Herederos de una venganza", de El Trece.

"Este es un caso especial, ya que la canción de «Herederos» se grabó expresamente para la telenovela. Sabíamos desde un principio que este tema se oiría todos los días, lo que nadie se imaginaba era que la canción iba a tener tanto éxito", destacó Bisbal.

El show acústico de hoy será un formato más intimista y con todos sus clásicos, como se viene presentando en la gira argentina, en donde tuvo su punto más alto en Buenos Aires el viernes pasado ante un colmado Gran Rex.

Bisbal destacó que el "desafío máximo" de su carrera es centrar su atención en la gira de conciertos acústicos de Argentina, que ya presentó además en gran parte de Latinoamérica y España, y con el que seguirá el 29 de este mes en Santiago de Chile; el 6 de octubre en Guayaquil y el 8 en Quito, Ecuador.

"Me gusta la música, toda la música, en mi Ipod puedes encontrar música de muy variados estilos, desde rock hasta flamenco, el cual tiene mucha importancia en mi trabajo artístico y en mi vida", concluyó Bisbal.

La otra obra, "Vestuario de hombres", se verá hoy y mañana a las 21.30 en el CEC (bajada Cabral y el río).

Daulte es un conocido director de teatro con una interminable galería de premios y que en el último tiempo dirigió "Un dios salvaje" de Yasmina Reza y escribió el exitoso ciclo de televisión "Para vestir santos".

Impacto emotivo. "Vestuario de mujeres" pone de manifiesto la red de amores y desamores, de poder y dominación que un grupo de chicas ejerce sobre sí mismo. Son jóvenes como cualquier otro, pero con un condimento extra: deben jugar la final del campeonato mundial conducidas por una DT que no ejerce su autoridad.

Es así como, sin el control de un mayor, las chicas exponen sus personalidades sin tapujos, en una vorágine de violencia que va tomando un vuelo inusitado.

Con Dana Basso, Elisa Carricajo, Valeria Correa, las mellizas María y Paula Marull, Laura Paredes, Ana Pauls, Marcela Peidro, Débora Zanolli y Magela Zanotta, la obra impone un discurso gritón que entra en discordancia con la ternura y candidez de algunas de las deportistas, y en consonancia con el carácter fuerte y dominador de las otras.

Sin metáforas. Lentamente se va observando el estilo de un director que no pierde el tiempo en metáforas ni en construcciones visuales que no tengan un alto grado de realidad.

Es así como lo íntimo y lo colectivo chocan continuamente, de la misma forma que los deshinibidos desnudos de las actrices lo hacen con las cruentas peleas que las separan.

De esta manera, "Vestuario de mujeres" transporta a los espectadores a un lugar en el que se confunden las intenciones de los protagonistas al lidiar con un único dilema: ganar, o saber perder.

Grilla

El Festival Internacional de Teatro de Rosario seguirá hasta el próximo miércoles con representaciones en el CEC, el Centro Cultural Lavardén y en el teatro Arteón. Las entradas pueden adquirirse en las mismas salas, en el momento de la función. La grilla de obras y horarios puede consultarse en www.fitrosario.com.

La cantante africana Césaria Evora, nacida en la antigua colonia portuguesa de Cabo Verde y una de las voces más conocidas del “continente negro”, puso punto final a su carrera. Su debilitado corazón la ha obligado a colgar definitivamente el micrófono, según se conoció hoy en París y Lisboa.

A sus 70 años, Evora siguió los consejos de sus médicos y canceló todos los conciertos que restaban en su actual gira mundial, informaron la casa discográfica Lusafrica y el manager de la artista. Conocida como la “diva de los pies descalzos”, debido a su costumbre de subir al escenario sin zapatos, en solidaridad con los pobres de su país, Evora sufre desde hace años de problemas de corazón.

Hoy se informó que la cantante, ganadora de un premio Grammy en 2004, llegó hace unos días muy debilitada a París, dónde está siendo sometida a un tratamiento médico. En 2008, durante una gira por Australia, sufrió un ataque de apoplejía. En mayo del año pasado, se sometió en Francia a una operación de corazón abierto. Evora nació el 27 de agosto de 1941 en Mindelo en la isla de São Vicente en el seno de una familia de músicos.

Tras la temprana muerte de su padre, el violinista Justino da Cruz Evora, la joven Césaria fue internada primero en un hogar para niños huérfanos, y más tarde fue criada por una familia tutelar. “Cise”, como era llamada por sus amigos en aquel entonces, comenzó a cantar ya desde muy joven, presentándose en bares, hoteles y plazas de su Mindelo natal, acompañada por su hermano Lela al saxofón. Como recibía muy poco dinero por sus actuaciones, Evora abandonó la música entre los 20 y los 30 años, para alimentar a su familia con otro tipo de empleos.

Deprimida, luchó contra el alcoholismo, en un período que ella misma calificó de “mis años negros”. Tardó mucho en llegar a la cima: recién a los 47 años firmó su primer contrato con una casa discográfica. Pero tras esto, los hechos y los éxitos se sucedieron rápidamente. Con su quinto álbum, “Miss Perfumado” (1993), la mujer de la voz afinada y única, suave y áspera al mismo tiempo, alcanzó fama mundial.

La “reina de la morna”, del melancólico “blues caboverdiano”, llevó sus letras, que hablan casi siempre de la triste historia de su archipiélago, de aislamiento, comercio de esclavos y emigración, a los cinco continentes. En total grabó, en vivo y en estudios, 24 discos. Vendió millones. Ganó muchísimos premios, entre ellos el Grammy por el álbum “Voz D'Amor”, y en 2007 el entonces presidente de Francia Jacques Chirac le otorgó la medalla de la legión de honor. Grabó con varios de los máximos exponentes de la música mundial, entre ellos muchos iberoamericanos.

En su por ahora último álbum, “Cesaria Evora &...”, de 2010, participaron, entre otros, Caetano Veloso, Pedro Guerra, Salif Keita, Bonnie Raitt y Marisa Monte. “Está muy triste, no quería abandonar los escenarios, pero decidimos que había que seguir la recomendación de los médicos”, dijo hoy el manager de Evora, José Da Silva. Sin embargo, los “fans” pueden alegrarse, ya que habrá un último bis: En algun momento saldrá un (probablemente) último álbum de Evora, grabado en los últimos meses con diferentes músicos de Cabo Verde.

Cuando el álbum salga a la venta, los oidos se podrán satisfacer una vez más al sonido de violines, clarinetes, guitarras, acordeones y cavaquinhos. Evora cantará entonces una vez más sobre el dolor, nostalgia y esperanza. ¿Cuando? “Creo que saldrá en 2012”, afirmó la ya legendaria cantante el mes pasado en una visita a Lisboa. (DPA)

La actriz y conductora se muestra orgullosa de que "Tiempo para pensar" tenga pantalla en Canal 7 y asegura que su producto no tiene aportes estatales, como fue el caso de "Sr. y Sra. Camas",la ficción de Florencia Peña coproducido por la TV Pública, que estuvo en el ojo de la tormenta en los últimos días por su bajo rating.

Serán trece episodios todos protagonizados por la artista y el rosarino Darío Grandinetti, acompañados por un prestigioso elenco rotativo.

"Tengo el financiamiento de empresas privadas que aportan para que se pueda hacer, porque la verdad que es difícil producir", indica y remarca: "Esto no tiene nada que ver con el Incaa (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales), que está bueno que haya tomado una posta para producir ficción en televisión, pero en este caso es una producción independiente que le vende a la televisión pública porque la televisión pública quería tener un producto de esta manera, obviamente incorporando lo que ellos necesitan y quieren mostrar".

Andrea del Boca estrena su ciclo de ficción donde será actriz y productora: “Tiempo de Pensar”. Serán trece episodios todos protagonizados por la artista y un prestigioso elenco rotativo. Entre los que se destacan Esteban Prol, Victoria Carreras, Raúl Rizzo; Coco Sily, Fernando Dente, Agustina Vera, María Concepción Cesar, Héctor Calori, Roberto Antier, Graciela Tenenbaum, Ernesto Claudio, Magela Zanotta, Juan Grandinetti, Naira Awada, y Silvina Bosco.

En "Tiempo para pensar" los temas serán la libertad, la familia, el amor, la generosidad, la inteligencia, la solidaridad, la competencia leal y el intento de tomar las riendas de su propia vida serán valores presentes en el ciclo.

En el primer episodio, “¿Qué hacemos con papá?”, Andrea del Boca compartirá pantalla con el actor Roberto Carnaghi en una historia sobre padres e hijos.

Las Vegas (EEUU).- La cantante estadounidense Fergie de los Black Eyed Peas, tiene ya su réplica en cera.

El Museo Madame Tussauds de Las Vegas descubrió en la noche del jueves la estatua de cera de la artista de 36 años, quien acudió a la ceremonia acompañada de su familia y su marido Josh Duhamel.
“No tengo ni siquiera una muñeca, pero ahora hay una muñeca gigante mía”, dijo Fergie a la televisión Fox 5.

Según el diario “Las Vegas Sun”, la copia en cera de la cantante de los Black Eyed Peas tuvo un costo 300.000 dólares (unos 220.000 euros).

Río de Janeiro.- Brasil se prepara para el regreso del festival Rock in Rio que contará con presentaciones de Shakira, Elton John y Katy Perry y ha sido calificado como una de las celebraciones musicales más grandes del mundo.

El festival que comienza el viernes incluye conciertos de Maná, Rihanna, Stevie Wonder, Red Hot Chili Peppers, Metallica, Guns N' Roses y Coldplay y se espera que reúna a cerca de 700.000 asistentes.

El festival comenzó en Rio de Janeiro en enero de 1985, poco después de la caída de la dictadura en Brasil que gobernó el país por 20 años. En esa ocasión 1,4 millones de personas se dieron cita para celebrar su nueva libertad en un concierto que contó con la primera presentación de Queen y AC/DC en territorio brasileño.

El festival se efectuó dos veces más en Rio antes de mudarse a Portugal y España donde se realizaron las seis ediciones siguientes entre 2004 y 2010.

El nuevo festival se celebrará en la Ciudad del Rock un terreno de 150.000 metros cuadrados en el oeste de Rio. El área incluye dos escenarios, una calle de jazz inspirada en Nueva Orleáns y una rueda de la fortuna de 28 metros de diámetro.

“Es un privilegio estar aquí diez años después, cuando el festival regresa a su casa original”, dijo Nuno Sousa Pinto, director de producción de Rock in Rio. “Creo que superará todas las expectativas que la gente tiene de Rock in Rio”.

El festival concluye el 2 de octubre.(AP)

El músico argentino Luciano Pereyra estuvo un mes internado por una complicación postoperatoria.

Estuvo un mes internado en la Clínica San Camilo del barrio de Caballito, tras se operado el 1º de agosto pasado. Tenía que ser dado de alta en 48 horas, pero una complicación en la operación por un divertículo en el esófago volvió a ponerlo en una situación de riesgo. En marzo del 2010, el artista oriundo de Luján estuvo al borde de la muerte por este mismo problema.

Al ser dado de alta, el cantante regresó de a poco a su vida habitual. Si bien los informes médicos señalan que se está recuperando de a poco, las primeras imágenes muestran a Luciano con 14 kilos menos.

Las imágenes son del lunes 19 de septiembre, y fueron tomas por la Revista Caras a las 10.30. El cantante salió a pasear a su perro Tango junto con su novia Male por los bosques de Palermo.
 

El guitarrista rosarino Sergio Puccini es uno de los ternados para los premios Grammy Latinos que se entregarán el 14 de noviembre próximo como intérprete de una obra de Lalo Schifrin. La distinción le llegó por la grabación de "Romería", del compositor argentino en un álbum editado el año pasado por el sello discográfico Aleph Records.

El trabajo de Schifrin comparte la nominación en la categoría Mejor obra/composición clásica contemporánea junto a otros autores como Paquito D'Rivera y Sergio Roberto de Oliveira, entre otros.

Puccini se puso en contacto con Schifrin, a quien conocía desde 1986, para enviarle una grabación de aquella obra y la respuesta lo sorprendió. "Me dijo que si no tenía inconvenientes le gustaría editarla en su propia compañía, Aleph Records. Por supuesto que le dije que sí , y el 14 de septiembre de 2010 salió a la venta y da la casualidad que un año después quedó en la selección para los Grammy".

El músico rosarino, que estará presente en la ceremonia de premiación de la Academia Latina de la Grabación de Los Angeles, dijo que la elección lo alegró porque es un "reconocimiento". Es más, el propio Schifrin le envió hace pocos días un e-mail para felicitarlo. "Me dice algo interesante, «tu instinto fue certero» porque es una pieza que estaba sin estrenar. Así que parece que fue una buena idea y se confirmó con esto. Ahora veremos si se puede ganar o no, pero más allá de eso la nominación ya es una distinción importante".

Según explicó la pieza le interesaba por su complejidad. "Me interesó muchísimo porque aparte del virtuosismo está muy bien escrita y requiere mucho despliegue técnico. Y además musicalmente es interesante porque aborda distintos géneros de la música popular de distintas latitudes. Hay un tango, un movimiento lento cantado, una danza con ecos latinos, un blues, otro movimiento que se llama «Mascarada», un vals, una habanera y termina con un malambo, con mucha fuerza. Es un paseo por distintos estilos de la música latinoamericana y americana", detalló.

El mítico vocalista de los Rolling Stones, Mick Jagger, descarta escribir en algún momento sus memorias, porque está seguro que eso implica “vivir en el pasado”.
A diferencia de lo que hiciera su colega Keith Richards con su autobiografía “Life”, Jagger no planea contar en un libro los años “salvajes” de juventud de la legendaria banda británica, según declaraciones que publica hoy el diario “USA Today”.

“Cuando uno escribe libros tiene que repasar toda su vida y desenterrar todos esos asuntos. Eso me parece aburrido. Cuando la gente llega a una determinada edad empieza a vivir sólo en el pasado. Se fosiliza”, argumentó Jagger, de 68 años.

En cambio, al músico le gustaría más escribir una historia ficticia. Estimula la fantasía, aseguró la estrella del rock.

Emmys para Martin Scorsese y Kate Winslet: Los dos astros de Hollywood se encontraron entre los ganadores de los cotizados premios de la televisión estadounidense, entregados en su gala anual celebrada en la noche del domingo en Los Angeles.
Scorsese fue galadonado como director por la primera temporada de su drama mafioso “Boardwalk Empire”, mientras que Kate Winslet resultó premiada como protagonista de la miniserie dramática de cinco entregas “Mildred Pierce”, de HBO, en la que interpreta a una madre que lucha por el amor de sus hijas en medio del desorden de la crisis económica mundial.

Antes de la entrega de premios se produjo un incidente entre Alec Baldwin y la cadena Fox. La emisora censuró una broma sobre el escándalo de escuchas ilegales en medios de Rupert Murdoch de una grabación en la que iba a aparecer Baldwin al comienzo de la gala.
Como reacción, el actor canceló su asistencia a la gala de tres horas de duración en el Teatro Nokia e informó a sus fans de lo ocurrido a través de la plataforma de mensajes cortos Twitter.
Aparentemente, el chiste era que Baldwin, que ganó dos Emmy por su actuación en la comedia “30 Rock”, hablaba por teléfono y de pronto llamaba a Murdoch por su nombre y decía que lo podía oír escuchándolo.

En la carrera por los “Oscar de la televisión”, “Mad Men” se alzó por cuarto año consecutivo como la mejor serie dramática. La serie ambientada en los años 60 sobre una agencia de publicidad se emite desde 2007 en Estados Unidos. “Mad Men” acudió a la gala con un total de 19 nominaciones, frente a las “sólo” 18 de “Boardwalk Empire”.
En la sección de comedias televisivas, “Modern Family”, sobre el variopinto día a día de tres familias, repitió su éxito de 2010 y además del Emmy a la mejor comedia se llevó los dos premios a los mejores actores de reparto. Estos fueron para Ty Burrell y Julie Bowen, por su papel como matrimonio en la serie emitida por la ABC.

Otros premios para “Modern Family” se los llevaron el realizador Michael Alan Spieler y los guionistas Steve Levitan y Jeffrey Richman.
Sin embargo, el premio a mejor actor de comedia fue para Jim Parsons (“The Big Bang Theory”) y de actriz para Melissa McCarthy (“Mike & Molly”).
Julianna Margulies (“The Good Wife”) fue declarada mejor actriz dramática, acompañada en la misma categoría por su colega Kyle Chandler (“Friday Night Lights”).
Por noveno año consecutivo, El humorista Jon Stewart dejó con su “The Daily Show” fuera de juego a sus competidores en la categoría de programas de variedades, entre ellos el popular “Saturday Night Life” de Tina Fey.

Los premios fueron entregados por 63 ocasión por la Academia de la Televisión. La encargada de presentar la gala fue la actriz Jane Lynch, quien hace un año ganó un Emmy por su papel en la serie cómico-musical “Glee”. Entre los famosos que entregaron las estatuillas a los ganadores se encontraba también Charlie Sheen.
Sheen no dejó de desear otra vez oficialmente éxito a sus colegas de la serie “Two and a Half Men” y lo hizo “desde lo más profundo del corazón”. El actor fue despedido por ofender al productor.

A continuación la lista de los principales ganadores en la 63ª  entrega anual del premio a lo mejor de la televisión de EEUU, celebrada anoche en el teatro Nokia de Los Angeles:

MEJOR SERIE DE COMEDIA
Modern Family

MEJOR SERIE DRAMATICA
Mad Men

MINISERIE PARA TV
Downton Abbey

MEJOR ACTOR EN SERIE COMEDIA
Jim Parsons como Sheldon Cooper, “The Big Bang Theory”

MEJOR ACTOR EN SERIE DRAMATICA
Kyle Chandler como Coach Eric Taylor, “Friday Night Lights”

MEJOR ACTRIZ EN SERIE COMEDIA
Melissa McCarthy como Molly Flynn, “Mike & Molly”

MEJOR ACTRIZ EN SERIE DRAMATICA
Julianna Margulies como Alicia Florrick, “The Good Wife”

MEJOR ACTOR DE REPARTO EN SERIE DE COMEDIA
Ty Burrell como Phil Dunphy, “Modern Family”

MEJOR ACTOR DE REPARTO EN SERIE DRAMATICA
Peter Dinklage como Tyrion Lannister, “Game of Thrones”

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN SERIE COMEDIA
Julie Bowen como Claire Dunphy, “Modern Family”

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN SERIE DRAMATICA
Margo Martindale como Mags Bennett, “Justified”

MEJOR ACTOR EN MINISERIE PARA TV
Barry Pepper como Bobby Kennedy, “The Kennedys”

MEJOR ACTRIZ EN MINISERIE PARA TV
Kate Winslet como Mildred Pierce, “Mildred Pierce”

MEJOR ACTOR DE REPARTO EN MINISERIE PARA TV
Guy Pearce como Monty Beragon, “Mildred Pierce”

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN MINISERIE PARA TV
Maggie Smith como Violet, “Downton Abbey”

MEJOR DIRECCION EN SERIE COMEDIA
Michael Alan Spiller, “Modern Family”

MEJOR DIRECCION EN SERIE DRAMATICA
Martin Scorsese, “Boardwalk Empire”

MEJOR DIRECCION DE MINISERIE, ESPECIAL DRAMA
Brian Percival, “Downton Abbey”

MEJOR DIRECCION PARA SERIE EN COMEDIA, MUSICAL O VARIEDAD
Don Roy King, “Saturday Night Live”

"Yo soy un chico Disney casi desde que nací", dice el actor que se presentará en la ciudad junto a Muni a partir de mañana, a las 16 y 18; el sábado, a las 14.30 y 16.30; y el domingo; a las 14.30 y 16.20.

Topa disfruta con este presente. Cuenta que "los chicos flashean" cuando lo ven y no le molesta que se le incorporen algunos yeites del lenguaje infantil y adolescente.

El puente para llegar a los más bajitos fue Disney, a través de los micros infantiles donde tiene presencia en cámara durante todo el día. "Trabajar en Disney es una suerte, se trata de la compañía número uno de la Argentina, y gracias a Dios tengo la suerte de haber casi nacido un chico Disney, siempre me lo dijeron: soy un chico Disney", insiste el actor.

"Soy así las 24 horas, trabajo todo el día, y no es que cambio cuando se apaga la luz de la cámara. A veces soy un poco más serio porque, bueno, ya tengo 35 años, pero mi forma de ser no cambia. Cuando se prende la cámara baja mi ángel y mi brillito en los ojos atraviesa la pantalla", destaca a un tris de la emoción.

La cita de este fin de semana tendrá varios atractivos. Estará la misma Casa Disney que los chicos ven todo el día en la tele y, además de las canciones de Topa y Muni, habrá un cuerpo de baile "que son increíbles", según adelanta Topa. Se trata de Gonzalo, Hugo, Danilo, Daiana , Nina y Belén, quienes se llevan buena parte de las palmas en el show.

"Este espectáculo lo disfrutan los chicos, pero también los papás, porque ellos ven la programación todo el día junto a sus hijos. Acá no miran el reloj para ver cuándo termina. Te digo más, cuando avisamos que ya finaliza el show, se escucha «noooo» y generalmente son las voces de los papás", indicó.

Lo de Topa viene desde la infancia. Desde que estaba con su abuela en el colectivo, desde sus clases de teatro para chicos de primer grado, desde la química que obtiene con cualquier "loco bajito" que se le topa por delante.

"Toda la vida me pasó que tuve feeling con los chiquitos, siempre fui el papá de mis hermanos, el maestro de mis primos y todo el tiempo jugaba con eso. Yo imaginaba que iba a trabajar de esto, que iba a ser actor y sería conocido, y desde que tengo 6 años que lo sentía con seguridad, una seguridad que ahora con los años fui perdiendo, ja, ja", confiesa el actor con la misma familiaridad que transmite al aire.

Para Topa, la escudería Disney le abrió las puertas a su sueño. Fue la productora que le puso fantasía y realidad a su proyecto. "Cuando hice el casting para Disney esa magia que tenía con los chicos se popularizó, pude llegar a millones y millones de hogares, y demostré lo que sé hacer, que es divertir a los más chicos y sacarles una sonrisa", destacó.

"Soy un afortunado y agradezco todos los días el amor que recibo de ellos", agrega y suena auténtico, aunque a priori parezca un lugar común. Para él los chicos son la razón de ser. Y la exigencia que le imprimen los pibes "despiertos" de esta generación le suman día a día un nuevo desafío. "Están al minuto a minuto. Son la versión 2.0, si no te ponés al tanto, fuiste", apunta. "Por suerte lo que tengo es un don que vino conmigo, eso de ponerme frente al escenario, decir dos cositas y que te presten atención, eso me pasó siempre, conozco la energía de los más chicos y su forma de pensar, y me encanta", confiesa.

Es el pibe de la anécdota, ese que divierte porque sabe divertirse. Topa, el chico Disney, el que va por un sólo objetivo: la sonrisa de los pibes. Y lo celebra a carcajadas.

Ricky Martin salió al balcón y ellas enloquecieron. Un centenar de fans vivieron un momento inolvidable ayer, cerca de las 16, cuando el astro puertorriqueño se asomó desde su habitación, en el primer piso del hotel Splendor Savoy, para saludarlas y enamorarlas aún más.

Ricky se convirtió en un huésped muy especial para la ciudad y por largas horas convulsionó el centro en horario pico. El artista puertorriqueño, que arribó ayer a las 13.33 al Aeropuerto Internacional Islas Malvinas en su jet privado desde Resistencia, ofrecerá hoy, a las 20.30 (puntual) su show en Metropolitano (Alto Rosario) en el marco del M+A+S Tour, precedido por Miranda quien abrirá el show desde las 19:45. El público podrá ingresar desde las 18. Las calles que estarán cortadas son: Central Argentino desde Ingeniero Theddy hasta Echeverría, y Monfeld entre Francia y Alberdi, que será destinada a estacionamiento en 45 grados.

El cantante boricua se instaló por dos días en el Hotel Splendor Savoy, de San Lorenzo y San Martín, de un modo atípico. Es que ocupó las 84 habitaciones disponibles para las 80 personas que viajaron junto a él, entre equipo técnico, músicos, bailarines y, desde ya, sus dos hijos y su madre. O sea, todo el hotel para él.

Un centenar de fans se apostó ayer al mediodía en las inmediaciones del hotel, que estaba vallado y con un importante operativo de seguridad. “Lo que sentimos por él es amor puro”, dijo Nerina, de 31 años, quien confesó que lo sigue desde los tiempos de Menudo.

A su lado, Elizabeth, del club de fans “oficial”, Juntos por un Sentimiento, mostró banderas y remeras temáticas para los flash. “Es divino y solidario, y nunca te miente”, dijo la joven, de 29 años, de zona norte.

Una hora y media después de que Ricky se instalara en la habitación, decidió saludar en el balcón. El griterío era abrumador. “Vengan, suban”, decía el astro, mientras muchas chicas lloraban de la emoción. De gafas oscuras y remera azul oscura con capucha, se mostró simpático en todo momento, saludó hasta a los vecinos del edificio de enfrente y mientras ellas le rogaban que se quede “un poquitito más”, se fue a descansar no sin antes tirar besos de despedida.

La gira comenzó en el Orfeo de Córdoba, siguió en en Resistencia, y después de Rosario continuará el 14 de este mes en Mar del Plata, el 16 en Buenos Aires, el 20 en Neuquén, y el 22 en Mendoza.

De todos modos, el guitarrista neoyorquino John Scofield llegó a un teatro El Círculo a medio llenar y fue un verdadero placer verlo en acción. Scofield está, desde hace cerca de 20 años, en el escalón máximo del jazz de Nueva York. Algo así como el (saxofonista) Joe Lovano de la guitarra eléctrica del jazz.

En los años 70 y 80, los mejores guitarristas nortemericanos de jazz surgieron con la cabeza y las orejas llenas de rock. La mayoría se volcó a la fusión entre el jazz y el rock. A una rama de violeros de jazz rock decididamente virtuosos, con improvisaciones gesticulantes y extrovertidas, como Larry Coryell, Al Dimeola o Stanley Jordan, se contrapuso una línea de intérpretes intencionalmente más parcos y concisos, como Pat Metheny, Mike Stern y también John Scofield.

En la presentación en Rosario, Scofield dejó desde el vamos en el aire la marca de su sello: un fuerte sentimiento bebop que hace expandir su música más allá del estrecho mundo del jazz rock, a partir de saber combinar el legado de Wes Montgomery con el legendario blues, pieza central de la música jazz, y siempre apoyado por un grupo experto en mantener el pulso del swing. En “Slinky” y “Groove Elation”, la noche olió a blues y Michael Eckroth pasó del piano a un teclado que hacía las veces de órgano Hammond.

A esta altura de su trayectoria Scofield puede tocar un clásico de Charlie Parker como “SteepleChase” —séptimo de los 10 que tocó_ a un ritmo vertiginoso convirtiendo el saxo de Bird en seis cuerdas vibrando a la velocidad de la luz, o interpretar un tema distinto como “Lost, Found and in Between”, con una banda a plena inventiva. El tema más jugado de la noche, con una larga entrada en calor de Scofield disparando loops fragmentados desde su pedalera. Jugado también para Bill Stewart en la batería, tan potente y rápido como sutil.

Del CD nuevo

El show recorrió más el DVD “New Morning. Concierto de París” que el reciente CD “I Moment’s Peace”, del cual sólo tocó la balada “Simply Put”. En el arranque “Ten Taken” fue sonido disonante de la viola y notas filosas y octavadas al estilo Montgomery. A pura fusión, género que luego dejó algo de lado aunque hubo momentos rockers.

¿Quiere invitar a tomar una copa a Lady Gaga? Evite los clubs exclusivos o caros: los gustos de la reina del pop son, también en este campo, particulares.
“Prefiero las tabernas pequeñas y algo maltrechas, en las que hay cerveza y whisky”, dijo la estadounidense en una entrevista que publica hoy el diario alemán “Bild”.
“En la esquina hay una rocola para pasar discos y siempre huele un poco a pis. En esos lugares me siento bien”.

La neoyorquina explicó también los detalles que, a su juicio, hacen de su ciudad un lugar único en el mundo.
“Salir de un bar a las seis de la mañana con mi novio en año nuevo y comerse unos huevos revueltos con ketchup. O un trozo de pizza en una bolsa de plástico ¡Eso es Nueva York!”

“La ciudad es mi diccionario musical. El ruido de los autos, el chirrido del metro, el repicar de mis tacones altos cuando voy por la calle... estos sonidos son mágicos”.
Nacida en Nueva York con el nombre de Stefani Joanne Angelina Germanotta en 1986, Lady Gaga recordó cómo vivió los atentados terroristas del 11 de septiembre de 2001, cuando tenía 15 años.

“Estaba en la escuela en clase de historia. Las torres cayeron y el humo negro avanzó hacia nosotros. El atentado dejó una cicatriz profunda. Pero Nueva York se hizo aún más fuerte”.
Para la extravagante artista, que lleva 75 millones de discos vendidos en todo el mundo, Nueva York sigue siendo el sitio en que comenzó con sus primeros conciertos y alcanzó la fama.

“Aquí la gente está unida por un lazo invisible. Aquí te conviertes en adulto rápidamente. Y tienes que hacerlo”.(DPA)

El baterista, junto a sus compañeros Nicolás Guerschberg en piano, Mariano Sívori en contrabajo, Gustavo Musso en saxo alto y soprano, Damián Fogiel en saxo tenor y Martín Pantyrer en clarinete bajo y saxo barítono, abordaron en el nuevo disco algunos títulos de Astor como “Buenos Aires hora cero”, “Adiós Nonino”, “Romance del diablo” y “Fuga 9”.

En una charla con Escenario Pipi Piazzolla explicó cómo surgió la idea del disco y dijo que si Astor viviera le gustaría escuchar el disco de Escalandrum porque “al abuelo le encantaba el jazz y la improvisación”.

—¿La suposición de que era posible meterse con la música del abuelo sólo cuando el grupo lograra afianzar un sonido propio puede ser una idea cercana a la realidad?

—Es real, pero es algo que se dio de manera natural dado que el grupo ensaya y trabaja constantemente puertas adentro. Individualmente también hay un trabajo muy fuerte, de cada integrante por mejorar.

—¿Cómo se seleccionaron los temas de “Piazzolla plays Piazzolla”?

—Por medio de votación cada uno elegió 15 temas y de ahí salieron los seleccionados.

—En Argentina los grupos de jazz no suelen durar tanto tiempo con la misma formación. No es el caso de Escalandrum. ¿Qué cosas influyeran para que fuera así?

—Que somos muy amigos y nos llevamos muy bien. Nunca tuvimos problemas. Es más, cada vez nos llevamos mejor.

—La música de Astor es un punto de partida para Escalandrum?

—En realidad fue una búsqueda para que el grupo logre un sonido mas urbano en su música original.

—¿Desde hace mucho tiempo tenías ganas de grabar música del abuelo?

—La verdad es que ya hice varias grabaciones de música de mi abuelo, pero lo que yo quería ahora era hacer algo distinto, alejado de lo normal, pero sin perder la esencia de esta música tan poderosa, y con el grupo eso se da de manera muy relajada. Está Nicolás Guerschberg que es el arreglador y con el que conversé para dónde quería que fuera que vaya la música y él me lo entendió al toque. También es cierto que hay muchos músicos que también tienen una pata en el tango y eso lo hizo más fácil y fluido .

—¿Qué es lo que más te conmueve de la obra de Astor?

—Me conmueven su belleza, su profundidad, su originalidad y que todo lo que suena de él te lleve a Buenos Aires.

—¿Hay en algo en ella en qué aún no le encontrás la vuelta o explicación?

—No. Simplemente la disfruto.

—Si el abuelo viviera, ¿qué creés que te diría al escuchar “Piazzolla plays Piazzolla?

—Creo que le gustaría sobre todo porque no hay bandoneón y porque le encantaba el jazz y la improvización.

Un combo aceitado

“Lo que más me interesó es que podíamos hacer algo diferente a lo que ya otros habían grabado sobre la música del abuelo, con un combo que viene bastante aceitado”, comentó Pipi Piazzolla. Posteriormente, añadió: “Aparte, en mi cabeza había muchas ideas frescas como para sumar”.

También se hizo merecedora de la medalla de plata en el Festival Chopin de Varsovia, en el 2000 y en el año 2006 se le otorga el premio Gilmore, siendo la primera vez en la historia de la institución en ganarlo una mujer. Esta joven artista llega hoy a Rosario para dar un concierto a las 21 en el Auditorio Fundación Astengo, en el marco de la temporada 2011 del Mozarteum local y como parte de una intensa gira de conciertos y recitales que la han llevado en los últimos meses a las mas dispares geografías, desde Inglaterra a Australia y de Mallorca a Varsovia. Fliter se encuentra de gira por Argentina y Chile para culminar el año con una serie de recitales en los Estados Unidos.

En Rosario presentará un programa compuesto por la sonata para piano Nº 18 en mi bemol mayor Op. 31 "la caza" y Nº 23 en fa menor Opus 57 "Apasionada", y la segunda parte dedicada a Nocturnos, Valses y Baladas de Frederic Chopin.

—Desde el premio del concurso Chopin en el 2000 fue galardonada en múltiples ocasiones ¿Qué significaron estos premios para su carrera?

—Todos fueron increíbles y alentadores. El segundo premio en el concurso Chopin 2000 representó una piedra de toque en mi vida. Había soñado con participar, estar ahí, tocar el concierto final con la orquesta de Varsovia, y así fue. Un sueño hecho realidad. El premio Gilmore fue la mayor y mejor sorpresa de mi vida. No es un concurso tradicional. Uno no puede participar por decisión propia. Es más, uno ni siquiera sabe que lo están evaluando o considerando para el premio. La selección la realiza un jurado anónimo constituido por 10 personas relevantes del ambiente musical internacional, quienes siguen durante 4 años a los posibles candidatos en sus conciertos alrededor del mundo. El pianista es "juzgado" en su hábitat natural. Al cabo de este periodo de evaluación, el jurado decide quién es el ganador, verdadero pasaporte al mundo concertístico internacional. Imagínense mi sorpresa cuando, en un restaurante de Atlanta, Estados Unidos, en el medio de mi ensalada, me informa el director del Gilmore con quien almorzaba que acabo de ser elegida la próxima ganadora.

—Dado que tiene contacto con muchos y distintos públicos alrededor del mundo ¿Cómo ve el futuro de la música clásica?

—En mi experiencia percibo que el público asiste a los conciertos en busca de emociones. Como intérpretes nuestra misión es lograr transmitir el mensaje de los grandes compositores de la manera más directa y vital. Ellos escribían sobre sentimientos humanos y por eso nos representan tanto entonces como ahora. Además creo que siempre habrá necesidad de buena música como alimento para enriquecer y cuidar el alma.

—¿Cómo trabaja las obras de Beethoven y Chopin?

—Estos compositores han sido desde mis inicios compañeros inseparables y grandes maestros para mí. Chopin me introdujo al concepto de poesía y belleza en la música y me incita desde entonces a buscar mi propia voz. Beethoven representa una profunda inspiración musical y humana. Nos sacude, nos exige, nos alienta a seguir luchando no obstante la dificultad. Ambos representan verdaderos padres espirituales, que viven en nosotros y nos encienden con sus mensajes de belleza, coraje y heroísmo.

—¿Qué aconsejaría a los jóvenes pianistas que se preparan para una carrera internacional?

—El camino del solista es difícil y solitario. La carrera no debería ser un fin en sí mismo sino el resultado de la dedicación y la pasión hacia la música. Además de las condiciones musicales necesarias se debe ser perseverante, honesto y paciente. No desesperar ante la adversidad y confiar que siempre habrá lugar para la propia expresión.

La ex panelista de Un mundo perfecto y actual de Duro de Domar, Josefina Pouso, declaró hace unos días sus intenciones de tener una aproximación sexual con la vedette María Eugenia Ritó.

Si bien no pudo intimar con la vedette, sí logró darle un apasionado beso en un restaurante, y ante la mirada de varios famosos que se encontraban allí.

“Fuimos a comer con mis amigas y de repente llegó toda la troupe de Marcelo Tinelli y al rato llega María Eugenia y nos presentan como ‘ella es la que te quería dar un beso’. Yo soy inocente. Fue un beso para la foto, para cumplir con lo que habíamos dicho acá, que si la veía le daba un beso”, explicó.

La panelista dijo que no hubo lengua en el beso, mientras que su colega, Julia Mengolini, le preguntó si se acordaba de ella: “A mí me encaró en Bariloche”. “Si querés le paso tu teléfono”, respondió Pouso, para luego escuchar el análisis de la foto por parte de sus compañeros.

“Es una gran besadora”, concluyó Josefina, quien a los 33 años se encuentra en pareja con un hombre y a punto de casarse.

No es la primera vez que María Eugenia Ritó se besa con una mujer. Recientemente lo hizo con la vedette ecuatoriana Paola Miranda.
 

Por la noche, Alejandro Fanino, estuvo al frente de su programa televisivo Animales Sueltos, en el cual tuvo como invitado a Matías Alé, quien estaba al tanto del asalto y quiso darle una alegría a Fantino.

Alé le llevó un costoso reloj al conductor y se lo ofreció como regalo. “Amo los relojes. A mí es una de las cosas que más me gustan y este es un reloj muy importante”, dijo Fantino.

Matías le contó que era suyo y que estaba usado, pero que tenía la necesidad de regalárselo. Todos en el estudio aplaudieron el gesto del ex de Graciela Alfano. “Es un reloj hermoso, me va justo. Gracias crack, no tenías por qué", manifestó el animador, mientras que el actor respondió: “Me gusta comprar relojes, hoy te escuché y lo traje”.

Luego, varios invitados al programa contaron los robos que sufrieron y, varios minutos más tarde, y para sorpresa de Fantino, el Pampa Cruz también le regaló un reloj, más discreto que el de Alé, según dijo, para “usar de día”.

La adaptación cinematográfica que el director sueco Thomas Alfredson rodó de la novela (“El topo”) de John Le Carré respira ese aroma de las películas de espías de los años 70 que ya no se consigue ver en los cines.

Acostumbrados a películas del género con ritmo frenético, tecnología punta y litros de sangre, la quinta película de Alfredson consigue enganchar al espectador sacando el máximo partido a la compleja trama.

Oldman, cuyo nombre en los últimos años se ha asociado a la saga de Harry Potter y al Batman de Chris Nolan (todavía tiene pendiente de estreno “El caballero de la noche”), da vida a un miembro del servicio secreto solitario y sagaz.

“He interpretado a personajes bastante frenéticos que expresaban de forma emocional y física. Se agradece la oportunidad de hacer algo diferente”, señaló el protagonista de “Dracula, de Bram Stocker” que podría figurar en las próximas quinielas de los premios de la Academia de Hollywood por esta soberbia interpretación del anti James Bond.

El ganador del último Oscar como mejor actor, Colin Firth, también participa en esta producción, pero en un papel menor. “Tenía donde hincar el diente”, dijo el protagonista de “El discurso del rey”.

“Tinker, Tailor, Soldier, Spy” cuenta además con un reparto difícil de olvidar. Aparte de Oldman y Firth cabe destacar a Tom Hardy, John Hurt, Mark Strong o Benedict Cumberbatch, por sólo nombrar a los que más aparecen en pantalla.

Aunque existe una serie de televisión británica de fines de los años 70 en la que Alec Guinness daba vida al protagonista que ahora interpreta Oldman, el director sueco (“Let the Right One In”), que tiene una larga trayectoria en la televisión, comentó que no suele inspirarse en otras películas cuando hace cine sino más bien en cuadros y en música de diverso tipo.

Llama la atención escuchar al final de la cinta a Julio Iglesias en una versión de la canción francesa “La Mer”. A lo mejor la idea fue del compositor de la banda sonora, el español Alberto Iglesias.

A pesar de lo atractivas que resultan las novelas de John Le Carre, no siempre tuvieron una feliz adaptación, como fue el caso de “El sastre de Panamá”.

Entre tres. “Tinker, Tailor, Soldier, Spy” compite por el León de Oro en Venecia y de las tres películas presentadas ayer a concurso fue la más aplaudida. El director estadounidense Todd Solondz estrenó la comedia agridulce “Dark Horse”, mientras que la china Ann Hui presentó “A Simple Life”.

Solondz pierde la acidez y la amargura de anteriores trabajos para mostrar a un treintañero anclado en la adolescencia (Jordan Gelber), que sigue coleccionando muñequitos y vive todavía con sus padres.

Selma Blair, Mia Farrow, Christopher Walken y Justin Bartha completan el reparto de esta cinta en la que al director le interesaba destacar “la forma en que el protagonista se queda estancado en su juventud”.

Hechos reales

La directora Ann Hui (“Sommer Snow”) también tuvo una buena acogida por “A Simple Life”, una película basada en hechos reales sobre lo que significa envejecer en Hong Kong. La cineasta se centra en la vida de una mujer que ha servido a cuatro generaciones de una misma familia.

El buscador de la compañía Google vuelve a sorprender a los usuarios con un nuevo'doodle'. Esta vez, animado. El logotipo de Google se convierte  en el escenario del último concierto del grupo Queen para celebrar el 65 aniversario del nacimiento de su vocalista, Freddie Mercury.

   Tal y como tiene acostumbrados Google a los usuarios, la compañía rinde homenaje al vocalista del grupo Queen en un nuevo 'doodle'. Pero al igual que sucedió con el homenaje a Charles Chaplin, el equipo de Google ha hecho en esta ocasión un videoclip con uno de los éxitos del grupo, la canción 'Don't stop me now'.

   El vídeo homenaje a Mercury comienza con unas fotos animadas del cantante hasta llegar a uno de los conciertos el grupo patrocinado en esta ocasión por Google. A continuación el videoclip se transforma en un videojuego al más puro estilo 'Space Invaders' donde también se recuerdan algunas escenas de los videoclips más famosos del grupo como 'I wan't to break free', donde el cantante aparece disfrazado de ama de casa.

   El éxito mundial que el grupo Queen generó desde su creación en 1971 se debió en gran parte a la voz y a las excentricidades de Freddie Mercury, tanto en sus vídeos como en sus conciertos. Esto hizo que llegaran a vender 300 millones de álbumes en todo el mundo con Mercury al frente.

   Además de formar parte de este grupo de rock, Mercury tuvo una carrera como solista y ocasionalmente fue productor y participó en eventos como músico invitado para otros artistas. Murió de una bronconeumonía complicada por el sida el 24 de noviembre de 1991, tan sólo un día después de comunicar oficialmente que padecía esta última enfermedad. En el año 2008, la revista Rolling Stone lo ubicó en el puesto dieciocho en su lista de los mejores vocalistas de todos los tiempos.

   Este nuevo 'doodle' de Google se ha convertido en uno de los más famosos creados por la compañía. Tal ha sido la acogida de los usuarios que en pocas horas se ha convertido en 'Tema del momento' en Twitter en España.

Apenas 34 años separan "Películas", el disco de "La Máquina de Hacer Pájaros" de 1977, con "Qué se puede hacer salvo ver (películas", el flamante disco de Sandra Corizzo, que presenta hoy, a las 21.30, en el teatro Lavardén (Sarmiento y Mendoza). "El título es un guiño para el que sepa, y el que no, que investigue", dijo Corizzo, mientras degustaba un carlitos de pollo en un bar céntrico de calle San Lorenzo.

En aquel disco de la primera banda que tuvo Charly García tras la separación de Sui Generis, se apreciaba en la tapa a los 5 integrantes de la banda saliendo de un cine. La película era "Trama macabra", de Alfred Hitchcock.

La tapa del disco nuevo de Corizzo es una "bola de info giratoria" ilustrada por Pablo Bernasconi, en la que se ven retazos de celuloide, una sonrisa, un zapato, teclados y varios ojos. La mirada de Corizzo es clave en este disco. Porque eligió hacer canciones inspiradas en películas que le gustaron, por su estética, porque son de culto o simplemente porque se entretuvo con ellas.

"Cuando puse el título me di cuenta que "Películas" ya existe y pensé cómo el cine, aún siendo pasatista, puede ser perfectamente una excusa para proyectarse en la pantalla", dice Corizzo sin temor a enroscarse en una metáfora filosófica.

Y por eso aclara y va por más: "Pensé en las relaciones humanas como la proyección de uno en la pantalla del otro, y uno como la pantalla donde el otro se proyecta". Esas imágenes que van y vienen en la vida de esta cantante y compositora rosarina fueron plasmadas mejor que nunca en este disco, el tercero de su carrera solista, y por qué no, el más redondito y parejo a nivel estético, sonoro y conceptual. Y en el que Corizzo demuestra que hace rato que merece un espacio en la escena nacional. "Es la primera vez que siento que hice un disco disco", remarca la intérprete.

Cada una de las 12 canciones tienen un link con una o más películas que disfrutó en distintas etapas de su vida.

Así, aparecen "La edad de la incredulidad", único tema que no es propio, basado en "La bruja novata", a la que definió como "una de las películas más flasheras de Walt Disney". La perlita del disco es "Momento sexto sentido", inspirada en el famoso filme "Sexto sentido" de M. Night Shyamalan. Es por lejos el tema donde más se luce su voz, y en el que se atreve a jugar con sonidos de música incidental y hasta con una señal de ajuste. Corizzo le da una vuelta de tuerca al suspenso de ese filme y lo hace con una sonrisa: "Trabajo mucho desde el humor, que es una gran válvula de escape, sobre todo en los procesos dolorosos".

En la lista de temas, también está "King Kong", que fue "basada sólo en una escena de la película", y que "permite reflexionar acerca de las relaciones de poder y control". El verdadero King Kong la observa a Sandra en medio de la producción de fotos realizada en el hall del Cine El Cairo, y hasta parece que el Submarino Amarillo de Los Beatles se le trepa al gorila para pedir algo de protagonismo. "Es un disco en el que Los Beatles también tienen mucho que ver" admite Corizzo, quien no oculta el sinfín de referencias que se plasmaron a la hora de sellar este proyecto. "En el mismo canastro donde estaban buscando Charly, Los Beatles, La Máquina, Los Beach Boys y Regina Spektor, yo encontré esta música", comentó.

Corizzo destaca que este disco sigue una suerte de orden en su carrera. Y que así como "Mi jardín", su anterior trabajo, hacía alusión a su infancia, éste "tiene que ver con el fin de la inocencia".

"Hechizo del tiempo" ("es una metáfora excelente de la vida"), "Hook", las bellísimas "Antes del amanecer" y "Antes del anochecer", la inolvidable "Alta fidelidad" y la obra de culto de Win Wenders "Las alas del deseo" ("la vi mil veces") conviven con "Novia fugitiva", sí, la de Richard Gere y Julia Roberts, y hasta con "La llamada".

"Enciendan luces de otra piel/que no sea mi piel/ Qué se puede hacer?...tan solo ver...ver más películas.../Somos injustas pupilas,/pantallas de diván,/ somos mentiras vividas/ en fábulas de bien y mal", canta en "Blancos", quizá el tema más conceptual de "Qué se puede hacer salvo ver (películas)". "Aquel tema de Charly era un guiño, en el Proceso, para decir "vamos a evadirnos un poco".

Este guiño, 34 años después, tiene por suerte otro contexto, y una voz de película.

Peteco Carabajal presenta hoy su álbum "El viajero", con un concierto que ofrecerá a las 21.30, en el teatro El Círculo. Laprida y Mendoza. El compositor e intérprete santiagueño volverá a la sala donde grabó en vivo el CD, el 15 de diciembre de 2010.

Entre ambas fechas, el artista tocó el repertorio de su álbum en los festivales folclóricos del verano y en distintas salas de la Argentina. "Llegamos de vuelta a Rosario con el repertorio del disco bien ajustado, ya que lo presentamos a lo largo de todo el año", dijo el artista a Escenario.

Hijo de Carlos Carabajal, Peteco es heredero de una estirpe de músicos que se prolonga y ensancha constantemente. Su hijo Homero integra el grupo que lo acompaña en los escenarios desde su infancia y hoy ya presenta sus propios temas. Han pasado más de 30 años desde que este hombre tomó una guitarra y subió a un escenario para seguir con el oficio familiar de compositor y cantor de la música criolla. "Hace unos días en Chile, estábamos con Víctor Heredia y Homero (Carabajal). Cuando Víctor lo escuchó tocar un tema suyo me dijo: «este es un caso en el que la astilla es mejor que el palo»".

Hoy Peteco Carabajal ya puede hablar de una historia que incluye sus comienzos junto a Shalo Leguizamón y Roberto Carabajal en el Santiago Trío; su paso por Los Carabajay y las fructíferas aventuras musicales junto a Jacinto Piedra y el Chango Farías Gómez, en MPA. Después llegó la denominada "renovación del folclore" que lo tuvo como protagonista en la primavera democrática de los 80.

Desde entonces, una sólida carrera apuntalada por imborrables composiciones como "La estrella azul", "Como pájaros en el aire" o "Perfume de carnaval", por nombrar algunas, cimentan el nombre de Peteco Carabajal, definitivamente integrado a la historia del folclore argentino que sigue abonando con discos como "El viajero". La nueva placa incluye temas como "Juan del monte", "Como arbolito en otoño", "El viajero", "Amanecer revolución", "Como la verdad", "Cuando tenga la tierra", "Quimey Neuquén" y "La mataca ollera", entre otros.

—¿Por qué grabó "El viajero" en Rosario?

—Hay dos razones: una es el apoyo que recibí de parte de las autoridades de cultura, del gobierno, para hacer la grabación. Ahí se me facilitaron las cosas. Por otro lado Rosario es un lugar muy querido por mí, donde he recibido el apoyo del público desde hace tiempo. Se juntaron las dos cosas: en Rosario se daban las condiciones favorables y yo solo no podía hacerlo.

—A mediados de los 80 se hablaba de una renovación del folclore. Desde entonces no se ven señales de algo nuevo.

—En Santiago hay una renovación, hay una nueva camada que viene laburando lindo. Lo que pasa es que Santiago, desde siempre, ha ido a contrapelo de lo que se cotiza. A mí me ha pasado con la chacarera. Es un género bien recibido en un festival, pero el trabajo de la chacarera viene desde hace mucho tiempo y sin interrupción. Lo ha hecho mi viejo Carlos, Sixto Palavecino y otros maestros míos, y nosotros somos continuadores de eso. Hoy en día está Vislumbre, La Brasa, hay una continuidad. Santiago no se caracteriza por artistas que rompan todo lo anterior. Somos continuadores y en esa línea hoy estamos Horacio Banegas, Los Coplanacu, Raly Barrionuevo, Los Manseros Santiagueños -vigentes como siempre- y Los Carabajal. Me parece que en Santiago hay renovadores como esos que te nombré, que hacen algo distinto a lo mío y eso es lindo, porque uno puede disfrutar sin conflictos lo nuevo, porque es parte de una continuidad.

—Uno de los temas incluidos en "El viajero" es "Cuando tenga la tierra", ¿no cree ya es hora de que se les devuelva algo a los aborígenes, originarios dueños de la tierra?

—Hay muchas injusticias. Cuando estamos hablando de los que se consideran cantautores y se quieren comer Latinoamérica, hay un determinado repertorio que es bueno conocer y es un trabajo saber cuál es el buen repertorio . Es un trabajo de aprendizaje. Creo que es un tesoro ese conocimiento. Todo mi tiempo lo dedico a pensar y repensar este camino. Para mí, hoy en día lo que para muchos resulta difícil, para mí resulta agradable, y te diría fácil: retomar temas y autores y ponerlos en mi repertorio. Pienso que "Cuando tenga la tierra" se vuelva a escuchar es muy importante.

—Desde chico vio a los grandes del folclore pasar por su casa.

—Sí, a través de mi viejo, mis tíos y el conjunto Los Carabajal he tenido la posibilidad de conocerlos en la noche de Buenos Aires. Desde Los Chalchaleros para abajo, toda la gente del folclore era amiga de mi viejo. Por eso digo que atesoro todo eso, porque es el conocimiento de saber cómo tocaba uno, cómo escribía el otro. Son cosas que hoy las valoro.

—Este fin de semana su hijo Homero se presentará en El Aserradero con espectáculo propio. ¿Cree que ya dejó la semilla?

—Homero es una muestra de cómo somos nosotros, cómo vamos haciendo este camino. El tiene todas las condiciones físicas, vocales, técnicas, musicales y talento. Si fuese un padre ávido, lo produciría. El mismo ya conoce y sabe que no somos de ese palo y va tranquilo; toca conmingo y va haciendo lo que tiene que hacer. Estuvimos en Chile con Víctor Heredia y Homero se puso a cantar las canciones nuevas que tiene, y Victor comentó: "Aquí se da que la astilla sale mejor que el palo" (risas).

Buenas compañías

Peteco Carabajal subirá nuevamente al escenario donde grabó “El viajero” para tocar sus temas y algunos clásicos de su prolífica carrera. El violinista, guitarrista, charanguista, quenista y compositor lo hará acompañado por su hermano Demi Carabajal (batería), Daniel Patanchón (guitarras eléctrica y acústica), su hijo Homero Carabajal (guitarra eléctrica y acústica), Juancho Farías Gómez (bajo) y Ricardo Carabajal (percusión).

Pero esta no es una película política, quiso puntualizar de inmediato Clooney en la rueda de prensa. "Podría haber estado ambientada en Wall Street. La película trata el tema de la moralidad y de cómo se puede vender el alma por un resultado".En "The Ides of March", el actor da vida a un precandidato demócrata que proclama la honestidad y la dignidad, que defiende la Consticuión americana como su única religión, pero que tiene que llegar a ciertos compromisos para conseguir votos.

Clooney no sólo inaugura la 68 edición del Festival de Venecia, sino que claramente abre la carrera a los Oscar con el reparto del que se ha rodeado para su cuarta película. Encabezado por Ryan Gosling (quien no acudió a Venecia) y seguido por Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Marisa Tomey o Evan Rachel Wood, todo ellos presentes en el certamen.

A la pregunta sobre cómo consiguió reunir este reparto, para el que la crítica no ha escatimado en elogios, Clooney no pudo evitar esa vena bromista que siempre le acompaña y aseguró que "tenía fotos comprometedoras de todos", así que no les quedó más remedio que actuar.

Con apenas 12 millones de dólares, un presupuesto bastante espartano para un producción de nivel en Hollywood, Clooney recrea junto a su amigo y guionista Grant Heslov el juego sucio de las campañas preelectorales en Estados Unidos partiendo de la obra de teatro "Faragouth North", de Beau Willimon, quien también firma el guión.

"Hollywood es el país de los caramelos, un parque infantil en comparación con Washington", aseguró Paul Giamatti, que da vida a un asesor sin escrúpulos.

El dúo Clooney-Heslov, que ya se llevó el premio al mejor guión en 2004 por "Good Night, and Good Luck" en Venecia, ha contado además con el respaldo de la productora de Leonardo DiCaprio. Su intención era haber hecho esta película hace unos años, pero se vieron sorprendidos con el entusiasmo que generó el ascenso a la Casa Blanca del actual presidente de Estados Unidos Barack Obama y prefirieron dejarla para un año después de las elecciones.

Y como no podía ser de otra forma a George Clooney le preguntaron si piensa cambiar los platós por los mitines, los guiones por los discursos. El actor, defensor de diversas causas humanitarias y muy activo en la defensa de los derechos civiles, aseguró que no quiere entrar en política. En estos momentos, dijo, se encuentra en la Casa Blanca el tipo más inteligente y más bueno que hemos tenido y le están haciendo casi imposible que gobierne.

A 24 horas de que arranque el certamen, los bañistas en la playa del Lido apuraban ayer los últimos baños del verano en las aguas del Adriático, ajenos al ajetreo a sus espaldas: los operarios ultiman los trabajos para recibir a las estrellas del certamen. Y una de las más esperadas, George Clooney, ya se encuentra en Venecia acompañado del gran elenco de su cuarta película como director: "The Ides of March".

Clooney se mide en la gran pantalla con Ryan Gosling, un actor que como siga el carrerón que lleva podría arrebatarle a Clooney el trono de galán de Hollywood por excelencia, pero el resto del reparto no desmerece elogios: Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti y Marisa Tomei son sólo algunos atractivos nombres para la que se perfila como una de las películas que marcarán el festival.

Además Leonardo DiCaprio apoya desde la producción este filme que abrirá el más veterano de los certámenes cinematográficos.

El desfile de divas continuará mañana con Kate Winslet, cuyos fans podrán disfrutar de ella durante horas: participan en "Carnage", de Roman Polanski, se presenta fuera de concurso con "Contagion", de Steven Soderbergh, y protagoniza el homenaje a Todd Haynes con la miniserie de televisión "Mildred Pierce", de cinco capítulos, que se proyecta hoy.

La música marcará también el ritmo del festival que recibe nada menos que a la reina del pop, Madonna, un espíritu inquieto que ahora se propone conquistar los corazones de los cinéfilos. La "ambición rubia" presentará su segunda película "W.E", en la que sobrevuela la historia de amor entre el rey Eduardo VIII, que renunció al trono británico en 1936 por Wallis Simpson, una americana divorciada.

Y todo apunta a que la película será mejor que la primera incursión en cine de la cantante. "W.E" llega empujada por los hermanos Weinstein en la producción y se estrenará el 9 de diciembre en Estados Unidos, con la mirada puesta en los Oscar.

Fuera de concurso Al Pacino mostrará una Salomé muy sensual en "Wilde Salome", que coprotagoniza junto a una las actrices del momento en Hollywood, Jessica Chastain, que laboralmente vive un año extraordinario, pues también muestra en concurso "Texas Killing Fields", de Ami Canaan Mann, una debutante con pedigrí: es hija de Michael Mann.

En total son 23 las películas las que compiten por el León de Oro y ninguna es de habla hispana, aunque sí se presentan algunas fuera de concurso.

Erotismo

Uno de los ejes de Venecia será el erotismo. El director francés Philippe Garrel desnuda a Monica Belluci en “Un eté brulant”, Viggo Mortensen, Michael Fassbender y Keira Knightley, protagonizan “A Dangerous Method”, sobre la relación de Freud con una paciencia, del canadiense David Cronenberg, entre otras.

El evento se inició el miércoles en El Cairo con el arriesgado documental chileno "La muerte de Pinochet". Antes pudo verse, a modo de homenaje, una entrevista al legendario realizador chileno Raúl Ruiz, recientemente fallecido. "La muerte..." es un curioso trabajo que sigue a un grupo de partidarios del dictador para que cuenten como vivieron sus últimos días.

De Santa Fe. El jueves fue el turno de "Hoy no tuve miedo", del santafesino Ivan Fund. El trabajo cuenta con dos partes muy diferenciadas entre sí en forma y contenido.

"El estudiante" fue la apuesta fuerte del viernes y contó con la mayor respuesta del público, que llenó la sala. La película de Santiago Mitre (guionista de "Leonera" y "Carancho") conjuga las virtudes del cine argentino reciente con una narrativa más clásica ygran sentido de la oportunidad para el tema tratado (la política en la universidad). Obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Bafici, sin embargo aún no tiene distribución comercial.

La otra película que obtuvo muchos premios en el festival y se transformó en la verdadera revelación del certamen fue "Yatasto", de Hermes Paralluelo, una película que sabe muy bien como contar lo que tiene que tiene que contar, siguiendo la vida de un grupo de chicos que trabajan como cartoneros y sin caer nunca en golpes bajos. Fue exhibida el sábado.

Batato convoca. Ese día también fue el turno de "La peli de Batato", que tuvo muchísima convocatoria en el Parque España y es un recorrido por la vida de la mítica figura del underground porteño de los 80, Batato Barea. A la misma hora pero en el Cairo, se pudo ver el último trabajo de Néstor Frenkel, "El amateur", con la presencia del propio director, que contestó preguntas tras la función. "El amateur" es un notable intento de abarcar la inabarcable figura de un pionero del Super 8 que intenta hacer una remake de su película 40 años después.

El cierre. La muestra, que alcanzó su novena edición, cerró el domingo con "La vida útil", de Federico Veiroj, notable película uruguaya que obtuvo premios en abril y que se destaca por un acercamiento al mundo de la cinefilia alejado de toda idea de nostalgia.

Si bien la muestra es acotada a títulos de habla hispana y no hay punto de comparación posible con el enorme tamaño del festival que llega cada abril a Buenos Aires, fue muy saludable para la cartelera rosarina la presencia de estas películas que de otra manera no podrían verse.

Rosarinos

Los representantes rosarinos en el Bafici también tuvieron su lugar en la muestra local con la exhibición “Que sois ahora”, un interesante documental sobre el grupo de rock Pequeña Orquesta Reincidentes realizado por Gustavo Galuppo y Mariano Goldgrob, y “La infinita distancia”, el bello filme de Florencia Castagnani.

Los primeros acordes de la velada fueron para "Señor O", siguiendo con "Tristeza" y "El camino" que allanaron el apacible terreno para que "Starosta-Sombrero de paja" llegase a movilizar a todo el auditorio con sus melodías que remontan casi a una película country con raíces de polka.

Marcelo Dellamea (guitarra), Víctor Renaudeau (violín), Marcos Villalba (percusión) y Juan Pablo Navarro (contrabajo) conforman con Spasiuk un quinteto que propone desde momentos tranquilos hasta casi bailables de la mano de alegres chamamés.

En medio de tanta música representativa, salió a escena la Orquesta de Cámara Municipal dirigida por Fernando Ciraolo para acompañar a Spasiuk y al destacado violinista Rafael Gintoli; mix que resultó más que interesante por su fusión de música clásica con un estilo más tradicional como es el chamamé, una propuesta alterna que pocos valientes se animan a concretar.

"Suite del nordeste" anunciaba los últimos pasos de una gran noche, no sin antes rendirle homenaje al género argentino por excelencia: "Libertango" de Astor Piazzolla se apoderó de la escena cautivando a aquellos sedientos de 2 x 4.

Ya con nueve discos editados, Spasiuk es uno de los referentes de la música folclórica. Poseedor de dos premios Gardel, del Konex como mejor artista folclórico masculino argentino de la década y del premio revelación de los World Music Awards de la BBC, es dueño de un manejo único del acordeón que apela constantemente a la creatividad y la libertad sonora. Esta vez, presentando una propuesta integradora, fue el ideólogo del encuentro entre dos mundos: el clásico y el folclórico, conformando un vasto universo musical.

He aquí la belleza envuelta en las notas de una orquesta de violines, contrabajos, guitarra, percusión, y acordeón que proponen un momento placentero y constructivo. Porque el mismísimo Spasiuk sentencia: "El que contempla la belleza, se convierte en la belleza".

   George Clooney, un habitual de la isla de Lido donde se celebra el festival cinematográfico más antiguo del mundo, dará el miércoles el pistoletazo de partida a los 11 días de la muestra con “The Ides of March”, un drama político que también dirigió.

   En el reparto están Ryan Gosling y Philip Seymour Hoffman, pero por Venecia también pasarán estrellas como Colin Firth, Keira Knightley, Matthew McConaughey, Kate Winslet, Matt Damon, Jude Law, Gwyneth Paltrow y la reina del pop Madonna, entre otros.

   “No recuerdo una época en la que tanta gente estuviera tan emocionada por una cartelera”, dijo Jay Weissberg, crítico cinematográfico de la revista de Hollywood Variety, un habitual del festival.

   “Hay un agradable contingente de Hollywood que compuesto por directores y estrellas como Clooney, que atraen a un espectro muy amplio tanto de personas dentro del festival como de público en general”, afirmó.

   Directores de todo el mundo llegarán a la famosa ciudad de los canales entre el 31 de agosto y el 10 de septiembre para mostrar sus obras y acudir a una serie de sesiones fotográficas, ruedas de prensa, entrevistas y fiestas.

   Las superproducciones no suelen acudir, pero un pase en Venecia es objeto de deseo de las producciones estadounidenses de menor presupuesto por la relevancia que ofrece y porque supone un lanzamiento no oficial para la temporada anual de premios, que terminan en febrero del 2012 con los Oscar.

   Venecia se superpone con el Festival de Toronto, considerado por Hollywood como una alternativa más barata y que exhibe muchas de las mismas películas. No obtante el director de “La Mostra”, Marco MJuller, reunió un variado programa que debería eclipsar la edición del año pasado, que fue preocupantemente austera.

Títulos. Entre los títulos más esperados por el público cinematográfico está el filme “Tinker, Tailor, Soldier, Spy”, una adaptación de la novela de espionaje de John Le Carre protagonizada por el reciente ganador del Oscar, Colin Firth, y que cuenta también con la participación de Gary Oldman y John Hurt.

   La película, dirigida por el sueco Tomas Alfredson, es una de las 22 candidatas que optan al León de Oro, y ya ha recibido la bendición del escritor británico, cuya obra “The Constant Gardener” también llegó a la pantalla grande.

Nombre fundamental de la renovación del folclore argentino y ex líder de grupos legendarios como los Huanca Huá, Músicos Populares Argentinos (MPA) y La Manija, Farías Gómez tenía 73 años. El músico nacido en Santiago del Estero y criado en el barrio de San Telmo fue internado este fin de semana por un enfisema pulmonar, del cual no pudo recuperarse.

El Chango arrastraba desde hace años un cáncer, enfermedad que no le impidió continuar con una intensa actividad musical, que en el último año lo devolvió a los escenarios al frente de su proyecto Orquesta de Cámara los Amigos del Chango, que interpretaba música popular en ciclos que se desarrollaban todos los martes en distintos reductos musicales.

Farías Gómez fue uno de los grandes renovadores del folclore argentino, desde la aparición de Los Huanca Huá en 1960, que propuso nuevas normas para la interpretación vocal y donde surgió Hernán Figueroa Reyes.

Guitarrista, percusionista, cantante, compositor e intérprete, el Chango unió siempre una fina concepción musical y arreglística con una fe transformadora y una profunda cercanía por lo popular.

Creador del Grupo Vocal Argentino en 1964, en 1975 conformó un trío con Kelo Palacios y Dino Saluzzi, pero la irrupción de la dictadura militar en 1976 lo obliga a exiliarse en España.

A su regreso, el Chango crea en 1985 Músicos Populares Argentinos (MPA) una agrupación en la que reúne a jóvenes talentos como el Mono Insaurralde, Verónica Condomí y Peteco Carabajal y que vuelve a marcar las coordenadas de la renovación folclórica en la recuperación democrática.

Director Nacional de Música entre 1989 y 1992, cuando renuncia en desacuerdo con los indultos a los militares dispuesto por Carlos Menem, y legislador porteño por el peronismo entre 2003 y 2007, la presencia cultural y musical de Farías Gómez a lo largo de 50 años de carrera fue fundamental para construir un nuevo cancionero y una nueva sonoridad en las músicas de raíz argentina.

Ultimo adiós. Al referirse a la muerte de Chango, su hermana Marián Farías Gómez, que integró el grupo Huanca Huá, señaló a periodistas que el fallecido cantante y compositor era un "bohemio que tenía los pies en la tierra".

También destacó que era respetado por músicos de otros países, como Francia y España. "Lo recuerdan como alguien comprometido con su país y los problemas sociales", afirmó.

"Eramos cinco hermanos enormemente unidos porque mi vieja siempre nos decía que éramos los cinco dedos de su mano derecha. El, que era el mayor, fue además como un padre para nosotros. Nos enseñó a tocar la guitarra, el bombo", señaló.

El director nacional de Música, José Luis Castiñeira de Dios, destacó en una sentida misiva que con la muerte de Farías Gómez, "se marchó uno de los creadores más importantes de la música popular argentina de todos los tiempos".

Teresa Parodi comentó que "la verdad es que estoy triste porque se murió una especie de gurú de la música argentina, un investigador y un alto revolucionario". La cantautora correntina destacó que Chango "tenía una juventud en la cabeza y en el espíritu, una forma de entender el mundo, construir e ir para adelante dejando un rumbo claro". Desde la misma certeza, Parodi abundó que el creador oriundo de Santiago del Estero "empujaba, convocaba y desde esa actitud alentó de manera notable al semillero de la música popular argentina".

La intérprete Liliana Herrero consideró que Chango Farías Gómez "tuvo un paso iluminado" por la música popular argentina. "Estupefacta" ante la noticia de su fallecimiento la vocalista señaló que su tránsito "no pasará desapercibido y quedará para la eternidad porque es un andar creativo y de gran conocimiento de la música argentina".

El guitarrista tucumano Juan Falú afirmó que la persistente búsqueda de Chango por la evolución musical "podía llevar al folclore a cualquier lugar, sin limites" y aseguró que los Huanca Huá y el Grupo Vocal Argentino fueron las experiencias "más estimulantes" del santiagueño. "El Chango era como la prueba de que al folclore se lo podía versionar desde el conocimiento de sus modelos y avanzando hacia cualquier lugar, sin límite", reflexionó Falú.

Una puertita a otra cosa

(Por José L. Cavazza / La Capital). _  En los 80 me regalaron el vinilo de “Contraflor al resto” y la música de Chango me atrapó. Su versión de “Maturana” dejó un surco en mi memoria y también en el track del LP. Entré a la monumental obra del Cuchi Leguizamón a través de aquel sonido de cuerdas de acero de la Obeison acústica y la voz aguardentosa de Farías Gómez. Es más, abrí también una puertita al folclore, en medio de unos años de un pop demasiado leve y optimista. Después supe de los Huanca Huá; no los había escuchado. Supe de la gran controversia en ese momento en que aparecieron, cuando algunos dijeron que eso no era folclore. Haber introducido la polifonía en el folclore argentino parecía para algunos una verdadera herejía. Sí, ese sonido por el cual una vez Yupanqui, que tenía un humor punzante como un picahielo, dijo que “uno canta y los otros le hacen burla”. Un chiste justo para la misma gente malintencionada que no recuerda cuando don Ata también dijo sobre los Farías Gómez: “Son los únicos que pueden ponerle mostaza al asado sin que pierda el gusto”. Igual incomprensión había caído sobre Piazzolla y su relación con el tango. Lo increíble fue que tiempo después los dos argentinos tocaron juntos en el Lincoln Center de Nueva York. “Qué fea la imagen de un músico sólo para los asados, es una manera bastante nefasta de verlo; creer que el músico es un vago es como un atropello. Un músico es alguien importante para un pueblo, rebajarlo y menospreciarlo es un acto realmente aberrante”, dijo Chango hace un par de años en una entrevista con el blog argentinafolclore. Está claro que no habrá olvido para él.

La muestra de cine independiente e internacional comenzará hoy, a las 18.30, en El Cairo con "La muerte de Pinochet", de Bettina Perut e Iván Osnovikoff, basada en las vivencias de cuatro personas que narran lo que sucedió ese domingo desde el momento en que se supo la noticia del fallecimiento del dictador chileno, y los días posteriores.

A continuación, a las 20, se exhibirá "La carrera del animal", ópera prima de Nicolás Grosso, que propone registrar el otro lado del cierre de una fábrica, el costado familiar-empresarial, que es el opuesto al de los trabajadores que suele mostrar el cine, pero que también incluye sentimientos complejos y desorientadamente humanos.

El cierre de la jornada será a las 22 con "Ostende", de Laura Citarella. Es la historia de una joven que pasa cuatro días de vacaciones en la citada localidad de la costa bonaerense, y repara su atención en un anciano acompañado por dos mujeres jóvenes. En este primer trabajo de Citarella, la realizadora bordea estilos narrativos de Hitchcock y Rohmer, pero desde una óptica femenina.

Mañana, también en la misma sala, será el turno, a las 18.30, del documental "Tren Paraguay", de Mauricio Rial Banti; a las 20, el drama "True Love", de Ion de Sosa y a las 22, otra propuesta dramática, "Hoy no tuve miedo", de Iván Fund, con Araceli Castellano y Belén Werbach.

El viernes, siempre en El Cairo, será el turno de "Moacir", a las 18.30; mientras que a las 20 se proyectará "Novias, madrinas y 15 años", de Diego y Pablo Levy, quienes estarán presentes para debatir con el público tras el filme; y "El estudiante", ópera prima del director Santiago Mitre, que cuenta la historia de un joven del interior que llega a Buenos Aires y se sumerge en las miserias, tentaciones y contradicciones de la política universitaria en el seno de la Universidad de Buenos Aires (UBA). Mitre también estará en la sala para dialogar con los espectadores tras la proyección.

En un sábado que se presenta como lo más atrapante de la muestra (ver aparte), en El Cairo se proyectará a las 18 el filme chileno de animación "31 minutos", de Alvaro Díaz y Pedro Peirano, y, a las 20, irá el documental "Yatasto", de Hermes Paralluelo, que es la historia de tres primos adolescentes que se ganan la vida con un carro de tracción a sangre. A las 22.30, "Amateur", de Néstor Frenkel, quien dialogará con los espectadores, es una historia del cine dentro del cine.

El domingo será un día especial para los amantes de los cortometrajes, que comenzarán a las 20, en El Cairo, tras lo cual se proyectará, a las 22, el drama "La vida útil", una producción uruguaya de Federico Veiroj, que cuenta con los protagónicos de Jorge Jellinek y Manuel Martínez.

También el domingo, pero en el complejo del Parque España, se exhibirá, a las 18, "La vida sublime", de Daniel Villamediana, y a las 20, irá el largo "La infinita distancia", que narra el desencuentro amoroso de una pareja. Florencia Castagnani, su directora, dialogará con los presentes luego del filme, como corolario de un distinguido festival.

Su partida deja un vacío en el quehacer teatral, porque si algo lo caracterizó fue su gran energía, que se tradujo en un sinnúmero de obras donde trabajó en diferentes roles, más allá de su legado como maestro.

Sus comienzos fueron en 1948, en Buenos Aires, donde participó en compañías que le permitieron tomar experiencia y conocer ese oficio que lo motorizó siempre. En 1957, a diferencia de los artistas que deciden emigrar a Buenos Aries, decidió volver a su ciudad natal, donde apostó a lo local.

En una entrevista realizada por La Capital —donde trabajó como jefe de Espectáculos— Barreiros decía: "No me arrepiento para nada de haber vuelto. ¡No sabés cómo viven los actores en Buenos Aires!. Permanentemente angustiados, porque por ahí se da una buena, pero ¿qué dura?. Seis meses, un año y de nuevo no sabén qué hacer".

Siempre motorizó la escena independiente, participando en grupos como El Núcleo Teatral Bohemia y en 1964 formó "Aquelarre", con el que recorrió el país por más de 30 años, con clásicos como Shakespeare y Chéjov, además de montar otras piezas del repertorio argentino.

En su paso como director del teatro Empleados de Comercio también dejó su impronta y allí estrenó sus trabajos más actuales.

Sin duda Héctor Barreiros fue y será un referente del teatro rosarino. Alguna vez le confesó a La Capital si su labor actoral le habrá servido a alguien más que a él. Las nuevas generaciones del teatro seguramente tendrán la respuesta.

Obras

Entre las últimas piezas teatrales de Héctor Barreiros figuran “Sofía, como la Loren” y “Esperando el lunes”.

La miniserie se basa en el reencuentro de un grupo de ex compañeros del colegio secundario. Manuel (Gil Navarro) que vuelve a Buenos Aires luego de vivir diez años en Europa y se reencuentra con Mariano (Birabent) casado con Cecilia (Carrá). Los tres solían ser buenos amigos en el pasado.

Mariano atraviesa una crisis económica sin que Cecilia esté enterada y ve con admiración a Manuel que vuelve de Europa convertido en millonario. Así, Manuel le ofrece a Mariano entrar en un negocio prometedor pero riesgoso.

Juntos pondrán en marcha una maquinaria financiera destinada a lograr un millón de dólares cada uno, en una suerte de estafa contra conocidos suyos, pero la situación se les va de las manos y comienzan a jugar los celos, las traiciones y el pasado.

El elenco se completa con Carlos Portaluppi, Lucas Akoskin, Leo Saggese, Alejandro Fiore, Tadeo Goldstein, Iván Espeche, Paula Canals, Florencia Eliçave y Osqui Guzman, entre otros.

La propuesta consta de ocho capítulos de 26 minutos cada uno. Es una creación de Juan Laplace, quien también es el director.

"Perfidia" es la segunda producción de Canal 7 de las realizadas por los concursos del Programa para la promoción de la producción de contenidos audiovisuales digitales, del Banco Audiovisual de Contenidos Universales Argentinos de la TV Digital.

"Humanos"

“No son ni malos ni buenos, sino que son humanos con todo lo que eso implica”, argumentó Gil Navarro sobre los personajes.

Revisé si tenía la credencial de El Decano y hacia allá partí raudo en un vuelo de Sol. "Si sale, dijo el maestro Navarra", bromeó el chico del check in en un Aeroparque siempre al borde de un paro de Aerolíneas mientras me explicaba de su fanatismo por el gran campeón de billar argentino. "Si llega", me susurró al oído una mujer que trataba de meter sus cinco valijas en el medidor de equipaje de mano para que no le cobren sobretasa.

El humor negro de la señora se disipó cuando debajo alcancé a divisar el estadio Centenario y el parque Rodó. Después de hacer otro check in, el del hotel Oxford, me pegué un baño, agarré mi birome y mi anotador, y me fui al Teatro de Verano.

Cuando llegué me asustó el Polaco Abramovich que, saliendo de entremedio de la utilería, se sacó la peluca del Coelacanto y me dijo desesperado: "No puede ser Toto, me voy a La Paloma para descansar de hacer de plomo de mi banda, vengo acá y me hacen trabajar" y salió disparado para seguir armando la escenografía.

Lo dejé haciendo fuerza y me la crucé a Mónica Fein que movía un pie intermitentemente. "Disculpeme señora intendenta, ¿pero qué le pasa?". No sin antes seguir practicando la sonrisa de los afiches de campaña me explicó: "Es que los contenedores de basura son iguales que los nuestros y ya me acostumbre a eso del pedalito".

A su lado, la intendenta de Montevideo Ana Olivera disfrazada de figurita repetida no podía creer la invasión rosarina. "Mire señor periodista, vengo de Rosario donde pasé mis vacaciones y me hicieron una nota en La Capital. ¿Y ahora otra? Salgo más en los diarios de allá que en los de acá", alcanzó a decirme antes de posar para la foto con la gente de La Cotorra, el Pichi de Benedictis y el secretario de RRII de la Muni, Sergio Barrios.

Mientras los fotógrafos se hacían un picnic, de atrás del escenario se asomó Ricardo Terán, el encargado de negocios de La Capital en Uruguay. "Ricar..." alcancé a decir. "Shhhh!! Toto, no me venda", me silenció y sacándose su traje de murguero se quejó: "Tuve que venir de incógnito para que los chicos no me llenen de maquillaje". Sin decir más, agarró su capa, hizo una de Batman y se alejó voceando el diario, como los canillitas.

Más tarde entendí sus razones. Tras la actuación me paró en plena platea mi amigo el experto en carnaval José Apretá El Pomo: "Muy bueno lo de estos botijas de La Cotorra. Acá le están metiendo mucha cosa nueva a la murga y este show de estilo más tradicional nos hizo volver a la infancia". Y sin saludar se colgó del cuello de Fernando Lingiardi, el relator deportivo integrante de La Cotorra, que no dejaba mejilla sin pintar con su mezcla de maquillaje, lágrimas, transpiración y emoción, mientras le hacía cuernitos a los que les habían gritado "Arriba la Celeste" en la paseata inaugural del carnaval.

Del Teatro de Verano me fui urgente al restaurante de Pocitos hacia donde partió Fein invitada por el embajador argentino en Uruguay Dante Dovena que, mientras probaba un malbec almacenado en roble, me dijo: "Mire Toto, la integración política, social y cultural entre Argentina y Uruguay sigue en marcha". Y apartando el grabadorcito agregó: "Si no fuera porque Botnia le garcó la vida a Gualeguaychú; por la guerra que nos querían declarar Tabaré Vázquez y su amigo Bush; por los barcos ingleses, sin la bandera de Malvinas of course, que siguen atracando en los puertos uruguayos; y porque la selección de fútbol nos volvió a dejar sin la Copa América". Le dio un beso a una estampita de El, se acomodó el botón de la camisa a la altura de la panza que si saltaba se hubiera parecido a un Exocet y me confesó: "Y no le vamos a perdonar a Forlán que la haya dejado a la Zaira".

Tanta política me dejó aturdido y decidí ir a caminar por la Ciudad Vieja. Le guiñé un ojo a Artigas en la plaza Independencia y encaré hacia el Teatro Solís donde había un amontamiento de gente.

Era el estreno de "Selkirk, el verdadero Robinson Crusoe", el primer largometraje de dibujitos uruguayo. Cuando el animador Walter Tournier me vio, dejó la alfombra roja y se vino al humo. "Toto, que alegría, ya me alcanzaron su nota sobre la película". "Espero que le haya gustado", contesté humildemente y antes de que saque un muñequito y se ponga a jugar al stop motion alcance a decirle: "Qué puntería. Justo cuando no sabemos qué hacer con el Reino Unido y los kelpers, y a usted se le ocurre una historia de piratas". Me miró, se rascó la pelada y siguió manipulando plastilina mientras programaba su próximo filme, que si le costó tanto como éste, el próximo estreno será dentro de diez años.

Con la birome gastada y el anotador hecho jirones me volví al hotel. Antes comí una brótola a la plancha en La Pasiva y me negué a un medio y medio que me ofreció Cabeza de Ratón, el dibujito rosarino que, desde que lo pasan allá por la tele, no deja bar con idem, con pamplona de cerdo incluida los sábados en el Mercado del Puerto.

Y mientras caminaba por la 18 de Julio pensando en el hermanamiento de Rosario y Montevideo me acordé de la directora de la televisión pública de Uruguay, Virginia Martínez, cuando anduvo en junio por el CAR firmando convenios. "Somos ciudades similares. Vivimos al lado del río, y tenemos los mismos problemas y los mismos sueños", me había inteligentemente sintetizado. "Verdá", pensé. Por eso, para cumplirlos, a seguir laburando, vermouth con papas fritas, che o vo, y ¡good show!

(En homenaje a Tato Bores, que el 11 de enero hizo 16 años que se fue, y a una raza en extinción: sus maravillosos libretistas)

La serie se convirtió en el gran estreno de 2012, el lunes por Warner Channel, pues lleva la firma de J.J. Abrams, el cerebro detrás de "Lost", "Person of Interest", "Fringe" y otras, y porque, revitaliza un mito de la cultura contemporánea.

La historia oficial cuenta que la prisión de Alcatraz era la peor de las condenas. Situada en una isla frente a la ciudad de San Francisco, nadie podía entrar, ni salir, claro, sin ser visto. Fue clausurada el 21 de marzo de 1963 y sus ocupantes trasladados. Aunque, según la nueva serie protagonizada por Sam Neill, Sarah Jones y Jorge García, eso fue realmente así.

50 años después aparece un criminal que supo estar confinado en Alcatraz, pero sin que el tiempo haya pasado para él. En medio del misterio quedan una policía y un funcionario del gobierno que sabe más de lo que dice saber.

Infinito abanico. Con un impresionante despliegue escenográfico, la ya probada estrategia de ir desgajando el pasado y el interior de los protagonistas, y el innegable apoyo de buenas actuaciones, la serie se perfila como la heredera de "Lost" si a las expectativas se refiere.

Sobre todo porque como se adelantó en el primer capítulo, son 300, entre presidiarios y policías, de quienes se desconoce su paradero, abriendo un infinito abanico de posibilidades argumentales.

Interesante también resulta el misterio por el cual esas personas no han envejecido. Y si bien hubo un pequeño adelanto (se vieron las conocidas "chufas", es decir transfusiones de sangre a quienes no la necesitan) aún se desconoce el experimento al que fueron sometidos.

Con un sostenido ritmo en el relato, un reparto destacado, incógnitas insondables y una pizca del mejor policial, "Alcatraz" tiene todos las virtudes para hacerse carne entre sus seguidores. Hecha la presentación, ahora la serie sólo depende de sus productores.

"La gente va más a ver cine norteamericano o el que está de moda", afirmó Belloso, y consideró que esa actitud "está bien" porque los filmes "son como los libros", después de estrenarse "uno puede ir a verlos en una videoteca".

El actor dijo que la asistencia del público a ver "El secreto de sus ojos" se produjo porque "tiene la fórmula (Juan) Campanella y (Ricardo) Darín", y opinó que "es un estilo de la gente apostar a fórmulas, pero a veces el cine argentino no es acompañado por el público masivo".

—¿Cómo es su personaje en "Un mundo seguro"?

—Es una película de Eduardo Spagnuolo en donde estoy casi siempre en escena. Compongo a un empresario que decide mudarse a una casa inteligente para estar más seguro y eso juega en contra.

—¿Cómo le fue con "La mala verdad" en la taquilla?

—Muy bien, hay que tener en cuenta que al cine argentino, y más con un tema tan crudo como el que trata esa película, va poca gente a verlo.

—¿La gente va al cine a ver más comedia que drama?

—Van a ver más el cine norteamericano o el que está de moda, igualmente está bien, las películas son como los libros también, después uno puede ir a verlas en una videoteca.

—Pero "El secreto de sus ojos" tuvo buena repercusión.

—Porque tiene la fórmula Campanella-Darín y hay que verla, no por obligación, es un estilo de la gente apostar a fórmulas, pero a veces el cine argentino no es acompañado por el público masivo.

—¿Qué se puede hacer para que sea masiva la asistencia?

—La verdad que no sé, la gente quiere fórmulas, eso fue siempre así en la televisión y en el cine. En el teatro comercial ocurre lo mismo, funciona de determinada manera y el under de otra.

—¿Personajes de la televisión llevan gente al cine y al teatro?

—La televisión es un vaso comunicante directo.

—¿Hay una asistencia masiva del público al teatro?

—Siempre la hay, aunque el teatro tiene como su público cautivo en Buenos Aires y ahora se incrementó con mucho turismo. Internacionalmente se conoce porque interesa mucho la actuación argentina.

—¿Por qué no hay programas de humor en televisión?

—Porque las comedias costumbristas reemplazaron a esos programas, pero hay humoristas geniales.

—¿Existen otros motivos?

— Me considero un humorista, pero igual no sé por qué no se arma un programa de humor. Es porque los humoristas están muy separados y no se juntan para hacerlo, hay muchos caciques pero pocos indios.

Reality propio, como Fort

“Tengo un proyecto que tiene que ver con que a Carlos Belloso le agarra una crisis de identidad porque todos lo reconocen por sus personajes y nadie por su nombre, por eso decidí grabarme 24 horas con una cámara. Es un reality como el de Ricardo Fort pero sin plata. Una excusa para hacer comedia para TV con Belloso como protagonista”, dijo.

El filme, rodado en 3D, es una coproducción entre Alemania, Estados Unidos, Francia y Canadá, con la cual el creador de "Aguirre, la ira de Dios" o "Fitzcarraldo", profundizó su inclinación por el documental. Herzog sólo se desvió de ese estilo en los últimos años con "The Wild Blue Yonder", que abrió el festival de cine de Mar del Plata de 2006, y con "Un maldito policía en Nueva Orleans", además de "My Son, My Son, What Have Ye Done" y "Rescue Down", no estrenadas comercialmente.

En este caso el realizador logró el permiso del gobierno francés para ingresar a ese espacio con rigurosas medidas de seguridad para no dañar el más antiguo tesoro pictórico de la historia del hombre. En las paredes están las pinturas rupestres más antiguas conocidas, con una antigüedad estimada de 32 mil años que fueron descubiertas en 1994. Para preservar la cueva, sólo se le permitió rodar durante seis días en jornadas de cuatro horas, utilizando exclusivamente el material que pudiera llevar a mano un equipo de tres personas.

Paisaje perdido. Herzog rescata el misterio que se desprende de caballos en estampida, leones que acechan a otros animales, mamuts peleando a muerte y plácidos rinocerontes en un trabajo que debió filmar a determinada distancia ya que hasta la respiración podría alterar ese patrimonio.

Sobre el recurso del 3D y su peligro para industria, opinó que el cine en ese formato no reemplazará a las películas tradicionales, a pesar de que la industria cinematográfica recurre cada vez más a esa tecnología.

"La gente dice que el 3D va a reemplazar al cine tradicional pero no será así. Sí puede aportar algo como «Avatar» o las grandes películas de acción o fantasía, pero esto no será en todas las áreas", manifestó el artista y añadió: "A la industria le gusta el 3D porque no se puede piratear, pero no me imagino una comedia romántica en 3D", sostuvo.

En los últimos 40 años Herzog pasó del retrato de hombres enfrentados a su propia naturaleza al registro de la naturaleza en su verdadera dimensión. Mientras que en su clásico de 1973 "El enigma de Kaspar Hauser" recuperaba la historia de un niño salvaje, en "La cueva de los sueños olvidados" trata de acercar al público a sus orígenes.

Es que por el cine de Herzog ya pasaron toda clase de criaturas. Astronautas o un hombre devorado por un oso pueden ser los elegidos de sus documentales, y hasta el mismo aparece en uno de su amigo Les Blank, filmado en 1980, comiéndose su propio zapato.

Ahora le llegó el turno a las cuevas Chauvet. Los artistas de hace más de 30 mil años dejaron registro de su tiempo e interpretaron, cuadro a cuadro y como milenios después el cine, que todo movimiento es una sucesión de imágenes.

No es casual que Herzog sea el autor de "Fata Morgana", una película que recorre mundos poco conocidos que el ojo observa como espejismos de la realidad que él lleva a la pantalla.

En "La cueva de los sueños perdidos", Herzog lleva al espectador a un recorrido que jamás podrá hacer, porque aquel lugar no puede ser pisado más que por quienes lo preservan del paso del tiempo y del propio hombre.

"La historia plantea una reflexión sobre el paso del tiempo, las responsabilidades y la disyuntiva que se presenta en determinados momentos de quedarse y aceptar la realidad o escaparse para evadir los problemas", comentó el cineasta.

La historia, que transcurre en el puerto marplatense durante la Guerra de Malvinas, aborda la historia de Juan (Jorge Nolasco), un pescador que buscando escapar de sus emociones se pierde mar adentro en "la campana", un legendario lugar donde el tiempo se detiene.

Lito Cruz, Mónica Ayos, María Fernanda Callejón y Carlos Kaspar encabezan el elenco junto a Nolasco el elenco de este filme que propone una historia fantástica en el marco de un hecho histórico. "Busqué distinguir al hombre de mar con sus cuestiones particulares como ese síndrome de no pertenencia, cuando está en tierra quiere estar en el mar y viceversa", afirmó el también guionista del multipremiado cortometraje "Líneas de teléfonos" (1996) y del documental "El Nüremberg argentino" (2004).

—¿Qué te inspiró?

—Hubo varios factores, por un lado, es una historia que tiene al mar como protagonista. Mi padre fue un marino mercante y cuando tenía 10 años me llevó a navegar con él. A la noche se juntaban a contar cuentos del mar, entre ellos, historias parecidas a "La campana".

"Esos mitos terminaban en el mismo punto: todos los que desaparecían mar adentro no morían sino que estaban en una realidad paralela", añadió.

—¿Cuál es el rol que ocupa el tiempo en el relato?

—Es fundamental en mis películas, por cómo se altera y cómo afecta a los personajes. El tiempo es uno de los protagonistas al igual que el mar.

—¿Qué te seduce del género fantástico?

—Siempre me interesó el género fantástico y autores como (Adolfo) Bioy Casares, (Jorge Luis) Borges y (Julio) Cortázar y todo lo que es la literatura de América latina en relación a lo fantástico y al realismo mágico. Busco articular historias fantásticas o de fantasía con historias de nuestro pasado. Me muevo dentro del género con determinada sutileza y tratando de no ir al extremo. Trato de situarme en ese lugar sutil respecto de lo fantástico, más cerca de lo extraño y lo maravilloso. Me ubico cerca de lo que es el realismo mágico.

Sin embargo, la cinta se concentra en lo personal más que en lo político, lo que ha hecho que los enemigos de Thatcher se muestren aprehensivos y sus aliados descontentos.

"La dama de hierro" muestra a Thatcher, quien tiene ahora 86 años, como una mujer senil con demencia que sostiene pláticas imaginarias con su fallecido esposo Denis (un excelente Jim Broadbent) mientras recuerda su vida como una rechazada por partida doble, por ser mujer y por ser hija de un tendero en medio del Partido Conservador dominado por hombres ricos.

En debate. La interpretación inquietantemente evocativa y perfecta de Streep le podría valer con facilidad su 17ª nominación a los premios de la Academia e incluso su tercer Oscar.

Pero la intimidad del retrato de la película ha llevado a que algunos conservadores la acusen de ser irrespetuosa, de poco gusto, e incluso un poco idólatra.

Un legislador exigió que se realizara un debate parlamentario y dijo a la Cámara de los Comunes que la película lo había perturbado. "Me pregunto por qué los cineastas tienen que ponerle tanta atención a la enfermedad mental, el lado de la demencia, cuando la baronesa Thatcher ha tenido una vida tan importante en la política de este país y del mundo", dijo el legislador conservador Rob Wilson.

Ahora Thatcher aparece rara vez en público y su círculo cercano emite poca información sobre su salud. Su hija Carol, retratada cordialmente por Olivia Colman en la película, escribió sobre la demencia de su madre en un libro de 2008.

El famoso conservador Norman Tebbit, un ministro durante el gobierno de Thatcher, también criticó la película y dijo que la ex primera ministra no era para nada como la "medio histérica y súper emocional mujer sobreactuando retratada por Meryl Streep", aunque admitió que estaba basando su juicio en el corto promocional de la película.

Sin sorpresa. La directora de la cinta rechaza las críticas pero dice que no le sorprenden. "Esas dos palabras: Margaret Thatcher, son provocadoras en este país", dijo Phyllida Lloyd, una británica que también dirigió a Streep en el musical de Abba "Mamma Mia!".

"Todavía tiene la habilidad de dividir. La gente piensa sobre ella como la Santa Margaret que salvó al país o la diabla que arruinó las vidas de millones y creó una cultura de ambición", dijo la directora.

Ambas partes podrían ver que sus concepciones son cuestionadas en la cinta, que se estrenará en EEUU a finales de diciembre y en América latina en febrero.

"La izquierda está nerviosa de que le pidan que sienta compasión por alguien a la que cree debería odiar", dijo Lloyd y agregó: "Pero todo lo que estamos haciendo es convertirla en un ser humano".

"Y los de la derecha se cuestionan si hay algo vergonzoso al ponerla en la pantalla con su fragilidad, pero eso es si crees que la fragilidad es vergonzosa, nosotros no lo creemos".

Además, Lloyd contó que al comienzo dudó sobre cómo abordar a una figura tan polarizadora. Leyó el guión y se dio cuenta que "no era una película política". Agregó que es mucho más subversivo una cinta sobre una anciana. "Si la película es política lo es al poner a una señora vieja en el papel central", agregó.

Un estudio. Ese enfoque hace que "La dama de hierro" sea más un estudio de personaje que un drama político o histórico. Pasa por varios episodios importantes de su gobierno de 1979 a 1990, como la guerra de Las Malvinas en 1982, las huelgas mineras de 1984 y 85, los bombardeos del Ejército Republicano Irlandés de 1984 contra una conferencia del Partido Conservador y su salida tras una rebelión de sus colegas en el gabinete.

Pero esta no es una película para aprender algo nuevo sobre acontecimientos recientes y muy conocidos como en "La reina" tras la muerte de la princesa Diana. En cambio, es un retrato de la vejez y el arrepentimiento, cuya imagen del triunfo personal y la tragedia sobre el fondo del poder del Estado tiene tonos shakesperianos.

Streep ha dicho que la cinta es como un "Rey Lear para chicas", con una gobernante fundadora, una hija fiel y amistades falsas. También tiene toques de "Julio Cesar" pues es la historia de una líder derrocada por sus colegas conspirantes. "Es una película sobre el poder y la pérdida del poder", dijo Lloyd.

"El costo de una gran vida para uno mismo, para su familia y sus colegas", y sobre cómo "nuestras grandes fortalezas, como la convicción y la decisión, se pueden convertir en nuestros grandes defectos: arrogancia e inflexibilidad".

Reacciones. De todos modos, las primeras reacciones han sido buenas. Varios críticos, que no precisamente quieren a la dama de hierro, dicen que se conmovieron hasta llorar.

El periodista Charles Moore, autor de la biografía autorizada de Thatcher, reconoció al filme: "Es una historia extraordinaria sobre alguien de fuera del sistema por su sexo y su clase. Es una gran historia de logros, de sacrificios y dificultades".

Por su parte, Bernard Ingham, quien fuera por años el secretario de prensa de Thatcher, dijo que que si la gente quiere saber cómo era Margaret Thatcher no debería acercarse a la película. "Meryl Streep puede ser una buena actriz", dijo, pero "no es Thatcher".

La agrupación coral, dirigida por Horacio Castillo, contará con la participación de los solistas Jaquelina Livieri, Graciela Mora y Daniela Ratti (sopranos); Adriana Acosta, Graciela Mozzoni, Anabella Carnevali y Marcela Novero (mezzosopranos); Andrés Novero y Germán Polón (tenores), y Juan Carlos Novero, Milton Miller, Ismael Barrile, Alberto Habelrih y Claudio Gagliano (barítonos), con el acompañamiento al piano de Marta Rodriguez.

Coria dirigió en los últimos cuarenta años el Coro Lírico Pía Malagoli y es uno de los referentes de la actividad operística en la ciudad.

El programa incluirá las siguientes obras de Donizetti, Verdi, Rossini, Puccini y Mascagni.

El Coro de La Opera de Rosario fue creado en 2006 y tiene su sede en el teatro El Círculo. Dirigido desde su fundación por Horacio Castillo, participó en las producciones de "Carmen"; "Norma" y "Lucía di Lammermoor", entre otros. La citada agrupación participó de la Gala Oficial del Bicentenario, como así también de numerosas galas líricas, junto a solistas de reconocida trayectoria.

"Les doy las gracias a quienes quisieron entrar. Los que no quieren estar aquí porque están molestos, se pueden ir. Los que se quieren quedar porque entienden que mi país también merece una bandera allá, que se queden. Pero que no me vengan a tirar una llave en la cara", expresó René Pérez a los disgustados fanáticos que lo recibieron en Lima, según declaraciones difundidas por la emisora Radioprogramas.

La emisora dijo que aparte de una rechifla, los artistas fueron blanco de proyectiles, como botellas vacías y llaves, lanzados por el público.

Pérez, el vocalista del popular grupo puertorriqueño, explicó que llegaron tarde debido a que la tarde del sábado brindó un concierto en Caracas durante la culminación de la cumbre de la Comunidad de los Estados Latinoamericanos y Caribeños (Celac).

La presentación en la capital peruana estaba prevista para las 23.15 en el estadio de la Universidad San Marcos, pero el dúo apareció a las 2.55 de la madrugada, según Radioprogramas. "Nosotros no hemos dormido en tres días... no soy ningún Luis Miguel, ni Shakira... ni estaba en ningún jacuzzi", justificó el músico.

Pérez intentó mantener al público informado de sus pasos, ya que antes de partir de Caracas emitió varios mensajes por Twitter.

Apasionado. Así es Araujo. Lo es con sus alumnos de batería, lo fue como baterista de Divididos, y lo demuestra con Gran Martell, ese combo explosivo de rock eléc trico y canciones que integra junto a Tito Fargo D'Aviero (guitarra) y Gustavo Jamardo (bajo y voz).

De la mano del productor César Silva, llegan para presentar su reciente material de estudio: "Un volcán". "Es un disco distinto, nos dimos cuenta al ver las composiciones que teníamos, que nos llevaba hacia otro lugar. Y nos dejamos llevar. Era lo que queríamos, no nos interesaba hacer un disco igual que el anterior", dijo Araujo.

"Un volcán" es un material que combina el formato electroacústico con secciones de cuerdas y pianos. La sutileza es un camino que también sabe transitar Gran Martell. Se nota en "Perro por bozar", en donde se destaca la participación de Richard Coleman, en guitarra slide, o en "El amigo del rey", donde los violines ganan espacio entre la voz cálida de Araujo y el trío que toca y arrasa.

"Es la primera vez que tocamos con un productor, supimos delegar, ese fue nuestro gran acierto de este disco", destacó Araujo, en referencia al tercer material del trío, que llega tras "Gran Martell" (2005) y "Dos huecos" (2008).

"Fue un disco de ruptura absoluta", dijo Araujo quien hasta se animó a grabar parado la batería, algo que lo adaptó a raíz de su mayor participación como cantante. Cada uno de los músicos también se animó a tocar otros instrumentos, lejos de los habituales, y le dio otro vuelo al trío.

Para Araujo, uno de los grandes secretos del buen momento de la banda, es el feeling que hay entre los músicos. Algo que también sentía cuando tocaba con Divididos. La diferencia es que al hacer menos shows al año, la expectativa por compartir escenario es mucho mayor. "No hacemos doscientos shows en un año, entonces cada vez que tocamos tenemos muchas ganas de hacerlo, y eso lo transmitís porque lo disfrutamos mucho", dijo el batero con el mismo entusiasmo que cuando garabateaba ritmos en aquella casa de Haedo.

"A partir del disco "Dos huecos" me hice cargo de que lo nuestro eran las canciones. Y volvimos a hacer lo que hacíamos cuando eramos pibes, que era tocar y cantar", destacó en una frase que pareció disparar un recorrido por el túnel del tiempo, pero con un aroma que se asemeja más a vivir el presente y no a añorar el pasado.

"Este es un trío muy difícil de encasillar en todo sentido. Es más, no me imagino otro tipo reemplazando a cualquiera de los tres", dijo Araujo, quien destacó la participación de César Silva en este disco. "Fue la primera vez que utilizamos un productor y estuvo buenísimo, porque además de darnos otra mirada en nuestro trabajo fue el responsable de lograr que todo lo que tocamos conviva y que no se pierda la esencia del trío", indicó.

Al citar la esencia del trío, la charla devino en La Aplanadora del Rock, y si le queda un espacio de nostalgia. "No soy muy nostálgico, toqué con muchos músicos en mi vida, y lo que más me costó de Divididos fue separarme de Ricardo (Mollo) y Diego (Arnedo), que son tipos con los que me llevo fenómeno. Pero música siempre hago desde que tengo 8 años", dijo Araujo y cerró la nota con un golpe de platillo.

Hoy será el turno de los cortos "La progresión de las catástrofes" (2004) y "El otro lado de la hoguera" (2006) y el largometraje "Sweetheart" (2006). Mañana se proyectarán "Sunlight" (2009) y el largometraje "Yo, Duras " (2010); mientras que en la jornada del sábado se exhibirán "Los reflejos frágiles" (2010), "La remota posibilidad del amor" (2010) y "Besos y hasta siempre/Epílogo para una antología del fracaso" (2011).

"Esta retrospectiva tiene un recorrido interesante, porque es desde 2004 hasta ahora y tiene una connotación, porque comienza con un trabajo bisagra mío como fue "La progresión de las catástrofes", desde donde vengo realizando una especie de diario personal", dice Galuppo, quien admite que su forma de hacer cine está vinculada a sus procesos internos y el entorno cotidiano.

Galuppo se encolumna en el cine experimental y en el video arte para expresar cuestiones íntimas. "Todos los trabajos son variaciones sobre lo mismo desde diferentes ángulos. Tratan sobre la dificultad de comunicarse y de sostener relaciones amorosas, y el cine siempre en el medio, visto un poco como un nexo con el mundo pero también como una pared", destaca el realizador, y agrega: "Ese universo de las imágenes nos aleja, nos relacionamos con el mundo a través de las imágenes. Eso es un poco lo que me da vueltas siempre respecto a mi relación con el cine y con la realidad. Uno ve la realidad y siempre está interponiendo esas imágenes que ha construido".

Las luces y sombras, las búsquedas, la soledad y la incomunicación son tópicos que se observan claramente en trabajos como "Los reflejos frágiles" y "La remota posibilidad del amor". En este último también se enfoca su costado de músico (toca en Navío Noche e integró durante años Vera Baxter) y asoman frases que se repiten sistemáticamente, una manera de sacar para afuera ciertas inquietudes internas. En "Yo , Duras" exhibe toda la pasión literaria por Marguerite Duras, una suerte de guía poética en su vida y en su carrera.

Gustavo Galuppo no transita la ruta del cine comercial, pero sin embargo no descarta explorar otro tipo de posibilidades narrativas en su cine. "La cuestión fundamental es que mi propuesta no entra en ningún circuito comercial, hay una decisión estética mía respecto a esos circuitos que limitan la distribución de mi propuesta, nadie se interesaría en mostrar un trabajo como los míos", indica el realizador. De todos modos, agrega que: "Nunca descarto la posibilidad de hace otra cosa. Aunque mi relación es con el cine experimental y con el video arte, mi formación teórica es el cine, no descarto algún otro tipo de proyecto que tenga que ver con un formato narrativo más convencional".

Para el premiado autor rosarino, uno de sus mayores desafíos es "cómo trascender el cotidiano para que tenga un sentido para el otro" y cómo hacer para que una cuestión íntima sirva para tratar cuestiones como, entre otras, la soledad y el desamparo, que son "absolutamente universales".

Tras destacar que elogia la etapa de diversidad que transita el cine argentino, dice que en su obra se pueden percibir rasgos de cine de autor. "No hablo de calidad, pero sí de particularidad. Y se ve en el modo de abordar el cine, de pensarlo, esto de trabajar con imágenes de la historia del cine puesta en relación con imágenes cotidanas, y está hecho desde un lugar independiente. Pude construir a partir de las limitaciones un lugar de producción posible para no parar de filmar", concluye.

En el marco de la presentación del programa "Aguafuertes: Crónicas del Litoral", se exhibirá hoy, a las 18.30, en el Aula Magna de la facultad de Derecho (Córdoba 2020) el trabajo temático de los realizadores locales Héctor Molina, Gustavo Postiglione, Juan Mascardi y Fernando Irigaray.

"Aguafuertes: Crónicas del Litoral" es una serie de 20 programas producidos por el Polo Audiovisual Tecnológico Centro Este, integrado por la Univesidad Nacional de Entre Ríos, Universidad Nacional del Litoral, Universidad Autónoma de Entre Ríos y la Universidad Nacional de Rosario.

Hoy se presentarán los capítulos producidos por la Universidad Nacional de Rosario, de 26 minutos cada uno, que son "Misterio en el Pasaje Pam", de Fernando Irigaray; "La casa de los fantasmas" y "La ruta del hielo", de Héctor Molina; "El mundo en calle San Luis" , de Juan Mascardi y "La ciudad de las palabras", de Gustavo Postiglione.

Cada una de las realizaciones tiene una estrecha vinculación con la ciudad. La propuesta de Irigaray se basa en un diálogo cultural entre dos comunicadores en el marco de la conocida galería rosarina, mientras que la producción de Mascardi gira sobre la vida comercial de calle San Luis. El capítulo de Postiglione traza una huella poética de distintos escritores alrededor de la ciudad, desde Alfonsina Storni hasta Leopoldo Marechal. Por su parte, el Nene Molina se inmiscuye en los misterios de la casa de Alberdi 1040 en "La casa de los fantasmas", mientras que en "La ruta del hielo" relata los sueños inconclusos de los inmigrantes anclados en el barrio Refinería en la década del 20.

"Mi padre murió sin sufrir, murió con una sonrisa en el rostro", dijo ayer su hijo Alex Verney-Elliott, en referencia a los últimos minutos de vida de su padre, quien sufrió una serie de derrames cerebrales que serían irreversibles.

Russell fue un cineasta muy original cuya visión ocasionalmente le mereció éxitos y a menudo puso a prueba la paciencia del público y de la crítica. Una de sus películas más aclamadas fue "Mujeres apasionadas" de 1969, consiguió nominaciones al Oscar al mejor director, mejor guión (Larry Kramer) y mejor actriz, Glenda Jackson, quien se alzó con la estatuilla.

La cinta incluyó una de las escenas del cine más famosas de la década: un combate de lucha entre Alan Bates y Oliver Reed desnudos, y que causó una polémica porque fue una de las primeras veces que en el cine comercial se mostraba un desnudo frontal masculino.

La música tuvo un papel clave en su cine, y la adaptación de 1975 de la ópera de rock psicodélico de The Who "Tommy", definió los característicos excesos visuales del director.

Russell fue aún más provocador con su cinta de 1970 "La danza de los siete velos", que presentó al compositor Richard Strauss como un criptonazi y lo mostró dirigiendo valses de Rosenkavalier mientras agentes de la SS torturaban a un judío. El filme fue censurado. Un año más tarde lanzó "Los demonios", con Vanessa Redgrave, que fue rechazada en Estados Unidos y saldrá por primera vez en DVD en Gran Bretaña en 2012.

En los 80 dirigió "Estados alterados", con William Hurt, que fue la única incursión de Russell en la ciencia ficción.

A la Argentina llegó para el 19º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, y en la entrevista que le hizo LaCapital, Russell se mostró tan plagado de proyectos como distante y excéntrico.

En enero de 2007 participó de un "Gran Hermano Vip" en Reino Unido, pero se retiró al cuarto día por discusiones con una participante.

Antes de morir, Russell estaba en plena edición de "Moll Flanders", una adaptación de la novela de Daniel Defoe. Hacía cinco años que no filmaba un largometraje. Su última obra quedó inconclusa, pero lo que dejó en la pantalla grande no tiene fecha de vencimiento.

"Siempre hice hincapié en la necesidad de contar con temas nuevos. El paso del tiempo me mostró la necesidad de divulgar las obras de los nuevos compositores, que trabajan con mucho respeto", dijo María de los Angeles Salguero a Escenario.

La cantante que exhibe una fuerte personalidad artística, es dueña de una voz dulce, potente y afinada que muestra, como su sello distintivo, un inconfundible color riojano. El dato no resulta menor cuando el horizonte de las vocalistas del folclore argentino no presenta variantes notables. Hay muchas cantantes que abordan repertorios folclóricos, pero son pocas las cantoras de folclore que revelan su contacto directo con las fuentes del género, como lo hace la Bruja Salguero.

"Los autores que incluimos en el disco "Caja de Luna" no pasan de los 30 años de edad, e integran una camada muy interesante que conoce y respeta las métricas tradicionales y hacen nuevas incorporaciones que aportan al enriquecimiento de la música con las nuevas armonías de sus estilos", juzgó.

"Creo que el disco tiene una carga de mucha riojanidad y eso debe surgir porque estoy radicada en Buenos Aires —que es una ciudad muy cosmopolita— y siento la necesidad de mostrar mi origen. Tanto el productor de mi disco anterior — Daniel Homer— como el de éste — Ernesto Snajer— han visto esa necesidad. Cada disco nuevo es una instantánea de mi vida", reveló la cantante que mañana mostrará su nuevo repertorio en Rosario.

Por coincidencias del destino o de la política, justo en el mismo día en que el Senado convertía en ley el matrimonio igualitario, el INCAA aprobaba el subsidio para financiar una película que contará en imágenes la compleja relación del peronismo con la diversidad sexual.

Con este disparador, y a partir de un trabajo de investigación de Pablo Ayala, Cesatti adelantó qué quiso mostrar en este trabajo: "Retratamos un momento histórico de la Argentina. Ellos (a los que llama los PP) son una parte curiosa, tal vez, pero reflejan una forma de la militancia y un volver a creer de la juventud".

El filme comienza su línea narrativa desde 2007, cuando los "PP" aparecieron por primera vez en la Marcha del Orgullo Gay con su bandera recién pintada y la consigna "el puto es peronista, el gay es gorila". Según Ayala, uno de los fundadores de este movimiento, "una cosa es ser marica en Palermo y otra donde viven ellos, en La Matanza".

Cesatti cuenta la cotidianidad de un barrio pero también la convulsión de una época histórica, que atraviesa la aprobación de la ley de medios, el matrimonio igualitario e inclusive la muerte del ex presidente de la Nación Néstor Kirchner.

"Putos peronistas" es un documental que registra la formación, desarrollo y crecimiento de la primera agrupación peronista gay de la argentina, desde su antecedente, el Frente de Liberación Homosexual, creado a principios de los años 70 hasta llegar a nuestros días.

Anclado desde la humilde realidad de La Matanza, Cesatti hace hincapié en la doble marginación que se sufre por ser gay y además pobre. "Viven fuera de la frontera gay friendly que marca la General Paz. Son sobrevivientes del conurbano bonaerense, donde el gay es marginado y no tiene acceso a la salud, la educación ni el trabajo", destacó el cineasta.

El filme también enfoca el lanzamiento político de este movimiento y propone un seguimiento íntimo de la vida de sus integrantes.

Por su parte la banda liderada por Fernando Ruíz Díaz acaba de lanzar su último disco con el título "El mezcal y la cobra". De esta forma dos de las bandas más representativas del rock nacional compartirán escenario por primera vez en este shows en el que repasarán lo mejor de su repertorio.

Cuando ya no hubo lugares para ocupar, la Orquesta de Carlos Quilici arremetió con "Taconeando" de Pedro Maffia y "Arrabal vikingo" del propio Quilici, un tango producto de sus continuos viajes a Europa. Agradeciendo cada aplauso, el director prometió un clásico, "Organito de la tarde" de Cátulo y José Castillo, para luego presentar a Capitano. Con su ya probada solvencia, el cantor le puso la gola a dos temas de Gardel y Lepera, "uno no tan junado", dijo Quilici, por "Recuerdo malevo", y otro más conocido, por "Arrabal amargo".

"Retintín" de Eduardo Arolas precedió a "Un buen muchacho", un tango compuesto por Nito Farace, tío de Gerardo Quilici, padre de Carlos, también presente en la sala.

A esa altura la orquesta había pasado los nervios del debut y sonaba limpia con Quilici, Ignacio Claramonte y Carlos Becú en la línea de bandoneones; Briseida Alejo Ortega, Simón Lagier y la colombiana Luisa Torres en la de violines; Marina Giandoménico en viola; Cecilia Zabala en contrabajo y Sofía Cardi Bonfil en piano.

Llegó luego el homenaje al maestro Domingo Federico, director de la orquesta de la que Quilici formó parte. Con dedicatoria y todo hizo su tema "Domingueando" y luego desenvainó "Yo soy el tango" del mismo Federico y Héctor Expósito en la voz de Capitano.

A "¿A quién le puede importar?" de Mores y Cadícamo le siguió "Cancha barrosa" de Quilici y, a ese tangazo, "La yumba" de Osvaldo Pugliese. "Milonguerita candombera", escrita por el bandoneonista para un grupo de tango femenino sueco, cerró el concierto al que le faltaba un bis de lujo: "La cumparsita".

La ovación final coronó la voluntad y la creatividad percibidas en los arreglos de los composiciones propias y ajenas, y dejó a la orquesta sin repertorio. La calurosa noche quedó resumida en la sonrisa que Quilici luce al blandir su instrumento. Una mezcla de respeto, trabajo y placer que se logra con los años, y con los sueños cumplidos, como el de tener una orquesta con nombre propio.

—¿Qué se van a encontrar los rosarinos esta noche?

—Tendremos la fiesta de lanzamiento del disco "Ringo", pero no es la presentación oficial que la vamos a hacer el año que viene. Vamos a tocar ocho o nueve temas del CD nuevo y después un pasaje por toda nuestra historia. Y lo llevamos al Sr. Flavio como banda invitada.

—¿Cuál es el concepto general de "Ringo" y cómo se siente tocarlo con el disco en la calle?

—Son canciones independientes entre sí que tienen un poco de rock y un poco de psicodelia. Estamos muy contentos porque empezaron a aparecer críticas que son elogiosísimas y había bastante presión sobre nosotros en relación al disco anterior, "El Mamut" (2007). Se trató de un disco con muchos cortes de difusión, tuvo mucho éxito y muchos premios, entonces había bastante presión, bastante responsabilidad de empatar y/o superar el standard anterior. Y la verdad que cuando salió la Rolling Stone nos puso cuatro estrellas sobre cinco, hay récords de venta, las disquerías dicen que vamos a llegar al disco de oro que no habíamos conseguido nunca. Estamos bien tratando de superar nuestro status de banda sin éxitos.

—Que no es lo mismo que una banda exitosa...

—No claro, y si no mirá: hace un mes tocamos con los Red Hot Chilli Peppers en River; hace 48 horas (por el miércoles, día de la entrevista telefónica) tocamos en el Personal Fest con Sonic Youth; en este último mes hicimos cinco La Trastienda, habíamos promocionado una y las demás vinieron de rebote. Ahora estoy a punto de subir a probar sonido en el teatro Gran Rex en plena calle Corrientes (de Buenos Aires) para ser los invitados de Chris Cornell, ex Soundgarden. Así que estamos en una categoría que nos estaba vedada que es la de estar en el candelero, en la cresta de la ola, y lo estamos haciendo bastante bien. Cumpliendo.

—Las presiones de las que hablás, ¿son de las discográficas o de la gente que quiere otro disco de Massacre?

—No, ni de una cosa ni de la otra. ¿Sabés de quién son? Del periodismo, cuando nos pregunta: "Y... después de «El Mamut», ¿qué van a hacer?". Por ahí venía la angustia. Antes, ahora que tenemos los once temas es como si tuviéramos un as en la manga. Ahí nos tranquilizamos y cuando vimos las primeras críticas nos volvió el alma al cuerpo. Igual ya sabíamos que era un discazo, que el disco tenía un contenido increíble, pero igual uno siempre espera una suerte de legitimación por parte de los críticos.

—¿El nombre del disco tiene algo que ver con (el boxeador) Oscar "Ringo" Bonavena?

—Sí, es un nombre de choque, corto, como "El Mamut". Y si querés se lo atribuís a Ringo Bonavena porque hay una canción que se llama "La virgen del knock out" que habla de Bonavena. Pero también lo podés asociar a Ringo Starr, al calzado Ringo (risas). Nosotros siempre somos disparadores de múltiples lecturas. Es decir, no somos demagógicos ni determinantes. Desde chicos, habláramos de lo que habláramos, hemos sido disparadores de estímulos libres, elásticos, para que cada uno le de la lectura que quiera sobre las cosas.

—¿Hay hoy también una reivindicación tuya?

—Sí, sin falsa modestia me miro desde afuera y veo que soy una figura necesaria para el rock. Hay diferentes estereotipos o referentes dentro del rock, y mirándolo de lejos, saliéndome de mí mismo, si no los Massacre no existieran tendrían que inventarnos para ser parte de la cultura rock argentina. No porque pertenezcamos a un grupo estilístico, o porque digamos esto o aquello, sino porque estamos ocupando un lugar necesario.

Cabrera obtuvo popularidad el año pasado por su labor en la telenovela "Malparida" y su posterior nominación al premio Martín Fierro. Con esos antecedentes y un premio Konex a la trayectoria, le impuso ritmo de varieté a la exposición de su galería de víctimas mujeres. Así Rosamary es una chicana que le limpia el traste a los johnnys mientras busca a su marido para matarlo por haberla dejado plantada en el altar. La dicción confundida entre el castellano y el inglés, su virtual "machismo" mexicano, se mezclan, tras un paso por bambalinas, con la perorata suicida de Próspera, que, subida a una cornisa, no lo hará hasta que alguien la mire. Felicidad es una anciana aristócrata enfundada en sus recuerdos con mal de Parkinson como disparador cómico y Bienvenida una paranoica sumergida en sus problemas de inseguridad personal y pública. Máxima es una mujer internada en un psiquiátrico y Amparo una cantante de tangos enana que no es enana. Sin posibilidad de que alguien las consuele o las llore, las víctimas quedan atadas a su propio discurso sobre su propia victimización, generando así con parlamento en el que los personajes piensan en voz alta. De allí la psicologización de los personajes y la resolución dinámica de la puesta. Unicamente en el último acto se rompe con ese registro cuando Cabrera interpreta tangos sobre víctimas, quizás el momento menos entretenido del show.

Jairo apareció en el escenario poco antes de las 22 y fue recibido por una catarata de aplausos. Desde el primer tema ("La milonga del trovador", escrita para él por Horacio Ferrer y Astor Piazzolla) el artista propuso un viaje que alternó épocas y géneros, evocando canciones de Atahualpa Yupanqui ("Los hermanos"), Daniel Salzano ("Caballo loco", "La balacera", "Pulsera de oro macizo" a dúo con Sandro desde el video); propias ("Lucía se va") y de María Elena Walsh ("Vivir en vos", "El valle y el volcán"). También clásicos como "Los enamorados" y "Morir de amor".

Rematando una actuación con la que demostró su vigencia, Jairo regaló dos bises: su versión de "Antiguo dueño de las flechas" y el "Ave María", a capella. La platea retribuyó su entrega aplaudiéndolo de pie.

Coherente con una carrera signada por las búsquedas que lo acercaron a María Elena Walsh, Astor Piazzolla, Atahualpa Yupanqui, Paul Eluard, Charles Aznavour y Jorge Luis Borges, Jairo compartió el escenario con tres talentos rosarinos ratificando con ello que, a sus dones como cantante, suma valores como la humildad y la inteligencia.

Cabrera, que ya mostró en Rosario "El club de las bataclanas" y que fue parte de los elencos de "Tratame bien", "Los únicos" y "Malparida", mostrará creaciones suyas como una mujer que cuando era niña que perdió un pie en una extraña situación, una candidata a suicida, una novia abandonada, una paranoica por las amenazas de la calle o una cantante de tangos que tiene que transformar su cuerpo para conseguir un trabajo, entre otros.

De dónde salen esos personajes es un misterio para la actriz. "Cuando se ve el trabajo es muy fácil hacer una asociación. En la vida real las situaciones son cómicas y son dramáticas. Las tenés en un hospital, un cementerio, la comisaría. Por ahí yo veo la realidad muy terrible y al mismo tiempo me causa gracia. Será que no me enfermo y me muero porque la veo con ese cristal",aseguró.

Aunque parte de las víctimas para hacer su show, Cabrera diferencia esa situación de la autocompasión. "Es como ir a la guerra", evaluó. "Me parece que uno está en el lugar de víctima. No hizo nada, pero podés tener la actitud de ir en contra o de que alguien se compadezca de vos, que Dios me ayude, o que alguien me ayude. O podés instrumentar algo que aunque muera en el intento te haga soltar de esa situación".

En esa línea, Cabrera reflexionó: "Creo que muchas veces las cosas son como son porque la gente no protesta. Cuando lo hace aparece el 1º de mayo, la Revolución Rusa, toma Moncada. La gente sale de su lugar de víctima sometida, martirizada, torturada. Pero se arma la podrida. Porque siempre que hay una víctima debe haber alguien que tiene algún beneficio. A veces la víctima cree que va a sacar de esa situación algún beneficio. Lo que yo digo es que no es así. Esa es mi hipótesis, pero si querés también podés ver el show y reírte igual".

La idea de trabajar juntos surgió tras los conciertos del 25 aniversario del Rock And Roll Hall Of Fame en Nueva York en octubre de 2009, cuando Metallica tocó con Reed interpretando los clásicos de la Velvet Underground "Sweet Jane" y "White Light/White Heat". "Desde entonces supimos que estábamos hechos el uno para el otro", dice Reed.

Tras aquella actuación, Reed sugirió que hiciesen un disco juntos. En un principio se plantearon hacerlo con el material antiguo de Reed que Lars Ulrich describe como "algunas de las joyas perdidas de Lou, canciones que pensaba que merecían que les diésemos otro giro para ver que podíamos aportar nosotros". La idea "estuvo flotando en el aire durante un par de meses". Después una semana o dos antes de las sesiones de grabación, "Lou nos llamó y nos dijo: 'Tengo esta otra idea'". La otra idea era grabar unas canciones que Reed había compuesto para el director de teatro de vanguardia americano Robert Wilson y la compañía alemana de teatro Berliner Ensemble, para su obra "Lulu Plays", que se estrenó en abril en Berlín. Las canciones están inspiradas en las obras del expresionista alemán Frank Wedekind de principios del siglo XX, "El espíritu de la tierra" y "La caja de Pandora", basándose en el texto "El cuervo" de Edgar Allan Poe que se publicó como novela gráfica en Fantagraphics Press.

"Teníamos mucho interés en trabajar con Lou", dice Hetfield. "No voy a negarlo, tenía grandes dudas. Por eso fue genial recibir las letras de "Lulu". Era algo a lo que podíamos hincar el diente. Yo podía dejar de lado mi labor como cantante y letrista y concentrarme en la música".

"Teníamos que dar vida a Lulu de un modo sofisticado usando el rock", dice Reed. "Y el mayor poderío en el rock con el que se puede contar no es otro que Metallica. Ellos viven en ese planeta. Tocamos juntos y yo lo supe: era un sueño hecho realidad".

Había muchas historias abiertas. David Nevares Sosa se mató delante de su padre, y Oscar entró en el terreno de la locura. La secuela de muertes fue in crescendo. Logroñeses perdió la vida para evitar el secuestro de Alma, y a partir de allí comenzó la batalla final, con Santiago, Andrés y Mariana contra Verónica y Oscar. Mariana choca contra Verónica, que se había reencontrado con su hija, y en una de las escenas más emotivas le dijo "mamá" por primera vez. Mariana está a punto de ser asesinada con la daga negra, pero es ella la que hiere a Verónica. El vértigo crece. Ahora es la señora San Martín la que se topa con Oscar. Le salva su herida clavándole la daga negra en la espalda, que cura la marca de la daga blanca, y le pide a Oscar que la libere del sufrimiento. Insólitamente es él quien la asesina. La coda llega con Oscar versus Andrés. "Los maté por amor", le dice Oscar, en alusión al asesinato de sus padres. Y pese a que tenía un revólver apuntándole en la frente, se las ingenió para clavarle la daga negra a Andrés. Pero Andrés está inmunizado. Tocó el Rehue, esa fuente de energía del Nuevo Mundo, y tiene un poder especial. Oscar termina preso y loco. Misión cumplida. El mal perdió por un penal.

Señor juez

Las últimas imágenes de “El elegido” mostraron cómo sigue todo seis meses después. Octavio será papá; Roberto está entre rejas; Gimena se casa y también se casan Paloma y Greta, quien se quedará con el hijo de David y Gigí. Andrés y Mariana quedan en el sur, con Alma y su hijito. Y Andrés tiene un rol nuevo: juez de la Nación.

El músico evocó los orígenes del trío que integra con su hermano Marcos (guitarra) y con Chacho Ruiz Guiñazú (percusión). Los artistas comenzaron como dúo impulsados por su padre y, luego de actuar en escenarios de Brasil, Taiwan, Nueva Zelandia y Australia, se sumaron al grupo que acompañó al Chango Spasiuk durante 7 años.

Independizados en 2007, formaron un trío que cultiva ritmos tradicionales de la región misionera, como la galopa, el chotis misionero, la guarania, la polca y el chamamé, y se expande hasta baiones que se cuelan desde la frontera brasileña.

Tras el primer álbum, "Tierra de agua" (2007), los músicos grabaron "Chamamé" (2011), una selección de temas que reafirma la personalidad del grupo evocando sonidos clásicos como los del bandoneonista Isaco Abitbol; y de renovadores como el dúo integrado por Rudi y Nini Flores. La curiosa inclusión de la percusión por momentos suplanta al tradicional contrabajo de las orquestas chamameceras y en otras ocasiones aporta sonoridades selváticas que ilustran la geografía litoraleña.

Oriundo de una provincia que aportó al folclore argentino artistas de la estatura de Ramón Ayala y Vicente Cidade, el trío punta a una síntesis de renovación apoyada en las mejores tradiciones del género telúrico.

"Ramón es un juglar y gran compositor. Vicente también ha hecho cosas muy importantes. Creo que hemos logrado la integración con las obras de algunos músicos tradicionales. Son referentes ineludibles igual que Raúl Barboza, que participó en nuestro disco. En este momento los jóvenes tomamos la posta de esos grandes y seguimos un camino de trabajo y respeto por la cosa hecha. Queda el deber de continuar todo eso", sentenció el bandoneonista.

Los músicos residentes en el extremo nordeste del país no desconocen las desventajas que impone la lejanía pero poseen un poderoso antídoto: "Esa distancia representa algo de desconocimiento, porque vivimos en un país fragmentado, pero en los músicos está cambiarlo: podemos mostrar nuestro universo sonoro", afirmó Juan Núñez.

El programa de esta noche incluirá las siguientes obras: el "Concierto para flauta, oboe y cuerdas en do mayor" de Antonio Salieri, con la participación de Gabriel Fernández (flauta) y Agustín Tamango (oboe); "Sinfonía concertante para viola y contrabajo" de Carl Ditters von Dittersdorf, con Lyda Chen Argerich y Enrico Fagone en las interpretaciones; y el "Concierto nº 3, en do menor op. 37" de Ludwig van Beethoven, versión para piano y cuerdas de Vinzenz Lachner, que estará a cargo de Daniel Rivera.

Los antecedentes más prestigiosos de los intérpretes ubican en un innemorable lugar al director Baldocci que debutó en 2008 en Italia junto a Martha Argerich, tocando desde entonces con la singular artista en dúo pianístico. En 2007 publicó la integral de música de Nino Rota para cuerdas y piano, ejecutadas junto al violinista Marco Fornaciari.

Lyda Chen, hija de Martha, toca música de cámara con su madre desde 1996, y participó en el Festival Argerich de Beppu desde 1998, y en Lugano, desde 2002.

Fagone es el primer contrabajo solista de la Orquesta de la Suiza Italiana y colabora con la Filarmónica de la Scala de Milán y la Sinfónica Nacional de la RAI.

Rivera es rosarino, grabó para la RAI, la Radio de Colonia y para la Suisse Romande. Desde 1986, Rivera es profesor titular de piano en el Instituto de Alta Cultura Pietro Mascagni de la ciudad de Livorno, en Italia.

Madrina

El colectivo cultural Martha Argerich Presents Project comenzó el martes en El Círculo y es llevado adelante por músicos que gozan de la estima y el afecto de la pianista argentina Martha Argerich, madrina y directora artística del proyecto.Cuenta con el auspicio de la Secretaría de Cultura de la Municipalidad de Rosario,

Un rasgo distintivo de las murgas es la alegría que contagian y la crítica social sin censuras que se atreven a realizar desde el análisis incisivo de la coyuntura. De este modo, mediante una lírica directa La Cotorra lo dijo todo. Se trata de trece voces en escena, en su mayoría hombres, dirigidas por el director coral y acompañado por tres percusionistas con sus bombos, redoblantes y platillos. Sus excéntricos trajes y coloridos maquillajes contextualizan el clima lúdico y festivo a la perfección.

Popurrí de actualidad. El show cuenta con tres piezas bien marcadas: la presentación, seguida de cuatro cuplés principales donde se abordan temáticas específicas y la famosa "retirada". En un mix donde confluyen actuación, canto, vestuario y poesía, La Cotorra se remite a temas de hoy, anclándose en cuestiones mediáticas infaltables: el fenómeno Tinelli, la ley de tracción a sangre, las recientes amenazas de Julio Grondona a Alejandro Fantino y el tan comentado romance de Graciela Alfano y el ex almirante Emilio Massera que fue el caballito de batalla de ambas murgas. La Cotorra hizo hincapié en la teatralización con el divertido cruce en vivo de las dos divas de la TV Susana Giménez y Mirta Legrand apelando al discurso satírico.

La era del mush up. Un rasgo distintivo de la murga uruguaya es la apropiación de melodías populares para cambiarle el contenido por letras de su autoría y así, darles una resignificación para lograr una espontánea identificación con el espectador. Así hits de Miranda, Los Nocheros, Charly García y Los Palmeras sonaban remixados en una era donde el valor de la autoría se fusiona con la intervención de terceros.

En la última parte del show llegaron los cuplés sobre los "trapitos" y los inspectores municipales, donde se destacó un monólogo sobre la pobreza proclamando el lema: "Pobreza no es sinónimo de pereza" y el gran "Circo de la oposición" del final.

La murga uruguaya es un género donde diferenciarse es complejo ya que las características técnicas y estructurales son rígidas. Aún así, La Cotorra supo marcar una diferencia con su nuevo show que se estaría presentando en los tablados del Carnaval de Uruguay 2012.

La retirada

“Gracias por sumarse a este maravilloso género” expresó Fernando Lingiardi, de la murga locl, con una impronta pasional. Así, La Cotorra y Ladrones de Sonrisas emprendieron la típica “retirada” que se extendió desde el escenario hasta la puerta del teatro, provocando la curiosidad de los que pasaban por Mendoza y Sarmiento.

Ese y otros objetivos como la educación sexual, la discriminación y el matrimonio igualitario, tendrán como vía de reflexión ficciones y documentales de Argentina, Estados Unidos, España e Inglaterra. Por primera vez la programación está formada por aquellos trabajos audiovisuales que fueron elegidos por los espectadores en las siete ediciones anteriores.

Martínez explicó algunas singularidades del festival como la vigencia de algunos temas en Argentina en películas extranjeras de hace más de diez años. Dio como ejemplo "Its elementary". Se trata de "un documental que relata la educación sexual en las escuelas en Estados Unidos. Es del año 1996 y tiene mucha actualidad en esta época", explicó.

Características. En ese sentido añadió que las características de las películas "tienen que ver con una realidad social" y añadió que uno de los objetivos es que "la gente se lleve un mensaje sobre la importancia de la implementación de la educación sexual, o la discriminación, la sanción del matrimonio igualitario. Y una de las películas que lo muestra es «Desde el closet a las calles»", señaló.

Este año, además, el cine El Cairo proyectará, como un aporte al festival, películas que tienen que ver con esta temática. En esa línea se sumarán los largometrajes "Plan B", "La León" y "Lengua materna".

La iniciativa para este festival, recordó Martínez, surgió del vínculo del grupo rosarino con la Fundación Triángulo, de España. Esa institución realiza el festival LesGaiCineMad (Festival de Cine Lésbico Gai y Transexual de Madrid).

"Ellos nos dieron unas copias de su festival y ahí surgió la idea de armar un evento de esas características acá", contó Martínez. "Primero empezó como una muestra sencilla. A medida que pasaron los años generamos nuestra propia convocatoria, a incorporar un jurado que tenga que ver con el colectivo LGBT, referentes de ONG, funcionarios públicos. Y así fuimos declarados de interés cultural por el Concejo Municipal, por la Cámara de Diputados de la provincia, de la Nación y del Chaco", añadió.

La necesidad de realizar este festival está relaciona con "el tema del cine como es una cuestión cultural revolucionaria", aseguró la organizadora. "No es lo mismo que leas en un periódico que discriminaron a alguien que verlo en una ficción o un documental. Tiene otra llegada. La idea es que la gente se lleve ese mensaje. Se trata de visibilizar nuestro colectivo, nuestra temática y también que la gente se lleve el mensaje que queremos darles a través del festival".

Lovagnani coincidió con Martínez en que el festival "tanto como la marcha del orgullo y como todo acto cultural se enmarca dentro de la visibilidad del colectivo LGTB. Nuestra lucha no es solamente por la búsqueda de derechos sino también demostrar y hacer visible el hecho homosexual. Por eso le damos tanta importancia a esta iniciativa", aseguró.

"La gente va a poder ver o conocer un mundo que estuvo vedado o deformado" con modelos televisivos que "refuerzan el estereotipo". Al respecto dijo que "este festival sirve para mostrar la realidad tal cual es y dar referentes positivos de la homosexualidad. Por eso para nosotros es muy importante este festival como lo son todas las expresiones artísticas y culturales que podamos hacer".

El capítulo inicial de la serie inspirada en el comic de Robert Kirkman, que en Estados Unidos logró una audiencia de 7,3 millones de televidentes, mostró al policía Rick Grimes en un derrotero temible.

Junto a su mujer y su hijo, y un amigo que lo traicionó, más un grupo de personas desesperadas por escapar de los zombies, cruzó la carretera para huir de la devastada Atlanta. Pero ocurrió lo peor. Sophie, la pequeña que no se separa de su muñeca, desapareció. Esa búsqueda marcó momentos tensos, sobre todo cuando Rick y su ayudante le abrieron el estómago a un zombie para comprobar si había ingerido a la pequeña.

Con la calidad técnica de cada entrega, esta temporada, que contará con 13 capítulos y no 6 como la primera, promete ser más cruel y sanguinaria, al menos por las imágenes que se vieron anoche. El envío del debut guarda un correlato directo con la primera escena de la primera temporada, en la que Ricky mata a una zombie, y cuando va en busca del cuerpo descubre que es una niña rubia y con una muñeca.Un misterio más en una serie que evoca el subgénero del cineasta George Romero.

El festival polaco integra, desde 2009, el grupo de los 14 encuentros reconocidos por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos como festivales de cine internacionales junto a los de Cannes, Venecia, Berlín, Locarno, San Sebastián, Karlovy Vary, Tokio, Moscú, Mar del Plata, Montreal, Shanghai, El Cairo, y Goa, de la India.

"Otros silencios" es una coproducción de Argentina, Francia, Canadá y Brasil, protagonizada por Marie-Josée Croze, Benz Antoine e Ignacio Rogers. La película deTamae Garateguy contó con las actuaciones de José Luciano González, Joel Drut y Miguel Forza de Paul, entre otros.

Esta coproducción argentina-mexicana que tendrá su versión en 35mm y digital en 3D "fue pensada desde el principio para ir con nuestros hijos al cine", relató Massa.

La cinta narra las aventuras del popular gato y sus amigos, una barra integrada por personajes como Benito, Cucho, Demóstenes, Espanto y Panza, que se enfrentarán a un nuevo jefe de policía, Lucas Buenrostro, un déspota y narcisista que utilizará diversos recursos tecnológicos para adueñarse de la ciudad y llenarse de dinero, imponiendo leyes absurdas.

Y no solo deberán vencer a este nuevo villano, sino que además deberán buscar la forma de ayudar al oficial Matute, quien fue destituido de su cargo por orden de Buenrostro.

La película, dirigida por el mexicano Alberto Mar, mantiene la estética de la popular serie, tanto en sus personajes como en el famoso callejón, que sigue siendo el hogar y cuartel general de la banda . Con una trama cargada de acción y aventura, "Don Gato y su pandilla" se anuncia como un filme con una buena factura técnica y óptima calidad sonora.

En cuanto a la serie, creada por los estudios de animación estadounidenses Hanna-Barbera en 1961, se emitió en las principales señales de televisión de Estados Unidos, el Reino Unido, España e Hispanoamérica y logró convertirse en un clásico.

El también director de títulos como "Isidoro, la película", "Patoruzito: La gran aventura" y "Chiquititas: Rincón de luz", expresó que "el género de animación en la Argentina está muy mal, ya que somos el único estudio que estrena una película por año", dijo Massa, quien además es el Ceo de la compañía de animación argentina IllusionStudios. Y remató: "En este país hay talento y se merece mejorar su posición en el género".

Poco más de un año después de que el joven y talentoso pianista Joel Tortul grabase con su trío el disco "Punto vivo" en el Teatro Príncipe de Asturias, el grupo vuelve a la sala principal del Parque de España hoy a las 21. Esta vez, el trío actuará junto a la Orquesta de Cámara Municipal dirigida por Fernando Ciraolo para interpretar temas nuevos y versiones de obras de Astor Piazzolla y Horacio Salgán con arreglos del mismo Tortul.

Tortul en piano, Diego Ferreyra en contrabajo y Pablo Rodríguez en batería despliegan una performance en la que la tradición del tango y el folclore redescubre el legado del jazz y la bossa nova. El repertorio de Tortul no sólo saluda a Piazzolla, "uno de mis más grandes referentes", según sus palabras, también homenajea "al más grande de los pianistas argentinos, Horacio Salgán".

"Para mí es una experiencia nueva ya que va a ser la primera vez que voy a tocar con una orquesta de 16 cuerdas y con un director. Siempre toqué música popular argentina y con agrupaciones pequeñas no más de 5 o 6 músicos, pero esta vez esto va a tener un sonido más camarístico y con un toque también un poco más clásico y sinfónico.", dijo el pianista.

"Espero algún día llegar a escribir para una sinfónica y creo que el camino es empezar con orquestas de cámaras y estudiando mucho y sobretodo aprender escuchando a Piazzolla, Binelli, Ziegler, Juan Carlos Cirigliano y también a músicos de otros géneros porque pienso que los sonidos no tienen género, el género lo hacen los músicos", añadió.

Ripstein, que quedó fuera del palmarés del último Festival de Cine de San Sebastián con "Las razones del corazón", aseguró que no volverá a este certamen, donde logró la Concha de Oro en 1993 y 2000. El cineasta mexicano realizó sus declaraciones durante una entrevista al diario nacionalista en lengua vasca "Gara", con motivo de la participación de su película en el Festival de Cine Latinoamericano de Biarritz (Francia).

"El caso del último jurado de San Sebastián es lamentable", manifestó el director de "Las razones del corazón", que partía como favorito para la Concha de Oro en San Sebastián, pero que se quedó sin ella, después de que Ripstein se hubiera hecho con ese reconocimiento en dos ediciones anteriores (1993 y 2000).

El jurado del festival de cine de la ciudad del norte de España estuvo presidido en esta edición por la actriz estadounidense Frances McDormand. "No ha salido nunca de Pensilvania", dijo Ripstein sobre la protagonista de "Fargo" y esposa de Joel Coen. "Los gringos nunca entienden nada, nunca han visto una película con subtítulos, no saben leerlos", explicó.

El cineasta mexicano no ahorró críticas contra el resto de los miembros del jurado. Sobre la presencia en él de su compatriota el guionista y cineasta Guillermo Arriaga señaló que fue tener "un enemigo personal por el hecho de ser mexicano" porque "la megalomanía hace que todo lo demás no exista, que la basura que se escribe parezca oro". Y añadió: "Este cuate (colega) es de un talento innegable para la autopromoción". El último filme de Arriaga es "Río, eu te amo", rodado en colaboración con Fernando Meirelles y José Padilha. Y su anterior trabajo es de 2008, la impactante "Camino a la redención" con Charlize Theron.

Del único español del jurado, Alex de la Iglesia, recuerda que "le había ganado una Concha de Oro en un festival y eso no se olvida". De la Iglesia, responsable de la exitosa "Balada triste de trompeta" compitió con "La Comunidad" cuando Ripstein se alzó como vencedor en 2000 con "La perdición de los hombres".

"Una fotógrafa desconocida (Sophie Mantingeux) y un director danés desconocido (Bent Hamer), y dos chapuzas de actrices (Bai Ling y Sophie Okonedo) componen el resto de un jurado muy lamentable", manifestó.

"Este era un festival realmente serio, era de los cinco más importantes de Europa y, de pronto, es subnormal", dijo Ripstein. "La dirección del festival en este momento ha logrado convertirlo en un festival en vías de desarrollo".

"De pronto, la dirección del Festival empieza mal. Un festival, además de seleccionar lo que se les da y las mejores películas posibles, tiene que saber qué hacer con un jurado y no tener un jurado de chapuza. La dirección del Festival en este momento ha logrado convertirlo en un festival en vías de desarrollo", opinó.

El cineasta mexicano aseguró que sus palabras no tienen que ver con el hecho de que su película no ganara la Concha de Oro. "No es un problema de ganar o perder, es un problema de ver cómo se mueven las cosas. Yo he ganado en un montón de festivales y he perdido en muchísimos más", dijo.

Y comparó el Festival de Cine de San Sebastián con el francés de Cannes. "Alguien me decía allí, en San Sebastián, que nunca será Cannes porque en Cannes sí saben como se trata a las películas y a las gentes que vienen", indicó. "En San Sebastián es todo exactamente lo contrario, es una pena. A mí me da muchísima pena, porque es un lugar que a mí me gustaba muchísimo, y no volveré".

Ripstein tiene una respetada carrera dentro y fuera de México. Es autor de más cincuenta filmes, entre los que se cuentan obras impactantes como "Profundo carmesí", "Principio y fin", "La reina de la noche" y "El Evangelio de las Maravillas", entre otras.

El primer episodio, llamado "La primera vez en el amor", fue protagonizado por el actor rosarino Luis Machín quien compartió su trabajo con Mónica Scapparone, Malena Solda e Hilda Bernard.

La historia rodó alrededor de Norma, una mujer que vivió toda la vida cuidando a la madre. Una vez que la señora muere, la joven, cercana ya al final de la edad de merecer, queda prendida de Román, su profesor de tango.

Sin más, el joven encara, logrando sólo que Norma lo rechace. Es allí donde entra en escena Sonia, una prostituta que le dará a su vecina algunos consejos sobre cómo despojarse de los demonios de un pasado sin amigos ni novios.

Sin golpes bajos. Dirigida por Eduardo Gondell, y escrita por Claudio Lacelli y Willy Van Broock, la serie tuvo el tino de recrear una historia creíble, tierna y romántica, sin caer en golpes bajos ni en menciones sexuales explícitas.

Aunque quizás haya pecado en una exposición demasiado rosa de la cruel experiencia de Norma, el unitario acertó en poner el peso del relato en la espalda de grandes intérpretes que se destacaron por diferentes razones.

Siempre es un placer ver a Bernard, quien a pesar de su edad sigue ganándose la cámara. Por su parte, la pareja Scapparone-Machín demostró solvencia y nervio, algo común en el rosarino, y que no necesariamente sorprendió en la actriz, dándole el cariz exacto al drama.

Un párrafo a aparte para Solda, quien salió de sus papales edulcorados para ponerse en la piel de una prostituta de buenos sentimientos. Sin exageraciones ni gestos vulgares, Sonia, tal el nombre de su personaje, acaparó todos los elogios construyendo un personaje lejos de la sordidez de otros semejantes.

Fue así como la calidad actoral sumada a una historia bien contada dejó una buena impresión, fundamental para abordar en las próximas semanas temas como "La primera vez con un hombre", "La primera vez que me traicionaron", "La primera vez que fui padre" y "La primera vez que mis padres se separaron".

Inicio complicado. "La primera vez" es el segundo de los estrenos de ficción que América TV tenía programado para esta semana. El primero fue el lunes con "Maltratadas", mientras que se espera para hoy el debut de "Vindica", un envío sobre situaciones límites que arranca a las 23 con una historia contextualizada por la Guerra de Malvinas. Con Raúl Rizzo y Alejandro Fiore.

Reflejos de una suspensión

La Autoridad Federal de Comunicación Audiovisual y el Instituto Nacional de Cine rechazaron las presiones que habría sufrido Mike Amigorena por interpretar a Héctor Magnetto (CEO de Clarín) en la serie “El pacto”. El actor abandonó la ficción y la producción suspendió el ciclo que iba a debutar el martes por América.

La propuesta de interpretar a la " abanderada de los pobres" desde una Evita "ausente" generó mucha adhesión en el público que se compenetró en esta obra que transita con gran soltura por los "amores y por los odios" que su misma figura despertaba. Participaron para ello distintos recursos como la ironía, el humor, el drama, entre otros que le dieron los ingredientes a esta puesta rosarina.

Aunque dirigida por un hombre como es el dramaturgo Walter Operto, la puesta teatral tiene una mirada muy femenina, deslizada probablemente por las autoras de los textos María Rosa Peiffer, con su "Eva , a secas" (santafesina, de Humbold) y "Las costureritas de Eva", de Adriana Tursi (Buenos Aires). Los mismos integran una tetralogía junto a dos otras autoras que conformarán un ciclo a continuarse el año próximo.

En la primera de las partes, en un despojado escenario se cruzaron realidad y ficción en un encuentro de amigas en la Junín natal de Eva Duarte o María Eva Duarte como se discutía por entonces. El ambiente fue muy bien creado con música de Nelly Omar cantando temas como "A Guamini". Sobre el final, la inconfundible voz de Evita le puso un toque de evocación a la escena.

En la segunda parte, la mirada sobre el personaje fue desde sus mismos "protegidos" y transcurre en el taller de costura de su modisto de cabecera Paco Jamandreu. Nelly Omar desde el éter condimentó el ambiente con su clásico "Desde el alma".

La actuación es impecable, de los dos elencos conformados por Laura Abasto, Mirna Remes, Ligia Sarich, Florencia Minozzi, Melina Dell Oste, José Luis Santa Cruz y Sabrina Ramos.

Hay una mirada nostálgica en la obra junto con otra más esperanzadora que por sobre todas las cosas, exhalta la posibilidad de que los sueños se hagan realidad.

Aunque se trata de dos propuestas radicalmente distintas, ambos filmes poseen un denominador común: dividieron a la crítica entre la profunda admiración y el rechazo frontal.

Davies realiza en “The Deep Blue See” su primera adaptación de una obra teatral, la del dramaturgo Terence Rattigan, dotándola de una envolvente atmósfera de silencios y humo. Y para ello se sirve de una brillante Rachel Weisz, que sin embargo no pudo asistir a la presentación por encontrarse rodando otro filme.

“Placer y tristeza: eso es el amor”, resume el aclamado autor de “Distant Voices” y “The House of Mirth”. Y esa paradoja la encarna la protagonista de la película, una mujer con una vida privilegiada en la decadente Gran Bretaña de posguerra, pero que sin embargo lo deja todo cuando descubre la pasión del amor físico. 

Después, la jornada pasó del lado oscuro de la pasión a la luz cegadora del desierto de Mali con “Los pasos dobles”, la segunda incursión de Isaki Lacuesta en la carrera por la Concha de Oro. En su nuevo filme, el director convierte sin querer en actor al artista mallorquín Miquel Barceló, autor entre otros de la cúpula de Naciones Unidas en Ginebra.

Melisa Martyniuk, Jésica Biancotto y Francisco Fissolo —que están ensayando desde febrero— protagonizarán esta obra desde mañana a las 22 en el Centro de Estudios Teatrales (CET), San Juan 842. También habrá funciones pasado mañana y, según lo programado, todos viernes y sábado de septiembre y octubre.

Para definir la obra el director y también autor del texto aseguró que se la puede considerar como "una historia generacional. Los tres personajes, a punto de dejar de ser jóvenes, están encerrados en el departamento del profesor Alses. Este hombre fue una especie de mentor, de guía intelectual de los jóvenes; su cuerpo no está presente en la historia, es un fantasma que atraviesa la vida de estos personajes agotados, furiosos", relató y luego agregó: "El espectáculo intenta descifrar qué les pasó a estos jóvenes, a qué se debe su impotencia y al mismo tiempo, su violencia".

Si bien no le gusta encasillarse, sí consideró que podría situarse dentro de la comedia dramática y afirmó que es una obra "muy subjetiva", con algo de humor .

"Creo que es una obra contundente. Para sorprenderse", insistió.

Hessel pertenece a una nueva generación de directores y está presente en el desarrollo de esta obra el deseo de llevar a cabo sus ideas sobre el teatro, por lo cual el mayor énfasis está puesto en las actuaciones, "que funcionan como el motor principal del relato en un espacio despojado, donde el cuerpo de cada uno de los actores es llevado al límite de sus capacidades creativas", indicó.

La segunda película de Madonna, tras "Filth and Wisdom", gira sobre una joven (Abbie Cornish), que se obsesiona con la historia de amor que vivieron el rey Eduardo VIII (James D`Arcy) y la norteamericana Wallis Simpson (Andrea Risenborough), por quien el soberano abdicó.

Después de que la crítica no tratara muy bien su ópera prima ni quedara muy impactada con "W.E" en Venecia, Madonna reconoció que siempre siente nervios antes de un estreno.

"Claro que siento nervios porque es algo nuevo para mí. Siento la misma presión que cuando comencé mi carrera musical. Tuve que hacerme mi camino para ser tomada en serio en la música y deberé hacer lo mismo en el mundo del cine", dijo Madonna.

Al preguntársele si sufría con las malas críticas, la "chica material" confesó: "Me importan cuando son justas, cuando son sobre la película, pero no cuando se mezclan con otros aspectos de mi vida personal. Cuando son sobre la película, les presto atención".

Para tocarlas

“Ponerles los collares y brazaletes a las actrices era mi excusa para poder tocarlas”, confesó Madonna.

El impacto de esta pieza teatral seguro tuvo la marca generacional, pero sin duda que "El secuestro de Isabelita" apuntó a reflexionar con humor sobre la militancia de los años 70. Y las carcajadas constantes fueron una prueba de ello.

Aún cuando el tema todavía provoca tensión por lo hondo que caló en la historia argentina, la puesta teatral logró un clima de distensión y de risa durante el tiempo que duró la obra.

Para lograr una ambientación adecuada, el espectáculo empieza con una suerte de documental que muestra la asunción de Isabel de Perón, situando al espectador en el momento histórico.

La obra logra desde una mirada actual —concatenando hechos o verdades históricas al modo de parodia — repasar con humor un pasado que aún sigue vigente en la historia nacional y que sin duda tiene un costado trágico.

Al mismo tiempo, el texto llevó con sutileza pero con decisión ese recurso que los actores interpretaron muy prolijamente, así como también se los observó visibiblemente conmovidos por el papel que asumieron en la obra, como quedó en evidencia, en los saludos finales de la función de estreno del sábado.

En rigor, el elenco fue dirigido por el propio autor quien viajó todas las semanas para hacer este trabajo en coordinación con Walter Operto ya que éste sostuvo "que los límites son muy finitos y un error de dirección podría hacer que la obra fuera interpretada como "reaccionaria".

El vestuario fue acorde con la época —pantalones Oxford, camisas ceñidas al pecho— y con la idiosincrasia de los personajes. En tanto que la música le puso su marca de actualidad a un hecho que sucedió hace más de 30 años en la Argentina.

Seguir hacia adelante

La obra cuenta la historia de una célula desprendida de Montoneros cuando asume Isabel de Perón a la presidencia y en una operación comando deciden secuestrarla. Sólo que por equivocación hacen lo propio con su mucama Isabel Pavón y allí comienzan a suscitarse una serie de enredos, métafora de los distintos momentos. Del mismo modo, la obra a pesar de la risa vira analíticamente de ese momento histórico y según el autor tiene por objetivo desdramatizar y seguir hacia adelante.

Su primera puesta sobre este texto está todavía en escena en Buenos Aires en el Teatro del Pueblo, ya que fue estrenado hace hace dos años y se mantiene en vigencia..
Su versión local se estrena ahora en Rosario con grandes expectativas. Es que será la fusión de un trabajo realizado por su autor y director de Buenos Aires junto con actores rosarinos como Angie Ambrogi, Roberto Malaguarnera, Juan Onetto, Anabella Agostini, entre otros, coordinados por Walter Operto, director de la Nave.

El dramaturgo rosarino fue quien se puso en contacto con su par porteño un año atrás cuando dio con esta obra. Ambos consideran que este es un momento social interesante para revisar ese período trágico de la historia argentina, pero sobre todo coincide en lo importante de que la mirada sea desde el humor que permite acercase de otra manera a los momentos dolorosos. Y esa es la apuesta.

Humor. “El tema de la guerrilla de los años 70 es un tema bastante complejo como para tratarlo con liviandad”, aclaró Operto y agregó que cualquier dirección que no esté a tono con esa sensibilidad social podría transformar la obra en algo reaccionario y no es esa la intención”, . Por otra parte, el dramaturgo rosarino destacó que Dalmaroni es uno de los pocos autores argentinos que trabaja desde el humor negro con una gran teatralidad.

Argumento. El argumento de la obra gira en torno a una célula de guerrilla urbana, escindida de Montoneros, que decide secuestrar a Isabelita cuando era presidente. Pero el tema es que se equivocan y secuestran a su mucama, Isabel Pavón, por un error involuntario. “No vamos a adelantar nada más, pero por una serie de cuestiones que se explican en la obra, todo se va complicando”, indicó el autor y aclaró que estos errores podrían ser la metáfora de aquellos que la militancia cometió en su época en pos de buscar una sociedad más justa y democrática. “La puesta tiene como objetivo reflexionar para no cometerlos de nuevo e ir para adelante”, apuntó.

Movimiento. Para Walter Operto, uno de los precursores locales del teatro político de los años 70, la obra no es simplemente un pasatiempo, sino que propone movimiento al espectador y no solo de las emociones sino también de los mecanismos de análisis de la razón.

“Es una posibilidad de descubrir una verdad histórica”, asumió el dramaturgo aunque el recurso sea el humor.

Si bien la obra está destinada al público en general el director Walter Operto consideró que los primeros interesados en asistir a verla pueden llegar a ser aquellos que participaron en la militancia de esa época y también personas de esa generación que lo vivieron en silencio. Además señaló que el público joven también puede ser convocado por la temática de esta puesta teatral que promete ser divertida y sobre todo controversial.

Córdoba.- "Música, alma y sexo" es quizás el show más impactante de los últimos tiempos. Es que la gira de Ricki Martin por Argentina es un verdadero éxito. Tal es así que el cantante boricua ya ofreció dos presentaciones el lunes y el martes en el Orfeo Superdomo de Córdoba con localidades totalmente agotadas, donde más de veinte mil fans dejaron en claro que Martin es una megaestrella que jamás pasará de moda. Con casi cuarenta años, el cantante representa un ícono para varias generaciones, sobre todo para las veinteañeras que gracias a sus letras saben decir "Te extraño, te olvido y te amo de nuevo". Por todo esto, Escenario viajó a Córdoba a vivir el gran estreno, espectáculo que fue, seguramente, un adelanto de cómo será el show en Rosario.

La cuenta regresiva se hace cada vez más corta. La "rickimanía" hace estragos en el país y el show en Rosario es una cita obligada para muchos. ¿Qué es lo que se va a ver el martes próximo en el Metropolitano? Para empezar, una presentación con más de quince bailarines y músicos en escena. Un despliegue técnico y artístico impecable que se fusiona con un sonido de excelencia. Además, erotismo, osadía, baile y escándalo se desarrollan por un magno escenario donde las estructuras y pantallas leds son la escenografía perfecta para semejante talento.

A puro show. La esplendorosa puesta en escena es inaugurada por "Será será", hit de su último disco donde se lo ve caer al cantante desde un altísimo andamio con la excusa de "atreverse a volar".

En medio del clima festivo Ricki propone "acariciar la nostalgia" y deleita al público con un mix de retrotracks de lujo: "Eres el amor de mi vida","Fuego contra fuego" y muchos más que provocan una espontánea euforia colectiva. El cantante puertoriqueño siempre se destacó por su virtuosismo a la hora del baile, pues en el show promete "dejar todo en el escenario" y no deja de sorprender con su constante meneo y su eterna sonrisa. "Hay que pedirle más más más a la vida" reza Ricky Martin y el estadio estalla automáticamente. "La copa de la vida", "Por arriba, por abajo", "La bomba", "Living la vida loca" y el infaltable de todos los tiempos "María" proponen ritmos pop y la impronta latina.

Ni hablar de los numerosos cambios de vestuario diseñados por Giorgio Armani que Ricky luce con tanto sex appel, y que mejor aún le sientan cuando se desviste en plena coreografía y hace que todo el auditorio se sienta en un videoclip. "Música, alma y sexo" refleja cómo fue la vida del artista desde sus comienzos, aludiendo a la extensa variedad de géneros musicales y a su reciente confesión, por eso es fundamental prestar suma atención al contenido visual que patrocina la aceptación de la identidad: "Soy gay y soy feliz".

Al hotel Savoy en familia. La expectativa por la presencia de Ricky en Rosario es cada vez más fuerte. El astro estará pisando suelo rosarino el mismo martes 13 con numerosas habitaciones reservadas en el Hotel Savoy en el cual se alojará con su equipo, sus hijos, su pareja y su madre. Pero sólo por un día, ya que el miércoles 14 estará dando su quinta función en el país, en Mar del Plata, para luego ir el 16 a Capital y el 22 en Mendoza.

El show del martes próximo en el Metropolitano contará con la dirección musical del guitarrista David Carrera y la dirección artística a cargo de Diego González, “Música Alma y Sexo” promete ser un show de la ostia como sólo Ricky Martín y su “boom boom” son capaces de lograr.

La fiesta electrónica más grande del mundo, Creamfields, vuelve a Buenos Aires con artistas como David Guetta, Groove Armada, John Didgweed y se realizará el sábado 12 de noviembre.

El autódromo de Buenos Aires que tiene un espacio con la infraestructura ideal para proyectos de gran envergadura, y además cuenta con un espacio de estacionamiento para recibir más de 10.000 vehículos, será nuevamente la capital de la electrónica.

La organización comunicará las rutas de acceso más convenientes para llegar al festival, así como sistemas de transfers desde puntos estratégicos de la ciudad.

Hasta el momento los artistas confirmados son David Guetta, Groove Armada, Above & Beyond, Sven Väth, Luciano, John Digweed, Hernan Cattaneo, Ferry Corsten, Fedde Le Grand, Laidback Luke, Afrojack, Pete Tong y Booka Shade.

También actuarán Miss Kittin, Adam Beyer, Ellen Allien, Danny Howells, Joris Voorn, Gareth Emery, Seth Troxler, Gui Boratto, Jamie Jones, Busy P, Christopher Lawrence, Layo & Bushwacka!, Guti, Gaiser, Barem, entre otros.

La orquesta de cámara francesa, que se presentará bajo la dirección artística de Gilles Colliard, ofrecerá un programa con las siguientes obras: "Sinfonía Nº 10", de Felix Mendelssohn; "Concierto para piano y orquesta, K 414", de Wolfgang A. Mozart, con la solista de piano, Helena Elías; y la "Sinfonía Nº 40", del mismo autor

La dirección de Gilles Colliard, desde 2004, le agregó a esta orquesta la apropiada conjugación de calidad y autenticidad en las presentaciones, tanto en los conciertos barrocos con instrumentos antiguos, como en conciertos modernos con instrumentos actuales.

Solista, maestro, compositor y pedagogo, Colliard es un músico multifacético, que además de su labor como director es el primer violín del Quarteto Ravel y director artístico del Departamento de Música Antigua de Toulouse.

Su trayectoria musical lo llevó a investigar la autenticidad del discurso musical; y a desafiar el eterno combate del preconcepto entre lo antiguo y lo moderno.

Colliard, que toca con un violín Stradivarius de 1732, tiene más de treinta grabaciones en su discografía, entre las que se incluyen los conciertos de Haydn, Mozart, Bach, obras para violín y numerosas creaciones propias.

Otro de los platos fuertes de esta noche será la presencia de la artista Helena Elías. Oriunda de Belem, Brasil, obtuvo el btiene el primer premio en la celebración del Curso Superior de Piano en las disciplinas complementarias de música de cámara, composición, Historia de la Música y Acústica y es una intérprete destacada a nivel internacional.

Otras acusaciones. No es la primera vez que la cantante recibe críticas por vestir de forma similar a otras artistas. Que copia a Madonna, a Kylie Minogue y hasta David Bowie es algo que suena en los medios. Su particular disfraz de sirena recordó al de Bette Midler y Madonna la acusó de utilizar algunos elementos de vestuario —como el corsé con metralletas— demasiado parecidos a los suyos.
   La misma Madonna sacó a la luz otras presuntas similitudes entre el videoclip de Judas respecto a “Like a Virgin”, o en el de “Born This Way”, apuntando que era muy similar a Express Yourself, antes de que Rebecca F. llevara su caso ante los tribunales.
   Justo esta semana, Lady Gaga vuelve a estar en el centro de escena debido a una polémica. Esta vez, por una foto suya que sería del año 2009, pero que salió a luz en las últimas horas. En la misma se puede ver a la artista completamente desnuda, con un cigarrillo en la boca y atada de pies y manos. La misma formaría parte de una producción realizada para la edición japonesa de la revista Vogue en 2009, aunque nunca habían sido publicadas. Si bien luego hubo otras sesiones en las que Lady Gaga se mostró tal como Dios la trajo al mundo, esta imagen es impactante por mostrarla maniatada mientras fuma. Dos escándalos en una sola semana. ¿No será demasiado?

La fiesta ofrecen sorpresas y presentaciones extravagantes de los artistas más importantes del mundo. El año pasado fue el vestido de carne de Lady Gaga y el año anterior fue la interrupción del discurso de Taylor Swift por parte de Kanye West. Pero nadie vio venir el embarazo de Beyonce, excepto su esposo Jay-Z.

Beyonce, entre cuyos éxitos se incluye "Single Ladies (Put a Ring on It)", posó para los fotógrafos en la alfombra roja exhibiendo su nueva figura. Interpretó su tema "Love On Top" y dijo: "Quiero que sientan el amor que está creciendo dentro de mí".

Lady Gaga abrió la noche interpretando su tema "You and I" vestida como su alter ego masculino, Joe Calderone. Interpretó el personaje ficticio durante el programa y aceptó los premios a mejor video femenino y mejor video con mensaje por su tema, "Born This Way".

La otra gran ganadora de la noche fue Katy Perry, quien se llevó a casa el premio a video del año, el principal galardón de la noche, por su tema "Firework".

El guión cinematográfico que consagró a la también directora Nora Ephron en 1989 está adaptado por Manuel González Gil a través de un esquema de cuadros en el que se turnan los hechos que relacionan a Harry y Sally con inserts de parejas contando por televisión el día en que se conocieron. Allí arrancan aplausos Roberto Catarineu y Graciela Pal.

El recurso, también presente en el filme de Rob Reiner, fue el primero en sufrir el sábado un desperfecto lumínico que puso a Taibo frente a la platea para pedir paciencia. Quedó demostrado en ese momento la atracción que el actor ejerce sobre el público femenino. Aunque el masculino no se quedó atrás y rápidamente exigió la presencia de la modelo. Las risas le pusieron un moño al inconveniente luego superado.

Acompaña a la pareja principal un muy solvente Mario Pasik y una simpática Lucrecia Blanco, mientras Taibo y González deben componer sus personajes ubicándolos en diferentes temporalidades, desde la juventud hasta una pretendida madurez.

Y si bien el efecto temporal se logra ofreciéndole a la obra un tránsito grácil, quedan en el tintero la gestualidad de González copiada de su par en el filme (Meg Ryan) y algunos cuadros donde Taibo no imita a Billy Cristal aunque lo lleva a extremos demasiados argentinos. Así, se trata de una buena ocasión para ver una famosa comedia y admirar la belleza de Araceli.

Sus ritmos más sonados son el bolero, la guarachas y el cha-cha-cha, donde se mezcla la raíz y la esencia de la música cubana de los años 20 y 30 con arreglos modernos propios de la evolución musical. En el caso de Seminara —quien forma parte de Cielo Razzo, agrupación con la que recorre el país— su nuevo al álbum como solista también está lleno de ritmo.

Además de la afrocubana el músico abordó otras ramas de la percusión, a partir de instrumentos de origen árabe, bohdram (tambor irlandés), pandeiro, crótalos, castañuelas y batería. Para Seminara la música de "A cada santo una vela" es "un gran collage que surge de diferentes lugares, pero que se encuentran en muchos puntos". El artista explicó que siempre le gustó lograr la convivencia (armoniosa o disonante) de cosas que parece que no pudieran estar juntas. "En este sentido la tecnología permite hacerlo de una manera mucho más fácil, probar rápidamente las ideas que van surgiendo y desarrollarlas de inmediato", dijo. Durante 2009, Seminara giró por Dinamarca y Suecia con su disco y como sesionista de diferentes grupos de ambos países. También dictó clases en diferentes centros culturales del extranjero y del país. Actualmente además de presentaciones, que suele realizar, da clases en forma particular. Por otra parte lleva adelante el proyecto "Tocolobombo", destinado a la investigación, difusión y desarrollo de la percusión.

Seminara, forma parte del grupo Cielo Razzo pero presenta su disco solista

Charrúa

Se presentará un dúo uruguayo

El dúo uruguayo integrado por Pablo "Pinocho" Routín y Edú "Pitufo" Lombardo presentará su música popular charrúa en un show acústico, intimista y divertido. La cita es en Pugliese (Corrientes 1530) a las 21.30. Los músicos armaron un repertorio especial para visitar Argentina junto al maestro Ney Peraza en guitarras y Martín Ibarburu en percusión.

De este modo y ante el incesante requerimiento de tickets para ver en escena al principal letrista y ex líder de la legendaria banda británica, sus presentaciones en el país, que arrancan el 7 de marzo de 2012, pasaron de las primeras dos anunciadas a las actuales cinco.

Hasta el momento las funciones previstas eran las del 7, 9, 10 y 12, con los shows del 7, 9 y 12 agotados y mientras se venden las entradas del concierto del día 10.

La productora del show todavía no anunció cuándo serán puestas a la venta las entradas para el quinto y último show de Waters en Argentina, el 14.

Con esta marca de 5 shows en River, Waters alcanza las espectaculares performances de los Rolling Stones, que en 1995 con su Woodoo Longue Tour y en 1998 con Bridge to Babylon Tour, también alcanzaron las cinco fechas en el Monumental de Núñez. El "The Wall Tour" que Waters traerá a la Argentina cuenta con todos los efectos especiales que el cantante ha creado para ilustrar la historia y las canciones, que pudieron verse en el filme de Alan Parker.

Durante el concierto se podrá observar una megapared de más de 150 metros de ancho que funciona como pantalla gigante, las imágenes originales de Gerald Scarfe, el avión estrellándose, mucha pirotecnia, gigantescos muñecos inflables, cerdos voladores, sonido cuadrafónico y tecnología de proyección de última generación.

La espectacular producción estuvo recorriendo Europa y América del Norte durante 2010 y lo que va de este año con cifras millonarias: 89.5 millones de dólares en recaudación en 56 espectáculos.

La obra "The Wall", escrita y producida por Waters, fue presentada por primera vez en vivo por la banda en 1980, y luego llevada a la pantalla grande en el musical dirigido por Parker.

El programa de media hora de duración, que competirá con "A todo o nada", narra la historia de Poli Truper, una adolescente aparentemente común pero con un don especial: es súper poderosa, aunque a la vez es muy torpe.

En el capítulo de hoy, Poli tiene la mala fortuna de perder el control de sus poderes cada vez que se pone nerviosa o da rienda suelta a sus sentimientos, lo que la mete en problemas, sobre todo en el colegio. Actuán Pablo Martínez, Facundo Parolari, Olivia Viggiano y Chen Min.

Luego de un fin de semana a puro amor, Carla Peterson y Martín Lousteau están en el ojo de la tormenta por lo que publicó en su edición actual el semanario Caras. Según consigna la revista, hay rumores de embarazo para la pareja, aunque por el momento no hay nada oficial. Según el rumor que comenzó a circular desde hace pocas horas, Peterson sospecharía de un posible embarazo y el próximo paso sería el análisis de sangre para confirmarlo.

Otro detalle que acrecentó el rumor fue el comentario de los pasajeros del trayecto en barco desde Argentina a Uruguay que vieron a la flamante pareja. Según contaron, el economista no paró de acariciarle la panza a la bella artista. Al llegar a nuestro país, el ex Ministro de Economía abandonó raudamente la terminal, mientras la actriz se quedó a esperar un taxi.
Desde el círculo de la pareja aseguran que el rumor suena con mucha fuerza.

El romance data de 4 meses y comenzó a tener trascendencia pública tiempo después de que el economista fuera encontrado junto a Juana Viale en el auto de la actriz. Ella, en tanto, viene de un romance con su par Mike Amigorena, quien aparentemente quedó muy dolido cuando se enteró de la historia.

El recibimiento que tuvieron en el debut fue "espectacular", contó Fernando Lingiardi, director de la murga que desfiló al grito de aliento de "Vamos Argentina" y "Vamos La Cotorra" por parte de un público que la noche inaugural alcanzó casi 80 mil personas.

Los 17 integrantes, de una delegación total de 35 rosarinos, participaron junto a 25 murgas uruguayas en esta primera etapa integrada por las agrupaciones que luego intervendrán en el concurso, y que son las que superaron la prueba de admisión realizada en noviembre último.

Los rosarinos todavía tienen mucho por delante ya que el carnaval uruguayo finaliza a principios de marzo. Hasta que lleguen las actuaciones principales que tendrán lugar mañana, con la asistencia de la intendenta rosarina Mónica Fein, y el 13 de febrero, ambas en el escenario principal del anfiteatro Teatro de Verano, harán unos "toques" en distintos tablados de la capital uruguaya donde mostrarán una síntesis de su trabajo.

La Cotorra, formada en 2007 y que antes montó "Uy, Uy, Uy!!!", presentó para su debut uruguayo un nuevo show llamado "Extraños, somos muchos y nos conocemos poco". Allí aborda la forma en que la tecnología suele restringir las relaciones sociales de los chicos.

"Hay muchos pibes que en Rosario se van metiendo con el género", dijo Lingiardi . Así pensaron lo positivo que resultaba "que estén haciendo murga y no en sus casas con la compu". El paso siguiente fue pensar en el carnaval como una "festividad o acción puntual que termina igualando a todo el mundo más allá de su condición social", y sobre esa base armaron este espectáculo que calificó como "un mensaje de esperanza".

Desde que se formó, La Cotorra "soñaba" con pisar las calles uruguayas y lo hizo además en un estilo similar al que se practica en el país vecino. El impulso para animarse a cumplir ese deseo fue la visita a Rosario del músico uruguayo Alejandro Balbis, arreglador de bandas de primera línea como Bersuit, La Vela Puerca y Notevagustar, entre otras.

Balbis, que además es director de murga, los animó a presentarse en la preselección después de verlos actuar en Rosario. "Lo dijo una voz que no era la nuestra. Y acá estamos en esta apuesta impresionante", contó Lingiardi.

El desfile inaugural del carnaval en la avenida 18 de Julio comenzó a las 22. La Cotorra debió esperar su turno casi tres horas para luego, durante dos horas, atravesar la principal avenida montevideana con la emoción de estar viviendo ese "sueño" finalmente hecho realidad.

Una delegación de 35 personas le puso calor y brillo al tradicional festejo charrúa.

Un buen ejemplo es el de Angelina Jolie, considerada una de las mejores vestidas en los premios Globos de Oro a principios de mes, complementando muy bien su elegante vestido en perla y escarlata con los labios de un rojo brillante y el cabello recogido.

"Las referencias a la era de las sirenas del cine señalan que hay algo sobre ese género que atrae a las mujeres, a los hombres y a la moda", dijo Jenn Karsten, directora de educación y arte de cosméticos Make Up For Ever. "Es la esencia de la mujer real", explicó.

Y agregó: "Desde los 70, 80 e incluso los 90, la cultura ha cambiando demasiado. Había una revolución sexual pero con un fuerte estilo andrógino. Era como decir: «No me vean por mi belleza, véanme por mi inteligencia». Pero si vemos a Liz Taylor, Sophia Loren o Marilyn, son megaestrellas que demostraron su talento y su belleza".

Perdurable. Lori Taylor, artista de maquillaje profesional para Smashbox, dijo que en ese entonces las actrices de Hollywood trataban de crear una imagen perdurable en lugar de saltar de tendencia en tendencia. "Las décadas de 1940 y 50 tenían un glamour femenino. Todo funcionaba. Esas mujeres no estaban probando nada. Si ves a las mujeres de los 80, trataban más de pasar los límites y eso no es tan perdurable".

Era muy raro que las Monroe y las Hayworth se presentaran sin un atuendo bien planificado y un buen maquillaje, agregó Wende Zomnir, directora creativa de Urban Decay.

"Sus apariencias eran mucho más preparadas que las fotos de los paparazzi de las estrellas de ahora, pero también tenían rutinas de belleza sencillas, incluso cuando usaban muchos productos", agregó.

Distintivo. La vedette de la temporada es el lápiz labial rojo, "porque te hace lucir un poco más alta, caminar un poco más erguida y atraer más atención, además de piropos. ¿Por qué no usarlo?", dijo Karsten.

Lori Taylor dijo que hay un tono de rojo para todas. Elizabeth Taylor hizo del rojo manzana su signo distintivo y Hayworth usó un rojo brillante. Monroe prefería los tonos un poco más rosados. El fucsia llama la atención y es fácil de usar en el día, dijo Zomnir.

Además, el maquillaje que enmarcaba y que se benefició de las iluminaciones preparadas es anticuado y pesado para la vida moderna y casual, dijo Lori Taylor. Aunque todo depende de quien lo usa. Actrices sensuales como Eva Mendes, Megan Fox o Jennifer López puede tratar de imitar el estilo de Hayworth con un buen brillo en la piel, mientras que las rubias pueden hacer contrastar su piel clara con cosméticos de mucho pigmento.

Monólogo. A modo de monólogo, Violencia Rivas, que es una cantante que en los años 60 anticipó el punk en la Argentina, declara en el filme que no sólo hay demasiado entretenimiento sino que éste es nocivo y forma parte esencial de la actual decadencia de la humanidad. “La película es una ironía hacia el mundo del espectáculo, porque el mundo del espectáculo se usa también en el mundo de la política como estrategia para llevar a cabo una especie de discurso estafador que, en realidad, es una mascarada para que ese discurso pueda instalarse y hacer su propia política, es el discurso del poder”, dijo el actor, casi sin respirar.
   Capusotto asegura que no se pregunta demasiado sobre el impacto que genera en la gente, y aunque a veces prefiere que se mantenga el misterio, hay momentos en que admite lo que genera la caja boba: “La tevé es un medio muy masivo, la posibilidad de que alguien piola y alguien estúpido sean famosos en televisión van a la par. Vos no vas a buscar la televisión, simplemente es un electrodoméstico que prendés y te encontrás con algo. Depende de tu nivel de recepción lo creés o no te lo creés”.

Disparador. El rock es un leit motiv en “Peter Capusotto y sus videos”. El envío televisivo, cuya primera temporada salió en 2006 y regresará a mediados de año a Canal 7, es un disparador del filme sobre todo desde el formato (ver aparte).
A la hora de hablar de sus sueños, Capusotto aseguró que le gustaría ser cantante, instrumentista o compositor, y que nunca abandonará “el espirítu del rock”: “Si no hubiese sido actor me hubiese gustado dedicarme a la música de fusión. La música es una de las cosas que le da trascendencia a la vida”.

El socio de la risa

Pedro Saborido es, además del director de la película, el coequiper ideal para Capusotto. con quien compartió el guión del filme. “Diego tiene un ángel que no lo tiene cualquiera, pero quizá lo que más lo distinga es la entrega con la que labura, él no hace nada de taco, no se casa con los personajes, y trata de no aburrir”, destacó Saborido, quien también vino a la ciudad para acompañar el estreno.
El autor, que a la vez fue elogiado por Capusotto, dijo que no hay secretos para que la dupla funcione. “Están claros los roles y lo seguimos disfrutando. Eso no quiere decir que la pasamos bomba, aunque a veces nos reímos como dos pelotudos por alguna boludez que se nos ocurre”, indicó.

Con personajes estereotipados, con obsoletos recursos estéticos y con una trama costumbrista y lineal, el capítulo presentación del lunes demostró que se trata de una novela más que previsible.

Pese a todo, la tira que va de lunes a viernes por Canal 5 se convirtió en el tercer programa más visto del lunes en Buenos Aires, con 13.3 puntos. Eso sí, es muy poco para que Telefé pueda pelear el prime time y no sería extraño que muy pronto se convierta en un culebrón para la siesta, donde, quizá, podría tener mejor destino.

Combo actoral. El productor Enrique Estevanez puso todas las fichas en el elenco, con el fin de que secunden lo mejor posible a su hijo Sebastián Estevanez. Los nombres hablan por sí solos: Carina Zampini, Arturo Bonín, Juan Darthés, María Valenzuela, Jorge Sassi, Laura Novoa, Segundo Cernadas, Esteban Prol, Mercedes Oviedo y la ascendente Calu Rivero conforman un combo actoral como para pisar fuerte. Pero los buenos intérpretes se lucen sólo cuando hay buenas partituras, y aquí suena todo muy desafinado.

Marcos (Estevanez, haciendo de Estevanez) es un audaz corredor de autos, que cree que si gana una importante carrera podrá salvar económicamente a su familia. Para eso tiene a su amigo y ladero, el mecánico Julián (Darthés), quien pugna por lo mismo.

Pero una falla técnica les pincha el globo cuando iban liderando la competencia y como si fuera poco el dueño del taller vende el local, justo al villano de la tira, así que todo vuelve a foja cero. Y peor todavía, porque los amigos quedan desocupados.

La historia paralela mostrará a una familia rica y poderosa, los Bandi, dueños de una fábrica de golosinas que cumple 35 años, y en pleno festejo, Lorenzo (Cernadas) le pide matrimonio en público a Victoria Bandi (Zampini) al mejor estilo Hollywood.

Pero los ricos también sufren, así que la boda quedará en stand by, y Victoria tendrá enfrentamientos con su madre (una sobreactuada María Valenzuela) y con sus hermanas, entre ellas la actriz Natacha Bandi (Rivero), que pronto llegará desde Los Angeles a reclamar los dinerillos que le corresponden de la empresa.

Marcos usará su máxima seducción para que Victoria, que anda de capa caída por una pelea con el malvado Lorenzo, lo contrate como chofer en Golosinas Bandi. Aunque su carácter frontal y chabacano contrasta demasiado con el perfil buscado por Victoria, una urgencia obliga a que lo tomen de inmediato en el puesto.

Y cuando todo parecía que su contrato tendría los días contados, Marcos abortará un intento de secuestro a Victoria, demostrando su destreza al volante y convirtiéndose en el héroe de su vida. Allí se dispara una historia de amor con pocas luces y en el que el "dulce" temático del título va camino a empalagar.

La vida artística del compositor, arreglador, docente e intérprete nacido en Rosario y radicado en San Jorge, provincia de Santa Fe, resume un recorrido por la historia pianística de la región. Hijo y nieto de músicos, Sebastián Benassi tuvo el privilegio de conocer a grandes artistas santafesinos y a escuchar, desde su infancia, a buena parte de los mejores folcloristas de la zona y del país, que animaban peñas familiares en las que participó desde su infancia.

Desde aquellos años de formación a la fecha, el artista estudió en la Universidad Nacional de Rosario y se perfeccionó con maestros como Hilda Herrera, Juan Carlos Silvera, Manolo Juárez, Eduardo Lagos y el guitarrista peruano Lucho González, entre otros.

"Me acuerdo de escuchar en mi casa a Tucho Spinassi, a la Nena Herrera y a Remo Pignoni", dice el músico en referencia a los ilustres visitantes que recibían sus padres —también excelentes músicos—. "Se hacían reuniones que duraban hasta muy tarde y a mí me mandaban a dormir, pero me escondía debajo de un escritorio o donde podía y me quedaba a escuchar", relata con una sonrisa que celebra las travesuras que hoy le permiten contar con un arsenal de recursos musicales a los que pocos de sus colegas pudieron acceder en forma directa.

El músico, que fue ganador del concurso nacional de compositores organizador por el Fondo Nacional de las Artes por su obra "Senderos de libertad", es un emergente de una escuela pianística inaugurada por Adolfo Abalos y continuada por notable exponentes santafesinos. Orgulloso de que un colega lo convocara para grabar su flamante disco, el pianista puntualiza: "El Negro Aguirre es un fenómeno y Sagrada Mhedra es un sello que ya lleva hechos 39 discos que piden hasta de Japón", se sorprende.

Sin embargo, la convocatoria de Aguirre no fue antojadiza. Benassi cuenta con un importante recorrido artístico que incluye presentaciones solistas y como integrante del grupo La Cuerda y del dúo que lo une al aerofonista Jesús Domínguez.

Es fácil colegir que Benassi llegó al sello paranaense por sus buenas performances en el Encuentro de Músicos Populares de Rosario (en 2006 y 2008) y a las del Encuentro Nacional de Músicos Populares en Santa Fe (2009). También debe haber pesado su participación en el ciclo de pianistas "Sin Fronteras", realizado en las ciudades de Paraná y Santa Fe, en 2009, donde alternó con pianistas como Lilián Saba, Francisco Lo Vuolo, José Perrén, Mono Fontana, Nicolás Ledesma, José Bulos y otros, y a los que fue convocado por Carlos Aguirre, el factótum del sello que hoy edita su obra.

"Trabajo como docente de música en San Jorge y en Carlos Pellegrini, y a veces hago algunos servicios de sonido —aclara con modestia Benassi— y sigo con mis actuaciones, solo y con los grupos", agrega.

Ases bajo la manga. Entre los orgullos de Sebastián Benassi se cuentan trabajos que aún no han visto la luz pública. "Hay una grabación, todavía inédita, que hicimos con el trompetista Guillermo Calliero, actualmente radicado en Barcelona.que y editó un disco en España junto a José Reynoso (piano) y Horacio Fumero (contrabajo) que incluye «Lidia», un tema mío y una versión que hice de la zamba «La nochera»", confiesa con pudoroso orgullo.

El material editado hasta la fecha por el pianista suma los CD "Desde el silencio" y "Canciones Llanura", y tres álbumes de partituras: "Canciones de llanura", "Obras para piano con soporte de audio" y "Nuestra Música", bibliografía de las universidades de Rosario y Santa Fe.

Emulando a sus ancestros artísticos, Benassi integra hoy Tambo Trío 1 Música Folclórica Argentina, una especie de seleccionado musical de la pampa gringa que comparte con Jesús Domínguez, aerofonista de María Juana, Emanuel Strada, bajista de la ciudad de Sastre y con Hugo García, percusionista de Esperanza.

Con su nueva obra, Sebastián Benassi se convirtió en un promisorio vástago de ese árbol pianístico argentino que, como se dijo, arraiga en Adolfo Abalos y ramificó en nombres como los de Tucho Spinassi, Hilda Herrera, Eduardo Lagos, Oscar Alem, Manolo Juárez y Remo Pignoni, entre otros.

El artista y su obra. "Piano I", de Sebastián Benassi incluye diez temas del músico como "Bien plantao", "Sepia", "El molino", "Gato y campo", "Helena y Manuel", "Llanura", "El pájaro carpintero", "El brotecito", "Preludio para una mariposa" y "Trébol", a las que se suma "Paisaje de Catamarca, la vieja zamba de Polo Giménez.

"Piano I" es una obra reveladora de todo lo que los oídos del artista captaron en la niñez y que ahora comienza a escapársele por sus manos de pianista y su talento como compositor. En cada obra de la nueva placa se perciben con claridad resabios del piano del Edgar "Tucho" Spinassi; también hay ecos del rafaelino Remo Pignoni, cabal creador de temas folclóricos desde el corazón de la pampa gringa. Las benéficas influencias incluyen a Hilda Herrera, dueña de una artillería de sutilezas más apreciadas en el extranjero que en la Argentina; los "inconcebibles" acordes de Eduardo Lagos y arrestos que llevan el sello de otro gran pianista argentino como es Oscar Alem.

En épocas en la que predominan los superlativos, la aparición de un disco que apuesta a la sutileza es un verdadero milagro. Con la colaboración de otro gran pianista como es Carlos Aguirre, timonel de Shagrada Medra, Benassi logró concretar esta grabación que se suma a los 38 discos ya editados por el sello y que suma valor a la música popular de Santa Fe.

Así lo aseguró un portavoz de la fiscalía de Los Angeles al portal Tmz.com., en tanto que una audiencia sobre las cuestiones financieras programada para el lunes próximo también fue anulada.

Fuentes cercanas a la familia del famosísimo cantante muerto afirmaron que sus allegados ya no tenían ganas ni energías de seguir adelante con la demanda.

Tras la condena impuesta en noviembre al cardiólogo Conrad Murray por homicidio involuntario, las fiscalía pidió al juez ,además de los cuatro años de condena, una fuerte sanción económica.

Lucro cesante. Los hijos de la estrella del pop perdieron más de 100 millones de dólares, suma que el administrador de la herencia calculó como el dinero perdido por Jackson al no poder realizar su gira "This Is It".

La defensa de Murray dio a entender que el médico no podía pagar tal suma de dinero. El mes pasado Murray se declaró en bancarrota y declaró no poder pagar los 1,8 millones de dólares que se le reclamaban por los gastos funerarios de Jackson. El profesional además perdió en California su licencia médica e, incluso, después de su liberación podría no volver a ejercer la medicina.

El médico cumple actualmente su pena de cárcel, pero se prevé que sólo cumpla dos años de prisión debido a la saturación penitenciaria.

Murray, de 58 años, fue declarado culpable de homicidio involuntario por haber administrado a Jackson el anestésico propofol como somnífero. Jackson murió en junio de 2009 por insuficiencia cardíaca.

El festival, fundado por el actor Robert Redford para dar visibilidad a la producción independiente estadounidense e internacional, a menudo eclipsada por los grandes estudios, se ha convertido en la cita ineludible del cine "indie", mientras Hollywood se sirve del encuentro para descubrir nuevos talentos.

Sundance, que irá hasta el domingo 29 de este mes, presenta este año 117 largometrajes de 30 países, entre ellos 45 óperas primas (de las cuales 24 están en competencia) y 91 estrenos mundiales.

"Veo una mayor profundidad y calidad de los cineastas independientes respecto a diez años atrás", dijo John Cooper, director del festival. "A medida que el movimiento independiente gana madurez, el nivel aumenta cada año", señaló.

Hacia la fama. La gran mayoría de las películas de Sundance no tienen distribuidor, en tanto las cabañas de la estación de montaña de Park City se pueblan de distribuidores independientes y de divisiones de "arte y ensayo" de los grandes estudios, que se disputan los filmes más prometedores.

Al final, muchas de ellas hallan un comprador e incluso algunas hacen formidables carreras en las salas de cine o hacia los Oscar, como ocurrió en los últimos años con "Precious", "Little Miss Sunshine", "Lazos de sangre" o "Blue Valentine".

Las temáticas. Este año no habrá filmes sobre las guerras en Irak y Afganistán que dominaron la competencia de documentales (una de las áreas por excelencia del festival) en 2010 y 2011, y sí sobre la más inmediata actualidad.

La revolución egipcia es así el tema de "1/2 Revolution", mientras el conflicto israelo-palestino será evocado a través de la historia personal de un camarógrafo aficionado palestino ("5 broken cameras"), y de las acciones del ejército israelí en los territorios palestinos ("The Law in These Parts").

También se abordarán temas como el nuclear ("The Atomic States of America"), el sistema de salud estadounidense ("Escape Fire"), la guerra contra las drogas ("The House I live In") o la relación entre economía y religión ("Payback").

Además, reconocidos directores presentarán su última producción, entre ellos Spike Lee ("Red Hook Summer") o Stephen Frears ("Lay the favorite"), en medio de algunas estrellas de Hollywood que prometieron su presencia como Catherine Zeta-Jones, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Richard Gere, Dennis Quaid y Bruce Willis. l (AFP)

"Repudio la actitud de los organizadores. Es una falta de respeto a la condición de los artistas, a su entrega, talento y compromiso; así como a su condición de trabajadores del oficio.Conozco la calidad, trayectoria y entrega de este elenco y doy fe de ella", declaró. "Es inconcebible para un festival infantil, que debe ser ejemplar en la relación entre artistas y público, este tipo de ofensas y de trato absolutamente incorrecto nos pone en la situación de revisar la participación en dicho evento", dijo la ministra.

Pareja aclaró que en el elenco que viajó a Necochea estaban Carlos García, Gloria Bussano, Marcos Sánchez, Christian Valci y Anabella Agostini.

"El artista" avanzó ayer en el circuito de los premios cinematográficos de la temporada al encabezar las nominaciones de los Bafta británicos con 12 candidaturas. La comedia francesa en blanco y negro, un homenaje a la era de los filmes mudos ambientado en el Hollywood de las décadas de 1920 y 1930, fue nominada por mejor película, actor, actriz, director y guión original por la Academia Británica de Artes Cinematográficas y de Televisión.

La cinta mantiene su impulso una semana antes de las nominaciones a los Oscar y después de su triunfo del fin de semana en la entrega de los premios Globo de Oro, donde obtuvo tres galardones.

El historial de los Bafta para pronosticar los premios de la Academia de Hollywood ha sido inconstante, pero se trata de los mayores galardones fílmicos en Gran Bretaña y son observados con mucha antención en Estados Unidos.

"El artista", que narra la historia de una estrella del cine mudo cuya carrera colapsa con la llegada del sonido, superó en una candidatura a la película de espionaje de la Guerra Fría "El topo", basada en una novela de John Le Carré y que obtuvo 11 nominaciones.

La adaptación de la clásica novela de suspenso compite por mejor película, mejor guión adaptado y mejor actor.

Homenaje incluido. "Hugo", la aventura familiar de Martin Scorsese en 3D, obtuvo nueve candidaturas seguida por "Mi semana con Marilyn" con seis, mientras que "Historias cruzadas" y "Caballo de guerra" aspiran a cinco premios cada una.

El filme de Scorsese está candidateado a mejor director, pero no a mejor película. El cineasta neoyorquino está en la lista del premio al mejor documental por "George Harrison: Living In The Material World".

De todas maneras, Scorsese no se irá con las manos vacías cuando el 12 de febrero se entreguen los premios en la Royal Opera House de Londres, pues recibirá un Bafta por su trayectoria.

Meryl y las otras. Como se esperaba, Meryl Streep aparece en la lista de las finalistas a mejor actriz por su personaje de la ex primera ministra británica Margaret Thatcher en "La dama de hierro". También es la favorita para recibir el máximo galardón de la industria de Hollywood.

Streep se medirá con Berenice Bejo ("El artista"), Michelle Williams ("Mi semana con Marilyn"), Tilda Swinton ("Tenemos que hablar de Kevin") y Viola Davis ("Historias cruzadas).

En la categoría de mejor actor concurren Brad Pitt ("El juego de la fortuna"), Gary Oldman ("El topo"), George Clooney ("Los descendientes"), Jean Dujardin ("El artista") y Michael Fassbender ("Shame").

El galardón a la mejor película se dirimirá finalmente entre "El artista", "Los descendientes", "Drive" (sin traducción al español), "Historias cruzadas" y "El topo".

La revancha. La película española "La piel que habito" de Pedro Almodóvar fue nominada al premio de mejor película extranjera.

De esta forma se enfrentará a la canandienese "Incendies" de Denis Villenueve, la alemana "Pina" de Wim Wenders, la francesa "Potiche" de François Ozon, y la iraní "Nader y Simin, una separación" de Asghar Farhadi, que el domingo por la noche conquistó el Globo de Oro en esta misma categría, arrebatándole a Almodóvar la posibilidad de una tercer premio de la Asociación de la Prensa Extranjera en Hollywood.

Para el director manchego se trata de la séptima nominación en esta categoría. La Academia británica ha distinguido en dos ocasiones a Almodóvar: por "Todo sobre mi madre" y "Hable con ella". En ambas ocasiones subió al escenario dos veces, en la primera para recoger el premio al mejor director, y en la segunda al mejor guión.

Con una gala especial, Jorge Rial se despidió de Gran Hermano 2012, un ciclo del cual fue la imagen a lo largo de la última entrega del popular ciclo.

Después de presentar varios clips sobre los primeros días de Noelia y Tomasito, los nuevos integrantes de la casa, y de la sorpresiva salida de Dolores, Rial entró a la casa de Gran Hermano para conversar con los chicos.

Luego les pidió permiso a los participantes para dirigirse al confesionario. Allí, el conductor mantuvo una emotiva charla con Gran Hermano en la que, entre otras cosas, confesó que le había sido muy difícil tomar la decisión de alejarse.

"Me voy por una cuestión absolutamente personal, me voy por una cuestión física, sino nunca dejaría «Gran Hermano». De hecho, no lo voy a dejar nunca porque me siento parte de esto", declaró emocionado.

Cuando Gran Hermano le preguntó si estaba seguro de presionar el botón rojo, herramienta que utilizan los participantes que desean abandonar la casa, Rial respondió: "Sí, estoy seguro, con todo el dolor del mundo, pero sí".

Al salir del confesionario, el conductor les comunicó a los chicos que ésta era su última gala y les presentó al nuevo conductor, Mariano Peluffo, quien apareció en el plasma e intercambió algunas palabras con los participantes y con Rial.

Así Rial se despidió de cada uno de los chicos y cruzó la puerta para pasar a la casa de al lado, donde lo esperaba Peluffo. Ambos conductores tuvieron una charla íntima y vieron un emotivo video de los años de Rial en Gran Hermano. Minutos después se reencontraron en el estudio, donde Rial se despidió y agradeció a todos por el tiempo compartido.

"El cielo se parece mucho a Nueva Jersey", escribió con ironía el cantante en un papel que sujeta en la imagen, acompañada de la fecha. Y por si hubiera alguna duda, el pie de foto reza: "¡Descansen tranquilos, Jon está vivo y bien!".

Al parecer, la noticia sobre la presunta muerte del líder de la banda Bon Jovi, de 49 años, saltó en el Dailynewbloginternational antes de que se expandiera en twitter. La banda de Nueva Jersey lleva más de 130 millones de discos vendidos desde mediados de la década de los 80, con hits como "You Give Love a Bad Name", "Bad Medicine", "Always" o el más reciente "It's My Life".

Jon Bon Jovi, a quien se lo puede ver actualmente en la película "Año Nuevo", también actúa regularmente en televisión y en otras películas como "Cadena de favores" y en la serie "Sexo en la ciudad".

Gaga interpretó el viernes por la noche el clásico de la temporada con una actuación breve pero algo atrevida durante el espectáculo de la estación de radio en el Madison Square Garden.

Ataviada con un pantalón de cuero ajustado y una miniblusa casi sostén, la artista mostró su vientre desnudo. La coreografía de Gaga incluyó giros, sobre un escenario adornado con renos, árboles de Navidad y luces de colores.

"Hace poco le agregué letra a esta canción porque me parece muy corta. Se acaba cuando comienza a gustarte. Parecería un orgasmo en verdad malo. íFeliz Navidad, Nueva York!", gritó Lady Gaga.

Después, la artista hizo una pose sugestiva mientras hacía un gesto de "ven aquí" dedicado a Papá Noel. Sin embargo, no toda su actuación fue pícara. Se puso nostálgica y agradeció a la estación de radio que le permitiera encabezar la cartelera del espectáculo de este año.

Otros artistas que participaron fueron Kelly Clarkson, Demi Lovato, LMFAO, Pitbull, David Guetta, Foster the People y Hot Chelle Rae.

Gaga dijo que el primer concierto al que asistió cuando era una chica que crecía en la ciudad de Nueva York fue el espectáculo Jingle Ball de la Z100.

Basado en la obra del escritor argentino Estanislao del Campo, esta producción está ambientada a mediados del siglo XIX, y consiste en el diálogo entre Anastasio "El Pollo" y su amigo Don Laguna, quienes reflexionan sobre las impresiones del primero acerca de la representación de la ópera "Fausto", de Gounod, basada en la obra de Goethe.

A sus 86 años, este trabajo fue uno de los máximos anhelos de Fernando Birri, ya que volvió a Santa Fe para concretar un proyecto que venía madurando desde hace varios años, y era filmar "El Fausto criollo" en su ciudad natal.

Esta película fue producida por el Ministerio de Innovación y Cultura de Santa Fe a través del Programa Espacio Santafesino, en colaboración con la Escuela Internacional de Cine y Televisión de Cuba (EICTV) y el Instituto Superior de Cine y Artes Audiovisuales de Santa Fe (ISCAA), con el apoyo de la Asociación de Trabajadores del Estado (ATE) de Santa Fe, la Municipalidad de Santa Fe, la Municipalidad de Santo Tomé y la Universidad Nacional del Litoral.

El cineasta, cuyos filmes más emblemáticos fueron "Tire dié" , "Los inundados" y "La Pampa gringa" , se destacó en su extensa trayectoria por un cine comprometido con las causas sociales, una bandera que jamás abandonaría.

"El Fausto criollo", que tuvo una función de gala en Santa Fe con la presencia del gobernador Hermes Binner, se estrenará oficialmente en el prestigioso Festival Internacional de Cine de Berlín, que se realizará en febrero de 2012, en el tradicional Berlinale Palast, en la ciudad alemana de Berlín. Ese festival es Clase A, al igual que Cannes, Venecia, San Sebastián y Mar del Plata, entre otros.

Aquel filme estrenado hace dieciséis años contó con los trabajos ante cámara de algunas de las estrellas más reconocidas de España. Ahora el cineasta decidió darle impulso y dejar registro de los nuevos exponentes, no obstante lo cual también participan algunas prestigiosas celebridades como Paco de Lucía.

La decisión de quiénes participarían del filme no fue fácil, contó el director. "El primer trabajo consistió en la búsqueda de los artistas que participan en la película. No me considero ni lo suficientemente experto ni tan torpe como para afrontar una tarea de tanta responsabilidad y peso a la hora de definir la dramaturgia de la película, sin la ayuda de un magnífico asesor como Isidro Muñoz, el hermano de Manolo Sanlúcar", uno de los participantes del filme.

"Los dos estamos de acuerdo en que existe un poderosísimo flamenco nuevo, un flamenco de jóvenes talentos que está buscando su camino en nuestro país y mas allá de nuestras fronteras, y que tiene muchísimo que ofrecer, tanto dentro de la más pura ortodoxia, como a través de las nuevas vías de fusión y colaboración con otras músicas que están experimentando", afirmó el cineasta.

La búsqueda de los artistas de la nueva generación no significó desplazar la herencia, sino todo lo contrario. "La realidad de este arte no puede reflejarse en su justa forma sin algunos de los grandes maestros vivos que tenemos la fortuna de poseer en España. Por eso, nuestra primera misión fue la de ir «colocando» dentro de los distintos palos del flamenco a los artistas que ya conocemos y que forman parte de su historia (Paco de Lucía, Manolo Sanlúcar, José Mercé), hablando personalmente con ellos y, por una parte, escuchando qué es lo que nos proponían como opción para la película desde su perspectiva, y por otra, ofreciéndoles alternativas que tal vez no se habían decidido a probar todavía, y que podían resultar de su interés", contó Saura.

Sustento

Carlos Saura dijo que los referentes del flamenco, grandes artistas como Paco De Lucía, son los que forman la estructura musical de la película; “una especie de tronco de árbol central sobre el que sustentar lo que vendría después, es decir los aportes de los artistas más jóvenes y que no estuvieron en la anterior película”.

La dirección de la orquesta está a cargo del maestro Rodolfo Saglimbeni, un músico venezolano que amplió sus estudios de dirección orquestal en la Real Academia de Música de Londres donde se graduó con honores. En una charla con LaCapital, el director señaló que en la orquesta caraqueña "las puertas están abiertas para todos y por sobre todo luchamos por hacer ver y sentir que nuestra música es para todos".

—Uno de los fines de la orquesta es hacer posible el acceso a los bienes culturales a un número cada vez mayor de personas ¿esto quiere decir que no era común en otras épocas que el público mayoritario de su país tuviera la oportunidad de acceder a la música académica?

—De alguna manera en otras épocas los criterios se planteaban de una forma diferente, sin que necesariamente se quisiera objetivamente apartar a un público mayoritario. Por mucho tiempo se especuló con lo de música docta, música seria, música clásica o tantos otros calificativos y eso de alguna manera podía ser entendido como un mensaje alienante para cierto público. En nuestra orquesta producimos buena música, de la que llaman académica, clásica o popular, pero nunca publicitamos como algo no accesible. Nuestras puertas están abiertas para todos y por sobre todo luchamos por hacer ver y sentir que nuestra música es para todos.

—¿Considera al arte como un arma de lucha contra una realidad que debe ser cambiada?

—Venezuela es un caso mundial digno de estudio. Nuestra música ha sido y es un elemento, más que un arma, de transformación. Nuestra acción musical no se desprende nunca del contenido social que los mismos eventos envuelven, y cuando menciono evento no sólo me refiero a conciertos, porque toda la trama de la orquesta va más allá. Son parte de nuestras actividades visitar escuelas, geriátricos, centros de reclusión, la interacción misma de los miembros de la orquesta con sus micro-comunidades, las clases de música que dan muchos de nuestros profesores, y en ese todo se mezcla la excelencia musical con el aspecto social. En Venezuela nos enorgullecemos que nuestra música logre tanto como el deporte a través del trabajo comunitario.

—¿Que puede decir del programa que hará en Rosario?

Excelente música venezolana: "Santa Cruz de Pacairigua" de Evencio Castellanos, que es ya un clásico en nuestro país y en otras altitudes. Donohoe, uno de los más brillantes pianistas, ofreciéndonos una muy genuina versión del "Concierto de Rachmaninov Nº 3"; la plenitud de "La siesta del Fauno" de Debussy sobre todo cuando se tiene una primera flauta como nuestro solista Jorge Francis, y "La Valse" que es como redondear a través de ese extraordinario poema sinfónica la versatilidad de nuestra orquesta.

Una Revolución

“Venezuela a través de las últimas décadas ha evolucionado hasta convertirse en una potencia internacional musical”, dijo el director caraqueño. “El sistema educativo ha sido realmente una revolución y no hemos perdido de vista este desarrollo y sus productos y, desde luego, tratamos de sacarle el mayor de los provechos”, destacó.

Integran Reverb.sion Edgardo Solis en voz, Jota Schaad en guitarra y Miguel Villalba en bajo, en tanto como baterista invitado estará Marcos Trasante y Darky Masarello en los mixer.

 

Con la dirección de Mariano Olivieri y música de Pavlo Read, se desarrolla la historia de un pueblo asolado por el terror que provoca una figura que sale de cacería humana en medio de la noche. El personaje aparece de manera sorpresiva para decapitar a sus víctimas con un golpe limpio de espada.

El director administra con efectivamente las tres líneas que guían el suspenso. El pueblo de Sleepy Hollow está dominado en buena medida por el temor que administra un sacerdote. A eso se suma el comportamiento extraño del futuro yerno del alcalde y el mismo alcalde con cuya falta de determinación contribuye a la paranoia.

El encargado de develar el misterio será un policía de Nueva York, pragmático y con métodos de investigación modernos, que intentará convencer a los pobladores y a las autoridades que los crímenes no son obra de un "demonio" sino de un asesino.

Olivieri logró una prolija puesta en escena, con una precisa dirección de actores y eficaz en la dirección de escenas grupales. El mismo y efectivo resultado obtuvo en la escena clave de la representación del maléfico personaje del jinete para lo cual apeló con acierto a la sugerencia antes que a la obviedad, con recursos sonoros y de iluminación.

La propuesta se completa con actuaciones correctas, voces afinadas y un notable despliegue escenográfico, técnico y de vestuario que completan un muy digna puesta en escena de la obra de este singular autor.

El documental, que demandó cinco años de investigación, cuenta con los testimonios de vestuaristas, escenógrafos y actores como Liliana Gioia, Valterio Ciz, Cristina Prates, Mirko Buchín, Alfredo Anémola, Néstor Zapata, Hugo Salguero, Rody Bertol, Cacho Palma, Daniel Querol, María Zulema Amadei, Clide Tello y Darío Grandinetti, entre otros referentes de la escena local.

Trasierra recordó que "El teatro en la dictadura" surgió como resultado de una monografía que debía presentar cuando estaba a punto de recibirse de profesora de teatro. "Estaba por recibirme y tuve que hacer una ingenua monografía", contó con una risueña expresión de asombro por la magnitud que adquiriría esa idea a medida que profundizaba en el tema.

"Quise investigar algo que me sirviera como información y así reuní esos dos mundos que a mi me interesan mucho que son el teatro y la dictadura. Así me di cuanta del gran vacío histórico que había ahí. No había material y decidí hacerlo. Los que están en este documental son mis maestros y para mí implica un poco contarles y devolverles a ellos un pedacito de su historia", afirmó.

Cabruja contó que a través del testimonio de los entrevistados se desprende la forma en que los teatreros sorteaban las limitaciones. "Hubo varios puntos. Desde el momento del golpe de Estado hasta mediados del 77 estaba casi prohibido hacer teatro. Las obras que se hacían eran a escondidas, en sótanos, casas de familia. Cuando se constituye la Liga de la Decencia y la Liga de Madres de Familia empezaron a funcionar como la censura local. Si no tenías la venia de ellos no podías estrenar. La metodología era presentarles el texto, lo leían, lo corregían y te lo devolvían con palabras prohibidas tachadas", relató.

Como producto de esa situación hubo un regreso a las obras clásicas, señaló Trasierra. "A partir de los textos de Discépolo, por ejemplo, había una sensación de que se podía decir mucho, una cuestión de denuncia que se retoma a partir de los clásicos. Algunos ejemplos son «Stéfano», «Bienvenido León de Francia», «La casa de Bernarda Alba». Desde la puesta había signos que daban a entender cuestiones muy sutiles",afirmó.

Los 26 minutos del trabajo que se podrán ver mañana son una pequeña parte de las aproximadamente veinte horas de grabación que realizaron a figuras del teatro rosarino. "La idea es hacer un documental mas extenso con las historias que quedaron por contar y también está la posibilidad de contar microhistorias con cada invitado porque cada uno es un universo de situaciones", explicó Cabruja.

Recorrido

El documental, ganador de un concurso del Incaa en representación de Santa Fe, será emitido el lunes próximo a las 19.30 por el canal Encuentro y se repetirá el martes a las 13.30; el miércoles, a las 8; el sábado, a las 6 y domingo a las 16.30. En Arteón se podrá ver nuevamente el 21 de septiembre, a las 19.

El grupo liderado por Scott Weiland, que volvió a reunirse en 2008 luego de cinco años de separación, se presentará el sábado 16 de noviembre en el Estadio Luna Park.

Stone Temple Pilots nació cuando Scott Weiland y el bajista Robert DeLeo se encontraron en un concierto de Black Flag en Long Beach, California, y descubrieron en el curso de su conversación que ambos salían con la misma chica.

En lugar de desatar una rivalidad, la noticia los convirtió en grandes amigos que terminaron formando una banda llamada Mighty Joe Young, a la que al poco tiempo se les unió el baterista Eric Kretz y Dean, el hermano de Robert, en guitarra.

El grupo se estableció en San Diego, y atrajeron la atención de Atlantic Records que los convocó en 1991 -y los obligó a cambiar su nombre por Stone Temple Pilots cuando se enteran que hay un cantante de Blues llamado Mighty Joe Young.

En 1992 graban su álbum debut “Core”, una balanceada mezcla de guitarras grunge, classic rock moves y ganchos pop que los catapultó como una banda de ventas multi-platino en 1993.

Dos años más tarde editan su segundo disco “Purple” que gracias a sus fans fue posicionado #1 en la primera semana de venta.

No contentos con repetir la formula probada de sus dos primeros álbum los Stone Temple Pilots se adentraron en el glam y en una psicodélica beatlesca en su tercer disco de 1996 “Tiny Music...Songs from the Vatican Gift Shop”, que produjo hits como “Big Bang Baby,” “Trippin` on a Hole in a Paper Heart” y la hermosa “Lady Picture Show.”

En 1999 la banda editó “No. 4” , un album de hard rock que contenía a “Sour Girl,” que se transformo en uno de los grandes hits de la banda y en 2001 fue el turno de “Shangri-La Dee Da”, que alcanzó la perfecta mezcla entre sus clásicos riffs y atractivas melodías ejemplificadas en el hit “Days of the Week.”

Sin embargo, a pesar del éxito, en 2003 la banda se separa dándole vida a “Thank you”, un disco de grandes éxitos.

Afortunadamente para sus fans, en la primavera del 2008 la banda revela oficialmente su vuelta y comienza una gira de 65 fechas por todo Norte América que concluyó en la grabación del disco “Between The Lines”.

Todo surgió con un trabajo de improvisación de las actrices, ambas egresadas de la Escuela Provincial de Teatro, sobre las relaciones de una madre con su hija. Allí convocaron a la directora y surgió este proyecto que dio impulso también a un nuevo grupo independiente.

La puesta fue estrenada en mayo de 2010 y este año se repuso en junio. Las tres artistas tienen intención de continuar con las funciones durante septiembre y después iniciar un recorrido por festivales y presentanciones por el resto del país.

"Es una obra sobre madre e hija que hablan de su historia y cómo viven su relación. Es un tema universal y que atraviesa todas las épocas", relató Chávez y aclaró que la idea es atravesar con humor algunos puntos que no suelen ser humorísticos.

La obra logró ser puesta en escena gracias a un subsidio que recibieron en 2009 luego de participar en el concurso Coproducciones de la Municipalidad de Rosario.

Teatro rosarino. La directora de "Mujeres de ojos negros" sostuvo que desde hace dos años el teatro rosarino registra un "enorme" crecimiento, con una cantidad de obras que supera la capacidad de algunas salas para hacer las puesta. "Hay mucha producción y diría que más de la capacidad que permiten las salas que existen", indicó Chávez.

La actriz y directora señaló que este crecimiento está ligado por un lado a la importancia de tener en la ciudad dos escuelas de teatro con "profesores de primer nivel", al mismo tiempo que destacó el mayor apoyo de la prensa para difundir las obras y también por parte del Instituto de Teatro que les da mayor apoyo a través de subsidios que permiten sostener los proyectos por más tiempo.

"En Rosario no existe la figura del productor y todo se hace por autogestión", aclaró al tiempo que hizo hincapié en la variedad de propuestas que coexisten en la ciudad y que una parte del público local aun no conoce.

Viajera

La obra fue seleccionada para participar del Encuentro Regional de Teatro 2011 y también quedó elegida para su puesta en el Argentino de Teatro 2011, que se va a realizar en la ciudad de Santa Fe. Además el grupo tiene planes para seguir exhibiéndo su obra por el país y mostrar puro teatro rosarino.

Bajo la dirección de Fernando Ciraolo, actuará como solista el violinista Xavier Inchausti, un joven intérprete de la ciudad de La Plata con una reconocida trayectoria nacional e internacional.

Ciraolo, también responsable del Ensamble de Vientos Municipal, de Coro de Jockey Club de Rosario y del Coro de Escribanos, dirigió como invitado la Orquesta Municipal de Buenos Aires, la Orquesta Sinfónica de la Universidad de San Juan, la Orquesta Sinfónica de Mar del Plata y, en diversas oportunidades, la Orquesta Sinfónica de Santa Fe.

En octubre de 1985 fue becado para intervenir en los Festivales Musicales organizados por la Academia Internacional Bach y en 1987 realizó una serie de conciertos junto a la Orquesta Sinfónica de la ciudad alemana de Augsburg.

Reverb.sion está integrado por Edgardo Solis en voz, Jota Schaad en guitarra y Miguel Villalba en bajo, en tanto como baterista invitado estará Marcos Trasante.

 

   Hadrián Avila Arzuza estará al frente de la Orquesta Sinfónica Provincial de Rosario; la regie será de Rubén Martinez, el vestuario de Buenos Aires Lírica (adaptado por Mariano Toffi), y el diseño de escenografía de Nicolás Boni (producción del Teatro Solís de Montevideo).

   El elenco está integrado por cantantes de reconocida trayectoria internacional: la soprano Paula Almerares, en el rol protagónico, y a su vez haciendo su debut en nuestra ciudad; el tenor uruguayo Juan Carlos Valls; el barítono Leonardo Lopez Linares y el bajo Lucas Debevec Mayer.

   “Lucía di Lammermoor”, estrenada en el teatro San Carlo de Nápoles en septiembre de 1835, es una de las óperas más representativas del bel canto italiano, considerada la obra maestra de Donizetti en el campo del melodrama. Su famosa “escena de la locura” trascendió la obra y se convirtió en uno de los epidodios más célebres en la producción operística universal.

   La escenografía que se utilizará en esta ocasión, diseñada por Nicolás Boni, corresponde a la producción realizada en el Teatro Solís de Montevideo en 2010, donada por el mencionado Teatro a El Círculo en virtud del acuerdo firmado por O.L.A. (Opera Latinoamericana). Esta organización, creada en 2006, y de la cual nuestro El Círculo es miembro fundador, está integrada por teatros líricos de Mexico, Colombia, Peru, Venezuela, Chile, Uruguay, Brasil y Argentina.

   Dicha escenografía en particular, dado su gran volumen, será trasladada desde Montevideo a Rosario en dos camiones semirremolque, para luego ser restaurada, ensamblada y montada en esta ciudad.

    Con respecto al vestuario, el mismo fue adquirido en Buenos Aires Lírica, y está siendo adaptado por Mariano Toffi, vestuarista que ya ha efectuado numerosos trabajos en ópera y ballet para el Teatro Argentino de La Plata y Teatro Libertador de Córdoba.

El grupo brinda su particular abordaje de la tragedia "Titus Andronicus ", de William Shakespeare donde la compañía introduce el sentido del olfato. La pieza se desarrolla durante los últimos días del Imperio Romano y cuenta la tragedia de un general que vuelve de la guerra y se encuentra en medio de luchas de poder, intrigas de palacio y asesinatos.

La Fura, dirigida por Pep Gatell, estuvo por primera vez en Argentina en Córdoba en el 84 y a partir de ese momento trajeron casi todos sus espectáculos. La última visita al país fue hace pocos meses para el montaje de la ópera "El gran macabro" en el teatro Colón.

El espectáculo llega a Rosario como parte de una gira que incluye a Buenos Aires, Córdoba y Mendoza y que antes mostraron en Holanda, Italia y España.

En esta oportunidad el festival —que viajó por el mundo desplegando su contenido en países como Italia, Suiza, Bélgica, Austria y Taiwán— llega con videos de artistas internacionales, música con visuales en vivo y performances de la mano de autores de Australia, Canadá, China, Estados Unidos, Finlandia, Inglaterra, Israel, Noruega, Rusia, Taiwán, Turquía.

Hoy a las 19, con entrada libre y gratuita, en la Facultad de Humanidades y Artes (Entre Ríos y Córdoba) dará una charla el artista canadiense David Clark. En el encuentro, Clark hará una presentación y armará un debate sobre algunas piezas de net.art que creó durante los últimos 10 años. Son trabajos interactivos y no lineales que utilizan una estructura narrativa similar que le permite al observador pasar de un tema a otro con diferentes significados asociativos y coincidencias. También dará el contexto de trabajo en términos de literatura electrónica contemporánea.

En la Lavardén. Mañana el festival continuará en el teatro Lavardén a las 21 con un espectáculo de performances en vivo, con Keith Lam (China), David Clark (Canadá); música con Le Microkosmos (Argentina) y videos con Rau Kao (Taiwán), Selfburning (Rusia), Eran Hilleli (Israel), Bret Battey (Inglatera), Brian Bowman (Estados Unidos), Candas Sisman (Turquía), Kim Holm (Noruega) y TimoRamu (Finlandia).

Lam presentará "Signal Morphor: the Orquesta", una performance de señal, para lo cual la acción necesitará que la audiencia se involucre a través de sus teléfonos celulares.

Le Microkosmos, creado por Guillermo Beresñak y Pablo Retamero en Buenos Aires, es un espacio donde los sintetizadores, las guitarras, los sampleos y la pista de baile conviven bajo una estética electrónica sin caer en lugares comunes del género. Este dúo de encapuchados se lanzó a repensar la música a mediados del 2008. En abril de 2009 editaron "Y vas donde sonrisas te dan esos encapuchados de un mundo nuevo" y luego presentaron el videoclip de "Es un hermoso verano lunar", tema que fue elegido por la revista Rolling Stone como uno de los 100 mejores del año.

El taiwanés Rau Kao presentará el video de animación "Pick a Future", en tanto que Selfburning, de Moscú, presentará el video "Core", un cortometraje experimental. El israelita Eran Hilleli proyectará "Between Bears", la historia de una manada que inicia su rumbo tras los pasos de un oso negro, y Bret Battey, "Sinus Aestum", una instalación-video. El neoyorquino Brian Bowman trae "Verses Ginsberg a Nice Shoes Production", una pieza visual generada a partir de la palabra de Allen Ginsberg recitando su poema "In Back of the Real". Bowman hizo trabajos para MTV, HBO y Webby Awards.

El turco Cands Sisman llegará con su filme "Flux", una pequeña animación inspirada por los trabajos de Ilhan Koman.

Inquieto

David Clark es un artista digital que vive y trabaja en Halifax, Canadá. A Clark le interesa la forma narrativa experimental y el uso de la cinemática en la Internet. Creó trabajos para la web, largometrajes narrativos, videos experimentales, comisiones de arte público interactivo e instalaciones en galerías.

Los Teen Angels son un grupo vocal desprendido del programa "Casi ángeles", que se emitió por Canal 5 desde 2007 con producción de Cris Morena. Se trataba de una tira infanto-juvenil que tuvo entre sus protagonistas a Emilia Attias y Nicolás Vázquez. El éxito televisivo disparó la grabación de cinco álbumes en estudio, el último editado en julio de este año, y otros tres en vivo. La telenovela se interrumpió en 2010 pero Sony Music decidió continuar produciendo a la banda.

Como la religión. El rito no comienza con el espectáculo. Antes, las fans pintan los carteles y cosen las banderas que declaran su devoción. Luego, hacen la cola en dirección al altar o escenario, pasando por un pasillo atiborrado de merchandising, llamadas intermitentemente por el canto de las sirenas que ofrecen vinchas, fotos, pulseras y hasta escapularios con la imagen de sus ídolos.

Una vez adentro del estadio, la tensión habitual de la previa se alivianó con una pintura casi surrealista que regaló el sol colándose por los ventanales, a imagen de los haces de luz de las estampitas religiosas.

Los gritos desatados por un conteo regresivo que anunciaba la llegada del quinteto se transformaron en un ensordecedor alarido.

El concierto se resumió a una veintena de temas en los que se mezclan pop y rock con coreografías básicas y de poca imaginación. Sobresalió la escenografía de pantallas en forma de barras que atraviesan el escenario y donde se imprimen figuras, colores o palabras.

Temas como "Estoy aquí otra vez", "Vamos a bailar", "Todo puede ser mejor" y la caribeña "Loco por volverte a ver" apuntalaron la respuesta del público que deliró con temas lentos, banquetas de por medio, como "Pensando en vos" y "Vuelvo a casa". Aunque lo más destacado siga siendo el rasgo sexuado que el producto hace emerger en los chicos. Un ruido en la cultura que queda diluido cuando las lágrimas piden por más Teen Angels.