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19-09-2009 | Escenario

Assumpta Serna consideró que el cine europeo y el de Hollywood pueden complementarse para impulsar la industria y llevar el público a las salas.

"El cine de autor nos está costando algunos disgustos"

Por Rodolfo Bella / Escenario

“Creemos que para que un actor sea un cocreador de una obra audiovisual tiene que equiparar su formación a la de ellos”. Así define Assumpta Serna el objetivo del taller intensivo de interpretación cinematográfica que dictará entre el lunes y el viernes próximo. Serna dará hoy, a las 19, una clase magistral con entrada gratuita en el auditorio del museo del diario La Capital, Sarmiento 763. Completará las jornadas, acompañada por el actor Scott Cleverdon, en el Centro Cultural Bernardino Rivadavia.

La actividad, desarrollada a través de la Fundación First Team que dirige Serna, es organizada por la Fundación Diario La Capital, la Municipalidad de Rosario y el Centro Cultural Parque de España, y cuenta con el auspicio de la Oficina Cultural de la Embajada de España, el Instituto Nacional de Ciencias y Artes Audiovisuales y la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (Aecid).

—¿Cuáles son los objetivos de los talleres?
—Es una especialización cinematográfica para los actores que vienen de una formación teatral. En Rosario van a experimentar la interpretación cinematográfica, qué funciona o no funciona en todo el proceso. Creemos que para que el actor sea un cocreador de una obra audiovisual tiene que equiparar su formación a la de ellos.

—¿Cuándo fundaste First Team?
—El primer taller que hicimos fue en el 99. Pero First Team como fundación es del año 2005. Así buscamos una manera de poder difundir la especialidad porque nos dimos cuenta a través de estos cinco años que la gente lo necesitaba y lo quería. No sólo la práctica sino también la interpretación cinematográfica que es lo que haremos en Rosario.

—¿Qué diferencia hay con la forma de implementación de los cursos en España?
—En Madrid se hace un curso universitario en el que hay diferentes materias que el actor no tiene posibilidad de aprenderlas en ninguna escuela de teatro, como es guión, apreciación fílmica o ficción en televisión e internet, o gestión de su carrera, como promoción personal. En el programa que hacemos en Madrid intentamos tener las asignaturas que necesita el actor del siglo XXI, con salida al cine o la televisión, una actividad igual de importante que la del teatro.

—¿La idea surgió como resultado de una carencia personal?
—Sí, claro. Yo tuve que aprender a base de errores y de una formación teatral que no resolvía los problemas con los que me encontraba en el lugar de rodaje, en televisión o en cine. Creemos que el actor no puede ser una persona extraña a lo que se necesita en un cuadro. Creemos que no sirve el hecho de hacer teatro en televisión sino que hay que ajustarlo.

—¿Es más efectivo el cine que el teatro para comunicar una idea?
—Me parece que un actor tiene que estar formado en las dos áreas. Reducir no es bueno. Así como el actor tiene que saber cantar y bailar, ahora les piden una serie de cosas en las que no hay formación como promocionar una obra audiovisual, cómo gestionar su carrera. Ha cambiado un poquito el panorama. Creemos que la técnica teatral ha hecho que varios directores jóvenes vean que eso no les sirve como les gustaría. De repente hubo mucho entusiasmo de los directores por gente de la calle, que consideraron quizás y con razón, que era mejor que no tuvieran ninguna técnica a tener una técnica equivocada.

—De acuerdo a tu experiencia en el cine de Europa y Estados Unidos, ¿el cine que se hace en Europa es radicalmente diferente al que se hace en Hollywood?
—No sé si se está acabando, pero tengo la sospecha de que sí; que desde los años 60 ese cine de autor que nos ha llegado de Europa y que tantos buenos ejemplos nos ha dado, también nos está costando bastantes disgustos. Cada vez más es como si los autores se alejaran de lo que quiere el público. Creo que eso es un problema. Quizás que los actores no estén incorporados en estos procesos de creación que son en definitiva quienes son los comunicadores al público, hace que las obras sean bastante herméticas, que sólo haya una cabeza que no se sabe por cuáles intereses está haciendo algo que ni él mismo entiende. Hay que ver un poco el éxito y la industria americana para entender que hay cosas que están dirigidas al público, que están muy bien hechas, y que realmente no todo lo yanqui es malo.

—¿En qué lugar queda el público en ese marco?
—Hace más de 50 años que estamos con el cine americano y el cine europeo, y habría que pensar en lo bueno de cada uno. Lo que no podemos permitirnos tanto en uno como en el otro es alejarnos del público porque esto mata a la industria, y tampoco podemos repetir esquemas y fórmulas trilladas. Como siempre hay que elegir qué es lo que se quiere con este medio, pero creo que lo más importante es la comunicación. Lo estás contando y quieres que llegue. Si quieres aclararte a tí mismo hay otras soluciones mucho más baratas y mucho mejores, como escribir un libro o pintar un cuadro.

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1. PatricioVendit 19-09-2009 12:20:39 hs

Como buenos liberales apatridas solo hablan de EEUU (un cine mediocre) y Europa (poco y nada). Del cine latinomaricano o mundial no dicen nada. Colonialismo pedagogico diria Jauretche